美术论文论文范文

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第1篇

毕业创作与毕业论文是高师美术专业实践教学的重要环节，其质量的高低直接影响着教学质量。当前高师美术专业毕业创作与毕业论文质量管理方面取得了一定的成绩，但也存在着诸多问题，主要凸显在以下几个方面。

一、缺乏适合以高师美术专业为特点的毕业创作、毕业论文质量管理体系

1.管理机制不健全，缺乏明确的责任意识。高师美术专业毕业创作与毕业论文写作教学管理实施过程中，各院校教学管理部门虽然针对学生毕业创作、毕业论文写作制定了管理条例，且总体目标明确、管理严格。但在具体环节实施执行过程中，院系、教研室、教师、学生缺乏明确的责任意识，管理机制不健全，出现了指导不力、管理不严的现象，缺乏严格的管理体系。在常规教学管理方面，虽然各院校教务部门也针对学生的毕业创作与毕业论文写作做了整体要求，如毕业创作、毕业论文的学术规范，以及指导教师职责，成绩评定等制定了质量管理要求，但未能根据高师美术专业的特点进行管理。如在毕业创作中，指导教师的选定，构思构图，艺术形式，制作技法指导方面，在毕业论文方面的选题、开题，论文的撰写，论文答辩和成绩评价等方面，从局部到整体都表现出了这一缺陷。

2.缺乏严格有力的质量监控程序和管理过程。由于在毕业创作、毕业论文指导过程中，质量监控程序不明确，职责管理机制不健全等原因，教学效果和质量要求没有考核标准是普遍的现象。虽然在教务部门关于毕业创作、毕业论文质量管理要求条例中目标是明确的，但在毕业创作与毕业论文写作过程中，在制定毕业创作、毕业论文质量监控和管理目标、要求、指导教师的职责，以及在具体的实施过程中，都缺乏严格有力的质量监控程序和管理要求。

3.缺乏客观的、规范的毕业创作与毕业论文质量评价标准。由于毕业创作、毕业论文的质量监控体系不健全，致使在毕业创作与毕业论文质量评价中有失客观、规范、公证现象。各指导教师评分标准不统存在着打分不够严格，得过且过，出现了评定成绩与实际水平不符，论文答辩走过场，指导教师护短等现象。这在一定程度上影响了毕业创作、毕业论文的质量。

二、对毕业创作与毕业论文写作的意义认识不足

1.教师方面：由于毕业创作、毕业论文考核标准弹性较大，缺乏严格有效的质量监控程序，导致个别责任心不强的教师在指导过程中不能对学生严格要求，未能充分发挥指导教师的作用，指导、监督不到位，从而存在着粗制滥造现象，严重影响了院校教务部门关于毕业创作、毕业论文质量管理要求，这也是毕业创作、毕业论文教学过程中存在的消极因素及质量下滑的重要原因之一。

2.学生方面：学生在毕业创作与毕业论文写作实践环节中，思想不够重视，有应付了事的现象，即认为毕业创作与毕业论文的质量好坏与就业不能直接挂钩。因此，在创作与写作中过于依赖摄影照片和网络，态度不够端正，不能尽心尽力地投入大量时间和精力完成毕业创作、毕业论文，有不负责任的消极态度，所以出现了毕业创作与毕业论文质量泡沫现象。由于学生的毕业创作、毕业论文缺少基本的学术准备，带有很大的随意性，使题材、选题缺乏应有的学术价值和创新意识。这种现象影响了学生的艺术实践能力和理论研究水平的提高。

3.社会方面：近年来，由于用人单位在招聘中只侧重考察学生的工作能力，很少考察学生的科研能力。尤其是在中小学美术教师职业招聘考试中也是以笔试为主，而不对学生所学专业技能和学术水平进行考察。因此，导致学生对毕业创作与毕业论文写作不够重视，其创作、写作态度不严谨，得过且过，东拼西凑失范现象严重，造成毕业创作、毕业论文缺少必要的问题意识，创新意识，学术质量低下。

三、文化修养和专业能力薄弱

教育学认为，学生素质的高低是能否顺利进行教学的重要因素，而艺术类学生文化课录取分数线与文理科分数线相差甚远。在对专业的选择上，由于学生是理科不好学文科，文科不好学艺术，对美术不是发自内心的喜爱，而是通过考前模式化，概念化的强化训练。入学后学生在专业课的学习上不但文化课素质差而且专业学习也难以进步，这是一个客观存在的事实和不容忽视的主要原因之一。因此，提高美术高考的文化分数线，是提高学生写作能力的关键，在专业课程学习中，随课程进度让学生撰写论文，并在专业课实践过程中进行创作构图实践以提高学生的写作能力和创作能力，彰显毕业创作、毕业论文的真实价值。

高师美术专业毕业创作与毕业论文质量管理具有课程管理与实践性教学环节的特点。因此，加强各管理层的基本职能，建立健全质量管理体系，充分发挥指导教师的职能和作用，激励学生的主观能动性，促进学生毕业创作、毕业论文质量的提高，以考察学生专业技能和理论知识掌握的程度以及科研能力为目的，建立健全高师美术毕业创作与论文写作多元的质量管理体系，是亟待重视的问题。

四、毕业创作与毕业论文相结合质量管理程序的理论基础

近年来，高师美术专业本科学生的毕业创作与毕业论文粗制滥造、整体质量下降是一个不争的事实。其中毕业创作有的利用现有的摄影照片或从美术作品中东拼西凑“临摹复制”现象严重。在毕业论文写作上有的则是多篇文章的“复制粘贴”甚至抄袭、拼凑也不是个别现象。面对学生毕业创作、毕业论文教学中的消极因素和质量下降问题，指导教师都很无奈，学校教学管理部门也找不到很好的应对措施。在研究高师美术毕业创作与毕业论文指导的问题上，不少学校教务管理人员和指导教师也在努力探索如何解决质量管理这一问题的新思路。由于高师美术毕业创作与毕业论文撰写具有自身专业的独特性，在教学过程中，我们倡导理论与实践相结合，以质量管理为目标，进一步提高毕业创作与毕业论文质量问题已不可避免地摆在我们面前。因此，创新高师美术毕业创作与毕业论文写作相结合的实践教学管理模式，无疑是一个解决高师美术专业本科毕业创作、毕业论文质量下滑的办法，它对培养学生的创新意识，实践能力和理论水平，提高教学质量具有积极意义。在教学中，应从毕业创作与毕业论文写作实践环节中探讨解决问题的办法。应该体现高师美术毕业创作与毕业论文写作意义的真实价值。我在《高师美术毕业创作与论文写作相结合的理论和实验》的研究中提出“关于国外对本科大学生美术毕业创作教学的研究，所能涉猎的文献资料以及对美国的大学生毕业创作教学的考察来看，美国的大学生不写毕业论文，但是把美术专业的大学生毕业创作放在非常重要的位置，有四个多月的时间基本上都是指导学生毕业创作的教学过程，而且这种指导在表述的内容上同我们的有相同之处，也有不同之处。毕业创作是毕业论文撰写的前提，毕业论文的撰写是毕业创作的继续和深化，是相辅相成的两个重要实践环节。高师美术“毕业创作主要是一种形象思维，而论文写作属于抽象思维。毕业创作与论文写作相结合，是学生把自己创作的具象思维过程和成果进行理论概括。这种理论概括是学生对自己的毕业创作进行分析和抽象概括”。它包括对创作素材的搜集与整理，构思创意与构图表现，技法语言与材料运用分析，艺术个性、美学思想与文化精神的传达等等，通过论文撰写阐释其审美主张与创作艺术见解在本研究领域的价值和意义。是学生通过毕业创作实践环节对四年所学专业知识和理论研究成果的全面总结，是集中体现其综合创作能力、科研水平和审美思想的创作文论，也是呈现毕业创作过程的重要环节和基本训练之一。通过本专业领域特定问题研究呈现学生的专业综合运用能力和创作能力的一种证明。因此，这样也对学生毕业论文抄袭的现象起一定的制约作用。

五、制定质量监控体系和管理措施、强化过程管理

高校扩招、毕业生就业方式根本转变，就业压力大是高师美术毕业创作与毕业论文质量下滑的原因的一个方面。但是一个更为重要的方面是学生文化修养薄弱、学风浮躁，创新高师美术毕业创作与毕业文论写作的教学管理模式，构建毕业创作与毕业论文相结合的教学过程质量监控体系和管理措施、强化过程管理，提高毕业创作与毕业论文质量，扭转高师美术毕业创作与毕业论文质量下滑的趋势，是我们研究的主要问题。

1.建立健全毕业创作、毕业论文质量监控体系，加强教学实践中各环节的过程管理。对高师美术专业学生的毕业创作与论文写作教学进行质量管理，充分考虑美术专业毕业创作与论文写作的专业特点，在加强毕业创作和毕业论文质量管理体系中，促进学生在构思、构图，形式法则，技法语言进行探索；在毕业论文写作过程中，指导教师通过指导选题、拟定写作提纲、论文撰写一系列实践过程中，培养学生分析问题，解决问题的能力。

2.明确主导作用，确立指导教师和学生双向选择机制。教师和学生是教学中的基本主体，根据指导教师和学生自身的专业特点，确定毕业创作和毕业论文写作的研究方向。在指导过程的不同阶段，要求指导老师建立管理机制和评价体系，有效指导学生将所学专业知识通过毕业创作、毕业论文写作的实践教学活动，提高学生创新能力和综合运用能力的一个教学指导过程和教学管理环节，以及专业教师检测环节。充分调动各个环节的层次关系的积极作用，确立指导教师职责和质量管理目标，切实提高指导教师履行质量管理工作职能和监督作用，加强质量管理，可以较好地避免学生在毕业创作与论文写作中“临摹或复制”的情况出现。

3.加强质量管理，严格评价标准。在毕业创作与毕业论文写作过程的各个环节，建立健全质量管理监控机制，加强指导教师的职责和学生毕业创作、毕业论文写作的主题作用。具体而言，主要是从以下几个方面进行：第一是指导学生在研读相关文献资料与搜集创作素材的基础上，切实有效指导学生解决毕业创作创意构思、构图形式以及毕业论文的选题、开题。进一步确定创作构图小稿和论文写作提纲等方面的指导工作，为提高学生毕业创作、毕业论文质量奠定良好的基础。第二是在确定毕业创作定稿和毕业论文撰写提纲的基础上，加强对学生毕业创作大稿的绘制过程的严格指导。诸如形式美感，造型语言，创新意识，审美特征等。以及对毕业论文的撰写过程的指导过程中，要以质量管理为准则，把指导工作抓细抓实。第三是对学生毕业创作正稿的艺术效果以及毕业论文定稿的质量管理，建立严格、科学、规范的评价标准。因此，在毕业创作、毕业论文实践教学管理过程中不断完善质量监控机制和教学管理体系，确保毕业创作、毕业论文质量，彰显毕业创作与毕业论文的真实价值。

4.借鉴西方发达国家本科美术毕业创作教学经验与理论成果“它山之石，可以攻玉。”在西方发达国家中大学美术教育起步比较早，发展较快，而且毕业创作实践教学比较切合实际，值得我们学习和借鉴。特别是国外许多大学对本科学生没有论文写作的要求，但却把毕业创作和创作文论的教学实践放在了重要位置。在安排教学时间、教学实践环节、指导过程与方法、评价机制与管理模式等教学环节，特别是毕业创作与文论写作相结合的教学过程是值得我们借鉴的。由此可见，完善高师美术毕业创作与毕业论文指导教学质量管理机制，构建高师美术毕业创作与论文写作相结合的教学过程和管理模式，可以实现实践与理论的有机结合，真正达到学以致用的教学目的具有积极的意义。

5.合理安排艺术实践、毕业创作和论文写作时间并有明确的目标。（1）以提高高师美术专业本科生毕业创作与毕业论文整体水平为目的，从质量监控的视角透视教学环节和质量管理环节，对美术专业学生的专业特点，知识结构，学习态度等进行分析，制定有针对性的质量管理措施，构建高师美术专业为特点的毕业创作（设计）与毕业论文相结合的教学过程和教学质量管理体系。（2）在毕业创作与毕业论文写作的时间上提前一学期进行安排，周期延长。毕业创作、毕业论文时间提前进行，从原来的第八学期提前到第七学期进行毕业创作和论文写作。（3）在毕业创作与毕业论文写作实践环节中，要求学生毕业创作与毕业论文写作相结合，毕业创作是论文写作的前提和基础，论文写作是毕业创作的继续和深化。要求学生根据毕业创作的进度明确毕业论文撰写目标，如毕业创作创意构思、收集素材、构图形式与材料技法分析，绘画思想与艺术精神的表达等。在创作实践过程中，论文撰写做到有感而发、有悟而写，避免了选题的盲目性，创作实践能力与理论研究能力不断提高。

第2篇

[关键词]书法艺术 书法欣赏 书法作品

书法的欣赏与实践是相互联系的，“眼高手低”的书法家从没有过。历代的书法家大多是具有高度鉴赏能力的书法评论家。他们都十分重视“读帖”。所谓“读帖”，就是通过观摩书迹和碑刻去领悟书法家所采用或创造的艺术风格和艺术手法，借以提高自己的鉴赏水平。对于一个有志于学习书法的人来说，同样需要重视读帖，逐步学会分析和欣赏书法作品的能力，取其所长，拼其所短，才能不断提高自己的书法水平。分析和欣赏书法作品，如果毫无区分地加以一概兼收，则往往进步不快，甚至会走弯路。这是一个极其复杂的问题，历来的说法各不相同，至今还没有一个共同的欣赏标准。

康有为在《广艺双楫•十六宗》中，提出了十条评论标准，即所谓“十美”：“一曰魄力雄强，二曰气象辉穆，三曰笔法跳越，四曰点画峻厚，五曰意态奇逸，六曰精神飞动，七曰兴趣酣足，八曰骨发洞达，九曰结构天成，十曰血肉丰美。”郭绍虞在《怎样欣赏书法》中提出了六条标准：“一、形体，看结构天成，横直相安；二、魄力，从笔力用墨看；三、意态，要飞动；四、流派，不拘泥碑帖，不以碑的标准看帖；五、才学，书法以外关系；六、气象，挥朴安详。wWW.133229.cOM”

这些都可以作为我们分析、欣赏书法作品时的参考。如果进一步加以归纳，则不外乎“形”、“神”二字。所谓“形”，指的是由特殊的笔画线条所构成的外形，包括字的笔画、字的结构、一幅字的布局；所谓“神”，指的是上述外形中内在的精神，包括笔力、气势神态、情感等各个方面。因此，欣赏书法作品，不仅要看一点一画、一字字和整幅字的外形，更要看它的笔力、气势、神态。如果外形美观多姿，内在奕奕有神，这就是人们通常所说的“形神兼备”的好作品。分析、欣赏书法作品，可以从如下几个方面入手。

一、字的笔画长短、粗细、浓淡是否多变而适宜

汉字是由若干个线条式的笔画有机的组合而成的，这若各个笔画，尤其是一字之中的相同笔画，在字中不能长短、粗细、浓淡一模一样，应该而且必须有所变化。如“多”字的四个“撇”画，唐太宗认为，应该分别写作，一缩，二少缩，三亦缩，四须出锋。这里所说的“缩”，就是笔势收缩而不伸展，含有“短”的意思：“锋”就是笔势伸展而不收缩，含有“长”的意思。“多”字的“撇”画是这样，其它的笔画也是这样，否则，字形就显得死板，单调，也就无艺术可言。

二、字的“重心”能否给人以稳健的感觉

字姿可以而且应该多种多样、千姿百态，但不可忽略必须把字的重心“稳住”。欧阳询的字，初看起来，有摇摇欲坠之感，但仔细一看，它犹似千年古塔，虽欲倾却“重心”不离地，依然稳健如新。有些书法欠佳的字，平躺在纸上似乎四平八稳，不偏不倚，但如果一竖起来，则往往东倒西歪，中心不稳。因此，要判别字的重心如何，一个最简单的方法是，把纸竖起来，看看它有没有“倒塌”。

三、字势是否自然

宋代王安石有一句论书名言：“不必勉强方通神。”所谓“不必勉强”，就是历来的书法家和书法理论家们都一致强调的要“自然得体”。王羲之在给他的儿子王献之传授书法经验时说：字要“自然宽狭得所”，“分间布白，远近宜均，上下得所，自然平稳。”王羲之的书法之所以“独擅一家之美”，关键在于“天质自然”。

四、看整篇书法作品的章法、笔势是否一气呵成、融会贯通

一幅好的书法作品，犹如一幅好的山水画，它必然是字与字、行与行之间气势连贯，笔虽短而意却连。汁白以当黑，疏密得当，给人以无穷的遐想和强烈的艺术感染力。书法作品中的落款、印章也是整体中的有机组成部分，要注意是否用得恰倒好处，起到锦上添花的作用；若是画蛇添足，也会有损于整幅作品的艺术性。

五、看书法作品中的笔法是否有法度有新意

书法艺术具有极强的继承性，书写者必须遵守一定的法度。但是，仅有继承，甚至与古人写的一模一样，还称不上真正书法艺术，充其量只能是他人的“奴书”，还必须在继承的基础上有所创新。因此，在评论和欣赏书法作品时，要看作品中能否正确的处理好继承与创新之间的关系。

六、在欣赏书法作品时，要适当地了解其创作的时代背景

书法作品和文学作品一样，与作者书写时的心情有着密切的联系，它的艺术风格常随作者的年龄和心情的变化而变化。同一个书法家可以由于不同的时期、不同的心情而写出不尽相同的甚至截然不同的作品来，如颜真卿中期写的《多宝塔碑》，是在和平环境的得意之中写就的，字势端重浑厚，清晰悦目，成为楷书中的代表作；他晚期写的《祭侄文稿》则是在朝廷岌岌可危，侄儿不幸身亡之中写就的，悲愤之情夺腔而出，于是，出现了笔画浓淡、疏密、大小不一，甚至涂涂改改的粗犷、潇洒的风格，成为行书中的代表作。因此，一定要把作品放在当时的历史背景中去评论和欣赏，才有可能得出正确的结论。

七、欣赏书法要有一定的艺术想象力，要防止以实论实

第3篇

至于戏剧演出，由于戏剧是综合艺术，由非常复杂多样的各门艺术所组成，因此演出形式更是千变万化。纵观几千年的演艺史，就是各种演出形式的不断更迭变换的历史。而现代演出的形式趋向于多样化，不仅历史上所使用过的各种形式都在使用，而且层出不穷地追求新的演出形式，标新立异，出奇制胜。对于形式的研究在世界各国已成为了一种时髦。舞台已不再满足于现实生活的复制，而要求更多的艺术加工和处理，使每一个戏都有它特有的表现形式，对观众具有更大的感染力和说服力。

舞台布景有着它独特的艺术语言，不再完全依赖于绘画手段。各种新思想、新技术，被运用到舞台上来。新的物质材料取代了木框蒙布的传统布景方法。塑料、有机玻璃、玻璃钢、铅皮、铜片、金属结构等，以它们特有的质感，直接与观众见面。而各种投映景的运用又使戏剧演出的形式活跃和富于变化。观众正是通过各种布景所给予的视觉信息，激发想象，加深感受。现代的舞台美术应更多地运用形式感，在观众中引起一定的情绪反应，使戏剧演出达到预期的艺术效果。

在艺术创作中，一定的内容决定一定的形式。WWW.133229.coM形式受内容制约，内容又必须通过形式来表达。而在一定条件下，形式也可以反过来作用于内容，甚至在创作中起决定性的作用。形式本身也具有一定的审美价值。

为什么一个剧本可以有许多种不同的布景设计，而在戏剧舞台上，同一形式又可以适应于许多个不同戏剧的演出呢？前者是一个内容可以用多种形式来表达，后者则是许多个内容可以用一种形式来表达。

中国戏曲舞台演出是程式化的。一桌二椅，城片火旗，约定俗成，可以适用于许多不同剧目的演出。这些砌末道具本身也具有了一定的审美价值，有它相对的独立性。同一组城片，可以演《空城计》，也可以演《古城会》。戏剧的内容不同，所使用的布景形式却是相同的。犹如宝石，既可雕琢成人物，也可雕琢成花鸟果品，外形不同，而宝玉本身的晶莹的美质是相同的。

舞台美术家的任务是要创造戏剧演出的外部形式，它不是图解，而是以剧本创造为基础的一种再创造。他要在与导演和演员的合作中力图体现剧作的思想，创造与之相适应的富有表现力的形式。这个工作常常要求艺术家付出艰巨的劳动，以旺盛的精力和坚毅的意志来努力完成。

第4篇

（一）区域活动

所谓区域活动也常被叫做“活动区活动、区角活动、兴趣区活动、活动区教育等”。通俗地讲区域活动就是指教师根据幼儿的相关需要及兴趣取向,结合幼儿教育的相关教育目标等因素,进行一些区域的划分，如积木区、科学区和表演区等，并在这些区域中完成的教育教学活动。

（二）美术活动区域

本研究中美术活动区域是指在幼儿园区域活动中以美术教学活动为主的区域。

（三）材料生活性

材料生活性指材料是来源于幼儿生活的，能为幼儿理解、接受。

（四）材料操作性

材料操作性是指材料要便于幼儿使用和操作，有一定的梯度，适合拥有不同能力的幼儿去尝试。

（五）材料层次性

材料之所以具有层次性，从客观上讲是由于客观现实本身的复杂性造成的，从主观上看是由于人们对事物的认识是一种由浅到深、由现象到本质的深化过程。本文中材料层次性主要是指在活动区角的投放设计上要做到“由易至难，由简至繁，层层递进，步步深入”。

二、理论综述

（一）生态理论

教育生态理论强调教育系统是一个多层次的生态系统。无论是学生个体、学校组织，还是区域教育，都存在生态环境并需要优化。只有具有健康的生态环境，处于其中的个体或组织才能实现可持续发展。生态环境是“由生态关系组成的环境”的简称，是指与人类密切相关的，影响人类生活和生产活动的各种自然(包括人工干预下形成的次生自然)力量作用的总和。教育的生态环境就是相对于教育这一主体而言的内外部世界，即以教育为中心，对教育的产生、发展有影响、作用的条件、力量等各种外部刺激的多维空间系统，可分为系统外生态环境和系统内生态环境。教育既受生态环境的多因子的综合影响，又反作用于生态环境，并在与生态环境的交互作用中寻求协调，以获得共生发展的目的。美国行政生态学家雷格斯认为，生态环境中的因素可以分为无感因子和敏感因子两种。所谓无感因子是指那些与研究内容没有多少关系，在选择生态因素时可以忽略不计的因子；敏感因子则是指那些与研究内容存在相互依赖、相互影响关系的因子，这些因子是构建教育生态系统的关键要素。而教育生态环境是由自然生态环境、社会生态环境、规范(文化)生态环境组成的。其中，自然生态环境中的人口分布、自然资源和人工资源、建筑物的布局和结构、校园基础设施、学校内外各种绿化环境，社会生态环境中的家庭氛围、邻里关系、社会价值取向、社会生活方式，规范生态环境中的思维方式、价值观念、社会道德等都是能影响教育生态系统的敏感因子。在诸多敏感因子中，因其作用不同而又有独立因子、附属因子和交互因子之分。对教育生态系统来讲，独立因子往往是单独对教育产生重大作用的因子，不受研究内容的影响；附属因子常指伴随其他生态因子对教育产生影响的因子；交互因子则是指生态环境与教育之间相互作用、相互影响的因子。

（二）活动区投放的层次性

活动区的环境创设要最大限度地利用所有的空间，使每个角都充满教育的潜在功能：操作材料柜与桌椅的摆放要形成一个相对固定的区角，以便于幼儿随机取放、随时操作，对有交流价值且需要较长时间保存的作品，可利用幼儿站立高度以上的墙面，或以空间垂吊的形式进行展示，最终使环境变成幼儿自主学习的助动剂，即看到环境就想学，接触环境就能学，使环境成为幼儿交流的催化剂，即看到环境就想说，接触环境就能说。一般而言，每个幼儿都会按自己的兴趣、爱好、需要来选择活动，按自己的习惯、方法、能力来尝试活动。因此，教师要注意活动区域材料投放的层次性，以个体发展目标创设环境，这有利于不同水平幼儿的按需选择，也有利于幼儿由浅入深地学习、循序渐进地学习。需要注意的是对个别幼儿的特殊需要，可“度身定制”，自然界的物质或生活中的废弃物均能利用，或提供需局部制作的半成品，以帮助幼儿实现经验的升华。

三、实施策略

（一）依据幼儿的不同兴趣“点”有梯度地投放材料

实践中，幼儿教师可以根据不同幼儿不同兴趣“点”的需要进行材料的投放。这里所指的“兴趣点”既可以是一些集体所关注的，也可以是幼儿个体所关注的兴趣需要。而不论何种兴趣点的需要，教师在教学中都必须要依据其兴趣开展活动，这是保证教学顺利进行的前提条件。那么，教师要如何获取幼儿的兴趣“点”呢？实践证明，幼儿的兴趣“点”是不断变化的，在寻找幼儿的兴趣“点”时，教师必须从多角度进行观察，从集体关注转移成小组关注，进而更好地发现幼儿的兴趣“点”，并据此进行材料的投放，进一步地激发幼儿探索知识。案例1：某中班，主题活动:“冬天”。这是幼儿在一次聊天过程中所生成的话题。当时，某教师发现在聊天的过程中，幼儿对于冬天的保暖用具非常感兴趣。之后，便组织小朋友们从家中带一些自己曾使用过的保暖用具，如围巾、手套、帽子等。最后，在教学活动中，他组织幼儿一起对这些物品进行了图案、颜色搭配以及线条组合等相关美术方面的观察活动。上述案例中，教师通过参与幼儿日常生活的聊天，获取了他们对图画、颜色、线条的关注点。这种善于捕捉幼儿对保暖用具的兴趣，并以此开展的主题活动，不仅满足了幼儿的好奇心，也完成了相关美术知识的传递，可谓一箭双雕。进一步分析，我们发现教师在教学过程中根据幼儿集体兴趣的收集，将使用过的保暖用具作为教学材料投放在了教学活动区中完成了环境创设，并通过美术欣赏活动帮助幼儿获取了相关经验。值得一提的是教师依据部分幼儿兴趣，进行了绘画材料的投放，并让幼儿进行了自我想法的表达，这样做极大地激发了幼儿的求知欲望。总之，通过此案例可以令我们认识到，依据幼儿不同兴趣点的需要进行材料投放将有利于我们完成教学任务，提升教学效率。

（二）通过适时性增添难度递增材料以维持兴趣持久性

从教学实践中我们发现，在教学过程中幼儿对一种材料产生兴趣后并非是固定不变的，而会随着能力的转换而发生改变，也会随着材料变化而产生关注程度上的变化。所以，教学中教师必须要针对不同幼儿的兴趣需要及操作水平的不同，适时更换材料，并增加一定的难度，以使幼儿保持持久的兴趣。这里必须说明的是，不是每次活动的材料失去激发学生兴趣的作用后就毫无使用价值了，这时只要通过增添相应的一些材料或者改变材料性质及作用，就可以使其再获生命，这也说明了材料具有较强的可塑性。案例2：“剪窗花”幼儿对我国的传统文化了解甚少，而对圣诞节等外国节日非常熟悉。一次偶然，教师发现一些小朋友对窗花非常感兴趣，于是教师与幼儿一同开始收集资料。课上，教师向幼儿介绍了窗花及剪纸的相关知识，并介绍了剪窗花的一些方法。课后，教师还有意识地将材料：“蜡光纸、剪刀”投放在了区角中，希望能够让幼儿进行操作。可事隔几天，区角中活动的小朋友就变得很少了，幼儿对剪窗花失去了兴趣。这是为什么呢？是什么原因导致幼儿失去了之前高涨的兴趣呢？通过对学生作品的调查与分析，原因找到了。原来幼儿通过活动已经可以从不成形变成了能剪出图形，同时对边剪、对角剪等一些方法已经能运用得很好，所以就造成了兴趣的丢失。这时，教师想是否可以尝试用不一样的材料进行窗花剪纸呢？于是，教师找来了各式各样、大小不同的塑料纸、糖果纸、布、卡纸等投放到了区角中。之所以这样做，是想试图通过这些材料的增添与丰富，再次吸引幼儿的注意力，使其继续关注剪纸。而结果也正如设计之初教师所想，幼儿的兴趣再次被激起来了。通过这个案例，我们发现教师教学之所以取得成功主要原因有这样几点：首先，教师抓住了节日和我国传统艺术的教学契机，实现了既进行传统文化的弘扬、将传统文化与美术相结合，又让幼儿在欣赏、动手操作中了解了我国的传统文化，可谓一举多得。其次，教师能在发现幼儿兴趣“点”因材料的单一而改变时，及时剖析问题原因并采取相应措施。再次，教师能够通过自身的观察、比较，将幼儿作品在操作的程度上加以变化，帮助幼儿找到一些兴趣“点”，所采取的增添材料方法达到了激发兴趣的功效。上述三个方面最终促成了教学的成功。这也告诉我们，在教学实践中，尤其是在投放的材料上，可通过多种变化，激发学生的参与兴趣。事实证明，材料变化能使幼儿保持持久的兴趣，使幼儿的探索角度变得更加广阔。

（三）选择性替换材料或增减辅助材料以产生新的问题

活动区材料需要有选择地进行替换或者增减以促使幼儿在活动过程中产生新的问题，从而激发幼儿的参与兴趣。如在小班的泥工活动区域中，教师可将模型、各色彩的泥、刀以及滚条等泥工材料有序地加以投放。通过一段时间的学习后，幼儿对已经成型的工具不再感兴趣，对此，如果教师将豆子、牙签、铲子等一些辅材料投放到工作区，幼儿就又会产生新鲜感，注意到这些材料，产生“这些东西有什么作用呢，橡皮泥和它们一起能做什么”等一系列疑问。这时，教师再及时出现并加以讲解，就能激发幼儿的参与兴趣。故而，我们说在幼儿活动区域中选择性地替换或者增减活动材料，有利于我们教育有效性的提高。

四、结论与建议

（一）结论

通过研究，本文认为在美术区域活动中，“依据幼儿不同兴趣“点”有梯度地投放材料”；“通过适时性增添难度递增材料以维持兴趣持久性”和选择性替换材料或增减辅助材料以产生新的问题的策略是可行的、有效的。同时，本文还认为材料的投放必须以《规程》《纲要》为依据；材料投放的恰当性和适时性直接关系到活动效果；正确而丰富的材料投放为美术区域活动提供了物质基础，使幼儿的自主探索活动在原有基础上得到了提高；应组织多样的美术区域活动，让幼儿能在做做、玩玩的过程中充分表达自己的内心世界，表现自己的聪明才智。

（二）建议

本文所述的研究结果仅仅是基于本园的实践，因此在一定的程度上还存在着局限性。为此，这里也提出几点建议，以期对同行们从事相关研究或教学有所帮助。

1.教育需要一份责任

责任感是我们从事一切教育教学活动的根本，教师只有有了责任感，才会更重视幼儿教育，促使幼儿获得更好的发展。人既应该对人有责任，也应该对自然有责任。传统伦理学主要关心的是个人行为的正确性。黄宗羲在《续师说》中有这样一段话：“嗟呼！师道之不传也岂特弟子之过哉？亦为师者有以致之耳。师者，所以传道授业解惑也。道之未闻，业之未精，有惑而不能解，而非师矣。”而今，道之广闻，业之专精，学生有惑不愿解，亦非师也。从某种意义上讲，作为教师，我们应先教育自己，把自己造就成一个真正意义上的有高度职业责任感的人，这是我们不可推卸的义务。试想一下，要是人们放心大胆地、不加思考地把受教育者的道德、心智及其灵魂信托给教师，而教师却并未意识到这一伟大重托，那将会是怎样的一种不幸呀。

2.发展需要一种坚持

邹韬奋曾说过这样一段话：“一个人做事，在动手之前，当然要详慎考虑。但是计划或方针已定之后，就要认定目标前进，不可再有迟疑不决的态度，这就是坚毅的态度。”古人孟轲也曾作文：“故天将降大任于斯人也，必先苦其心志，劳其筋骨，饿其体肤，空乏其身，行拂乱其所为，所以动心忍性，增益其所不能。”联系到早教，同样也需教师有种坚持。这是因为在教育教学的研究上，没有人知道自己的研究是否能成功，而失败是再所难免的。只有坚持不懈、科学规划和合理实施，才能得到我们所希望的结果。

3.成功需要一起共享

第5篇

论文内容摘要：本文论述了图形语言对于书籍设计的重要作用，并认为书籍设计中的图形因素已成为读图时代传递文化信息的“超导体”。

书籍艺术与图形图像的结合源于书籍的产生。中国上古“结绳契刻”应算得上是最早的书，它以图形的形式传达原始的信息。清叶德辉《书林清话》中称：“古以图书并称，凡有书必有图。”图与书自有书以来息息相关。书籍与书籍艺术中的图形因素无疑成为读图时代与文字表达包融并进中传递文化与信息的“超导体”。

一、封面设计的图形与主题

封面设计中主题图形的编辑运用，重在“尽意”，即浓缩主题而“以象生意”。主题图形的运用，是设计师对图形的艺术性及社会性的综合认知，是对图形的理性的选择、提炼、编辑加工及研究探索的过程，能直接体现“翻译”书籍的主题思想。用在封面中的主题图形以插图和摄影作品最为常见。

杉浦康平《造型的诞生》的封面设计，以近乎“形而上”的形态出现：佛光、祥云、日、月、天、地万物合一，混然天成。在图形被视觉感知的同时似可聆听到一种图像与宇宙的声音，这一“世界万物照应剧场”给读者以广博、深邃、具象与抽象、现实与神交集融汇之感，一种神秘的思维遐想和视觉愉悦。

斯洛文尼亚的阿莱斯·艾尔雅维茨在其所著的《图像时代》中有一句话值得深思：“我从不阅读，只是看看图画而已。133229.coM”图形作为一种“国际语言”体现在封面设计中还有利于书籍的国际交流、艺术交流，更重要的是有利于书籍的世界性版权贸易。

二、封面设计中的“设计图形”

设计图形是艺术性与科学技术性相结合的图形，与前面所提到的“自然图形”相对，亦称“人工图形”。主要包括具有象征意义和形式的创意图形、符号和纹饰等。设计图形具有强烈的文本性、艺术性、针对性和表现力，是设计师借用造型艺术的思维和联想，归纳、演绎，提取一般性中的特殊性“抽象”而获得的“有意味的形式”。从“书籍设计学”角度来看，设计图形对提高书籍的艺术品位、欣赏层面、阅读功能、收藏价值，都具有独特意义。

设计图形在封面上的应用还可解决对“书装”这一领域的模糊认识问题，当今的“封面设计”、“装帧设计”、“平面设计”等混乱称谓也反映了设计者的水平参差不齐。

三、纹饰、符号的运用

纹饰、符号可称为“纯粹艺术”形式，且东西方差别明显，各自特征鲜明。我国出版的典籍、文献、文学艺术类书籍，具有较高精神内涵的书籍，设计师可依类选择，合理运用。

中国的传统纹样大都出现于器物与服饰之上，有几何纹、动物纹、植物纹、云纹、水纹、火纹等，或纯正质朴、神秘狞厉，或雍容大度、典雅秀丽，是非常值得现代艺术设计借鉴的设计语言。从传统器物、纹样、服饰中提取这些纹饰或根据某一因素演化、设计出的艺术语言，其装饰效果最能出神入化。

随着对传统文化的认同和理解，中国当代书籍设计，尤其是高品位书籍，很多都运用了纹饰装饰。巧妙、合理的运用，对烘托书籍的文化气氛，增强书籍的书卷之气，表达内容主题，以及弘扬民族艺术都有极大的帮助。

西方书籍是最早使用纹饰装饰的。中世纪时期的羊皮书，其插图分三种类型：一为首写字母装饰，二为框饰，三为插图，其中框饰部分多由纹饰组成。我国书籍设计的封面设计纹饰因素从“五四”开始，常规的封面形态也主要源于西方。从上海远东出版社出版的中国新文学作品系列《书影》中不难看出，20世纪二三十年代的封面作品已开始采用纹饰装饰。

符号在书籍设计中也较为常用。“符号学”中的“能指”和“所指”对艺术作品设计创作以及作品识别、寓意、信息等功能和形式有重要意义，因为符号亦是一种语言。

王国维在《人间词话》中说严羽论唐诗“言有尽而意无穷”，书籍设计的书脊与书口设计也是如此。

书脊又称书背或背封。中国传统书籍“包背装”具备书脊特征，传统线装书订口与锁线露于外面虽无书脊特征，却构成独具特色的中国书籍的艺术风格，传达了中国书籍文化的个性信息。今天的精装书、简装书为书脊设计提供了信息与设计平台。杉浦康平曾形象地把书脊比喻为封面与书底间相互关联的“意向箱”：从设计角度看，它连系了封面与封底的整体性；从表达信息的功能看，封面与封底的信息因素通过书脊一并表达。书籍竖立于书架上，给人第一印象、传达第一信息的便是书脊，可谓“方寸之地，包容万物”。

设计讲究的书脊立于书架之上，能够传递给读者多种信息。书脊设计选取的图形、饰纹及符号等设计语言的意义远在文字表达之外，表达“言有尽而意无穷”之意。书脊已越来越受书籍设计师的重视。

第6篇

【关键词】创作木刻 力之美

我国的木刻版画的制作,早在20世纪的30年代,就从古代以纯复制为目的,绘、刻、印分工完成,缺乏艺术独立存在价值的“复制木刻”,走向了表现画家思想感情的新兴创作木刻阶段。创作木刻从构思、构图到刻制印刷,都由作者一手完成,不模仿,不复制,捏刀向木,以刀,每个过程都代表了作者的创作思想和艺术感悟,具有强烈、概括的艺术效果,成为了一种充满了力量之美的艺术表现形式。

首先,由于它所用的工具和表现形式,使它具备“力之美”的特点。它以刀,就有如用刀切东西那样明快有力。这种用刀刻出的味道,我们管它叫做“刀味”。又因它是以木代纸或布,木的质地硬而带纤维,便使它产生既结实又披蘼的效果,我们管它叫做“木味”。以刀刻木便自然造成自己的“刀味”与“木味”的特别形式。因而产生一种“力”的表现。它给我们视觉以强烈刺激,给我们精神以兴奋,这就是“力之美”。

另外,木刻还有一种黑白对比的力量。鲁迅先生曾说过:“木刻究以黑白为正宗”。木刻的“力之美”很大程度上也是产生于黑白对比上的。造型艺术的表现手段是形和色;而在色彩的全色阶中,黑和白是两个极端,因此它们有最强烈的对比色值。由这两种最强色表现的木刻,给观众视觉的刺激也是最强的,强烈的视觉刺激带来刚健有力的感觉,这又是“力之美”。

用锋利的刀刻在坚硬的木头上,再由于黑白对比的视觉刺激。wWw.133229.COm给人一种明晰豪快,刀砍剑击的艺术形象,这综合形成木刻这门艺术的“力之美”。

“力之美”,意味着艺术有充沛的生命。当然,成功的艺术不都是黑白艺术,木刻的“力之美”也不仅表现在黑白木刻之中;套色木刻也同样具有“力之美”的,只是木刻的色彩处理也应不同于中国画和油画。套色木刻的色彩也应强调色彩的对比关系,以保全并发挥木刻所固有的“力之美”。

艺术上的黑白世界是个最纯朴,最深奥的天地。纯朴无华的黑白世界,不借助于色彩缤纷的眩耀,使观众的精神更集中于事物本质的理解,驰骋想象于玄虚之间,因而更能达到精神上的最纯朴而深刻的境界。“力之美”是一种艺术的魅力,它吸引着人们的精神集中,是为别之画种所无法比拟的。比如我们喜爱汉代画像石,不是因为它比唐代金碧辉映的山水画古老些,而是因为它特别具有一种纯朴无华的艺术特质,显示了汉代人的雄伟而质朴的精神世界,透过这种“力之美”而感动二千多年后的我们。鲁迅曾给汉画像以很高的评价,说它们是“气魄深沉雄大,就是用这个观点说的。鲁迅先生在《近代木刻选集》的小引中所说:“放笔直干的图画,恐怕难以生存于颓唐,小巧的社会里的”的意思,也可以就他对汉画像的推崇而得到理解:即在朝气蓬勃、蒸蒸日上的汉代统一中国,建成一个封建大国的当时,民族和社会的气魄是深沉雄大的,和后来唐代已开始烂熟的封建艺术比,确实是两个不同的精神世界。我们欣赏这朴素无华的黑白艺术,具有“力之美”的木刻艺术,其理由就在于此。

在这里我们来欣赏几幅我们熟识的著名版画家的作品。

凯绥、珂勒惠支是本世纪德国著名女版画家。她是鲁迅先生所推崇的西方艺术家之一。对于我们,她已经不是陌生的了。这位被罗曼、罗兰誉为“有丈夫气概的妇人”,用她的刀锋在木板上面刻出具有“力之美”的黑白木刻,很能成为这种朴素艺术的典范。她用“无声的描线,侵入心髓,如一种惨苦的呼声,希腊和罗马时候都没有听到过的呼声”(霍普德曼语),喊出了对战争的憎恨,对人民的热爱和表达了慈母的深厚感情。因此,她的黑白木刻总是朴素无华,也正是由于朴素无华,却能那么有力地打动着世界人民的心,唤醒他们起来为正义而斗争,和由此得到一种精神的力量。我们在这里欣赏作于1622-23年的一套木刻组画《战争》的两副:《寡妇》和《人民》。

第7篇

在中国近代美术之前，美术作品不是成为宫廷庙堂上的装饰，就是远离尘事，作为文人墨客的把玩之物，显然当时的画家并没有因为缺少观众而意识到艺术上的“寂寞”。毕竟，追求闲适是中国艺术文化特点之一。直到中国社会受到内忧外患的冲击时，直到中国美术发展遇到颈瓶时，对美术功用才开始重新进行思考。当时，为了艺术为政治服务的需求，艺术家开始对社会、文化、政治等现实问题的展开关注和介入，国家开始强调艺术和公众的关系。随后，中国进入和平时代，绘画形式与语言继续发生着变化，但是没变的是美术与公众的紧密性，并且愈演愈烈。当然关系维持不再是受要求，单一的宣传某种主题，而更多的是画家主动采用展览的方式，来赢得观众的亲身参与。这种“中国绘画从宫廷庙堂、私人宅所，进入面向社会大众的公共展览会时代，是20世纪中国绘画史上的重大转变”。作为视觉艺术，美术本不该是孤独的，它应是通过展示来使更多的人参与其中，从而影响人们的思想精神，而能够提供合适展示空间的就是美术馆了。美术馆是陈列历史上遗留下来的美术作品或当前的美术创造成果，可以说是展示人类文明的场所，是提高全民素质的理想课堂，是人们接受和领会艺术的殿堂。美术馆文化，虽然属于艺术的范畴，但它必须借助于大众文化传播方式向公众推广。其实美术家、作品与观赏者本来就是一个整体，可惜的是中国美术过去长久的忽视第三者的存在，不过历史变革和时展使美术家意识到公众的重要性，告诉我们“美术家需要公众，作品也需要公众”。当然美术家对公众的“依赖”绝不是消极、被动的，他们是互助的，因为公众也从美术作品中得到了东西。

二、美术馆与公众

“学生不是常在学校的，又有许多已离学校的人，不能不给他们一种美育的机会，所以又要社会的美育。”正如20世纪先生所倡导的美育方针，任何人都应该接受美术教育。那么，艺术普及的任务，让美术馆承担再合适不过。目前，美术馆越来越成为百姓驻足的地方，而在早期，美术馆常被误解为只有艺术人或者文化人才去的地方，而自认为不懂艺术的人则望而却步，但如毕加索所说：任何人都是天生的艺术家。每个人都有审美能力，在人们对艺术品进行欣赏时，这种能力就会表现，进而提高观者的审美情趣，艺术品位，帮助人们完成了道德与艺术上的融合，最后促进人的精神升华，这其实就是美术教育了。美术家在美的方面是领导者，他们的思想、意志以及对美的理解通过作品被观者感悟，在观者的精神领域里，美术发挥出它自身具有的普遍感染力，从而让观者受到教育。美术馆的教育作用在中国受到重视比国外要晚一些，很多早期的中国留学人员成为了先于国人享受国外美术馆教育的幸运儿，比如著名画家徐悲鸿在留法期间就对美术馆留下了深刻的印象：“因其为民众集合之所，可以增进人民美感，舒畅其郁积，而陶冶其性灵。”同样为中国美术教育做出突出贡献的刘海栗旅欧三年，却未踏入任何艺术学校或师从某位大师，而是将美术馆当成最好的老师，最后依旧载誉而归。当中国在南京建立国立中央美术陈列馆时，就提出“将美术展览立足于教育，想通过美展来提高人民群众的审美情趣和素养”。民国时期的美育要求直接促进了美术馆在中国大地上的出现和发展，随之美术馆便产生了比预想还要好的效果。艺术家需要观众的理解，观众也需要艺术的精神，美术馆在观众与艺术家之间架起互动的桥梁。中国的美术馆正在不断拓宽艺术大门，不仅重视为美术家服务，而且面向公众开展美术普及教育。

三、美术馆美术教育与学校美术教育

第8篇

随着社会市场经济的快速发展，电影产业也逐渐开始凸显商业化和产业化的特点，电影的欣赏者和制作者对于电影自身的艺术水准开始提出了更高的要求，一部电影要想取得艺术和票房的成功，就不能离开电影美术的精彩演绎。

色彩、光影的完美演绎。电影在创作的过程当中，摄像师对于光线和色彩的选择在一定程度上决定了整部影片是否能够成功，是电影艺术创作中的重要艺术元素，电影创作者可以通过对色彩的把握和对光线的选择形成统一基调，而这些基调也可以成为表达感情的一种无声语言，是电影感情产生张力和电影剧情发展的有效表达手段，电影在制作的过程当中始终离不开电影美术的一把各项，电影美术的属性也是评价整部影片水平的一个重要标志，一步优秀的电影艺术作品制作过程也就是该片电影美术的整体设计过程，由电影创作者前期对剧本的理解、阅读以及基调的确定和造型的确定，都必须有电影美术设计师根据自己的技巧和美术修养去展开电影的创作。电影的后期制作也需要采用美术手段来进行处理，只有这样才能达到最佳的艺术表现效果，日本电影大师黑泽明就是将美术在电影表现中的作用真正发挥到极致，为电影形象的塑造提供了重要的保证。

人物造型以及命运发展。在一部影片当中，人物造型实际指的就是服装和化妆，也就是电影美术设计者对于电影剧本当中文字通读之后，根据服装效果和人物形象设计将想象中的一些人物转化成具体的相关人物形象，人物化妆必须要和角色身份、性格以及年龄等特征相吻合，作为人物造型当中重要的手段，服装设计是剧中人的情感、生活境遇、地位和身份最直接的反映，人物的造型设计也能够直接反映电影的情节变化以及发展，能够对情节发展的趋势起到很好的暗示作用，一旦对人物服装和化妆的把握不能到位，就会使得剧中的人物不能符合其自身的身份特征，产生不和谐，引发观众心理上的反感。以王家卫的《花样年华》为例，美术设计者张叔平巧妙利用了张曼玉服装的变化来对人物形象进行刻画，在整部影片当中，张曼玉自始至终都身着旗袍，伴随着背景音乐不断变换各种造型，真正通过旗袍的造型变化反映了其人物多变的内心世界，表达了女主人公对于爱情的无奈以及渴望。

第9篇

人们对事物的认识，是在实践中逐渐发展和完善起来的。这种过程是一个由现象到本质，由外延到内涵的 演变过程。随着我国10年来在幼教领域改革的加深，幼儿美术教育从指导思想到教育活动的内容和形式都发 生了很大的变化。也日益受到人们的重视。在幼教改革中，综合性的整体改革和各科教法的改革从两个方面推 动了幼儿美术教育的发展，同时也从理论和实践上对幼儿美术教育提出一系列带有根本性的问题。由于我国美 术教育理论方面的薄弱，使得一些基本的理论问题尚不能在广大教育者的头脑中形成清晰的认识，例如，幼儿 美术教育的本质特性的问题，就是一个阻碍人们正确认识幼儿美术教育的问题。对于这一问题以及由此引起的 关于幼儿美术教育目标的研讨，无疑会促进我国幼儿美术教育理论的进步和实践的发展。

教育实践中的很多问题都和教育指导思想以及集中体现这种思想的教育目的有关。笔者在从事10余年的 幼儿美术教育工作中深感教育目标在教育实践中的重要，因此提出对幼儿美术教育的目标如何阐述的问题，希 望通过研讨，获得共识。

一 幼儿教育是为幼儿未来的学习和发展作好各种准备的教育。

它的教育范畴包括身体、智力、情感、思维、 语言、品德、美感等很多方面。它的教育目的是通过各种各样具体的教育活动实现的。幼儿美术教育是幼儿教 育的组成部分，是实现幼儿教育总目的的手段。所以幼儿美术教育的目的不是为传授艺术而进行的教育，也不 是为少数有艺术天分的儿童而存在，而是在总目的指导之下的具体目的，所以可称之为目标。

目标是教育思想最典型、最集中、最概括的反映，美术教育发展到今天，其教育指导思想也有一个演变的 历史过程。

将图画、手工等活动纳入教育课程之内开始于一个世纪前的英国和德国，由于产业革命的发展，人们深感 工艺教育的需要。在当时，美术被认为是可以培养观察能力，使头脑细密，又能掌握很多知识和技术的学科， 所以初期的美术教育都是以技能教育为出发点的，而且都从几何形入手，然后进入写生，对幼儿也以同样的方 法去教，只不过难易不同罢了。

20世纪初，很多心理学家对儿童的美术研究开始兴盛，如凯尔仙修泰那（Kerschenstener）等，他们积 累了很多儿童绘画的研究成果，结果使欧美的美术教育开始了变革。奥地利的法郎兹·西泽克（Cizek）提出了革命性的主张得以实现。在以后的年代里，英国的赫伯特·里德（Herbertread）和美国的罗温菲德（Lowenfeld）也对美术 教育理论作出突出的贡献。里德指出“儿童艺术是人的表现方法之一，模仿成人的想法是错误的，艺术应为教 育的基础，通过美术来发扬光大儿童与生俱来的创造力是美术教育应有的基本态度。”罗温菲德也认为艺术教 育“不是为传授艺术而进行的教育”，而是通过艺术来塑造人格。在艺术心理学的领域里，美国的鲁道夫·阿 恩海姆（Rudo If Arnheim）对视觉与认识与思维的深入研究为通过美术教育培养人的创造力奠定了基础。正如 阿恩海姆指出的那样“艺术乃是增加感知能力的最有力的手段，没有这种敏锐的感受力，任何一个领域的创造 思维都将是不可能的。”

与创造性的美术教育相呼应的是以德国包豪斯（Bauhaus）造型设计学校为代表的现代造型艺术潮流。包豪 斯将一切造型领域里共同的基础内容作为学习内容教授给学生，取得了效果并推动了“构成”的发展，这不但 对生产和造型艺术有极大的影响，而且也影响到美术教育。图案、手工这些教育内容被重新加以认识。抽象化 、象征化的表现在造型中的重要性也逐渐被认同。美术教育同人的生产和生活愈加密切，美术教育的范畴广为 扩展。

综上所述，今天世界上的美术教育已由写实和抽象两个方向发展而来，并和心理学、教育学相结合，成为 以艺术施教，借艺术来培养智力、创造力、人性与社会性的教育。“通过艺术而进行教育”成为大多数国家美 术教育的指导思想。

二我国幼儿美术教育的指导思想，集中体现在幼儿园教育《纲要》中对美术部分的阐述上：

“在幼儿观察物象的形状、颜色、结构等的基础上，培养他们用绘画和手工（泥工、纸工、自制玩具等） 充分表现自己对周围生活的认识和感受。初步培养幼儿对美术的兴趣以及对大自然、社会生活、美术作品中的 美的欣赏力。发展幼儿的观察力、想象力、创造力。发展手部肌肉动作的协调性、灵活性，初步掌握使用美术 工具及材料的技能。”

对于这一阐述，可以认为是我们过去对幼儿美术教育目标的认识。笔者认为，首先应肯定这一阐述的意义 ，它在促进我国幼儿美术教育的发展中发挥过重要的作用，而且还将具有参照意义。同时也应指出，时展 了，认识也发展了，这一阐述已不适应今天我们对幼儿美术教育的理解以及未来对幼儿美术教育的需要，主要 意见有以下几点：

（一）未脱离以成人对美术的理解来看待幼儿美术活动，以客观反映论对待幼儿美术活动，因此不适合幼 儿美术活动的心理特点与表现特点。必然? 0fe8 ?锥?朗跻?胄词档哪J街?小?/SPAN>

（二）文字表述抽象和概括不够，反而使活动范畴受到局限。如“绘画、手工（纸工、泥工、自制玩具等 ）”这些形式都可以用造型活动来概括。再如“观察力、想象力”，我们知道，幼儿美术活动会有助于智力的 发展。智力中就包含有观察力、注意力、记忆力、想象力等多种因素，因此，可以用智力来概括。

（三）创造力是区别于智力的一种能力，也是美术教育最为突出的一种功能特征，但在表述中因平列的关 系，难以清晰地认识和记住这一重要的目标。

对于以大自然、社会生活、美术作品三个领域对幼儿进行审美教育当然是不错的，但是幼儿美术教育中的 美育内容重要的是对幼儿进行形式美感的教育，即视觉对形式美的认识与理解，这是区别于其它美育形式的主 要特征。另外，用“欣赏力”一词，是过高的目标，幼儿的美育主要在于培养幼儿对美的事物的知觉与感受， 尚难达到欣赏力的程度。

根据以上几点意见，笔者认为，我国幼儿美术教育的目标应重新修正。

为使目标及其阐述更为科学，我们首先必须对幼儿的美术活动的性质有比较清晰的认识。众所周知，幼儿 美术不同于成人概念上的美术，和中、小学的美术教育也不同，这并不是难易程度或循序渐进的问题，而是由 幼儿的生理和心理发展所决定的。他们不会按眼睛看到的物象的形状、颜色、结构去表现，而是用心灵对知觉 样式的把握和理解去表现。幼儿美术如同原始人类的艺术活动一样，是他们认知和表现的一部分，可以说它是 一种混合体，它既是幼儿自身本能的欲望的表现，又是对客观世界认识的反映，既是体质、智力的体现，又是 情感、态度的表达，既是游戏、又是学习，既有模仿，又有创造。幼儿美术教育正是基于幼儿美术活动的这种 混合体的特点，因此具有多方面的综合性教育功能特性。它的作用包括诸如培养美感、促进认知、发展智力、 提高手、眼、脑的协调性和手的灵活性。促进创造性的艺术想象力和表现力等等。在这些作用中最重要的作用 在于它具有培养创造性的功能，这种功能是通过造形活动实现的。造形是幼儿美术教育的核心，是幼儿美术教 育区别于其它教育（如语言、数等）最重要的内涵。

三造形活动是人类一种最基本的活动领域。

从原始社会的石器、陶器到现代社会千姿百态的视觉艺术，人类 的造形活动随处可见，它和人的生产和生活密切相关，也是人类改造世界的一种基本能力。人类的造形活动最 重要的特征是能够按不同物种的标准和美的标准进行有目的的创造，具有求新、求美的特点，它是人的本质需 要，也是满足这种本质需要的本质能力不断发展的表现。创造性的造形活动源于人的手和脑的活动，视知觉在 其中起着重要的作用。视知觉本身具备着一种思维的本领，具备着认识能力和理解能力，尤其是作为一种创造 性的思维。它是经过知觉的选择作用生成的意思进行的。而造形活动为视知觉提供了具体的感性材料，又有通 过造形活动的过程，体验到创造的过程，使想象现实化。因此，造形活动有助于人的创造力的发展。

第10篇

1、优美的图形总带给人们美的享受。

如华东师大版初一数学（上）第一章P13第六题：请以给定的图形（两个圆、两个三角形、两条平行线）为构件，构思独特且有意义的图形，并写一两句诙谐的解说词。在教学中我让学生先个人设计，发挥想象，并相互交流，然后对全班同学中的优秀作品展示并评奖。如“战车”、“风筝”、“夕阳夹山”、“倒影入溪”等许多构思巧妙、意义丰富的图形加上诙谐的解说词，让同学们体会到成功的乐趣。为用简单的几种几何图形也能构成美丽的图案而感到惊奇，从而大大提高了学习数学的兴趣。

2、对称均衡的数学图案设计，大大提高学生的审美水平和创造力。

对称图形的学习，学生不仅仅是获得了知识，还获得了美的享受，提高了分析问题的能力。客观世界中存在着许许多多的对称图形，它们让我们感受到数学世界的美好。很多的对称图形是前人或现在的人们创造出来的，其中的精品可以说是人类智慧的结晶，这些图形装点着我们生活的方方面面，不仅使我们的审美水平和创造力得到了提高，还使我们多了一条解决问题的思路，对于一些题目，从对称的角度去思考，可以使问题得到巧妙的解答。

、通过发现数学中的和谐美，使学生感到学习数学“有趣”。

数学学科从定义、定理、公理、性质、公式以及数学方法、数学思想等方面来看，表面看来是独立且毫无联系的知识之间都存在着必然的联系。特别是由数学的对称性、统一性所表现出来的和谐性是一种实实在在的美，既有利于减轻学生的学习负担，又使学生感到学习数学有趣。比如在教学华师版初一数学（下）等腰三角形一节中“等腰三角形三线合一”性质时，在等腰三角形的三线（顶角的角平分线、底边上的中线、底边上的高线）中，知其一可说明另二。学生掌握这一定理也就容易多了。又如在平行四边形一章中，几种四边形之间既有区别，又有着必然的联系。学生认识从一般的四边形到平行四边形到矩形、菱形、正方形之间的变化过程，对于学生认识几种图形，减轻学习中的负担有很重要的作用，同时学生发现了所有平行四边形间的变化过程、掌握这一类图形间的区别与联系，也感到了学习乐趣。

三、发现数学中的残缺美，提高学生分析问题的能力，使学生感到学习数学也“有惑”，激发学生想学习下去的欲望。

当代中小学数学教科书的“残缺不全”,为学生提供了锻炼思维的机会。当然，这儿指的“残缺不全”是指数学知识因为认知能力的不够而不完整，在我们的教课书中，数学始终在自我矛盾中发展的。还有指数学中的不和谐“比比皆是”，也构成了数学的残缺美，为丰富数学的内涵，培养学生的数学能力起到了不可磨灭的贡献。比如：某教师在教学平均数、中位数、众数的使用时，给学生出了这样一题：某市体委从甲、乙两名运动员中选拔一名运动员参加全运会，每人射击5次，打中的环数为：甲：7环、8环、9环、8环、8环；乙：5环、10环、6环、9环、10环。根据以上数据，你认为选谁参加全运会比较合适？于是同学们对甲乙二人的成绩作了分析：（1）平均数：两人都是8环；（2）中位数：甲是8环，乙是9环；（3）众数：甲是8环，乙是10环。明显从中位数和众数两项指标上看，乙都优于甲，但是市体委领导却选中了甲运动员参加全运会，你认为公平吗？谈谈理由。学生激情高涨。是啊，都觉得应由乙参加全运会，因为运动员的成绩主要指标是平均数，在平均数相同的条件下，为什么不让乙运动员去，因为乙的发挥极不稳定。成绩的稳定性要用另一种量来表示。于是学生迫切想继续研究能够表现成绩稳定的量——方差。但是教师却并不急于讲解，只对学生说在以后的教材中会学习到，这样留下一个不完美的结局，让学生去研讨、解惑，从而激发学生学习的欲望，提高学习的兴趣。

总之，数学总是美的，数学是美的科学，追求数学美是数学发展的动力之一，也是学生学习数学的动力。数学本身从形式到内容都充满了美，教师在教学中应充分挖掘和展示数学的美，使学生在美的环境中愉快地学习，从而提高学生的学习兴趣。

第11篇

1、优美的图形总带给人们美的享受。

如华东师大版初一数学（上）第一章P13第六题：请以给定的图形（两个圆、两个三角形、两条平行线）为构件，构思独特且有意义的图形，并写一两句诙谐的解说词。在教学中我让学生先个人设计，发挥想象，并相互交流，然后对全班同学中的优秀作品展示并评奖。如“战车”、“风筝”、“夕阳夹山”、“倒影入溪”等许多构思巧妙、意义丰富的图形加上诙谐的解说词，让同学们体会到成功的乐趣。为用简单的几种几何图形也能构成美丽的图案而感到惊奇，从而大大提高了学习数学的兴趣。

2、对称均衡的数学图案设计，大大提高学生的审美水平和创造力。

对称图形的学习，学生不仅仅是获得了知识，还获得了美的享受，提高了分析问题的能力。客观世界中存在着许许多多的对称图形，它们让我们感受到数学世界的美好。很多的对称图形是前人或现在的人们创造出来的，其中的精品可以说是人类智慧的结晶，这些图形装点着我们生活的方方面面，不仅使我们的审美水平和创造力得到了提高，还使我们多了一条解决问题的思路，对于一些题目，从对称的角度去思考，可以使问题得到巧妙的解答。

二、通过发现数学中的和谐美，使学生感到学习数学“有趣”。

数学学科从定义、定理、公理、性质、公式以及数学方法、数学思想等方面来看，表面看来是独立且毫无联系的知识之间都存在着必然的联系。特别是由数学的对称性、统一性所表现出来的和谐性是一种实实在在的美，既有利于减轻学生的学习负担，又使学生感到学习数学有趣。比如在教学华师版初一数学（下）等腰三角形一节中“等腰三角形三线合一”性质时，在等腰三角形的三线（顶角的角平分线、底边上的中线、底边上的高线）中，知其一可说明另二。学生掌握这一定理也就容易多了。又如在平行四边形一章中，几种四边形之间既有区别，又有着必然的联系。学生认识从一般的四边形到平行四边形到矩形、菱形、正方形之间的变化过程，对于学生认识几种图形，减轻学习中的负担有很重要的作用，同时学生发现了所有平行四边形间的变化过程、掌握这一类图形间的区别与联系，也感到了学习乐趣。

三、发现数学中的残缺美，提高学生分析问题的能力，使学生感到学习数学也“有惑”，激发学生想学习下去的欲望。

当代中小学数学教科书的“残缺不全”,为学生提供了锻炼思维的机会。当然，这儿指的“残缺不全”是指数学知识因为认知能力的不够而不完整，在我们的教课书中，数学始终在自我矛盾中发展的。还有指数学中的不和谐“比比皆是”，也构成了数学的残缺美，为丰富数学的内涵，培养学生的数学能力起到了不可磨灭的贡献。比如：某教师在教学平均数、中位数、众数的使用时，给学生出了这样一题：某市体委从甲、乙两名运动员中选拔一名运动员参加全运会，每人射击5次，打中的环数为：甲：7环、8环、9环、8环、8环；乙：5环、10环、6环、9环、10环。根据以上数据，你认为选谁参加全运会比较合适？于是同学们对甲乙二人的成绩作了分析：（1）平均数：两人都是8环；（2）中位数：甲是8环，乙是9环；（3）众数：甲是8环，乙是10环。明显从中位数和众数两项指标上看，乙都优于甲，但是市体委领导却选中了甲运动员参加全运会，你认为公平吗？谈谈理由。学生激情高涨。是啊，都觉得应由乙参加全运会，因为运动员的成绩主要指标是平均数，在平均数相同的条件下，为什么不让乙运动员去，因为乙的发挥极不稳定。成绩的稳定性要用另一种量来表示。于是学生迫切想继续研究能够表现成绩稳定的量——方差。但是教师却并不急于讲解，只对学生说在以后的教材中会学习到，这样留下一个不完美的结局，让学生去研讨、解惑，从而激发学生学习的欲望，提高学习的兴趣。

总之，数学总是美的，数学是美的科学，追求数学美是数学发展的动力之一，也是学生学习数学的动力。数学本身从形式到内容都充满了美，教师在教学中应充分挖掘和展示数学的美，使学生在美的环境中愉快地学习，从而提高学生的学习兴趣。

第12篇

一个成功的电影作品，也是一个成功的艺术作品。艺术在有任何形式的一个伟大的电影中的作用是不可替代的。可以想像，电影艺术没有波澜的艺术，电影的主题表达不充分，这部电影是没有意义的，因为它是不能够使观众得到审美的愉悦的。所以一个好的电影导演的电影中艺术的应用是非常认真的。应用美术适当地在电影中能得到意想不到的效果。从某种意义上说，一部成功的电影，艺术作品的质量可以起到决定性的作用。随着时代的进步与发展，膜技术越来越成熟，视觉效果越来越好，但是，优秀的艺术作品依旧在电影中起着重要作用，这是永恒的法则。其中电影艺术中，应用的三个因素分别是：结构、线条、色彩。它们在电影艺术代表的是——显示颜色、形状和灯等。

（一）其他电影中的应用

艺术是对一种形式的创造，它体现的是另外一种独特的风格，具有较强的视觉冲击力，在表现艺术手法中经常会使用一些材料，通常这些都是艺术设计的重要手段与基本元素。在创作过程中它可以体现出对客观事物的认知，通常带有感性色彩。换句话说，电影中体现的，实际上是艺术家在艺术处理过程中审美意识的体现，对客观事物的完全真实的情感宣泄。

（二）色彩电影中的应用

电影中色彩元素的应用程序是一个艺术不可缺少的必要条件，色彩是一种无声的语言，使用的胶卷如果没有色彩，电影里所刻画的生命将不复存在，影片的主题和一个又一个的典型图像往往会在寂静之声中发挥巨大作用的情感表达。因此，彩色胶片的应用具有重要的意义。

（三）光的应用

没有光无法拍摄到影像，有了光还存在着曝光上的技术问题。尽管今天的电影胶片感光度很高，电视摄影机对光的灵敏度也很高，在微弱的光线条件下都能获得理想的影像。但是我们要想获得艺术创作所需要的画面影调色调，要想获得曝光正确的画面，这仍是电视摄影要认真研究的课题。那些研究光敏感电影的艺术家们，对光源的调整、创造、电影意境，通常可以发挥出激动人心的、可怕的甚至是恐惧的影响。一部电影所制造出的光影，往往能够击败所有的艺术效果。

二、美术对电影的作用

今天的电影，是利用先进的电子技术、机械技术，并整合各种艺术技巧而形成的艺术作品。每一位电影艺术家都是艺术创作设计及电影造型制作方面的专业人才。所以电影与艺术是分不开的，电影是艺术的基础，艺术却是电影框架的基本要素。

（一）艺术是电影的基础

电影是构建独特具有丰富的艺术表现形式和光与色、新的视觉效果的连续画面表达。它将动态摄影幻灯片联合在一起，以超越时间和空间的艺术想象显现在银幕之上。电影将虚幻的静态的人物和事物以一个动态的艺术形式表现出来。如果建筑的基本要素是艺术，那么电影就是一个全面的视觉、听觉以及混合了其他艺术形式的感觉。它是艺术发展到一定程度的衍生产品。

（二）艺术是电影艺术形象和典型的保证

一部优秀的电影作品，总会塑造一些令人难忘的人物形象，并根植于观众的心灵。艺术家塑造的每一个优秀的电影角色、令人印象深刻的场景图像，都是电影艺术得以产生深厚影响的基础。如果没有艺术加工处理，那么，即使演员演得很好，可能观众也不会有很深的印象。此外，每一部电影的艺术风格也是不一样的，比如有现代剧、历史剧，即使由同样的演员来出演，不同的角色，不同的作品，塑造的人物形象也会让人耳目一新，给人以深刻印象。所以任何一个典型的艺术形象，都是美术艺术手段创造的结果。

（三）艺术留住美丽的电影风格

电影作为一种艺术形式，它能够让人感受到另外一种美。电影艺术创作中有一个类别——卡通动漫，大家并不陌生。为了实现动画的效果，动画电影中的卡通形象都是由简单的线条轮廓绘制出来的，这些造型简洁、可爱、形象夸张、色彩艳丽，深受广大儿童的喜爱。这些以现实主义的艺术手法制造出来的，效果良好的动漫电影制作，一定会给人们留下深刻的印象。

三、美术在电影中的质变

美术艺术融入电影，这是一个必然的、深刻的变化。在实践中人们不断进行着摸索探究。那么让艺术变化的因素和手段究竟是什么？是摄像机和编辑。艺术大师尤特凯维奇曾谈过某人利用达芬奇的名作《最后的晚餐》所做的一次实验。实验中，实验者把画面分割成N个镜头，当实验者用特写镜头突出表现画面中的某个人物时，就完成了类似于剪辑的工作，同时，再重新安排顺序，那么就揭示出壁画的戏剧性质。他还谈到了自己的一些设想：“根据蒙太奇对列的规律，把一幅绘画或壁画的某些片段分成镜头，摄像机在画布的平面上移动，或拉或推……一句话，就是富于诗意地和深思熟虑地运用整个丰富的电影技术，结果就能不仅产生理想的复制品，同时还能产生出以独特形式表现某一作者思想的富于独创性的影片。”这段话实际上说的就是通过摄影和剪辑的方法，使绘画的中的静态时间释放出来，变为动态的时空，也将二维的绘画实体，转为二维空间实体投影，使它具有了电影的新品质。通过电影的技术手段，这些转化的二维实体投影失去了一般意义上的美术艺术形态，成为电影这一艺术形态；同时，由独立的艺术手段而成为电影的艺术手段之一；不可忽视的是其由空间艺术变为时空艺术；由一个原创作品变为二度创作；是一个个体的精神劳动变为群体的精神劳动的过程；并且是由纯精神产品变为先是具有实用性的物质产品形态，再转化为精神产品；由二维或三维造型实体经过摄影机转换为实体投影的二维画面；具有鲜明的功利目的的实用性和具有多学科交汇的边缘性。上述的种种品质，使得电影美术成为电影的独特元素，并具有它自己的艺术方法。

四、结束语

第13篇

【论文关键词】体育舞蹈　价值　体育运动

价值是人们对物质、文化需要的体现，价值的产生是由物质、文化自身固有的功能决定的。功能的多少，作用的大小，决定了人们需要的程度。“体育价值观是体育行为的杠杆”。体育舞蹈作为一种特殊的社会实践活动，是体育运动的一部分。它的兴起和发展深受广大群众的青睐，显示出不可估量的作用和强大的生命力。自1984年以来先后有日本、英国、美国、香港、等国家和地区的体育舞蹈专家前来我国进行表演与教学。北京、广州、上海、南京等大城市组织了相应活动，掀起了全国各地学习与推广体育舞蹈的热潮。我国体育舞蹈在体育中的作用已被国家教委所重视，1987年国家教委为高师体育增设了体育舞蹈课，一些大学在体育课中也增加了体育舞蹈的内容。体育舞蹈在我国得到如此迅猛发展，从本质上讲，是其自身功能与价值所决定的。为了能使体育舞蹈在我国长期稳定的发展，应首先对其功能与价值进行研究，以求得共识。本文通过自身的实践经验，查阅了有关文献资料，对体育舞蹈的价值进行了几方面研究，旨为广泛宣传推广这一新兴体育项目，起到抛砖引玉的作用。Www.133229.cOm

1　运动学价值

体育舞蹈是根据人体解剖、生理特征，在音乐在伴奏下，通过人体各环节有节奏的变化而塑造出不同难度的形体动作和造型，表现不同的情感和技艺，达到自娱自乐和增强体质或进行竞技的一项体育运动。体育学是研究人的身体全面发展的一般规律的综合性学科。作为体育运动的基本内容和实现体育目的手段与方法的体育舞蹈，是体育文化系统中的新生事物，是体育研究的对象。当前社会已经步入了科学化、自动化、信息化时代，人们繁重的劳动量将减少，工作时间缩短、休闲时间增多，丰富多样的体育活动必然成为人们提高生活质量满足自我需要的高级精神享受和追求。随着社会的不断发展进步，人们对体育内容、手段和方法，提出了多样化的要求，通过在娱乐中运动，达到更好地完善自身， 改造自我，适应社会需要的目的。

体育舞蹈在我国的兴起与蓬勃发展的实践证明，它是实现体育目的，使身体得到全面发展的基本手段，是人们十分喜欢的一项体育运动。

体育舞蹈的形式有个体练习，但更多的是群体练习，在运动过程中要求参加者相互配合，在音乐的伴奏下翩翩起舞。体育舞蹈运动的过程，也是一个追求美、创造美、实现美的过程，参加者在活动中可以表现美、欣赏美，获得美的享受。

运动学是体育科学中的一门综合性学科。研究对象是人体运动的一般规律，把运动知识化、系统化、理论化，更好地指导体育运动实践，实现体育的目的。体育舞蹈遵循了人体运动的一般规律，形成了具有独特风格的运动形式，丰富了体育运动的内容，是强身健体的有效手段和可靠方法。体育舞蹈动作，以人体肌肉活动特有的运动形式产生负荷，刺激内脏器官，促进呼吸、循环、消化、神经等系统机能的增强，满足肌肉负荷后的需要，维持机体在新的情况下的平衡。由此可见，体育舞蹈具有明显的体育运动学价值，因而赢得了广大群众的喜爱，是当今社会中人们喜闻乐见的体育运动项目。

2　生理学价值

运动生理学是一门研究人体对运动的反应和适应的学科。根据运动负荷的价值或理论，学术界曾提出如下结论：即心率在110次／分以下，机体的血压、血液成分、尿蛋白和心电图等都没有明显的变化，健身价值不大；心率在130／分时，每搏输出量开始出现接近或达到一般人的最佳状态，健身效果明显；心率在150次／分时每搏输出量开始出现缓慢的下降；心率增加到160—170次／分之间虽无不良的反应，但亦未能出现更好的健身迹象。因此，通常把一般人的健身效果的最佳区间保持在120—140次／分之间。生理学实验证明，心率在120—140次／分情况下活动，身体各组织能得到充分的血液供应，代谢状态最好。查阅有关资料可知，华尔兹最高平均心率为142．8次／分，探戈舞最高平均心率为142．6次／分，恰恰舞最高平均心率为145．2次／分，牛仔舞最高平均心率为172．8次／分，以上四种舞蹈对健身效果明显，具有生理学价值。

3　心理学价值

体育舞踞是一项全身性娱乐运动，对参加者的身心很有好处，有明显的心理学价值。从心理学角度来讲，人的注意是受指向性刺激制约的。在翩翩起舞的过程中，人的注意力必须集中在欣赏优雅的舞曲和依照音乐节奏将内心情感抒发在舞姿上，由于注意的转移，能使其它部分机体得到调整和充分休息，所以体育舞踞具有消除疲劳、陶冶情操、康复机体、消除心理障碍的作用。另外体育舞蹈还具有调整人际关系的作用。由于体育舞蹈是一种群体运动，在集体场所进行，能使参加者体验到个人与集体的关系，把“我”置于“我们”之中，起到协调人与人之间的关系的作用。

4　美学价值

体育舞蹈是一项融体育、舞蹈、音乐为一体的运动项目，其综合性、艺术性很强，具有丰富的美学内容。

美学观认为，美既不是人的主观精神意识的产物，也不是纯自然进化的结果，美是人类社会实践改造客观世界的产物。从摆脱自然生产开始，人类社会就朝着物质生产实践和精神生产实践两个方向发展，并具有审美属性。在今天，现代体育运动许多项目对美的要求愈来愈高，如艺术体操、健美操、花样游泳、花样滑冰、武术等等。而体育舞蹈是美中的佼佼者，她为人们创造大量的审美客体，其运动过程，还是创造美的过程。通过体育舞蹈的训练，可使人体外型更加匀称和谐，体态更加刚健、优美，动作刚柔相济。这既能满足自我实现美的愿望，也能成为他人的审美客体。另外，体育舞蹈中的团体舞更是美不胜收，群体的配合位置，队形的变化，伴以相应的音乐，构成一幅幅刚健、优美、丰富多彩的动态画面，给别人以欣赏的同时，把自己看到的形体美、姿态美、动作美、服饰美和听到的音乐美结合起来，在情感上进行调整疏理和谐，自我欣赏，得到美的享受。一个人审美能力除了与社会条件、经济地位、文化素质有关外，还受着自我身体条件的限制。经常参加体育舞蹈运动，人们改变着自我的形体、姿态等身体条件，并在体育舞蹈优美的音乐和优美动作的影响下，不断地进行着感知、情感、想象、理解等审美活动，提高审美能力。

第14篇

[关键词]艺术程式；艺术活动；规范性；排外性

当下艺术评论提及“程式”问题时，受众的思维定势总是将其认识首先引向

艺术程式来源于艺术创作过程的积累，以感性形式呈现于艺术欣赏过程。陈幼韩先生认为“程式，不是外加于事物的法式和规程。它是由事物自身的特质所决定的形式规范和技术格律。”此话很有见地，艺术程式不仅是形式规范，同样是技术格式，是贯穿整个艺术活动的从技术到形式的规范化体系。基于以上的阐述，我们就可以对艺术程式做出合理的解释：艺术程式是存在于艺术活动过程中的技术格式和形式规范，艺术程式的“程式”本质，规定了艺术程式必须具备规范化、标准化的特点；但是进入到艺术领域，程式便是不同程度艺术化了的程式，也就是说，艺术程式虽然来源于生活，但是经过艺术家依据一定美学原则的审美改造，又高于生活，带有了明显的审美化特征。规范化、标准化、审美化是艺术程式必备的三个要素。艺术程式改变了生活的初始形态，却使生活在艺术中得到了更集中、更鲜明、更具艺术性的表现。

二、中西艺术程式存在分析

对“艺术程式”的准确界定，可以帮助我们轻松找出艺术活动中的艺术程式，也就为艺术程式存在分析打下了良好基础。133229.coM置于中西艺术对比的语境下，可以发现，

三、艺术程式与艺术活动

艺术是包括艺术创作、艺术品和艺术接受三个环节的完整的社会实践活动。艺术程式在整个艺术活动的构建中起着重要的基础与支撑作用，这种作用主要体现于艺术创作与艺术品两个环节。

1.艺术程式与艺术创作

艺术程式既是艺术创作过程实践部分的经验总结，又是艺术家艺术形象再创造的出发点，是艺术家将自然、社会素材转化为艺术形象不可或缺的一个重要中介环节。没有这个中介，艺术家会无所适从，艺术创作同样会杂乱无章。在艺术创作过程中，艺术家将原有的艺术程式作为效法和进行艺术形象再创造的参照对象，并根据新的创作需要进行变化和发展，塑造出新的艺术形象。例如对于绘画艺术创作，画家首先要掌握基本的画法跟画理，仅就山水画来说，就要求画家对树法、石法、皴法、山法等各色程式熟练把握，方能进行有效的艺术创作。清代石涛言：“太古无法，太朴不散；太朴一散，而法立矣。法立于何?立于一画。一画者，众有之本，万象之根。见用于神，藏用于人，而世人不知。一画之法乃自我立。立一画之法者，盖以无法生有法，以有法贯众法也。”石涛的“一画”在某种程度上可视为艺术程式，画家的艺术创作都是依据一定的法则进行的，没有法则，创作就失去了约束，成为无源之水，所以画家必须掌握一定的创作法则——即艺术程式。

艺术程式不但是历代艺术家艺术实践的经验积累，同样是历史文化积淀在艺术创作中的最佳体现部分。艺术程式固定地承载了一定的历史文化内容，在具体的艺术创作中，即使创作者对某些艺术程式的内涵不甚明了，但是只要将艺术程式完整、生动地再现出来，便能赢得观者的共鸣。有种现象很能说明这一问题，戏曲演员大都是从儿童时期的“刻模子”开始学习表演，开始他们的心理机能还很不成熟，难以理解剧作的立意和剧中人物的性格以及心理变化，他们并不知晓白娘子为何与许仙一见钟情，但是，当帷幕拉开，他们出场亮相，眉目传情，暗送秋波，一招一式地表现人物时却同样赢得了观众的掌声，原因是他们“装龙像龙，装虎像虎”，显然，这是艺术程式帮了大忙。当艺术程式被复制出来，它所承载的文化内涵便也呈现于观者面前。这就说明，艺术程式本身不单单是一种形式，并且隐含了内容的积淀，其中包含了前人对艺术形象的理解以及审美价值取向，这就是文化。从这个意义上说，“程式一种文化延续的载体，它包含的文化积淀令后来人获益匪浅。”。

2.艺术程式对艺术创新的局限

艺术程式的存在，在某种情况下会成为艺术创新的局限。因为，艺术程式是对过去历史生活和艺术家审美经验的总结，艺术程式总是滞后于社会时代的发展。而艺术则是以创新为最高宗旨，要求反映时代生活。艺术程式不能及时反映新的社会内容，这样就会导致局限性的出现。贡布里希先生注意到在

2.可塑性

可塑性是指艺术程式虽然具有一定的规范和标准，但却是对自然与社会形象的宽泛概括，具体到艺术创作，根据不同创作的需要，用同样的艺术程式可以表现不同的生活内容，塑造出不同的艺术形象。清代布颜图《画学心法问答》中有这样一段问答“问：关仝师荆浩，画法有异乎?日：大处同，小处异。荆浩用钩锁法以开石，或方或圆，形体自然，故丰致洒脱。关仝亦用钩锁以开石，形体方解，谓之玉印叠素，故筋骨劲健。”e5173z关仝师 法荆浩，二人同用一种皴法程式，大处同，体现出艺术程式的规范性；而在细节处加入个人对自然山水的理解，略有不同，最终二人形成不同的艺术风格，一个丰致洒脱，一个筋骨劲健，所体现的正是艺术程式的可塑性。再如戏曲中的“上场亮相”表演程式动作，同一个动作因为不同的剧情需要，不同的演员来演，就可以把不同剧中人物的生活素质一下子体现出来，或是帝王将相，或是绿林好汉，或是宫廷贵妇，或是小家碧玉，都能在那瞬间的审美中明了地显现出来。

3.排外性

第15篇

然而，改革开放给中国社会带来了意识的改变，思想表达的多样性要求再加上外来文化、艺术意识形态的影响，传统的水彩语言形式已不再能满足艺术家们的需要。新的观念、新的思维方式的引入使水彩画向着多元化的方向发展。从20世纪80年代开始，随着我国文化艺术的繁荣，在祖国的南方出现了以广州美术学院的王肇民教授为代表的另一个水彩语言体系。它突出油画般强烈的色彩感染力、素描关系的加强表现，同时与国画的笔法意韵和诗意高度融合的语言特色，与“轻音乐”式的传统水彩语言的艺术面貌拉开了很大的一段距离。它以雄浑、博大、深沉厚重的力度之美，极大地丰富了中国水彩的艺术语言，中国水彩从此从“轻音乐”发展为“交响曲”，成为表现对象和画家情感的交响，成为色彩、水分、笔触的交响。它时而淡雅、轻快；时而扑朔迷离；时而强悍有力；时而气势磅薄。它使“抢看”与“耐看”的品格在水彩画中同时得到体现。习惯上，人们把这种风格大异而带着地方特色的语言体系俗称为“广派”水彩。

王肇民先生早年在杭州艺专学习，由法国写实派教授克里多教素描，受校长林风眠色彩技巧的启迪，向潘天寿、李苦禅学习国画。以这些西画、国画方面的第一流大师为师，给了王先生学画一个很高的起点，中西文化的交汇，在他的身上有了更深刻的体验。对于西方艺术，他继承尊重自然的写实技巧，有选择地汲取了现代艺术在色彩和构成方面的某些经验；对于东方艺术，他吸收了山人、石涛、潘天寿等人的水墨画的笔法和风韵，使水彩画的具象美和抽象美高度统一，把西方艺术的色彩美与中国传统艺术的笔法美融为一体，在浓厚苍劲中含有细腻的诗情。WWw.133229.Com其画风质朴、执著、品格高尚，成为80年代中国水彩画重新兴起的重要标志。

在水彩语言的运用上，王肇民先生一改传统水彩以水分流动、色彩透明而产生的以轻快见长的效果，把透明流动的色彩与坚实厚重的色彩结合在一起，“色彩险异地单纯化却不失丰富，画面大胆地平面化却不失纵深”，以概括、变化、简练、丰富的水彩艺术语言表现出水彩中罕见的力度。作品《红壶》以较单纯的红、黑、白、黄的大色块和微妙的色彩变化，取得了极为强烈的视觉冲击力，而又不乏其和谐的画面整体感，所表现出的非一般响亮的色彩“能量”是油画艺术也不易达到的。王先生说：“作画，色阶越多越弱，色阶越少越有力。多则对比性弱，弱则无力；少则对比性强，强则有力。”画面中大块的红色鲜明、饱和，而黑色却又是那么深邃、静穆。这些，在色彩美感的表达上，都远远超出了传统水彩语言的强度。

同时，王肇民先生的水彩艺术也十分注重画面黑、白、灰关系的强化，从而加强画面的表现力。作品《荷花玉兰》以明显深邃的黑、灰层次为背景，衬托出洁白、通透的主体，花的圣洁、清高跃然纸上，具有强烈的艺术感染力。

而在《大叶紫薇》《桔》《石榴》等大量作品中，王先生把中国画笔法中的皴擦、飞白、骨笔等用法与水彩语言高度融合，把西方的具象表现与东方的意象表现共冶一炉，以西方的绘画语言，强烈而含蓄地传达着东方民族文化精华，的确让观者为之折服。

王肇民水彩艺术“在艺术语言的运用上充分制造矛盾和调和矛盾：埋险而破险；以少见多，以一当十；处处充满艺术的辩证法”。他的作品亦体现了“以浊见清，以轻见重，以巧见拙，以华见朴，以矛盾的统一为依归”的艺术格调。林庸称道：“艺术形式的各种语言被他富有韵致地谱成了各式光彩夺目的画面”，而“绘画本身就是充满辩证色彩的艺术，唯其辩证得令你信服，才赢得了艺术的深沉与深刻”。王肇民水彩以其辩证的语言、罕见的力度美在中国水彩语言形式的发展上树立了一个崭新的里程碑。

在王肇民水彩艺术的一脉相承下，借着大师的臂膀，广州美术学院的水彩语言体系不断地发展、壮大，风靡大江南北。在广东，水彩画吸引了一大批艺术家们从油画、中国画等到其他专业转到水彩来发展他们的绘画语言，“广派”水彩，便因此而越来越体现出浓厚的“借鉴、融合”油画和国画的特征，呈现出多样性的发展态势。其中，龙虎、黄增炎、陈海宁、陈朝生、许以冠等都是个性分明、比较有影响的“广派”青年水彩画家。总的来说，“广派”水彩以王肇民水彩艺术为基础不断发展，其艺术特色日益鲜明，主要可归纳为以下几点：

（一）在色彩的运用上注重加强对比，洋溢着油画般厚重、有力度的色彩和空间效果，浓艳中却又仍然保持水的韵味。例如：在黄增炎的《同心协力》《炼钢人》等作品中，我们看到了比油画更油画的充满力度和重量感的水彩。又如：龙虎在他的水彩风景画中善于创造性地运用色彩，画面色彩无论是对比还是统一都带着强烈的主观意识。他的作品色彩饱满，对比强烈，如《湘西老桥》《阳光下的老屋》等；特别是在作品《山村晨光》中透过碰撞的色彩和变化剧烈的造型，我们仿佛听到画家心灵深处令人震撼的呐喊。

（二）在材料、工具的运用上探索求新、大胆突破，不断创造新的画风，大大拓宽着水彩画的表现力和感染力。

许多水彩画家认为：水彩画的寿命主要是由于画纸的日渐灰暗而受影响。为了克服水彩纸的这一缺点，许多年前，王肇民先生就开始使用白色水粉颜料作为画面的底料，而黄增炎先生则发展性地在水彩纸上刷上丙烯涂层，并且改用油漆刷子作画，从而获得结实、厚重、流畅奔放的线条，其飞白处更带着几分中国书法的韵味。在《石榴》《陶鼎》等作品中，通过对材料、工具的不断尝试和总结，黄增炎先生摸索出一条综合性水彩的道路。

在厚重、有力的水彩语言的追求上，龙虎把水彩工具在表现力方面能达到的粗糙、浑厚的肌理效果推向了极致。他在作品《黎村的傍晚》中，讲究突出主观感受，不受对象细节变化的牵制，综合运用油画笔、水彩笔顺、逆、顿、搓的用笔，随形而变，把涩笔、肌理、色块与概括的造型高度融合，作品中蕴含着强大的张力。

（三）在水彩技法的运用上，“广派”水彩主张打破传统观念，不断推陈出新。

黄增炎先生认为透明颜料因为不能覆盖，有些灰色调只能通过水淡化颜色来获得，使水彩的色域相当有限。因此，在其作品《墓室陶鼎》中，他首先运用纯度高的朱红、桔黄等颜色覆盖在褚石等纯度低的色之上，从而获得鲜明、通透而沉着的色彩效果，进而利用涂了底料的纸面可以反复调整而不失其颜色的鲜艳的这一特性，在严格的干湿控制下用笔反复皴擦，时而滴上清水，反复数次，使画面获得丰富的、厚重的边线效果。

陈朝生在《橘子》《协奏金秋》《红土人》等作品中，尝试用透明的颜色覆盖在不透明的颜色上，使上下层颜色互相辉映、衬托，对提高调节画面色彩的明亮度和饱和度起到关键作用。

（四）画种语言的相互借鉴、吸纳，是当今绘画艺术语言形式一个很主要的特点。毫不例外，“广派”水彩在水彩创作中，除了融会油画般厚重的色彩，国画的笔意、诗韵之外，还对其他各门类艺术、画种进行吸收、借鉴，与水彩画高度融合，创造新的画风。

陈海宁在静物画《和谐的记忆》中，结合现代设计的形式美的装饰风格，传达着和平、宁静、深邃的美。画面局部看具有厚重的立体感，整体看却是含蓄的、平面的、有装饰味的。

广东的青年水彩画家许以冠在其作品《河边》《山泉水》中，明显地受了表现主义风格的影响。他把人物的轮廓切割、透叠，通过空间错落，重新组合，使形象更为深刻动人。

“广派”水彩进一步证明了这样一个道理：水彩语言形式是丰富多样的，它既可这样表现，当然也可以那样表现。水色淋漓的语言形式带给人们的是轻快、酣畅、朦胧的阴柔之美，而浑厚、有力、苍劲的水彩语言带给我们的是更强烈的来自心灵的震撼。从某种角度看，也似乎背离了传统观念以透明、轻快和作为品味水彩画的标尺。但作为一门学科研究的过程，是不可避免的。不破则不立，关键在于是以某种约定的规范来限定其语言形式，还是将其表现的语言形式作为延续发展的概念来探索。”作为一种工具，水彩是艺术家表达情感的一种形式、手段，轻盈、酣畅固然是它的语言表现形式，然而水彩为何不可凝重而厚实？中国水彩画老前辈李剑晨曾自谦地感叹：“画了一辈子水彩画，仍没有跳出外国水彩画的圈圈。”这句话应该引起我们深深的思考。的确，变革中国水彩画，画出中国气魄，是我们这一代人的使命。“广派”水彩的崛起，反映了中国水彩艺术家们在观念、意识上的拓展与进步。

别具一格的语言模式或体系的形成与发展既是对自身语言形式的充分肯定和认同，也从另一个侧面证明了它的艺术生命力之所在。以王肇民的水彩艺术为开端的“广派”水彩，充分借鉴了油画的空间处理手法和强烈的色彩感染力，国画的笔法、意韵、现代设计的平面、装饰化理念，以浑厚、有力、苍劲的水彩语言形式，极大地丰富和发展了当代中国水彩语言体系。它标志着中国水彩艺术的发展踏上了一个新的征程，为中国水彩的发展开辟了一片新天地。

参考文献：

[1]刘骁纯.极平凡的创造.美术学报,1993年, 4.16

[2]王肇民.王肇民画语.台北:台湾国风出版社，1992.13

[3]陈杰雄.王氏风格的辩证法.水彩艺术,1996, 1.2

[4]林墉.银河大海. 美术学报,1993年, 14:44