艺术与设计论文范文
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第1篇
中国画的工具和材料基本上是由笔、墨、纸、砚来构成的,人们通常把它们称为“文房四宝”,大致是说它们是文人书房中必备的四件宝贝。因为中国古代文人基本上都是或能书,或能画,或既能书又能画的,离不开笔、墨、纸、砚这“文房四宝”。
一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。
最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。
现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”
等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。
一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。
在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭
记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。
从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。
中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。
我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。
说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。
中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。
三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。
纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。
一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。
从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。
中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变 化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。
除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。
四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。
不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。
在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》
中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:
笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。
臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。
诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。
笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。
笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。
笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。
墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。
墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。
镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。
水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。
砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。
砚匣:又称砚盒,安置砚台之用。以紫檀、乌木、豆瓣摘及漆制者为佳。
第2篇
1.毕业设计
市社会化艺术设计专业的发展应该明确教学资源优势，面向市场，在提高教学质量的基础上突出办学特色。因此，艺术设计专业应该尝试将毕业设计与市场相结合，从培养应用型技术人才为目标出发，建立面向市场的教学标准，寻求具有独立学院特色的艺术设计专业毕业设计教学方式。毕业设计教学是大学四年各方面学习的综合练习，更是新知识授予的关键环节，是指导学生走向社会的重要教学环节之一。近几年，福州市设计行业异军突起，特别是室内设计行业，先后有多个设计师先后获得国内外大奖；而对于产品设计专业，在福州周边的闽清、仙游等地也有比较丰富的家具工厂。学校可以充分利用当地资源优势，与社会优秀设计力量合作，采取联合培养的模式，发展壮大行业新兴力量。学校可以实行双导师制，积极得与当地设计学会、家具厂、设计公司等合作，将校内导师与校外设计师联合起来，从与客户沟通、图纸深入、装饰材料、施工工艺等方面进行深入的分析研究，共同指导学生完成毕业设计；选拔优秀的同学进入毕业设计双导师队伍，以点带面，促进教师与学生共同成长；将毕业设计与设计竞赛、相关会展相结合，促进毕业设计作品的市场化运作。面向社会的毕业设计培养模式，不仅可以提高大学生的专业技术，满足社会对专业人才的需求，也可以提高学校专业口碑和毕业生就业率。于此同时，双导师学生在完成毕业设计任务后，可将实习期间优秀经验与非毕业班学生进行相互交流，实现知识与经验的传承延续。
2.阶段考核
标准化毕业设计区别于课程设计，毕业设计的教学目标决定了毕业设计的高度与深度，更是统一毕业设计教学步伐的关键。从毕业设计的命题上看，学生可以选择单纯做空间概念设计，也可以选择结合市场实际，从材料、施工、商业运作等多方面考虑方案的可行性，亦或是从关注民生和社会等更高的角度去看待设计。学校可以通过毕业设计开题汇报的环节，对选题的意义与可行性进行论证，提高毕业设计作品选题的质量。于此同时，可以根据毕业设计过程中各个环节的特点聘请设计师加强指导。设计师针对设计方案的可行性和执行进展进行技术上的指导，从市场的需要出发，加强对毕业生实践能力的培养。对毕业设计进行中期检查，按照不同专业的特点制定中期检查提交的材料，比如室内设计或产品设计可以从方案、图纸、效果图、作品展示等不同方面做具体的定量考核，从宏观上统一和控制学生毕业设计进度。毕业设计答辩可以采取指导教师、评审教师、业主、行业专家四方共同参与的答辩模式，从毕业设计标准中的几个方面进行综合性的论证和点评。
3.设计表达
规范化毕业设计的论文要求要严格围绕设计概念，切忌讲空话、套话，应详尽叙述设计图纸的表达、材料施工的选择及最后作品展示的效果，对毕业设计理念、过程和结果进行完整表达。福建农林大学金山学院的郑一超同学通过对ZARA服装品牌进行设计研究，以品牌文化为前提，结合中国的历史和地域文化特点，将中国古典语言以现代手法诠释，从色彩、材料、空间等多维度进行详细推敲，对中西方文化结合进行了良好的思考和诠释。福建农林大学金山学院的许培榕同学，提取了安溪茶文化中“纯、雅、礼、和”的精神，将其与家具设计相结合，把自然景观中的意象形态（如溪流等）引入设计，运用提炼、概括、重构等方法进行组合，打造出具有传统文化特点的茶室室内空间。该生不仅在设计方案的选择上深思熟虑，而且还深入家具企业，进行了选料、开料、配料、做模、雕刻、组装等多个生产工艺过程的学习，将各工艺过程付诸实践，很好地完成了作品的设计。
二、总结
第3篇
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画;从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等;从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等;从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征。
艺术史上,绘画有着多种品类和样式。大致列举如下:
岩画 即绘制或凿刻于岩石上的图画。原始人在岩壁上刻下他们的信仰和种种生活印迹:狩猎、游牧、战争、反映生殖崇拜的男女交媾、怪异的人头像、手印、蹄迹……中国岩画分为南、北两大系统,南方岩画多是用颜料绘上去的,北方岩画则多是凿刻出来的。
漆画漆画是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺,战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地,有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器,花纹工细,有的漆奁描绘舞乐、狩猎情景,富有生趣。湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件,纹样精致,线条流利,状态生动,其中漆盂是现存唯一的秦代漆绘作品。
水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。狭义而言,水彩画是指用水彩颜料,以水为稀释媒介,在纸张上作画的绘画方式。通常有透明水彩(Transparent Watercolor)及不透明水彩(/Gouache)两大领域。随着科技的进步,新的绘画材料的生产,20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料,如Gesso、压克力、透明水彩液、水彩铅笔,都包含在水彩画的领域之中。
水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的。所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是,它没有水彩画透明。它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大。所以,它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象,而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。
工笔画在我国的传统绘画中,工笔画发展的历史非常悠久。从战国时期绘制的帛画,到唐宋艺术家的经典巨作,可以说,中国传统的工笔画,在上千年的时间里,从稚嫩逐渐走向成熟。元代以后,随着文入画的兴起,中国工笔画开始走向低谷,甚至被贬低为工匠的描摹之作,难登大雅之堂。直到20世纪80年代,工笔画在经历了几百年的沉寂后,开始逐渐复苏,并以前所未有的全新姿态迅猛发展。当代工笔画的复兴,体现了古代艺术传统的不断延续,同时也显示出了中国画艺术的新生和希望。
在中国画发展的历史长河中,工笔画以它刻画精细、传神,富有抒彩的艺术面貌而独树一帜。它的源头最早可上溯到战国时期的帛画。到了隋唐、两宋,大量画家、大批作品的涌现,使工笔画走入了发展的第一个高峰。然而此后不久,文人画逐步兴起,精描细写的工笔绘画,被看做是工匠的描摹之作,受到讥讽与贬斥。
中国工笔画随即走入了千年的沉寂。
装饰画装饰画是一种并不强调很高的艺术性,但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。装饰画以制作方法进行划分:印刷品装饰画、实物装裱装饰画、手绘作品装饰画等;以材质进行划分:油画装饰画、木制画、摄影画、丝绸画、编织画、烙画等。
拼贴画就是打乱时间序列,整体呈“心理结构”,局部仍用“传统写法”,巧妙剪辑、拼贴各个“画面”的一种新技法。它实际上是所谓“意识流”作品的一种“变体”,是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错,比较适宜于表现时间跨度大、空间变换多、思想容量丰富的题材。
.版画艺术版画是用刀子或化学药品等在木版、石版、麻胶版、铜版、锌版等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画分为四种;凸版、凹版、平版和孔版版画。
第4篇
它直接影响着下一步设计的发展方向，虽然还没有进入非常具体的设计工作，但是对于整个展示设计工作而言，具有非常重要的意义。前期策划工作可以分为两个层面：一是对展示活动进行必要的调查和分析研究，为上层的决策提供合理依据；二是提出整个展示设计的完整的概念设想和设计理念，为下层具体的设计人员提供准确设计基础和方向。
二、技术资料及展示资料的收集和分析
任何完美的设计作品，都是建立在一定的理性分析基础之上的。为了保证展示设计合理、预算准确以及最终展示效果的突出，必须熟悉场地的各种数据。首先，必须展示空间的场地的具体情况，现场获取相关空间的尺寸，了解照明设施、供电方式、电路插座等情况。除此之外，还必须了解相关的行业法规和各种文件规定。只有获得充足的技术文件资料，设计工作才能有的放矢，才能落到实处。
三、展示艺术设计阶段
显示展示艺术设计的艺术风格,空间布局,整体形象,彼此关系和色彩关系,等作为一个整体设计,是一种规划设计和设计的指导作用的具体的设计活动。在整个设计的过程中应该掌握一些基本的原则:一是统一的艺术风格。特定的设计来表达特定的风格,或古朴,或光,或怪异,或精神,体现在整体的艺术风格,使用各种材料、造型设计、灯光的处理应根据总体艺术风格。第二个是让空间层次节奏。展示空间的变化对整体设计至关重要,比如起源、过渡,介绍,,舒缓的,最终,安排不同的空间体验,给观众一个不同的心理感觉,以最大化总体设计意图和效果。三是集中在整体形象。它使用“企业视觉识别系统”建立总的主题形象。四是合理的资本管制。在整个设计过程中需要考虑的一个非常重要的因素,是基金的总体控制,同样的效果,不同的技术和材料,资金投入差别非常大,这就需要整体设计师熟悉不同的技术和材料的特点,以达到合理有效的使用资金,为了获得最大化的资本利用率。
四、显示技术设计阶段
为了实现艺术和设计的影响,设计师必须解决的技术问题在艺术设计的过程。在艺术设计的演示中,审批和确定,在使用技术语言和表达需要完全状态的设计意图,即开发技术图纸,施工生产的基础。包括技术设计图纸的具体内容的精确大小平坦,海拔高度,建筑照明和其他配置图等。有时画出不同比例的建筑细节。
五、展览设计和施工阶段
第5篇
普通课程的课室需求相对简单，可集中授课，而环境艺术设计毕业创作大部分需要用到电脑，而且是配置高的电脑，同时每个学生创作方向不同，很难像普通课程那样学。设计创作所需的设计软件也比较特殊，如常用的3DMAX效果图绘制软件，不同版本之间存在兼容问题，每个学生所用版本也会不同，而学校机房则为一体化软件版本，由此便给学带来难度。它的运行数据比较复杂，工作时所产生的数据会保留电脑的各个路径，如果统一到指定课室授课，学生则需要把未完成的创作文件归档拷贝过去再重新打开，这样经常会造成丢失数据或损坏文件，导致前功尽弃。综合以上问题，普通课室的安排无法满足授课需求。
2自由化工作室制毕业设计课程教学指导模式
就毕业设计课程教学目的而言，学生是主体，整个课程的教学过程老师扮演引导辅助的角色，整个课程周期长，将思维转化为设计图纸，需学生不间断地分析、归纳、完善方案。我校环境艺术设计班级约40人/班，定时定量的教学方式无法最大限度地兼顾到每位同学，因此，可借鉴工作室将上课学生分组教学，以办公类空间、家居别墅空间、商业酒店空间等为主干，将学生细分组别，有针对性地辅导，并且可加强学生间的相互讨论与竞争意识，达到市场分工细致的结果。设计类公司招商投标模式的浅层次尝试，使得毕业设计深层次地引导学生创新竞争意识。其次，以工作室制指导形式带动学生外出考察景点设计实例，从中搜寻设计元素与设计手法，正视学生对毕业设计与市场化需求的对接，加强两者之间的联系，可使设计落到实处，这便是高职院校培养学生职业技能的要求所在。
3毕业设计成果答辩与展示
3.1高职院校毕业设计成果答辩
由于高职院校教学特点，毕业设计课程学分的修读可借助校内毕业设计与校外毕业实选一的模式开展，实习期间设计案例作为毕业设计成果记入该门课程学分修读部分，由于大部分学生提前进入社会，致使毕业设计课程修读后期对毕业设计答辩流程不够重视，使得部分学校缺失该过程。而校外实习学生工作情况记录方面，由于从事设计类工作职位多为制图类岗位，接触客户机会有限，缺乏对自我设计作品的表述机会，就高职院校设计类学生毕业设计答辩形式而言，近年来随着高职院校的发展，已逐步重视市场对设计类学生口才表述能力的要求，销售自我设计产品转变为设计师自我修养的一种能力，例如对于尚品宅配这样的驻店设计师而言，直接面对客户谈单成为设计师的主要业务收入。这就要求高职院校加强对学生自我表达沟通能力的培养，但由于发展时间短，经验不足，对毕业设计成果答辩的重视程度还需加强。其中学校部分可通过答辩内容、答辩场地、答辩委员会成员的设定，加强对该过程的重视，以此给予答辩学生一定的压力，从而锻炼其表达能力。
3.2高职院校毕业设计成果展示
观察广东地区各大高校艺术类毕业设计的展示模式，有以下几种：第一，借助学校自身的展厅等硬件设施，以校内展示为主，借助于校企合作等平台，邀请兄弟院校领导与校企合作企业领导到校内观摩毕业生作品成果，其中美术学院的此种展示成果最为有效，借助院校自身能力发展壮大。第二，以校内展示与校外展示相结合，选定校外一公共场地，由老师带队，学生干部负责的形式将学生优秀毕业设计作品送出，以此锻炼学生策划、布展、宣传能力，向社会公开化地展示学生作品，也可起到宣传学校教学成果的目的。第三，借助互联网平台，以网络展示的形式展出学生优秀作品。将学生作品展示出来，经历市场人群的检验，以便搜集意见，提高设计能力。
4结语
第6篇
课程改革首先从最基本的课程名称着手，随着社会的发展该课程名称出现了如下几个问题。
1.对于专业性而言课程名称设置大而空泛、没有针对性，对艺术设计学科的学习和研究方向阐述不明确。
许多其他非艺术类专业也开设有同类的课程，如某些高校的市场营销学专业、企业管理学专业等。这也从一个侧面说明企业形象设计是一门涵盖了多个学科知识、专业方向且综合性极强的多学科知识结构集成的课程。艺术设计的学科知识结构单一，主要是从视觉艺术的表现上来完成此课程的教学，无法满足名为“企业形象设计”课程教学的需要，所以艺术设计学科在设置该课程名时应该抓住艺术设计中“视觉艺术”的关键特征。
2.对于目前艺术设计学科的学习内容和设计对象而言，该课程名称小而片面，未能全面解释和表述该艺术设计专业课程所学习与研究的对象和内容。
以前的企业在品牌建立上确实比较单一，企业拥有多个独立产品牌形象的情况比较少，跨行业做多品牌的企业更少，大部分企业的企业名即为产品品牌名，如IBM、麦当劳、太阳神等。在此情况下做企业的视觉形象设计基本都能全面覆盖企业和产品品牌的视觉系统，品牌形象和企业形象基本一致，而随着经济的发展和市场竞争的需要，更重要的是媒体的快速发展，产品品牌形象这一能与消费者发生直接关系的形象系统更深入人心。一些企业为适应市场竞争和占领更大的市场，改变原有的经营模式，开始创建和拥有多个独立品牌，启用多品牌战略。每个独立品牌都能建立独立的视觉形象系统，此类企业的例子比比皆是。如：宝洁公司旗下多品牌的洗护品牌产品，腾讯公司旗下众多独立品牌的互联网产品，房地产公司旗下多个独立的小区和楼盘，等等。这类企业旗下都拥有多个独立的产品和品牌形象，品牌都隶属于企业，但在没有为子品牌单独成立子公司的前提下只能算是企业的一个组成部分，并不能简单地用“企业”二字代替。在做产品品牌视觉系统设计与企业的视觉系统设计时，就设计对象不同而必然会产生差异。但作为设计专业课程而言，两者的教学内容和设计方法与过程又基本相同，只是针对的对象不同而已。单独为品牌形象设计开设一门独立的新课不具合理性，统一命名为企业形象设计又并不合适，而且目前有许多非企业也可做视觉形象系统设计，如球队、商会、协会、学校等组织和单位，这些组织和单位可能都与企业有一定的关系，但与商业化的企业属性并非完全相同，都定义为企业也不合理，所以课程名称设置为企业形象设计则是极为不妥和片面的。综上所述，企业形象设计课程更名是符合当前社会发展需要和教学需要的，是能使学生将学习的知识与社会实践紧密结合的。若更名则必须遵循以下的原则：（1）能贴合艺术设计学科的专业方向和特征；（2）能全面阐述设计的对象和内容；（3）紧贴社会和时代的发展，一切从实际出发。更名时必须取消对象为“企业”的局限性，扩宽设计对象的定位，确定视觉艺术的方向。将课程与其他专业学科的课程区别开，并去掉艺术设计专业的知识结构无法覆盖的部分。我认为直接还原其英文直译，更名为“视觉识别系统设计”更为准确。
二、课程开设所针对对象的改革
课程开设的问题：课程开设所面对的专业学生范围小。目前该课程的开设对象一般为视觉传达专业的学生，而环境设计的学生并未开设，使得环境艺术的学生在设计时无视觉形象统一的概念，这对环境设计学生在做工装设计时的整体性、规范性不利。要解决此问题就必须将此课程面向艺术设计的环境设计专业学生开设，让学生针对企业和其他非企业的单位做工装设计时应全面了解视觉识别系统的统一规范和应用要求。
三、任课教师教学形式的改革
课程教学形式的问题：教学老师单一。该课程包含了视觉传达专业和环境艺术专业的设计内容，而教学却基本以视觉传达专业教师独立教学模式为主，教学内容片面，知识结构不合理。特别是若针对环境艺术专业学生开课时，问题更为明显。教学改革可用视觉传达和环境艺术的教师配合授课的模式开展，完善课程的知识结构，丰富教学内容。四、课程联系性和系统性的改革其他课程的开设与该课程教学的关系与问题：本学科中的其他课程与视觉识别系统设计课程教学不够系统。虽然此问题并非是该课程的开设和教学中的问题，但间接地影响了学生对该课程的系统学习和理解。该课程是让学生学习设计知识与技能，培养学生学会如何整体全面地考虑设计内容，规范统一地制订设计方案的能力，而且是综合设计性很强的专业课，而本专业的其他专业课程是学习此课程的基础，也是此课程学习内容中的各个部分，如字体设计、标志设计、包装设计、广告设计等。要使该课程教学效率提高就必须系统地将本专业的其他专业课程与其有机联系并结合起来，让学生容易理解系统设计和规范设计的概念。
四、结语
第7篇
中国画的工具和材料基本上是由笔、墨、纸、砚来构成的,人们通常把它们称为“文房四宝”,大致是说它们是文人书房中必备的四件宝贝。因为中国古代文人基本上都是或能书,或能画,或既能书又能画的,离不开笔、墨、纸、砚这“文房四宝”。
一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。
最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。
现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”
等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。
一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。
在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭<汉官仪》
记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。
从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。
中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。
我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。
说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。
中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。
三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。
纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。
一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。
从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。
中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。
除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。
四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。
不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。
在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》
中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:
笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。
臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。
诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。
笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。
笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。
笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。
墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。
墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。
镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。
水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。
砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。
第8篇
民间美术艺术承载着来自古代的文化、哲理、审美、民俗等多方面的集合，是中国历史文化的瑰宝，呈现出色彩斑斓的赋色体系和丰富的文化内涵，并以富有深意的造型和充满地方特色的材质代表了某一时期某一地域内呈现的人文环境。民间美术艺术也因文化中心的多次迁移而表现出多层次、多元化的现象。在国内，对于民间美术的分类也有多种看法，如李锦璐先生在《对民间美术的一些认识》中进行的分类，包括：“日常活动、节日活动、祭祀活动所表现出来。”而邓福星先生则在《论民间美术》中将其归为：“供奉、宅居、服饰、器用、贴饰、游艺等六类。民间美术的分类繁多，工艺也各有千秋，在人们日常生活中的各个部分都有所表现。小到陶瓷玩具、剪纸、刺绣，风筝。大到雕塑、泥塑、建筑石刻，还包括一些特色的小吃玩意儿：糖人、面花面点等。它美化了物品的功能，并赋予它们新的审美意义，全方位的体现了当时社会环境下人民生活的现状。
二、美术设计中可对民间艺术的选用
（一）民间色彩
我国的民间美术具有悠久的文化历史和人文内涵，其在色彩的选用上更是五彩斑斓，富有深意。就像瑞士心理学家卡尔．琼曾说的：“色彩是潜意识的母亲，它可以唤起人们早已忘怀的记忆和情感。”奇妙的色彩语言在民间美术中的运用凸显艺术的文化性，是创作者与受众进行交流对话的语言形式之一，具有装饰、象征、寄托等多重功能。民间色彩的应用不是纯粹的随心而定，根据情感来搭配，而更多的是在生产活动与社会交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩观念中形成的阴阳五行说和趋吉避凶的世俗心理，或是对单种颜色的色彩崇拜。现代社会是视觉时代，而色彩在视觉中带给人更多的情感导向，让人在第一感官中产生或明快，或沉静，或绚丽，或素雅的印象，与人们的生活紧密相连。服装的颜色、建筑的颜色、商品的颜色甚至是整个城市的颜色基调，很大一部分都需要色彩的仔细搭配。美术设计作为以视觉为主的艺术设计形式，更需要来自民间色彩搭配的借鉴。
1、单色崇拜
人类对色彩的最初认识就是从单色开始的，根据科学调查，人类从婴儿时期开始识别黑白两色，也就是说从出生开始到4月后，人眼中的世界从主观认识上是如同黑白电影一般的，到后来随着各项身体机能的成长才逐渐识别到其他颜色。而黑白两色的简单搭配，也被赋予了“一生二，二生三，三生万物”的八卦变化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”，到了秦朝，秦始皇统一六国之后认为：“今秦变周，水德之时。昔秦文公出猎，获黑龙，此水德之瑞。”于是秦更命河曰：“德水。”“以冬十月为年首，色上黑，度六为名，音上大吕，事统上法。（《史记•封禅书》）”又回到了黑色崇拜。人们对某种颜色的喜爱似乎代表了某个时代的特殊印记，确又在历史的前进中周而复始。在现代美术设计中，设计师总是利用色彩的视觉冲击来吸引观者的注意，而单色所彰显的精炼感能带给受众更丰富的内容和更强的冲击力，对主题所要表达的情感以简单直白的形式呈现给大众。民间色彩中所流露出的简洁、鲜明、响亮让现代美术设计增加几分“少即是多”的美感。一来可以表明艺术品的整体基调，二来通过人们对民间色彩含义的某些固定印象，完成对信息的传递与输出。
2、五彩彰施
从单色到五色，人们将颜色与阴阳五行学说结合在了一起，成为认识天地、自然与与神灵相接的重要思想。我国传统的五色是指：“青、赤、黄、白、黑”，与古代朴素的唯物主义理论“五行说”相对应，如董仲舒在《春秋繁露．五行之义》中所提到的：“木居左，金居右，火居前，水居后，土居中央。”就是将五种颜色配以五行的对应说法。因为五行之说是相生相克的，所以在颜色的搭配上也有诸多的可与不可。民间美术色彩的对比从色相上来说跨度很大，而且多使用补色、冷暖对比，显得较为浓烈或夸张，极具表现力。如在民间木板年画的色彩应用中，为了让整个色调更加有节日的喜庆效果，用“红配黄，喜煞娘。”等搭配方式，让红色从侧面引发人对火的联想加上黄色的亮眼，无形中就将我国传统节日的气氛表现了出来。现代美术设计过程中，充分借鉴民间色彩搭配，能对文化内涵有更深刻的认识，如一些复古的服装服饰，将现代工艺之美搭配上民间色彩的绚丽，创造出极具本国特色的民族服饰。又比如在广告设计中加入各种民族色彩标签，将城市所象征的颜色作为某种文化输出，实例是北京的出租车就将黄色作为基本色，与北京“皇城”的身份相匹配，然后选择四方的八种色，代表祖国的四面八方。
（二）民间艺术造型
民间美术作为一种造型艺术，呈现给大众的不仅仅是奇特、宽博的造型方式，同时也包括了在进行这项运作时所剖析到的创作手段、社会背景、文化内涵、民族情怀等等。艺术造型是千人千面的，极富有想象力和主观能动性，但会通过相互影响而在某一地区形成独特的定势。但从创作的思维方式上来说，中国民间艺术造型也与世界其他国家的艺术造型有共同点，如法国、苏联等地出土的“丰产女神”像与我国辽宁红山文化女神裸像有异曲同工之妙。就像一位先哲所说：“人类趟过的是同一条河流。”即便如此，各个地区的人民也因各种因素的影响，还是呈现出多元化的艺术状态。中国民间造型艺术迎合着古代历史文化的潮流，展现出不同寻常独特的魅力。“以大为美”、“以生为本”、“对称性特征”、“造型的完整”是本国民间艺术造型的几项特点，也为本国的各类造型艺术提供了丰富的涵义，如比喻剪纸中出现的“双鱼石榴”、“莲花娃娃”，泥塑中出现的“虎头帽”、“猪头鞋”等等，都从坦诚的反映出民间劳动者对生命、自然的真挚情感。在现代文明高度发展的今天，我们越来越开始关注文化的民族性和本土化，在诸多的现代商品中，在功能作用得到极大满足的前提下，人们逐渐返回到对产品的传统性、手工性及自然感的关注，如一些以现代人物、生活为题材的新年画报又重新回到了人们的生活中，还有一些传统造型的商品以新材料仿旧制造后又成为人们的陈设把玩。现代美术设计在点、线、面的分割组合中需要图形本身包含的涵义和文化来支撑。
三、结语
第9篇
中国汉字经历了几千年的历史，同时也经历了一个完整的演变过程，也正是由于中国汉字的历史悠久，导致了中国汉字自身具备深厚的思想文化内涵。汉字的发展充分的体现了中华民族的创新精神与中国人民的智慧，它拥有着其他艺术门类所不及的特殊意义。中国书法艺术将汉字作为素材，将形式美作为书法艺术的一个创作准则的传统艺术，它拥有博大精深的文化内涵与不同于其他文化的文化魅力，为我国的文化发展增添一定的色彩。通常，中国书法艺术表现力是比较丰富的，书法艺术能够应用简单的色调表现出我国丰富的文化内涵。它是人类思想的一种物化，是中国人民智慧的一个有力的表现形式。但是，由于当前信息时代的到来，电脑已经被广泛的应用，久而久之，键盘的使用逐渐的取代了手写，这大大的削弱了书法的实用性，导致了东方笔墨韵味逐渐的消失，传承书法艺术已经陷入了一个紧张的环境当中。
2我国书法艺术与服装设计之间存在的联系
书法艺术与服装设计看似两个没有联系的文化因素，从本质上看却存在着很大的联系。两者从本上看都由实用功能演变到审美功能的一种艺术，并且在演变的过程中，书法与服装经历的过程与性质是相同的。对于书法艺术而言，它属于中国独特的文化艺术形式，是中国特有的一个视觉符号，拥有着强烈的视觉冲击力与重要的艺术价值。而服装设计，要抓住消费者的眼球，就必须具备一定的国际元素，同时还要拥有一定的民族性的特点。书法艺术在当今世界上受到了广泛的关注，为此，在服装设计
的过程中还要汲取书法艺术的精髓，将书法艺术应用到服装设计当中，对推动服装设计实现自身的生命力与艺术的价值有着十分重要的作用。
3中国书法艺术在服装设计中的应用分析
书法艺术在服装设计中的体现需要从直接体现、间接体现以及应用实例进行分析。
3.1中国书法艺术在服装设计中的直接体现
书法也似乎在服装设计中的体现可以从刺绣以及补花、贴花等方面实现。
（1）刺绣艺术
刺绣又被称之为针秀，属于中国传统的手工工艺之一。中国传统的刺绣主要包括苏绣、湘绣以及蜀绣、粤绣这四大门类。它的主要用途包括艺术装饰，如服装、床上用品等等装饰。但是，需要注意的是，在现代刺绣工序中，要摒弃传统刺绣费时、费工的缺点，优先的考虑机绣。将书法艺术体现在服装设计中，使服装设计更加的美观，更具视觉冲击力。
（2）补花、贴花艺术
补花与贴花艺术都是将面料剪成书法作品并附在衣物上，两者之间的不同之处在于补花的固定需要通过缝缀进行固定，而贴花的固定则需要应用特殊的粘合剂进行粘合。
3.2中国书法艺术在服装设计中的间接体现
书法艺术在服装设计中间接的体现主要表现在将书法所表达的已经以及艺术的情感与服装设计的理念相结合融入。中国书法主要分为楷书、行书、隶书、篆书等书法，我们将主要对楷书与行书在服装设计中的应用进行分析。
（1）楷书艺术
楷书产生与汉末，盛行与魏晋南北朝时期，它又被称之为正书。楷书在中心的安放、笔道长短以及两笔相交要求都是比较严格的，书写着一定要按照顺序一笔一划的进行书写，这一定程度上束缚了作者的创造力。而将楷书与服装相结合，将楷书应用在服装设计当中，创作者可以根据缠绕、包裹等方式制作出方正、挺拔等特点的，同时具有束缚感的、特有创意的服装。
（2）行书艺术
行书大致出现在西汉晚期与东汉初期，它是在楷书基础上发展起来的。行书介于草书与楷书之间，是为了能够弥补楷书的书写速度过慢以及草书书写潦草的缺点而产生的。在我国行书最著名的代表作品就是《兰亭序》。行书将就的是收放结合，疏密得体等。在书写行书的过程中需要书写者将轻松、活泼、以及动与静完美结合起来，确保能够将行书的气质充分的表达出来。在服装设计中，创作者也正是根据行书的特有气质进行服装设计，很多服装设计中有着悬垂的褶皱，还有一些不规则的设计，灵感都是来自于行书云流水般的特有气质，为服装设计增添了更多创作的灵感与色彩。
4结语
第10篇
1．1艺术文化艺术是人类在长久的生活中对美好事物所进行的发掘、应用的情感创造活动，而艺术文化则是将这些情感活动整合并形成的一定价值取向。艺术能让人的对外物的看法呈现出截然不同的看法，它将人与人按照思考方式、兴趣爱好划分开来，形成一个又一个的“小集体”，提供与志同道合的人一起分享自己的观点、看法的平台。富有艺术感的人，也就是掌握了对美的感受力、鉴赏力、创造力，善于以独特、新奇的视角看待问题，最后得到情感的升华、净化，从而了解生命的含义。文化的意义在于将生命中具有价值的东西保存下来并传承下去，而艺术文化则是留住了生活中更多的美好情感，且内容形式上包含了生活中的各方各面。如音乐、美术、雕塑、建筑等等不胜枚举的形式，这些表现形式对艺术的理解与表现是大相径庭的，但都从不同侧面展现出了对生命的感悟与认识。而艺术文化的价值主要体现在文与质的关系中，古语有云:“质胜文则野，文胜质则史，文质彬彬，然后君子”，而艺术就是在不停的找寻“文”与“质”的平衡点，让保留下来的艺术文化真正的做到“文质彬彬”，以更合理的方式运用到现代设计中来。
1．2建筑设计建筑是我们生活中必不可少的一部分，也是艺术表现的主要形式之一。黑格尔就曾在《美学》中指出:“建筑无论在内容上还是表现方式上都是地道的象征性艺术。”建筑就是这样一个集时空、自然、人文于一体化的综合性艺术表达空间。因不同地区、民族的建筑功能与审美的差异性，风格迥异的建筑遍布大江南北。建筑设计需要考虑的方面也就有很多:如物体的形状、平面场景的布置、框架结构造型、材料的长短比例、色彩的质感与空间感及建筑的装饰、雕刻、花纹等多样，且需要随时更新科学的技术与设备来保障实施安全，满足人体工程学的各项要求。艺术文化在建筑中的“文”与“质”，就如同《文心雕龙》中提到的一样:“虎豹无文，则鞹同犬羊;犀兕有皮，而色资丹漆;质待文也。”内在的实质往往需要外在的表现形式。无论是古今中外哪一类型的建筑，都很难形成内外的完美契合，将艺术文化的内涵深入到建筑的一砖一瓦、一梁一柱中，再由整体表达出来。建筑设计存在的意义就是要将艺术文化完美的融合到设计理念中，达成建筑物内外合一的完美境界。
2建筑设计与艺术文化的发展渗透
2．1早期艺术文化的参与在建筑的早期设计中，实际用途占据较大的比例，就像原始人寻求山洞的庇护，最初的建筑也是人类为了自身安全与舒适考虑而建造的居住活动场所。对于那一时期的建筑来说，实用性是最为主要的，审美只是起到辅助作用。但随着人类社会的不断前进，在物质基础不断满足中，对于情感的需求也随之上升了。社会中的政治、经济、文化、艺术都与建筑设计产生了紧密的联系，艺术文化为建筑带来了视觉享受，也带来了建筑在造型、选材、构想方面的美学逻辑思维，甚至在一定的时期将建筑物作为某种信仰文化的代表，成为某类思想的识别标志。如我国北魏时期兴起的寺庙建筑，融合了中国特有的祭祀祖宗、天地的功能，选用平面方形、南北中轴线布局、对称稳重且整饬严谨的建筑群体，且根据所供奉的佛像的不同，大多数寺庙都有自己独特的装饰风格或布局，这些差别大多体现在大殿装饰、门窗雕花、寺庙院落布局等，还有一部分是根据当地的地形来修建，如山西省的恒山悬空寺，就是一座凌空架起的寺庙，上载危岩，下临深谷，处于金龙峡谷西侧绝壁的山腰上，造型与选址都十分具有特色。
2．2中期工艺结合工业革命的兴起，为建筑的修建带来了新材料、新能源，也促使了建筑设计方向的转变。工艺美术运动的开展，为设计提供了“美与技术结合”的新标准，尝试用新方法来诠释设计与环境、自然、人文之间的关系。到20世纪初期，绘画艺术与雕刻艺术成为建筑设计实现理论创作的基础，将艺术活动中的文化内涵输入进来。反之，建筑设计也为其提供了广阔的表现舞台。艺术文化与建筑设计已经逐步渗透，在工业革命后的新环境下逐渐的改变着人们的生存环境亦或是生活方式。但就初期的经济状况来看，我国大多数民众对建筑设计要求还是停留在实用性要强的阶段，这是当时生活条件并不富裕所造成的，过分的追求建筑的功能作用，对审美方面的装饰物品却有着较为简单的要求。在建筑设计的工艺结合中偏向重视“工”的比例，增加物品的工业数量，实际是对物体本身的精神性的分离。
2．3现代新关系从工业文明开始，建筑设计与艺术创作渐渐被划分成两个截然不同的专业或领域，认为建筑设计中的科学性、严谨性与艺术创作的随意性、开放性是不能归为同类的。其实不然，建筑设计与艺术文化之间是相互渗透、相互影响的关系。在建筑设计的造型、布局、装饰中需要考虑到美学规律，然后再根据实际情况运用建筑相关知识计算、测量，保障建筑的安全合理性。没有艺术构想参与的建筑设计是缺少真正核心力量的模仿品，只是冰冷的建筑，难以完成人的情感流通活动。而艺术文化也需要通过建筑设计来完成与时俱进的时代任务，从应用的过程中不断更新对美的认识及表现手法，设计中的技术与艺术相互作用，在传承古代智慧结晶的同时也在供应着新鲜血液的流动。文明的发展推动着人们思想的进步，人们开始重新审视科学、技术、设计、艺术几者相互的关系，并了解到它们在内在本质中就是一个总体，是可以互通的。但需要开阔的眼界和丰富的知识积累，才能从中剖析出它们的共通之处。
3结语
第11篇
（一）缺乏传统文化的认同感和继承观
传统文化是中国劳动人民的智慧结晶，是中华文化历经千年下来的历史积淀。然而到了现代社会，由于各种文化思想的交融以及价值观念的冲击，当代国人对于中华民族传统传统文化的认知程度越来越低，到这很多文化传承开始出现断层，民族文化与民族信仰岌岌可危。尽管现代国人的经济水平提高了，也展现出强烈的时代感和与时俱进的精神，但是缺乏传统文化的认同感和继承观，就会导致精神的空虚。同样对于中国现代动漫创作来说，在动漫创作中过于追求现代化以及泛西方化，对于传统文化中艺术创作方法、技巧、形象、构造、色彩等未能有效地利用，不能够对传统文化中多种多样艺术形式和元素进行传承，动漫创作中文脉缺失严重。
（二）形式华丽而内容空洞
对于中国现代动漫创作中，创作形式被认为是动漫创作核心，而题材内容则是次要的。这种片面的观点导致了当前动漫界认为只要与民族文化沾边的动漫就是民族动漫，用民族风的形式进行人物塑造以及动漫形式就是民族动漫的发展方向。这一错误认识就导致了中国现代动漫在形式上达到了民族化的要求，在精神以及文化内涵上却远远达不到，造成大量的肤浅、片面民族化动漫作品的出现。中国传统动漫强调动漫与美术之间的联系，将中国传统绘画作为动漫“中国风”的表达形式。在造型上多讲究写意和黑白色彩的对比运用，用线条去还原人、物的本来形象。而现代动漫作品过于追求西方动漫艺术的夸张的造型表现人物的性格和外貌特征，这就导致了中国现代动漫作品越来越失去本民族的文化传承。
（三）满足不了人们日益丰富的精神文化需求
随着经济的发展，现代人对于动漫的要求也正在逐渐发生变化，其审美取向逐渐从传统形式的审美风格转变为现代化气息浓郁的文化艺术表现形式。现代作品讲究快节奏，观众能够通过欣赏现代动漫作品缓解快节奏的社会生活带来的工作压力。而中国传统动漫作品注重寓意的表达，在观众观看动漫作品的时候能够得到一定的思想教育，因此其创作形式过于注重说教，创作思维模式上较为固定和僵化，满足不了现代人日益丰富的精神文化需求。同时现代动漫创作缺乏创新，多沿用传统动漫的创作形式，导致动漫作品形式上显得僵硬和呆板，内容上缺少轻松、诙谐的幽默元素。尤其是是对于现代的“90后”、“00后”，其接受的西方思想较多，他们更倾向于欣赏时尚、新鲜的现代艺术作品，而对于传统说教式的动漫作品认可度较低。
（四）缺少本民族的文化特征
随着经济全球化的不断推进，不同地区的文化开始融合与演变，文化产品的顺势倾销和价值观念不断向全球渗透。对于发达国家来说，其文化发展相对强势，对于其他国家的文化冲击也较大，尤其是对于我国现代动漫作品来说，西方文化的强势渗入导致我国动漫民族化元素缺失现象越来越严重，中国现代动漫呈现出被西方动漫同化甚至被其取代的困境。例如风靡一时的《我为歌狂》动漫作品中，其整体人物造型、情节构造以及表达形式多采用西方动漫的方式，而中国元素只是其装饰的外衣，类似的例子还有很多。从这个案例可以看出，在西方文化的强势冲击下，我国很多动漫创作者过于追求西式风格，丢掉了本民族的文化传承。
二、促进传统文化和动漫艺术设计创新性融合的策略
（一）汲取优秀的传统文化元素中华文化传承
不仅仅是通过口耳相传或者是文字记录来传递、传接中华传统文化的民俗内容。更重要的是传承本身就形成了一种文化，是一种“传递”的文化，是中华传统文化不断演变的文化。中华文化是中华民族价值观、人生观、世界观的历史积淀与文脉传递，因此对于动漫创作来说要汲取优秀的传统文化元素。在文化汲取中要注重以下特点：①多样性。中华文化源远流长，其通过多种多样的传递方式来进行传递，其中包括诗歌唱诵以及音乐表演、戏剧、舞台剧等肢体行为表演、书籍文字记载以及观念意识传承，因此在动漫创作中要注重对于不同形式的文化作品的吸收；②发扬性。中华传统文化也不完全适应当代社会的发展，因此在动漫作品创作中要“取其精华，去其糟粕”，吸收传统文化中积极向上的元素，摒弃将那些消极否定的文化元素。
（二）促进神话、历史等题材与动漫艺术设计的结合
动漫是随着社会经济发展产生的文化艺术，因此动漫的创作要能够跟上时代的发展潮流，能够针对出特定时期观众的审美观点。面对当前中国现代动漫作品中创意不足的现象，应该从传统的题材以及内容入手，将传统元素与现代表达形式结合起来，促进神话、历史等题材与动漫艺术设计的结合。将中华民族文化中民间故事、神话传说等文化载体用动漫的形式传递出来，深层挖掘传统题材，将其赋予鲜明的时代含义，将其蕴含的精神实质、思想感情、表达线索等深层次的内容用现代动漫艺术展示出来，让观众在观看动漫作品的同时，能够深受动漫作品中的传统文化元素的感染，从而增加动漫民族化元素。
（三）增强动漫艺术的创新意识
对于中国现代动漫发展来说，将民族传统与现代动漫有机地结合起来，将丰富多彩的中华民族文化与鲜明、快节奏的现代动漫表现形式联系起来，可实现中国现代动漫产业的快速发展。为了增强民族动漫的创新意识，提升民族动漫在国际动漫市场的竞争力，在中国现代动漫作品创作中应该深层次挖掘传统元素，将《沉香救母》、《大闹天宫》、《白蛇传》、《水浒传》、《三国演义》等一大批传统文化作品搬上动漫银屏，将创新性的理念贯穿整个创作过程，大胆创新动漫题材，将先进的动漫创作技巧、手法与作品创作有机地结合起来，让中国动漫产业在新时期泛发出新的活力。
（四）注重传统文化美德与动漫艺术设计
融合动漫作品的创作目的不仅仅是让观众欣赏到精彩纷呈的动漫作品本身，而是让观众在欣赏动漫作品的过程中，不知不觉地将真善美等积极向上的思想传递给观众。因此对于动漫作品的创作来说，要注重对于传统道德的弘扬，通过塑造的具有优良品格的人物，能够向观众传递正能量。例如以中国二十四孝故事改变的动漫作品《中华德育故事》，其通过动漫的方式将郭巨、董永、黄香等孝子的感人事迹呈现出来，从而对于年轻的观众心理产生较大的触动，从而对于父母更加孝顺。因此动漫作品在创作中一定要注重与传统文化美德的创新性融合，将传统文化中孝顺、忠诚、诚实、守信等美德元素用动漫艺术的形式展现出来，心灵上与观众产生真善美的共鸣。
三、结语
第12篇
1.香港地区
早在1840年之前，香港还只是一个仅仅约有2000名居民的小渔村，从地缘关系而言，香港是珠江三角洲的组成部分，从文化的角度来看，香港的主流文化仍然是岭南文化的一支。在被割占之前，其经济、文化和社会政治制度与祖国大陆一脉相承，其艺术设计教育也是中华师徒问艺、父子相传的古老形式。自英国强占开埠以来至1950年代，香港地区由于特殊的地缘和行政归属关系，其美术教育和艺术设计教育作为香港文化的重要组成部分，接受次生的西方文化的影响早在英国侵占香港不久后就开始了，只是难以形成大气候。教会学校旨在传播教义的教育却在客观上开启了香港美术和设计教育接受西方影响的先河。就殖民当局而言，兴学办教育、开启民智显然不是他们的主观意愿。20世纪初期最先对香港的美术和艺术设计教育形成直接影响的是一批归国留学生、内地新式学堂毕业的青年学子以及去香港谋生的内地美术人员，他们通过开办专门的私立美术学校、设帐授徒等多种形式，为香港的美术教育和艺术设计教育奠定了最广泛的社会基础。1930年代，大陆爆发，许多经停、落户香港的美术和艺术设计教育人才，对香港的艺术设计教育产生了比较大的影响，这一期间成为香港地区的民族艺术发展的黄金时期，艺术设计教育也取得了很大的发展空间。然而殖民当局的不作为，殖民目的性很强的教育，不仅剥夺了香港大多数人接受教育的权利，也使香港地区的美术教育、艺术设计教育没有更大起色。“在50年代以前，香港的美术教育不能与祖国内地的主要省市相比较，无论是中小学美术教育还是高等美术教育，香港政府都没有予以资助。因此，香港美术教育的发展，也主要是在60年代之后”
2.澳门地区
澳门自古是中国珠海地区的一部分，澳门文化与其近邻珠海地区的文化属于同一文化系统。澳门地区四百多年的割占史、一个半世纪的殖民史，让其艺术设计教育既缺乏祖国大陆的沧桑多变，也逊色港台地区较早的自觉。在20世纪80年代之前，澳门根本没有专门的美术院校，更没有进一步的设计学院甚至设计专业，除却传统的师徒制教育，近现代化的艺术设计教育几乎空白。因而澳门地区对现代艺术设计教育理念的接受尤其迅捷。1987年4月13日中葡“联合声明”签署并公布，澳门社会从此进入过渡期，“一国两制、澳人治澳”的政治框架使得澳门高等教育必须立即承担起培养澳人高级人才的重任，为此，1988年澳门政府收购东亚大学，它标志着澳门高等教育进入公营和全面发展的时期。这为澳门艺术设计教育的肇始提供了契机。
3.台湾地区
台湾地区的艺术设计教育主要分为三个阶段：
1、之前根植于祖国大陆的传统艺术设计教育；
2、日据时期的艺术设计教育；
3、后的艺术设计教育。台湾文化作为闽广江浙泛文化根脉的延续，之前，其艺术设计教育与祖国大陆一样传承着师徒问业、艺徒相授的古老形式。1894年甲午一役，台湾沦为日本的殖民地，自1895年至1945年，台湾开始了半个世纪的日据殖民时期。台湾殖民教育史、美术教育史和艺术设计教育史发端的重要人物是伊泽修二，1895-1897年其出任台湾总督府学务长间，为推行殖民教育，引入日式近代教育系统，包括1897年开设的艺术设计教育的前身———图画教育的体系。1896年，台湾首次发行的报纸台湾新报，拓展了艺术设计的运用空间，使人们对近代艺术设计和艺术设计教育有了更直观、更前位的认识。1912年台湾公学校规则改正令规定：公学校全面设立图画教育（“公学”是被殖民者就读的学校），岛民的艺术设计素质自此有了比较普遍的提高。1921年、1922年总督府相继为公学校师生编印图画教科书，1936年总督府编印《初等图画》，殖民教育开始重视图画教育与实际生活的关系。1939年学校技能养成令公布，是年派颜水龙赴东南亚、中东考察工艺，这些举措推动了台湾的工艺美术和工艺美术教育的发展，颜水龙成为本土设计教育发展的强力推手。通过对日据时期台湾艺术设计教育的分析，我们不难看出：
1.作为殖民教育，此时台湾艺术设计教育的发展仍然是缓慢而被动的，其目的主要是通过所谓“有用的学术”消灭台湾人民的民族意识，坚固其权；是为了培养低级的办事人才，作为剥削台湾人民的工具。
2.在日本殖民者“内地延长主义”政策的影响下，实施工业日本、农业台湾的发展策略，台湾艺术设计教育显然不会有大的进展。台湾地区现代艺术设计教育真正的肇始当在光复之后。
二、艺术设计教育接续发展情况的比较
大陆与港澳台地区艺术设计教育的肇始不同，社会背景各异，其艺术设计教育的接续发展也各自迥异。
1.大陆地区
大陆地区近代艺术设计教育萌发于清末的时期，然而其“中学为体，西学为用”封建思想指导下的教育改良注定未能成功，清政府派遣的留学生、新学堂培养出的学生，以及所练新军，却成为革命的基本力量。1912年，民国政府成立，就内部环境而言，新兴资产阶级开始登上政治、经济舞台。外部环境而言，偏安于一战战场，英美等老牌资本主义国家因战事暂时放松了对中国的经济掠夺和剥削，中国赢得了空前的发展，建立在经济基础上的艺术设计教育迎来了近展的新际遇。作为民国教育总长，对近代艺术设计教育做出了许多积极的贡献。他通过行政措施首重图画、手工教育，促使艺术设计教育取得了前所未有的地位，为二、三十年代设计教育的中兴奠定了制度上的保障。此时中兴的重要表现为：
1教师方面：陈之佛、雷圭元和庞薰瑢等为代表的设计教育家名流辈出。
2学校方面：仅之后的数年间，浙江两级师范学堂、国立北京高等师范学校、国立南京高等师范学校等以开设图案手工教育为特色的公、私美术学校如雨后春笋一般涌出。
3教材方面：《图案讲义》、《图案法ABC》、《图案构成法》、《工艺美术技法讲话》等图案、工艺美术教科书接连出版。
4设计从业人员方面：设计人才灿若繁星，比如从事广告设计、插图、纺织品图案和月份牌画的名流蒋兆和、叶浅予、张光宇和张正宇兄弟等，从事过书籍装帧设计的鲁迅、陶元庆、丰子恺、丘堤、孙福熙、钱君匋、司徒乔、叶灵凤、闻一多等，在月份牌画方面成就突出的有吴友如、郑曼陀、周慕桥、杭穉英和徐咏青、周柏生等人。5外来学习方面：这里尤其值得一提的是1929年陈之佛既在《东方杂志》第26卷第18号发表文章《现代表现派之美术工艺》，对包豪斯进行了介绍。1925年秋庞薰瑢在法国留学期间，亲历了在巴黎举行的“世界装饰艺术博览会”。决心投身中国的艺术设计教育事业。郑可1927年留学法国国立美术学院和巴黎装饰学院，并曾于1933年在巴黎参观了德国包豪斯展览，在欧洲亲身接触了“包豪斯”的设计教育，成为最早接触包豪斯教育体系的中国人之一。概括可见：我国近代艺术设计教育的起点是比较高的，或者说与世界设计教育发达国家的距离并不是那么遥远。1937年日本全面爆发，经历过抗日和内战的艺术设计教育屈曲蜿蜒，在危难中迂回求生存、求发展。同一时期，肇始于欧洲的现代艺术设计教育正在欧美诸国高歌猛进。1937-1949年期间国内的艺术设计教育，内部缺少发育的教育生态环境，外部缺乏同欧美诸国学习、交流的机会，设计教育一时间沉寂，艺术设计教育的火种艰难地保存着。建国后十七年（1949—1965）经历了艺术设计教育的片面发展，主要原因：内在国家建设、教育发展缺乏经验，外币收入依重传统工艺；外在帝国主义壁垒森严，决定了片面发展传统手工艺和民间工艺成为艺术设计教育的重任，艺术设计教育本身又偏离了世界现代艺术设计教育发展的中心轨道。1966-1976年史无前例的更加阻断了艺术设计教育的发展。20世纪改革开放为艺术设计教育赢得了较好的内、外部教育生态环境。三、四十年来，艺术设计教育的发展经历了这么几个阶段：1现代化的开拓阶段；2数字艺术设计教育阶段；3艺术设计教育的创新学习阶段。人们真正认识到创新是艺术设计教育进步的灵魂，艺术设计教育的本质意义正在于创新。目前，大陆地区的艺术设计教育取得了很大的发展，但也存在许多发展中的问题，这不仅需要对于创新教育、创意文化更加纵深化、客观化的认识和理解，也需要更多顶层设计的推进。
2.香港地区
香港地区的艺术设计教育主要有两个阶段，1早期的艺术设计教育（20世纪50年代前），2现代艺术设计教育的发展（20世纪50年代—）。20世纪50年代之前，由于香港殖民地的性质和社会的欠发达，艺术设计教育也不甚发达。五、六十年代随着香港经济的发展、港人教育的觉醒以及欧美设计教育的影响，港英政府开始关注艺术设计教育，推动“美术教育”转向“设计教育”，派送负责教育的官员去澳洲、英国等地进修和考察设计课程，潘宏强、潘展模、郭婉娴等是香港“美术教育”转向“设计教育”的主要推手。靳埭强、王无邪等中坚力量迅速成长起来，大一设计学院、正行设计学院等私立设计学院以及香港理工大学的设计学院（太古设计学院）等相关学校、院系迅速崛起，所培养的人才服务于香港的产业界、广告界、包装界等行业领域，成为香港经济发展和文化进步的重要力量。香港采撷东西洋的设计精华，融和生成具有本土特定风格的现代艺术设计教育。
3.澳门地区
1987年4月13日中葡“联合声明”签署和公布，1988年澳门政府对东亚大学收购，使澳门高等教育进入全面发展阶段。澳门艺术设计教育迎来了发展的大好机遇。1989年澳门政府创立“视觉艺术学院”，1990年该校开设相关设计课程，标志着澳门正规艺术设计教育的出现。1993年学校并入澳门理工学院，称“澳门理工学院视觉艺术学校”。目前该校已经成长为澳门地区发展艺术设计教育、培养艺术设计专门人才和各类社会艺术人才的主要基地。澳门地区的现代艺术设计教育虽然起步较晚，但是与世界接轨迅速。
4.台湾地区
1949年，台岛国民励精图治，20世纪五、六十年代，台湾经济腾飞，工业发展迅速，艺术设计教育取得了空前的发展机遇。20世纪五、六十年代是现代艺术设计教育的开拓时期。美国设计家格拉德（A．B．Girardy）在台湾“艺术专科学校”开设的工业设计专题讲座，明志工专、台北工专等学校相继开展的工业设计专题讲座，台北工专、成功大学与大同工学院等先后开设的工业设计等课程，推动了现代艺术设计教育的快速发展。这个时期的特点主要是对欧、美等发达国家的学习模仿。20世纪七、八十年代，随着台湾经济主要模式从OEM到ODM（从台湾制造到台湾设计）的转向，台湾当局更加重视艺术设计、教育。鼓励成立设计相关单位，包括中国生产力中心、外贸协会以及台湾产业界的设计部门和独立专业的设计公司，设立在海外的据点，加强同海外设计教育先进地区的联系，及时取得最新讯息、展示台湾设计、教育成就等，积极推进艺术设计、教育的发展。20世纪90年代，借位数位科技，积极创建创造力教育“，创意台湾教育创意”成为政府关注的焦点和台湾教育的主要内容，以“创意台湾，美力国民”为宗旨的现代艺术设计教育，不仅成为“台湾经济成功模式”的重要组成部分，也促使其在世界现代艺术设计教育方面占有重要一席。分析台湾艺术设计教育，可见立足本土，采撷欧、日、美等国家先进经验是其成功的重要原因。
三、结语
第13篇
认识到上述动画场景设计中存在的误区，就要有针对性地予以改正，并以提高场景设计水平为目标，不断进步。第一，提高动画场景的空间表现力。在动画场景中，距离的远近设计往往对空间表现力起着重要的作用，景物的距离变化使得空间具有层次感，从而产生纵深的距离感，使整个画面更加和谐统一。第二，优化场景的色彩配置。色彩能够给人的视觉感官带来最直接的刺激，不同的色彩搭配产生不同的视觉效果，因此有选择性地根据不同的场景搭配不同的色彩，使得整个场景更具吸引力。第三，合理布局动画场景的构图设计。一部成功的动画作品在其整个动画场景中都具有一定的连贯性，真正做到“首尾呼应”，即各个场景保持统一协调性，剧情发展与场景变化相协调，从而给观众完整连贯的视觉享受。
二、角色创作
1.含义及基本要求
与影片中的演员相似，动画中的人物角色同样是被赋予生命形式进行表演的主体，能够自由的表达思想和情感，甚至超越现实的发展，如现实中不具备生命本体的物体，如玩具，但在动画中则被赋予生命形式并可能成为主角，即作品《玩具总动员》中的玩具们。正是由于这种创作的自由性以及表现手法的随意夸张性，使得动画无论是在创作者亦或是观赏者中都极具吸引力。就动画设计三大要素而言，人物角色创作可谓是最具自由性，一般不做严格的要求，就当下大众普通审美特点而言，通常主角要具有个性鲜明、品德高尚、造型突出、表演富有感染力等特点，但不限于此。
2.角色创作中存在的误区
设计者在进行角色创作过程中往往陷入误区，这些误区主要表现为三点。其一，主人翁意识根深蒂固，往往忽略配角的存在感，而事实上，在整个影视动画中，所有角色都应受到平等对待，因为对不同的受众而言，配角也有可能上升为主角。其二，人物创作拘泥于已有的人物原型，创新步伐有待加快。我们耳闻目睹的国产动画大多是已有的人物形象，如孙悟空、哪吒等，而这些人物虽然极具个性但却缺少新意，虽然《秦时明月》在人物塑造上没有神通广大的孙悟空，也没有机灵可爱的哪吒，但是却给人耳目一新的感觉。其三，英雄色彩浓厚，在观众中很难引起共鸣，适当的塑造一些贴近现实的平凡却不平庸的人物形象或许更为成功。
3.提高角色创作水平的对策
一个成功的动漫角色离不开成功的原型设计，因此，要想做到角色深入人心首先就要从人物原型设计初始着手。不同的角色要赋予不同的形象特点，通常分为正反派两大类，而正派的的角色居多，这里以英雄类为例。对于英雄类角色，就要通过典型的事件、背景、语言等对其加以修饰，如国产动漫《喜羊羊与灰太狼》中喜羊羊一角，在与灰太狼展开一系列的斗争事件中成功塑造出机智勇敢的英雄形象。其次，注重人物美化，美丽的事物更容易受到大家的喜爱。因此，遵循美学原则，巧用设计来塑造美的角色形象显得尤为重要，当然，在保持美的前提下还要注意突出个性，营造不同类型的美，迎合不同受众的喜爱。最后，作为人物角色的主要呈现方式——表演，更要搭配不同的表演手法，才能将预先创作的人物形象完整地呈献给受众。单一的表现方式容易产生视觉疲劳，因此，应丰富人物表演技术，综合运用拟人、夸张、简约、程式等表演手法，将影视动画创作的优势尽情发挥，使角色的表演更显生动形象，带给观众一场完美的视听盛宴。
三、结语
第14篇
1在特殊节日中的应用
民间剪纸艺术中最常用的纸张颜色是红色，这种颜色自有的热烈、喜庆的含义，加上剪纸作品所展现的具体形象，使剪纸艺术成为中国传统节日中必不可少的一种艺术形式。如今，很多针对传统节日所设计的插画作品，大量地应用民间剪纸艺术，以剪纸艺术团作为插画的背景，来凸显传统节日的民族气息。例如在春节的时候，插画中经常出现贴窗花的画面，这实际上就是对民间剪纸艺术的应用;在传统节日元宵节的时候，大量插画都以红灯笼剪纸作为背景来烘托节日气氛等。
2在突出插画风格方面的应用
民间剪纸艺术是我国固有的传统艺术，无论是西方，还是日本和韩国这些流行插画的国家，都没有这样历史悠久的剪纸艺术。许多插画都以中国风为基调，但在形象设计、技法应用方面却流露出日韩风格，受到欣赏者的质疑，但是，一旦在插画中应用剪纸艺术元素，无疑就标示了插画的“中国风”风格，欣赏者对插画作品的认同度会大大提升。
3在插画细节诠释方面的应用
插画艺术设计中的人物形象受日韩画风影响，在细节方面多有雷同，而剪纸的应用，则可以对插画的细节进行特殊的诠释。在刻画人物时，使用可爱的人影形态，没有脸部表情，胖胖的身体，小小的四肢，简单的红白相间颜色。它的意义在于，它是每一个普通的、向往美好生活的人的影子，不一定要有漂亮的脸孔，不一定要有魔鬼的身材，而喜庆的胖胖身体中一定装着一颗满满幸福的心。这就是民间剪纸艺术的神奇力量之所在，它可以用简单的图案创造出生动、丰富的形态，而对于这些图案进行一定的提炼与变形，能够创造出了千百个不同的形态，每个形态的气质、精神，都能够得到完美的诠释。
二民间剪纸艺术对插画的实际作用
1为现代插画艺术添加审美价值
现代插画艺术被应用在图书出版、广告设计、会展布置等方方面面，如此广泛的应用使得插画艺术的审美价值变得不稳定，插画艺术价值的范畴始终难以确定。而民间剪纸艺术在插画艺术中的运用，却使得插画艺术的审美价值稳定下来，一旦有剪纸元素的出现，插画从整体气质上就显得传统并且具有亲和力，应用的限定性就更强，审美价值也就从简单的装饰品成为烘托气氛的必需品。
2对传统艺术的继承
人类制作某种图案为某种文化目的服务，而当这种图案长期代表特定的意义之后，它就具有了这种特殊的含义，人们随意使用它的自由就会受到其背后意义的限制。剪纸艺术以简约的符号为表象，表示着中国民间传统文化。在插画艺术中使用剪纸艺术，使得插画也具有这样的艺术意义，这实际上就是插画艺术对传统艺术的继承。
三结语
第15篇
(1)中国民族美术元素应用于现代动画设计。以水墨画为代表的中国绘画艺术博大精深并具有自己独特的艺术魅力，将具有“线条流畅、色彩微妙、意境丰富、气韵生动”特点的水墨画应用于现代动画设计可谓是中国动画历史上的一大创举，它不仅强调了动画的深远意境，并且表现出中国传统艺术中的美学精神，体现鲜明的民族文化特征，例如《小蝌蚪找妈妈》。除此之外，皮影、木偶、年画、剪纸、刺绣、编织、染织、彩塑、壁画等民间美术样式对现代动画设计提供借鉴，例如剪纸动画片《猪八戒吃西瓜》。(2)中国民族音乐元素应用于现代动画设计。音乐作为艺术的一种载体，承载着一些语言、画面无法表达的信息，在与动画片巧妙结合时可以起到渲染剧情背景、表现情感氛围、提炼角色特点等作用。我们不仅拥有自己独特的传统音乐形式如京剧、花鼓戏、豫剧等，还拥有自己独特的民族乐器如唢呐、二胡、琵琶等，这些都给现代动画设计以借鉴，例如没有对白、旁白，完全靠音乐构建全片的《三个和尚》。
2中国传统艺术元素对动画设计的影响
中华民族的祖先创造出体现民族风貌、展现民族特征、反映民族精神的优良文化，世世代代的华夏儿女将这些优良的文化汇集、演化、继承、传承，并最终形成璀璨的中华文明。我们把其中的中国传统艺术元素运用于现代动画设计中，将会产生深远的影响，具体来说:
(1)把中国传统艺术元素运用于现代动画设计有助于本土文化氛围的营造。
一个民族没有自己的文化是可怕的，中国五千年来凝结的智慧结晶需要我们去继承发扬，这就要求我们把中国传统艺术元素运用于现代设计，向动画市场注入本土的血液，营造良好的本土文化氛围，弘扬本土文化的魅力。上海美术电影制片厂于1961～1964年制作了一部影响几代人，堪称是中国动画历史上的里程碑式的经典彩色动画长片《大闹天宫》。这部动画片根据中国古典文学名著《西游记》前七回改编，并在主要角色孙悟空身上运用夸张的外形、浓厚的色彩、典型的性格等艺术手段塑造成中国式的神话英雄，不仅仅在角色造型设计中我们可以看到浓厚的中国传统艺术元素，在雄伟壮丽的场景、特征鲜明的形象、跌宕起伏的情节、荡气回肠音乐中我们同样可以见到中国传统艺术元素的印记。可以说这样的动画片传播了本土文化、开拓了本土动画市场、融入了本土文化气息。
(2)把中国传统艺术元素运用于现代动画设计有助于传承中华民族文化。
聚集世代人民智慧结晶的中国传统文化的传承和发展需要一个稳定的媒介，而中国动画片和动画市场勇于担此重任，完成这一光荣的历史任务。少年儿童作为动画片最多的受众人群和动画市场最大的潜在消费人群在观看动画片时，潜移默化中自觉接受中国传统文化教育，感受动画片中的中国传统艺术元素，认知中国传统文化符号，承接中国传统文化结晶，传递中国传统文化价值。例如，中国第一部大型武侠动画连续剧《秦时明月》，这部动画连续剧讲述的是从秦始皇统一六国到咸阳被楚军攻陷结束这一时期内，英雄少年荆天明励志的故事。整部动画连续剧从时代背景、历史典故、成语故事到天文历法、儒家礼仪、建筑装饰无不展示其“中国风”的注入，可以说是一部教育意义广泛的动画连续剧。
(3)把中国传统艺术元素运用于现代动画
设计有助于多种文化形式并存的动画市场新格局的形成。一直以来，欧美动画和日本动画长期占据动画产业的主导地位，而他们通过动画所宣扬的文化也是他们的国家文化。例如，在美国的动画片《人猿泰山》中可以看到“人格独立、求异思维、英雄主义”的美国文化精神，日本动画片《千与千寻》的创作背景是日本传统的沐浴文化。而我国的动画片融入中国传统艺术元素，不仅能够宣扬中国传统文化，更多的是可以形成具有中国文化特色的动画产品，打破长期以来欧美动画和日本动画占据动画产业主导地位的旧格局，构建多国文化形式并存且和谐发展的新格局，从而推动整个动画产业的稳定而迅速地前进和发展。从20世纪40年代在亚洲产生极大轰动的《铁扇公主》到20世纪50年代在国际上获奖的《神笔》，再到20世纪80年代在国内外获多项大奖的《鹬蚌相争》《山水情》，一直到21世纪收视率和票房稳定上升的《喜洋洋和灰太狼》，无不显示这一新格局的形成。
3结语
