美术与设计论文范文
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第1篇
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画;从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等;从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等;从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征。
艺术史上,绘画有着多种品类和样式。大致列举如下:
岩画 即绘制或凿刻于岩石上的图画。原始人在岩壁上刻下他们的信仰和种种生活印迹:狩猎、游牧、战争、反映生殖崇拜的男女交媾、怪异的人头像、手印、蹄迹……中国岩画分为南、北两大系统,南方岩画多是用颜料绘上去的,北方岩画则多是凿刻出来的。
漆画漆画是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺,战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地,有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器,花纹工细,有的漆奁描绘舞乐、狩猎情景,富有生趣。湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件,纹样精致,线条流利,状态生动,其中漆盂是现存唯一的秦代漆绘作品。
水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。狭义而言,水彩画是指用水彩颜料,以水为稀释媒介,在纸张上作画的绘画方式。通常有透明水彩(Transparent Watercolor)及不透明水彩(/Gouache)两大领域。随着科技的进步,新的绘画材料的生产,20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料,如Gesso、压克力、透明水彩液、水彩铅笔,都包含在水彩画的领域之中。
水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的。所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是,它没有水彩画透明。它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大。所以,它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象,而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。
工笔画在我国的传统绘画中,工笔画发展的历史非常悠久。从战国时期绘制的帛画,到唐宋艺术家的经典巨作,可以说,中国传统的工笔画,在上千年的时间里,从稚嫩逐渐走向成熟。元代以后,随着文入画的兴起,中国工笔画开始走向低谷,甚至被贬低为工匠的描摹之作,难登大雅之堂。直到20世纪80年代,工笔画在经历了几百年的沉寂后,开始逐渐复苏,并以前所未有的全新姿态迅猛发展。当代工笔画的复兴,体现了古代艺术传统的不断延续,同时也显示出了中国画艺术的新生和希望。
在中国画发展的历史长河中,工笔画以它刻画精细、传神,富有抒彩的艺术面貌而独树一帜。它的源头最早可上溯到战国时期的帛画。到了隋唐、两宋,大量画家、大批作品的涌现,使工笔画走入了发展的第一个高峰。然而此后不久,文人画逐步兴起,精描细写的工笔绘画,被看做是工匠的描摹之作,受到讥讽与贬斥。
中国工笔画随即走入了千年的沉寂。
装饰画装饰画是一种并不强调很高的艺术性,但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。装饰画以制作方法进行划分:印刷品装饰画、实物装裱装饰画、手绘作品装饰画等;以材质进行划分:油画装饰画、木制画、摄影画、丝绸画、编织画、烙画等。
拼贴画就是打乱时间序列,整体呈“心理结构”,局部仍用“传统写法”,巧妙剪辑、拼贴各个“画面”的一种新技法。它实际上是所谓“意识流”作品的一种“变体”,是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错,比较适宜于表现时间跨度大、空间变换多、思想容量丰富的题材。
.版画艺术版画是用刀子或化学药品等在木版、石版、麻胶版、铜版、锌版等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画分为四种;凸版、凹版、平版和孔版版画。
第2篇
一、民间美术
在我国传统文化中，民间美术是指百姓在日常生活所创造出来的一种美术形式，经由口传身授将当时的审美意识传承延续的艺术，其具有生活适用性、民俗文化性以及艺术审美性的特点，并将自身的审美观、价值观融入艺术创作，这也是民间艺术最主要的特色。此外，民间美术在基层人民中诞生，其出现的目的就是为了进一步使人们的精神生活得以丰富，包含着各式各样的民间美术形态。即使它是建立在物质基础上，以物质的形态出现，但其本质依然是一种精神象征。
二、现代艺术设计
随着社会经济的发展，现代艺术在设计过程中逐渐摆脱物质实体的限制，成为一个国家或地区重要的文化体现，反映出不同地域的审美风格。现代艺术作为当代文化与美学的综合性表达手段，在人们的工作、生活的各个领域中逐步渗透，所以，对于现代艺术设计的认识应该是全方位与多角度的。对于现代艺术设计来说，其主要以体现社会意识而存在，能够将当代社会的审美意识反映出来。现代艺术和民间美术的主要差异在于现代艺术在设计中受到科技发展的影响，并以科技的发展为基础。因此，科技的发展不仅对现代艺术设计的设计对象、设计方法具有重要的影响，还拓展了现代艺术的设计思维。
三、民间美术和现代艺术设计的融合探讨
1.现代艺术设计源泉来自民间美术
优质的艺术素材常常源于人们的日常工作和生活，生活经过艺术家的提炼、筛选及润色后就具有了浓厚的艺术气息。民间美术是民间文化传承的重要手段，其在现代艺术中以源头的形式存在，并主要表现在物质和精神两个方面。物质作为民间美术的重要载体，是民间美术中不可或缺的重要组成部分；精神则反映出当代人的审美意识与审美追求，是民间美术的思想结晶。中国拥有悠久的历史文化与民族文化，现代艺术设计中重要的设计灵感来源就是丰富的民间美术。因此，设计者要不断采纳与吸收民间美术的精髓，从而创造出独具一格的艺术作品，进而在推动现代艺术发展的同时将中国辉煌灿烂的民间文化传承下去。
2.民间美术深化现代艺术设计创造力
民间美术对于现代艺术设计的影响是多角度、多方面的，其创作视角所具有的独特性以及设计方式所具有的开放性给现代艺术设计提供了无限的创造力与想象力。民间美术主要通过想象力与创造力的结合，充分表达出创作者的思想感情。在现代艺术设计中应用民间美术，不但可以培养设计者的想象力，还能探索与发现素材所具有的规律性，从不同的视角观察和思考事物，促进思维的发散性。
3.现代艺术设计借鉴与应用民间美术
随着各种现代艺术活动的开展，更多的中国艺术品逐渐走上了国际化道路。可以发现，走上国际化道路的艺术品其成功之处就在于立足本土文化，借助中国传统文化丰富作品的内涵与意义。这在现代艺术对民间美术的借鉴应用中得以体现，这对于创作出更好的现代艺术具有重要的启示。
4.两者之间的文化内涵共通
在创造民间美术的过程中，必须坚持艺术理想与人生理想的价值观念，将这些因素融入创作主题，将人民生活的情感接通，融入自身对于生活的热爱和美好的心愿。伴随民间美术的广泛应用与现代艺术的设计实践，不论是时间上或是空间上都要做出相应的改变，民间美术中所具有的人文精神也是现代艺术在设计中需要汲取的重要精华。此外，民间美术的设计主题还能充分激发现代艺术在设计选材中的灵感，让民间美术成为现代艺术设计的创作灵感来源，从而促进两者之间文化内涵的共通。
结语
第3篇
改革开放以后，我国从不断涌进的世界各国美术流派和风格的信息里，发现了中、西美术在认识上的距离。同时也看到了，在前苏联美术基础教育体系之外，还有法国、德国等国的美术基础教育体系，并且他们之间的教育方式大相径庭。欧洲在19世纪工业革命后所产生的照相术，由于它的成像来得更加“准”和“快”，那种讲究“形准”的绘画无法与它比肩，完全失去了意义。于是，西方画家放弃了我国一直苦苦追求的前苏联“形准”绘画艺术（也叫“再现”艺术），进入讲究“表现”的绘画艺术境界。由此，以往的美术基础教育大纲失去了统筹作用，绘画水平的高低不再以“形准”作为唯一衡量标准。原来用“形准”作为基本功训练的教师开始放弃了这一要求，改而向学生提供条件，让他们进行自学，教师根据自己的理解去尝试基础教学。因此，“形准”的绘画要求开始削弱。
二、单线的坚持与兴起
超现实主义大师米罗的作品是典型的唤醒了点、线、面的生命，使它们成为形象，可以单独组成供人欣赏的艺术品。他的作品的最大特点是在空白的底板上画画，喜欢表现的主题是人、鸟、星星。在其作品中会发现画中的“点”象是无意中被随性撒落的，静心观察，其担当着一颗星或象征着人的眼和手的角色；一根看似不经意的挥洒“线条”，却被安排着代表一个物体的轮廓线，同时又成为一个人的手臂形象；几块犹如路人随意扔出的“色块”，被当作了天空、大地、人或鸟的替身。这里点、线、面在画家手中成为形象，并精确地安排到位，构成了一幅幅妙趣横生、别开生面的作品。由此可见，绘画是以造型精确到位并凸显水平高低的艺术，唯有经过严格“形准”训练的人才能达到。强调“形准”，并不是要求所有的专业都要向油画专业一样，把对象画的“像活的一样”，而是要讲究质感、量感、空间感，偏重用明暗调子造型。设计类的学生完全可以采用其专业最基本的绘画表现手段———单线作为基本功训练，以达到“形准”的目的。其次，用线造型舍弃了物体表面的光影和明暗，给学生以更多的时间去研究对象的内外结构特征，更快地掌握准确概括及表现对象的造型能力，增强学生的立体空间知觉，提升其空间造型的能力。
三、单线与“形准”的关系及融合
（一）线在造型过程中的内涵和语言
在中国人的绘画理念中，一根线包含一个人的精神和情绪。绘画中的线能体现出一个人的修养和心境，它是最传神的绘画手段，是有生命的。艺术设计中的线有其独特的韵味和生命力。与新华字典里所说的“几何学上指只有长度而无宽度和厚度的”线不同，单线在艺术设计中是有厚度的，是一个消失的面，可以画出最小、最浅的面和各种质感的物体，也可以研究形态到最精微之处，体现最细微的情感。由于绘画材质的不同，各种笔画出的线亦有不同，但是它们出线方式的中锋与侧锋却是一样的。中锋画出的线是尖点深，两边淡；侧锋画出的线是尖点深，一边淡。侧锋画出的线有宽度，也就是有厚度，其运用的面很广。
（二）线对于把握形准的实践意义
在艺术设计教育实践过程中，学生对于形态的构建是一个通过比较利用线确定形态位置的过程。一是用垂直线和平行线确定对象的上下、左右位置。用绘画的方式表现一个对象时就会面临着给对象的体积、质感、量感、结构的凹凸、穿插在结构上的光影定位问题，如何将这些立体的三维空间对象正确地定位在二维空间纸上，绘画方面采取的是用垂直线与平行线来定位。用垂直线和平行线测量的办法有两种：一是用目测通过上下、左右的比较确定一个对象的位置，或通过手拿垂直铅笔比较对象的左右位置的方法来确定，也可以横拿铅笔比较对象的上下位置的方法给以确定。二是用比较的方法确定对象的长短粗细、深浅光毛。绘画的过程就是一个比较的过程。在比较对象的结构位置时，除了比较对象的形状之外，还要与同类的对象作比较，如画左眼睛的时候就要与右眼睛比大小、深浅等。经过比较，对象的比例和形体结构关系由此确定，再经过线条轻重、虚实、粗细、强弱的表现，作品就会以其生动有力、气势贯通的美感展现。
（三）单线准确表现对象需要注意的问题
1.根据对象受光后的情况进行绘画
人们在用线表现对象时，线的抑扬顿挫并没有根据结构受光后的关系进行绘画。如学生在画侧面石膏人像的鼻梁时，该处本是受光的，学生在绘制中把线画重了、粗了；而暗部的鼻翼线应该画得重些和粗些，学生反而画得既细又轻，因而产生了形不准的感觉。正确的表现应该是利用笔对线条的粗细进行控制，用细线轻轻地画鼻梁的受光部，慢慢地进入暗部，线条逐渐深和粗起来，由此画出的线条贴切、流畅。画骨头的部分用中锋为宜，肉的部分用侧锋为好。侧锋因其出现的线是由深到淡且有厚度，所以画圆润的对象最为合适。
2.合理处理对象的空间位置
学生在处理画面时，对于整体观察方法仍缺少对空间感的表达。单线表现空间的方法与西方画中用明暗来表现不同，它是利用线的密与疏、疏衬密的对比方法产生前后空间的。如果不存在疏与密对比的条件，绘画时便可以用笔线的淡与深对比来制造空间。有了空间，形就会感觉准了。
3.单线对于质感的表现
第4篇
（一）艺术素质对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义艺术素质源于人们对美的原始的冲动和追求，它并非抽象的美学概念，而是集整体性、稳定性和综合性于一身，贯穿于艺术活动的始终。美术与艺术设计生能达到什么样的艺术境界，在很大程度上与他们的艺术素质有关。艺术素质在每一个人的身上都有其具体的表现形式，它是艺术涵养和艺术能力的统一体。艺术素质的形成不是一朝一夕的，它植根于长期的知识积累和实践，来源于艺术实践、艺术欣赏和审美认知中。要从整体上提升美术与艺术设计生的能力，就必须注重艺术素质的培养，帮助他们实现生理和心理的健康成长。与其它的素质相比，艺术素质涵盖了更高层次的素质修养，它不仅是对美和客观规律的自发性的追求，更是实现个体价值和社会人文价值的必经阶段。
（二）创新能力对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义对于一个民族来说，创新是民族进步的不竭动力，是推动经济增长的有效助推器。对于个人而言，创新能力是其不断进步、不断超越的推动力。因此，培养美术与艺术设计生的创新能力是不可忽视的重要环节。
二、提高高校美术与艺术设计生艺术素质和创新能力的有效途径
(一）实现各类学术资源的优化整合，促进美术与艺术设计生综合素质的全面提升在具体的教学实践中，教师要充分发挥美术教育的基础性作用，加强人文艺术教育与学科之间的联系，实现资源的优化配置和组合，不断丰富大学艺术教学内容，切实增强学科的实用性和内涵性。在设置艺术教学内容时，要实现心理艺术学、艺术史、设计史、艺术鉴赏以及艺术美学等各学科的综合利用，强化学术交流和指导，将晦涩的艺术美学转变为通俗的白话，方便他们理解和掌握。随着社会的不断进步和发展，具有创新能力和开拓精神的复合型人才越来越受到社会的欢迎和重视，现代教育要求切实加强各学科之间的交流和资源的实时共享。由此可见，要让美术与艺术设计生更好地掌握和领悟知识，高校就要积极采取有效措施，加强各类学术资源的交流，不断对知识进行整合，从而提升艺术类学生的综合素质，不断适应社会对人才的需求，顺利实现就业。
（二）定期组织文化艺术沙龙活动，鼓励艺术生外出采风，开阔视野学校要定期组织专门的文化艺术沙龙活动，不断提高美术与艺术设计类学生的艺术修养，积极拓宽他们的知识面，使其丰富自身知识储备，学习到课本以外的知识。也可以组织高水平的文化讲座，因为讲座教师对艺术和美学都有着自己独特的感悟和理解，所以学生在听讲座的过程中可以得到有益的启发，从而积极开发自己的思维，形成自身独到的艺术见解。同时，学校要为美术与艺术设计生外出采风创造有利条件，不断拓宽他们的视野和知识面。在采风的过程中，他们会感受到课堂以外的风土和人情，从而转变世界观、人生观和价值观，不断丰富和提升自己的艺术造诣，激发创作欲望和热情，从而实现自身的成长和进步。高校在发展艺术教育的过程中要注重对美术与艺术设计生创新能力和艺术素质的培养，全方位提升他们的素质，从而满足社会对复合型人才的需求，为他们的就业创造条件。
第5篇
民间美术艺术承载着来自古代的文化、哲理、审美、民俗等多方面的集合，是中国历史文化的瑰宝，呈现出色彩斑斓的赋色体系和丰富的文化内涵，并以富有深意的造型和充满地方特色的材质代表了某一时期某一地域内呈现的人文环境。民间美术艺术也因文化中心的多次迁移而表现出多层次、多元化的现象。在国内，对于民间美术的分类也有多种看法，如李锦璐先生在《对民间美术的一些认识》中进行的分类，包括：“日常活动、节日活动、祭祀活动所表现出来。”而邓福星先生则在《论民间美术》中将其归为：“供奉、宅居、服饰、器用、贴饰、游艺等六类。民间美术的分类繁多，工艺也各有千秋，在人们日常生活中的各个部分都有所表现。小到陶瓷玩具、剪纸、刺绣，风筝。大到雕塑、泥塑、建筑石刻，还包括一些特色的小吃玩意儿：糖人、面花面点等。它美化了物品的功能，并赋予它们新的审美意义，全方位的体现了当时社会环境下人民生活的现状。
二、美术设计中可对民间艺术的选用
（一）民间色彩
我国的民间美术具有悠久的文化历史和人文内涵，其在色彩的选用上更是五彩斑斓，富有深意。就像瑞士心理学家卡尔．琼曾说的：“色彩是潜意识的母亲，它可以唤起人们早已忘怀的记忆和情感。”奇妙的色彩语言在民间美术中的运用凸显艺术的文化性，是创作者与受众进行交流对话的语言形式之一，具有装饰、象征、寄托等多重功能。民间色彩的应用不是纯粹的随心而定，根据情感来搭配，而更多的是在生产活动与社会交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩观念中形成的阴阳五行说和趋吉避凶的世俗心理，或是对单种颜色的色彩崇拜。现代社会是视觉时代，而色彩在视觉中带给人更多的情感导向，让人在第一感官中产生或明快，或沉静，或绚丽，或素雅的印象，与人们的生活紧密相连。服装的颜色、建筑的颜色、商品的颜色甚至是整个城市的颜色基调，很大一部分都需要色彩的仔细搭配。美术设计作为以视觉为主的艺术设计形式，更需要来自民间色彩搭配的借鉴。
1、单色崇拜
人类对色彩的最初认识就是从单色开始的，根据科学调查，人类从婴儿时期开始识别黑白两色，也就是说从出生开始到4月后，人眼中的世界从主观认识上是如同黑白电影一般的，到后来随着各项身体机能的成长才逐渐识别到其他颜色。而黑白两色的简单搭配，也被赋予了“一生二，二生三，三生万物”的八卦变化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”，到了秦朝，秦始皇统一六国之后认为：“今秦变周，水德之时。昔秦文公出猎，获黑龙，此水德之瑞。”于是秦更命河曰：“德水。”“以冬十月为年首，色上黑，度六为名，音上大吕，事统上法。（《史记•封禅书》）”又回到了黑色崇拜。人们对某种颜色的喜爱似乎代表了某个时代的特殊印记，确又在历史的前进中周而复始。在现代美术设计中，设计师总是利用色彩的视觉冲击来吸引观者的注意，而单色所彰显的精炼感能带给受众更丰富的内容和更强的冲击力，对主题所要表达的情感以简单直白的形式呈现给大众。民间色彩中所流露出的简洁、鲜明、响亮让现代美术设计增加几分“少即是多”的美感。一来可以表明艺术品的整体基调，二来通过人们对民间色彩含义的某些固定印象，完成对信息的传递与输出。
2、五彩彰施
从单色到五色，人们将颜色与阴阳五行学说结合在了一起，成为认识天地、自然与与神灵相接的重要思想。我国传统的五色是指：“青、赤、黄、白、黑”，与古代朴素的唯物主义理论“五行说”相对应，如董仲舒在《春秋繁露．五行之义》中所提到的：“木居左，金居右，火居前，水居后，土居中央。”就是将五种颜色配以五行的对应说法。因为五行之说是相生相克的，所以在颜色的搭配上也有诸多的可与不可。民间美术色彩的对比从色相上来说跨度很大，而且多使用补色、冷暖对比，显得较为浓烈或夸张，极具表现力。如在民间木板年画的色彩应用中，为了让整个色调更加有节日的喜庆效果，用“红配黄，喜煞娘。”等搭配方式，让红色从侧面引发人对火的联想加上黄色的亮眼，无形中就将我国传统节日的气氛表现了出来。现代美术设计过程中，充分借鉴民间色彩搭配，能对文化内涵有更深刻的认识，如一些复古的服装服饰，将现代工艺之美搭配上民间色彩的绚丽，创造出极具本国特色的民族服饰。又比如在广告设计中加入各种民族色彩标签，将城市所象征的颜色作为某种文化输出，实例是北京的出租车就将黄色作为基本色，与北京“皇城”的身份相匹配，然后选择四方的八种色，代表祖国的四面八方。
（二）民间艺术造型
民间美术作为一种造型艺术，呈现给大众的不仅仅是奇特、宽博的造型方式，同时也包括了在进行这项运作时所剖析到的创作手段、社会背景、文化内涵、民族情怀等等。艺术造型是千人千面的，极富有想象力和主观能动性，但会通过相互影响而在某一地区形成独特的定势。但从创作的思维方式上来说，中国民间艺术造型也与世界其他国家的艺术造型有共同点，如法国、苏联等地出土的“丰产女神”像与我国辽宁红山文化女神裸像有异曲同工之妙。就像一位先哲所说：“人类趟过的是同一条河流。”即便如此，各个地区的人民也因各种因素的影响，还是呈现出多元化的艺术状态。中国民间造型艺术迎合着古代历史文化的潮流，展现出不同寻常独特的魅力。“以大为美”、“以生为本”、“对称性特征”、“造型的完整”是本国民间艺术造型的几项特点，也为本国的各类造型艺术提供了丰富的涵义，如比喻剪纸中出现的“双鱼石榴”、“莲花娃娃”，泥塑中出现的“虎头帽”、“猪头鞋”等等，都从坦诚的反映出民间劳动者对生命、自然的真挚情感。在现代文明高度发展的今天，我们越来越开始关注文化的民族性和本土化，在诸多的现代商品中，在功能作用得到极大满足的前提下，人们逐渐返回到对产品的传统性、手工性及自然感的关注，如一些以现代人物、生活为题材的新年画报又重新回到了人们的生活中，还有一些传统造型的商品以新材料仿旧制造后又成为人们的陈设把玩。现代美术设计在点、线、面的分割组合中需要图形本身包含的涵义和文化来支撑。
三、结语
第6篇
关 键 词：书籍装帧 设计 书籍整体设计 书籍设计
书籍装帧一词作为专业用语，在我国已经使用很长时间。上个世纪以来，在大多数人的心目中，书籍装帧只是对书籍的封面进行美化设计，这种理解使得书籍装帧变成了封面设计的代名词。过去在中国，书籍装帧之所以只停留在封面设计上，是由于当时的社会发展状况和经济，以及环境的制约，同时也因认识上的局限，使得设计师无法参与书籍的整体设计。并不是装帧本身一词在概念上存在局限，应该说书籍装帧的含义已经包含了对书籍各部分的设计。
随着现代社会的进步以及科技的发展，人们对书籍的设计也在发生着巨大的变化。这种变化首先表现在制作书籍的材料发生了变化，新出现了许多新颖的纸张以及新型的特种材料；其次，书籍的内涵发生了变化，传统的以文字为主的书籍逐渐被图文并茂的现代书籍替代，而且现代书籍的形式多了，有了电子书籍、游戏书籍、概念书籍等；再者，读者的观念变了，现在的读者更加讲究书籍的外在品质了。以上种种原因使得书籍装帧从内到外都要有创新和变化。装帧概念的内涵也随之有了新的需求。本文对书籍装帧概念的认识从以下两方面进行。133229.coM
一、通常意义上的装帧概念
装帧一词的使用在中国已有近百年的历史。据记载，装帧是丰子恺先生在上世纪20—30年代从日本引进的。当时的“装帧”是指将纸张折叠制作成帧，由多帧装订起来，附上书皮的过程。而在更早的时期，中国的先辈们还没有将“装帧”一词合在一起使用。我们分别对“装”和“帧”进行认识：“装”在《大辞典》中有十四种解释，其中第十种是“书册装订的形式，如线装、精装”；“帧”在《大辞典》中有三种解释，其中第三种是指“量词。画一幅，相片一张，叫一帧”的意思。“今人以一幅为帧”。①这说明从明代就已将书籍的内页用帧来计算。通过以上的认识，可以感受到“装”“帧”与书籍的紧密关系。同时，古人常将装订作装帧使用。如清代《藏书纪要》中对装订这样陈述：“装订书籍，不在华美饰观，而要护帙有道。款式大雅，厚薄得宜，精致端庄，方为第一。”②这里的装订就是装帧。
近现代的一些书籍都对装帧一词做出不同的解释。《汉语大词典》中对装帧的解释：“指书刊的封面、插图等美术设计和版式、装订形式等技术设计。鲁迅《书信集·致增田涉》：‘《中国小说史》豪华的装帧，是我有生以来，著作第一次穿上漂亮服装。’巴金《沉落》：‘而且每一本书的装帧都是很考究的。’”从这里就能看出，通常意义上的装帧已经包括了封面设计、版面编排、印刷装订等。《中国百科大词典》中对装帧设计也有非常翔实的解释：“装帧是对图书的整体形态的规划，即图书在成型前为其装帧活动提出的设计方案和草图。图书装帧设计分美术设计和技术设计两部分。前者主要是围绕封面，对书脊、扉页、插图及题花、尾花等方面进行艺术形式的创作；后者是指版面的排印格式，用料及装饰方式等，两者形成一个和谐的整体。”这是一个完整的书籍整体设计过程。
最近30多年中，有一种观念认为，装帧一词已经不能适应书籍的设计与制作，要用“书籍整体设计”“书籍设计”等说法替代，因为这些观念认为书籍装帧的概念过于狭窄，这是对装帧概念的误解。正如前面看到的，装帧本身在范畴上并不存在这样的局限，装帧已经包含了对书籍各部分的设计。而且，频繁的更新概念名称虽可能会体现一些新的见解，但随着时代的更替，这种新意也会很快过时。而历史却会因为频繁的更新而消失痕迹，这不仅造成概念的混乱，也使得概念缺乏自身的历史特征及民族特性。可以通过重新定义书籍装帧的含义，来适应新时代书籍的设计的需求。更重要的一点是不要拘泥以往的装帧概念，而应时时更新它的内涵，这是书籍装帧实现自身进化的一个途径。
二、现代的书籍装帧概念
“书籍装帧”一词从《梅里亚姆-韦伯斯特大词典》中翻译过来为“book binding”。“binding”有多层意思，有捆绑和粘合之意；也指（书的）装订、装帧的意思。另外在《梅里亚姆-韦伯斯特大词典》还能看到与“binding”相关的词语如：“平装 paper cover binding、 精装 hard cover binding、活页装 loose-leaf binding”。因此，在英国给书籍做具体的设计，通常都使用“ binding”这个词。“ binding”和“装帧”这两个词汇都是具有行业特征的专业词汇，都恰当地表达了书籍的构想与制作的概念。
对书籍的装帧是不能与书籍分离开来经营的，装帧即是书籍的一部分，是书籍的脸面，并内含着身体的各部分，是浓缩书籍的精华内容并直观表现于装帧之上的。“书的脸即书的内脏功能的表现，包含两层意思：第一层意思是在书本身的内容和结构中表现的东西，对于读者来说是从外部看不见的部分，将它提取出来，赋予‘造型’，让它动起来，充满生机。这是第一张脸的意思；第二张脸触及更大、更深的东西，即文明和文化的根。寻觅今天文化底层潜藏着的文化古层，文化的根。这是第二张脸的意思。”③杉浦康平先生将书籍的第二张脸喻作书籍文化的根，这给书籍装帧以很深的内涵。同时，也是对书籍装帧提出的很高的要求。
现代的书籍装帧概念的理解不再是单纯的书籍制作，更不是狭隘的封面设计，它是一种由内至外的书籍整体构想与制作行为，其范围既包括对未来书籍形态的探索，也包括对现代书籍工艺的创新。现代社会的进步、科技的发展以及人们观念的更新等，都大大促进了书籍材料、书籍印刷、书籍装订工艺的发展，更触动了书籍装帧的文化底蕴的表现。
现代书籍装帧的范围在逐渐扩大，并且更加具体。它不仅涵盖了最初的书籍形态的策划，还包括开本的选择、封面和扉页的设计、正文内的版式编排和插图设计，以及后期的印刷和装订等。同时，现代书籍装帧还大胆地更新以往的表现形式、制作工艺和使用材料。面对现代的书籍，不仅要升华其外表形式，也要更新内在的气韵。在将书籍的信息内容文本转化为二维或三维（虚拟）视觉形象的时候，装帧不仅要赋予字体、图形、色彩等新的视觉元素，还要赋予书籍更深层次的文化内涵。现代的书籍装帧不仅在外在形式上不断发展更新，内在的气韵与文化底蕴也在逐渐延展与深化。
三、书籍设计的理解
设计（design）一词字面解释为设想和计划的意思。在《汉语大词典》中设计有两种解释：“①设下计谋。《三国志·魏志·高贵乡公髦传》：‘赂遗吾左右人，令因吾服药，密因酖毒，重相设计。’②根据一定要求，对某项工作预先制定图样、方案。”从本质上看，设计是一种思维方式，是对人类生活各方面进行规划和计划，是一种创新的思维过程。设计是在各种条件和限制中进行的一种有目的的创造性行为。设计的大致内容包括计划、构思、传达、应用。所有的设计内容都基本如此，无论是复杂的宇宙航空器或飞机汽车等工业设计，还是简单的包装或广告设计。
自上个世纪以来，设计作为一种新生事物，充斥我们生活的每一个角落。对“设计”进行分类，可分为：建筑设计（包括室内外环境设计等）；工业设计（包括产品设计、家具设计、礼品首饰设计等）、平面设计（包括包装设计、广告设计、书籍设计、插图设计等）、服装设计、纺织品设计、动画设计、数字媒体设计等。书籍设计就是其中的一项，它和工业设计、建筑设计一样都属于造型艺术的范畴，都是根据需要做创新的造型构想，并运用于社会实际中。所以它们在设计程序上都有相似之处，都需要经历最初的策划到最终的应用。接下来，我们试着对书籍设计的概念从不同角度去认识和分析，从中体会书籍设计与书籍装帧的区别。
最早提出“书籍设计”这一概念的是杉浦康平先生：“我从20世纪60年代中期就已经着手于书籍整体设计，包括内文编排、文字、字体、字号、标题、目录、扉页、封面、函套、腰带到版权页的设计，并对所有用纸、材料进行选择，设定印刷装订工艺，进而连书籍的宣传品种也成为设计的对象。以上‘书籍设计’概念的提出、实现和确立的过程，曾发生各种各样的冲突，以及理论上、技术上的争执，不过最终还是被大家理解了。”现在的书籍设计已经不是设计者或插画家个人所能承担的，还需要参与从选题策划到成书为止的整个过程的所有参与者的共同努力。因此说，书籍设计是指包括书籍选题、书籍形态、书籍版面，以及材料工艺等的一系列设计，是一种创造书籍整体视觉形象的设计活动。
在书籍设计中，不仅要将平面的版面设计结合三维的立体形态设计、材质设计和印刷工艺，还要将与读者的互动注入到书籍设计之中。这种书籍设计概念强调书籍中各种元素的集成与合作。即书籍设计作为一个大的构造学系统，由各个子系统构成。它一般包括书籍形态、书籍视觉元素、书籍材料、装订形式以及书籍所要传达的视觉风格，等等。
书籍设计作为一门具有商业行为的造型艺术，它的概念中还包括了书籍的营销，这是从书籍作为特殊商品的角度去认识书籍设计的。书籍是人类精神生活中不可缺少的特殊商品，这种特殊商品既注重知识文化的传承，也注重现实生活中的物有所值。因此，在书籍设计中，必须要考虑读者对象。“书籍设计就是以书籍的销售方式和读者为基础而进行的书籍设计活动。它也称综合设计，是关于书籍的性质、印制、销售等图书设计相关因素的协调和技术性规划的实现。”④可见在书籍设计中，是不能避开销售不谈的。书籍的目的是为了供人们阅读，人们读书是为了从书籍中得到自己能力所不及的信息和自信。因此，书籍设计一定不能脱离书籍的这一主要功能而设计。书籍设计不仅要将“人们的精神文化市场”作为书籍选题规划的起点，而且还要运用现实的商品市场需求来辅助书籍设计的具体构想。
书籍的营销活动是出版行业为满足读者心理以及掌握市场需求而展开的一系列的活动。这些活动包括市场的调查、分析、研究及预测，还包括书籍成型后的销售宣传。实际上，加入营销概念的书籍设计，更强调书籍设计的系统性。在这个系统中，除了对书籍的整体装帧，还有对书籍的选题定位和对书籍的宣传与销售，以及与读者的互动。对书籍选题的定位是指针对不同的读者群体，给书籍确定一个市场范围，并根据选题的需要确定书籍的装帧方向，寻找契合读者群体的书籍装帧风格，以此来带给读者细致入微的体贴与关怀。所以，在书籍设计的概念中，融入营销观念的模式之后，使书籍设计更具系统性，也更具功能性。在这种强调系统与功能的书籍设计中，随之而来地出现了更高形式的品牌化的书籍设计。
综上所述，书籍设计的概念是指对作为一种精神产品的书籍，进行的整体策划与设计制作，以及营销的过程，而书籍装帧是其中设计与制作的部分。因此，书籍设计具有显著的综合性。这种综合性表现在它的过程包括：第一，选题的定位，这是书籍的策划部分；第二，营造书籍外在的形态以及经营书籍内在的信息，这是书籍的装帧部分；第三，书籍的宣传与销售以及与这本书周遭环境的协调，尤其是与读者的互动，这是书籍的营销部分。因此说书籍设计作为设计的一个门类，不只是对一本书籍进行的创造性行为，它还包括了与这本书的周围环境的和谐共生。书籍设计在表现书籍所固有的精神性、人文性、创造性的时候，将书的精神与人的思想通过设计这座桥梁嫁接起来。
书籍设计与书籍装帧是两个并不矛盾的概念，梳理它们的关系有利于对书籍艺术理念的认识。书籍装帧是书籍设计中的一部分，书籍设计是一门综合性的造型艺术。随着时代的跨越，书籍设计与书籍装帧的概念都将不断地深化，并将不断超越它们原有的内涵。
注释：
①张自烈.正字通.国际文化出版公司，1996.
②孙庆增.藏书纪要.中国古典文学出版社，1957.
③(日)杉浦康平.造型的诞生.中国青年出版社，1999.
④葛鸿雁.书籍设计概论.浙江摄影出版社，2007.
参考文献：
[1](日)杉浦康平.造型的诞生.中国青年出版社，1999.
[2](日)杉浦康平.日本现代图书设计.生活·读书·知识三联书店，1999.
[3]吕敬人.翻开：当代中国书籍设计.清华大学出版社，2004.
[4]吕敬人.书艺问道.中国青年出版社，2006.
第7篇
【论文摘要】正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系，强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中，注重学生的创造性思维和创新能力的培养，运用恰当的评价方法，培养学生的学习兴趣，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。wwW.133229.cOm在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
第8篇
论文内容摘要：本文论述了图形语言对于书籍设计的重要作用，并认为书籍设计中的图形因素已成为读图时代传递文化信息的“超导体”。
书籍艺术与图形图像的结合源于书籍的产生。中国上古“结绳契刻”应算得上是最早的书，它以图形的形式传达原始的信息。清叶德辉《书林清话》中称：“古以图书并称，凡有书必有图。”图与书自有书以来息息相关。书籍与书籍艺术中的图形因素无疑成为读图时代与文字表达包融并进中传递文化与信息的“超导体”。
一、封面设计的图形与主题
封面设计中主题图形的编辑运用，重在“尽意”，即浓缩主题而“以象生意”。主题图形的运用，是设计师对图形的艺术性及社会性的综合认知，是对图形的理性的选择、提炼、编辑加工及研究探索的过程，能直接体现“翻译”书籍的主题思想。用在封面中的主题图形以插图和摄影作品最为常见。
杉浦康平《造型的诞生》的封面设计，以近乎“形而上”的形态出现：佛光、祥云、日、月、天、地万物合一，混然天成。在图形被视觉感知的同时似可聆听到一种图像与宇宙的声音，这一“世界万物照应剧场”给读者以广博、深邃、具象与抽象、现实与神交集融汇之感，一种神秘的思维遐想和视觉愉悦。
斯洛文尼亚的阿莱斯·艾尔雅维茨在其所著的《图像时代》中有一句话值得深思：“我从不阅读，只是看看图画而已。133229.coM”图形作为一种“国际语言”体现在封面设计中还有利于书籍的国际交流、艺术交流，更重要的是有利于书籍的世界性版权贸易。
二、封面设计中的“设计图形”
设计图形是艺术性与科学技术性相结合的图形，与前面所提到的“自然图形”相对，亦称“人工图形”。主要包括具有象征意义和形式的创意图形、符号和纹饰等。设计图形具有强烈的文本性、艺术性、针对性和表现力，是设计师借用造型艺术的思维和联想，归纳、演绎，提取一般性中的特殊性“抽象”而获得的“有意味的形式”。从“书籍设计学”角度来看，设计图形对提高书籍的艺术品位、欣赏层面、阅读功能、收藏价值，都具有独特意义。
设计图形在封面上的应用还可解决对“书装”这一领域的模糊认识问题，当今的“封面设计”、“装帧设计”、“平面设计”等混乱称谓也反映了设计者的水平参差不齐。
三、纹饰、符号的运用
纹饰、符号可称为“纯粹艺术”形式，且东西方差别明显，各自特征鲜明。我国出版的典籍、文献、文学艺术类书籍，具有较高精神内涵的书籍，设计师可依类选择，合理运用。
中国的传统纹样大都出现于器物与服饰之上，有几何纹、动物纹、植物纹、云纹、水纹、火纹等，或纯正质朴、神秘狞厉，或雍容大度、典雅秀丽，是非常值得现代艺术设计借鉴的设计语言。从传统器物、纹样、服饰中提取这些纹饰或根据某一因素演化、设计出的艺术语言，其装饰效果最能出神入化。
随着对传统文化的认同和理解，中国当代书籍设计，尤其是高品位书籍，很多都运用了纹饰装饰。巧妙、合理的运用，对烘托书籍的文化气氛，增强书籍的书卷之气，表达内容主题，以及弘扬民族艺术都有极大的帮助。
西方书籍是最早使用纹饰装饰的。中世纪时期的羊皮书，其插图分三种类型：一为首写字母装饰，二为框饰，三为插图，其中框饰部分多由纹饰组成。我国书籍设计的封面设计纹饰因素从“五四”开始，常规的封面形态也主要源于西方。从上海远东出版社出版的中国新文学作品系列《书影》中不难看出，20世纪二三十年代的封面作品已开始采用纹饰装饰。
符号在书籍设计中也较为常用。“符号学”中的“能指”和“所指”对艺术作品设计创作以及作品识别、寓意、信息等功能和形式有重要意义，因为符号亦是一种语言。
王国维在《人间词话》中说严羽论唐诗“言有尽而意无穷”，书籍设计的书脊与书口设计也是如此。
书脊又称书背或背封。中国传统书籍“包背装”具备书脊特征，传统线装书订口与锁线露于外面虽无书脊特征，却构成独具特色的中国书籍的艺术风格，传达了中国书籍文化的个性信息。今天的精装书、简装书为书脊设计提供了信息与设计平台。杉浦康平曾形象地把书脊比喻为封面与书底间相互关联的“意向箱”：从设计角度看，它连系了封面与封底的整体性；从表达信息的功能看，封面与封底的信息因素通过书脊一并表达。书籍竖立于书架上，给人第一印象、传达第一信息的便是书脊，可谓“方寸之地，包容万物”。
设计讲究的书脊立于书架之上，能够传递给读者多种信息。书脊设计选取的图形、饰纹及符号等设计语言的意义远在文字表达之外，表达“言有尽而意无穷”之意。书脊已越来越受书籍设计师的重视。
第9篇
（一）缺乏明确的教学定位
在对学生进行培养教育的过程中，大部分学校都设定了明确的教学目标，但是有些学校却不能达标，即课程设置不具备科学合理性，教学内容以及教学模式也达不到预期标准，无法满足美术及艺术设计专业学生的发展需求。另外，有些高校虽然安排了相关的实践课程，但是实践时间较短，也不能落到实处。这样一来，学生就无法将学习到的专业知识运用到实践中去，在毕业找工作的时候，他们就会面临诸多困难，最后不得不放弃与本专业相关的工作。对于高校教育工作而言，如果缺乏明确的教学定位，不仅会阻碍高校的稳步发展，还会对国家的教育资源造成浪费。
（二）高校盲目扩招
当前，随着社会主义现代化建设的不断深入，高考扩招成了一大趋势。社会的发展需要高素质、高能力的人才，艺术设计人才也一样。通过对相关数据资料进行分析可知，近20年来，我国某美术高校的招生人数一直在不断扩大，已增加了将近30倍。高校扩招会促使艺术设计毕业生的数量大幅增长，为社会提供了更多艺术设计方面的人才。但倘若高校不结合社会供需的实际情况进行盲目扩招，就会导致大量问题的出现。比如，为了获得更多的经济利益，某高校进行了扩招，但由于缺乏专业的师资队伍、完善的教学设备，该高校的教学质量出现了严重下降，学生无法获得优质的教育。
（三）教学方式方法方面的问题
通过对我国高校艺术设计教育的现状进行分析可知，现代教育中存在着很多不足，是阻碍艺术设计教育工作取得进展的因素。现行教学大纲中的套话较多，学生在课堂上所学的知识缺乏现实实践性和可操作性，仅仅是烂熟于心的纸上谈兵。另外，学校提供给学生的思考空间以及实践机会也十分有限。究其原因，在于我国当前的高校美术及艺术设计教育体制存在着诸多问题，即教学内容空泛、教学目标模糊、教学手段落后以及课程安排不合理。另外，在许多高校，美术及艺术设计专业的教师大多只注重学生的技巧培训，而不重视对学生的实践指导。还有一部分教师不致力于做学问，不及时对自身的教学方法以及教学内容进行革新，过度追逐名利。在这样的情况下，我国高校艺术设计教育工作就会面临诸多问题，遇到教学瓶颈。
二、发展我国高校艺术设计教育的相关措施
（一）课程设置要连贯
在设置美术及艺术设计专业课程时，教师应将课程的连贯性放在突出位置，既注重培养学生的基础技能，又充分尊重学生的主体性，提高学生的自主学习能力，促进学生创新思维和创新能力的提升。而在培养学生的专业技能时，要加强其理论、专业、设计以及造型等基础知识的传授。学校还要及时把握市场最新动态，将教学与市场需求有机地结合起来，不断提升学生的综合素养；或者通过定期举办相关讲座，举行画展、设计制作展或摄影比赛等，来不断拓宽学生的知识面。在教学过程中，教师要不断创新教学思路和方法，注重培养学生的实际创作能力、想象力以及表现力等，同时还要坚持与时俱进，实现科技与艺术设计专业的协同发展，加强对网络技术的开发和研究，帮助学生掌握美术及艺术设计专业软件的相关应用原理，全方面地提升学生素质，使他们更好地适应社会需求。同时，学校要优化设置课程组合，保证课程的连贯性，节省教学成本，减轻学生的课业负担，激发学生的学习热情。此外，高校在开展美术及艺术设计专业课程时，要注意吸收传统文化的精髓，将中国的传统文化融入到世界流行时尚文化中，推进我国传统文化的不断发展和进步。
（二）转变教学观念
随着时代的进步以及经济的发展，具有良好的思想道德以及广阔知识面的综合型人才广受社会各界的欢迎。因此，高校艺术设计专业需转变教学观念，结合不同专业的基础教学和专业课程，对学生的艺术潜质以及审美能力进行培养，使学生的创新能力、艺术品位得到大力提升，并引导学生将所学知识和实践充分结合起来。另外，学校还需对当前社会的实际需求进行深入分析，及时调整教学目标及专业课程安排，针对学生的兴趣爱好及特长进行个性化的培养，并为他们制定科学合理的学习计划，真正做到因材施教。相信依靠这种方法，艺术设计专业学生的综合素质以及美术技能才能得到有效提升，高校才能为社会培养出更多优秀的美术人才。
（三）培养学生的创新思维
艺术要取得持久的进步和发展，就必须要创新，而创新需要我们有+扎实的美术基本功和创新能力。对于高校美术及艺术设计专业的学生而言，创新性就是指学生在学习过程中对不同的艺术元素进行想象和组合，通过再创造所呈现出来的新的、合理的、完整的形象。对此，在上专业写生等具体课程时，教师应允许学生在具备了一定的功底之后，适当地在作品中表达自己的观点，发挥想象，并将其作为考察的一部分。具体的创新内容既可以是空间上的创新，也可以是构图上的创新。此外，教师要合理把控学生的想象，避免他们走弯路或不切实际的创作，对他们的创造性思维及时予以肯定并指出其存在的问题，提高其创新的水平。
（四）完善教学内容
美术院校需结合实际对课程内容进行拓宽，即将学生文化素质的提升作为教学的重点，提供给学生更多与外界接触的机会。通过学习其他课程或办讲座，学生与社会之间的联系就会得到深化，他们的专业技能以及文化素养便会随之得到提升。另外，教学内容的设置需具有针对性，即要将学生创新能力的培养作为教学重点，引导学生对艺术设计的文化内涵进行深入探索，变之前的被动学习为主动学习。技巧、技法只是帮助学生完成绘画或设计的工具，艺术设计学习的真正核心应是提升学生的文化素养以及创新能力。只有不断完善教学内容，才能帮助学生获得全面发展，进而为社会培养出更优秀的综合型艺术人才。最后，高校艺术设计教育需结合自身实际以及社会发展的需要，引导学生树立正确科学的艺术观。
三、结语
第10篇
关键字：斯堪的那维亚；景观设计；布兰德特；索伦森；安德松
CombinationofAestheticQualityandSocialQuality
——TheLandscapeDesigninDanmark
LINQing
Abstract:Searchingforthecombinationofsocialqualityandaestheticquality,Danishlandscapearchitectsconstructedtheircharacteristiclandscapewithsimpleandclearlanguage,andbecameoneofthemostinfluentialgroupsinthefieldoflandscapearchitectureinEuropeinthepostwaryears.Thisarticleintroducestheideasandworksofthreewell-knownDanishlandscapearchitects,G.N.Brandt,C.T.SrensenandS.I.Andersson.
Keywords:Scandinavia;landscapedesign;GudmundNyelandBrandt;CarlTheodorSrensen;Sven-IngvarAndersson
丹麦位于欧洲大陆西北端，由400余个大小岛屿组成，南部毗连德国，北与挪威和瑞典隔海相望。属于斯堪的那维亚半岛的国家(斯堪的那维亚国家包括北欧的瑞典、芬兰、挪威、丹麦和冰岛五个国家)，要想更好地了解丹麦的景观设计，应该首先了解斯堪的那维亚国家的设计，因为这些国家的现代设计有着相似的特点，都追求朴实、实用和美观，其风格自成一体、独树一帜，产生了世界性的影响。
斯堪的那维亚国家均地处高纬度地区，有些地方接近北极圈，那里有着漫长的冬季和冬季漫长的夜晚，特殊的气候条件使人与建筑、室内、产品包括环境的关系显得特别密切，设计非常重视人情味，建筑、景观常采用砖、木等本土材料，从传统中吸收设计语言，再与现代设计结合起来，形成具有本土特点的现代主义。
斯堪的那维亚的自然景观非常平和，这里柔缓的地表变化、整体的植物群落、平静的湖泊、缓缓弯曲的海岸塑造了人民平和的心态。斯堪的那维亚人民对自然有着强烈的热爱，景观设计表现出对大自然的向往。
斯堪的那维亚国家多是高税收、高福利国家，人民享有平均的、良好的生活水准。社会各阶层生活水平的接近，使工人阶级的地位明显上升。因此，不同于法国等一些国家，那里艺术的发展在经济和道德上依赖于大城市里的上层阶级。在斯堪的那维亚国家，这种发展依靠知识分子、中产阶级和工人阶级上层。建筑、景观、工业产品没有机会向奢侈品方向发展，功能主义占据了主导地位，现代运动得到了广泛的社会需求的鼓励，受到普遍的欢迎。为普通人提供普通的、但却是精良的设计是斯堪的那维亚国家各个设计领域追求的最高境界。
在设计上，斯堪的那维亚国家从来没有试图以纪念碑式的形式或是以绚丽的外表与邻国竞争，他们总是把对舒适和使用的追求放在首位，总是试图改进现有的解决问题的方法，而不是盼望着新事物的出现。设计不追求前卫、精英化与视觉冲击效果，而是着眼于追求内在的价值和使用功能，所以多数设计作品在使用了数十年后，仍然非常实用，并且充满魅力。斯堪的那维亚的景观设计也是本土的，是贴近于日常生活的。可以说，日常生活的需要是景观设计的重要出发点。然而在实用的同时，斯堪的那维亚的景观并不缺少浪漫，设计师常常采用自然或有机的形式，以简洁、柔和的风格，创造出富有诗意的园林景观。
斯堪的那维亚的景观设计师几十年来较少地受到外部环境流行风格的影响，坚持走自己的道路，以功能化的、朴素的风格受到人们的尊敬。丹麦的布兰德特(GudmundNyelandBrandt1878～1945)、索伦森(CarlTheodorSrensen1893～1979)和安德松(Sven-IngvarAndersson1927～)是其中杰出的代表，他们常以简洁而清晰的手法，构筑特点鲜明的景观，追求社会品质与美学品质的融合，成为二战后对欧洲景观设计最有影响的团体之一。
社会品质与美学品质的融合
1布兰德特
布兰德特精通植物，善用野生植物和花卉，他的柔和的园林形式体现了丹麦人对自然景观的热爱。在哥本哈根市中心的蒂伏里(Tivoli)花园中，他设计了一系列并排的卵形种植池，池中绿地上点缀着数十个木盆喷泉。在大的环境中他借鉴了19世纪下半叶英国工艺美术运动时期的园林设计师杰基尔女士(GertrudeJekyll1843～1932)和建筑师路特恩斯(EdwinLutyens1869～1944)的思想，用精细的植物种植软化几何式的建筑和场地(见图1及彩页)。布兰德特倡导用生态原则进行设计，他认为自己更是一位园艺家，而不是设计师，他的设计常采用规则式和自然式混合的形式(见彩页)。
安德松认为设计最基本的事情就是确定一个空间，使人们能够很好地使用它。如果设计师幸运的话，人们对这个空间的利用会超出他原来的预想。在巴黎德方斯凯旋门环境设计中，安德森在宽阔的场地上，用一条白色的大理石铺装步行道，斜向嵌入宽阔的场地中，旨在丰富广场的视觉效果。这条铺装带无意中成为溜冰爱好者训练的场所，他们将障碍沿线布置，使这里成为溜冰训练的课堂(见彩页)。
在丹麦，安德松获得了“将诗引入花园”的美誉。
布兰德特、索伦森和安德松三人代表了不同的时代，通过他们的作品可以了解丹麦现代景观设计的风格和特点。他们都曾在位于哥本哈根的皇家美术学院(theRoyalAcademyofFineArts)的建筑学院任教，通过教学、著作和设计，他们影响了丹麦几代景观设计师。
参考文献：
[1]Bosselmann,Peter.LandscapeArchitectureasArt:C.Th.Srensen,AHumanist.LandscapeJournal,1998(1).
[2]Brown,Jane.TheModernGarden.ThamesandHudson,2000.
[3]Cerver,FranciscoAsensio.CitySquaresandPlazas.NewYory,1997.
[4]Ogrin,Dusan.TheWorldHeritageofGardens.ThamesandHudson,1993.
第11篇
1.环境艺术设计的原则与指标
现代城市环境的整体规划建设与核心设计理念务必体现“整体、持续、协调、循环、节能、绿色、再生”的指导原则，通过将绿色生态观念与现代科学技术相结合，实现人类居住环境的和谐与完善，进一步体现人与自然环境的和谐统一与可持续发展，进而提升人们整体居住环境质量与住宅区自然复合系统趋向稳定、平衡、协调、和谐的方向发展。要想全面实现城市环境的生态化规划设计，首先要对传统意义上的设计理念进行革新，在遵循生态发展规律的前提下积极融入现代科学技术，全面推动生态文明城市的发展。
2.环境艺术设计生态理念的内容
生态城市规划应使绿化指标、地面保水指标、节水指标、节能指标、二氧化碳与废物减量指标、污水垃圾处理指标、绿色交通指标等各项指标符合生态规划标准。绿化指标是生态规划建设的一项关键性标准体系，必须使住宅环境内绿地率达到60%以上；应采用具有渗水保水能力的高效建筑基地施工材料，利用自然排水系统以确保雨水及时排出与科学合理渗透，适当减少混凝土覆盖面积；通过完善净水系统与节水系统，强化城市水资源设计，利用省水器与新型水资源对雨水、生活废水污水进行科学处理与循环再利用，确保饮用水符合国家规定标准；开通太阳能、风能等清洁能源，建筑材料的使用应以减少二氧化碳排量为关键指标，装修内饰应体现节能绿化环保风格；设计雨水与生活排放污水分流管理系统，突出可持续利用原则；倡导绿色交通工具的普及与使用，从而减少环境污染。此外，城市住宅在经济生态设计规划方面，应突出低能耗的绿色消费观理念，提倡以太阳能、风能、水能、生物能为主的能源利用模式，鼓励自然通风、自然采光以减少资源的浪费，推动绿色科技生产的发展与普及。
二、中职美术教育背景下生态理念艺术设计方案
1.绿色生态的人性化美感设计理念
设计师要充分结合现代化建筑学基本原理、生态理念价值观、节能减排绿色环保新技术营造适宜的生态居住环境，对能够影响到城市生态平衡与美感的各种环境因素、自然因素以及人文因素进行统一协调与统筹规划设计，使其和谐共融、统一共生，有序而持续地发展。在城市住宅布局整体规划设计过程中，应对环境空间的生态环境进行充分合理设计，依据南北朝向、最大向阳与通风程度对住宅区进行规划，留出科学合理的通风道口与生态绿色走廊；科学合理规划设计建筑单体、群体的朝阳区与阴影区，使居民可最大限度地享受阳光；应以城市空余地面为基准，强化区内景观园林建设；充分利用城市内外自然山水环境，使之相互统一和谐，通过远山借景、引水入市等方式美化生态景观；保持动植物种类的多样化，为之创建和谐生存环境；扩展区内园林树木种植面积，加强生态气候调节能力，以提升居民生活适宜感与健康指数。为此，可通过科学统筹规划绿地、建筑与景观，形成通透深远富有层次感的景观空间；通过以曲代直的形态布局，美化建筑形态与园林分布空间。
2.积极开发自然可再生资源
第12篇
手机的电源主要由电池和充电器两个部分组成。随着技术的发展，手机电源由厚变薄，容量由小变大，重量由重变轻。一直以来，手机电池的体积成为制约手机造型的关键因素，手机电池经历了镍镉电池到镍氢电池再到锂电池，以及今天的聚合物锂离子电池，电池的发展一直都在向着续航能力更强、更加环保的路线前进着。当今的智能手机的应用软件繁多，需要容量更大的电池。一般来说，容量越大，体积就越大，这与手机平面化趋势相矛盾。在黑白屏手机时代，接打电话是主要功能，一块电池可以待机一个星期；在智能手机时代，一天一充电是不可避免的。就目前来说，手机日益增加的应用软件功能与有限的电池容量是手机发展的一个主要矛盾，近些年兴起的移动电源技术弥补了手机电池容量不足的问题。手机的充电器部分属于外置部件，通过USB接口连接充电，无论是充电器还是移动充电设备，虽然没有增加手机本身的体积，但是增加了人们携带的负担和使用的复杂性。正在发展的无线充电技术必将简化手机的电源部件，无线充电技术主要有电磁感应、无线电波和电磁共振三种方式。电磁感应是比较有前景的技术，其充电原理是：将电流转化为电磁能发射出来，而手机端接收并把磁能转变为电流从而得到稳定的直流为手机充电。
2电子技术的智能化带来的手机操作方式的革命
2.1人们行为的改变设计是为了改变人们的生活方式。如果说盛田昭夫的walkman随身听改变了人们听音乐的方式，那么智能手机对于人们生活方式的改变太多太多了，无论你是在公共汽车上、地铁上，还是在会议室、休闲娱乐场所，几乎所有人都在低头摆弄自己的手机。人们花费了一天当中的大量时间在手机上，发微博、看视频、读书、处理文件等工作在4G网络时代下，变得轻松自如。智能手机，正在一步步的改变人们的行为和生活。
2.2人机交互方式的改变传统的按键式键盘需要手指去适应键盘的布局，在多点触控技术发展完善的今天，手机的操作方式从单手操作到两手并用，从按键操作到滑动手指。手机的操作方式越来越自然化，更加接近人的本能动作，在下意识中就完成了命令的输入。人与手机的交互方式正朝着“人机合二为一”的方向发展，使用者只需轻轻一点就能得到自己想要的信息，一改往日手机命令层层进入的烦琐步骤。从操作的反馈来看，美国认知心理学家唐纳德•诺曼认为：好用型产品需要良好的信息反馈。［5］“反馈原则”其含义为：向用户提供信息，使用户知道某一操作是否已经完成以及操作所产生的结果。［5］智能手机简化了按键的操作，但是也增加了操作反馈的不准确性，导致误操作的可能性。对于操纵反馈问题的解决，智能手机通过虚拟按钮的震动、按键形状色彩的变化以及按键的声音来提高反馈的准确性。为了防止误操作的发生，通常的做法是增加操作的复杂程度，如增加锁屏按钮，组合式的解锁动作，或者输入密码来解决。近年来，智能手机的体感与语音识别技术不断完善，操作的方式逐渐符合“自然匹配”的原则“。自然匹配”是指利用物理环境类比和文化标准理念，设计出让用户一看就明白何使用的产品。［5］智能手机的体感操作技术，是通过人肢体的动作传达特定的语义，［6］用户使用简单的动作就可以完成相应的操作。例如，三星note系列运用了丰富的体感操作，利用手势左右摇摆实现翻页的操作；将手机扣在桌面上可以实现关闭闹铃或拒接来电的操作；选中欲播出的电话号码，只要将其放置耳边即可自动拨打电话；在接打电话的过程中屏幕自动黑屏，当把手机移至眼前屏幕自动亮起；在阅读或长时间注视屏幕的时候，手机前置摄像头可以感知人的眼睛以防止频繁锁屏带来的阅读上的不便。早在2009年的TED演讲中，麻省理工学院的博士生展示了他的产品“第六感”。“第六感”是以智能手机为载体，综合互动投影、多点触控、体感控制等多种新型技术的装置，用户只需要佩戴小型的外置投影设备便可以将手机的操作和显示界面投影到任何能够反光的表面上进行操作。［7］此外“，第六感”运用体感控制技术，通过简单的手势即可完成对手机某些功能的操作“。第六感”标志着智能手机新的设计理念——计算部分和操作部分的分离，利用虚拟现实的技术对产品进行操作，手机的造型设计将趋向于“无”。
2.3多种功能的整合“手机”顾名思义，指手上的机器，这一命名完全符合当前的手机特征。起初手机是用来通讯的，基本的功能是接打电话、发送信息，那时候叫做“移动电话”。随着手机Cpu计算功能的强大，智能手机整合了电话、音乐和视频播放、电子商务、银行终端、数码相机、照明、数码扫描……可以说是万能机器了，如图2所示。传统的产品整合设计是指将不同功能的部分进行模块化设计，然后将这些模块整合在一起，从而创造出多功能的整合产品，关键点在于实体的整合。在智能手机时代，手机的运行依托的是计算能力愈来愈强的CPU，智能手机的多功能设计不再是实体的整合设计，而是应用软件“APP”的设计。手机强大取决于应用软件的开发。例如，现在的“条形码、二维码扫描”软件可以提供购物时比质比价的服务。
3电子技术推动下手机造型设计方法的变革
CMF（Color，Materiaj&Finishing），是指产品的色彩、材质与加工工艺设计，CMF将产品设计的三要素统一起来，通过深入的研究对产品的细节进行处理，从而提升产品的内在品质。［8］在电子技术的推动下，造型的简约设计是目前手机的主要风格，由苹果公司推出的“极简主义”设计风格近年来已风靡全球，成为各大手机企业学习和模仿的对象。纵观国内手机市场，产品同质化现象愈演愈烈，在众多手机品牌中，如果去掉其标志，一般很难区分出各个品牌产品造型上的差异。产品同质化现象是设计缺乏创新的表现，加之山寨手机层出不穷，扰乱了正常的手机市场。因此，CMF设计越来越受到国内企业的重视。传统的手机造型往往可以从结构出发来进行设计，比如滑盖结构、旋转翻盖结构、全键盘结构等。在智能手机时代，单单外观形态的变化已经不足以打动消费者。时尚的色彩和丰富的表面机理足以吸引消费者的眼球，良好的材质触感赋予产品生命力，严谨科学的加工工艺使产品的表面无可挑剔。CMF设计需要设计者首先研究当前的流行色、新的材料和前沿的加工工艺，然后结合消费者的情感需求。［9］从细节上进行设计，如苹果手机按钮的造型设计，做到让人一看就有“想去舔一下”的程度。
4结语
第13篇
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开放的演播空间
作者：admin2008-5-2619:13:17
开放的演播空间秦建伟改革开放二十年以来的中国电视业经过发展，竞争日趋白热化，电视以全新的姿态走进千家万户，不论高度时效性的新闻类节目，还是综艺娱乐性节目......优秀的制作与精美的包装，再加及节目主持人充满智慧的语言都对节目的收视率有非常大的影响。一档优秀的电视节目需要制片人(导演)主持人(演员)
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开放的演播空间
秦建伟
改革开放二十年以来的中国电视业经过发展，竞争日趋白热化，电视以全新的姿态走进千家万户，不论高度时效性的新闻类节目，还是综艺娱乐性节目......优秀的制作与精美的包装，再加及节目主持人充满智慧的语言都对节目的收视率有非常大的影响。一档优秀的电视节目需要制片人(导演)主持人(演员)摄像灯光美术设计音响编辑技术等方方面面的通力合作，才能更有效地完成整个片子的制作，演播室空间美术设计也是其中人非常重要的一环。
美术创作人员在得到一个演播室空间美术设计的任务时，酝酿最初的想法和形象化的概括，抓住对设计的独特理解，逐步形成它所塑造的演播空间外部形象的具体想法和意向.意在笔先,避免机械地按照节目规定的空间提供一般化地环境设计，才能提炼与节目有内在联系的造型因素，使空间成为一种潜在的语言,创造出仅靠人物语言动作无法充分表达的深遂意蕴。
在这里，我暂把演播室空间的设计分为六个角度进行分析:
一假定的空间
假定性系美学概念之一，假定性是一切艺术创作所共具的属性，空间艺术中以抽象象征虚拟引喻，间接表现艺术的时空感。
演播室的空间也可以是一个假定的空间场景，通过不确定空间的指定性，体现节目风格，例如：凤凰卫视的“杨澜工作室”，是一档以讲述历史长河中种种发人深省的故事、轰动的事件、才子佳人的传奇，回顾历史,给人以启迪的栏目.,整个节目开始摄像机由上自下，由右向左缓缓移动，象征历史文化的罗马石柱屹立在运动着的蓝天白云下，每一个柱子的中间都有一个电视屏幕，不断播放着珍贵的历史资料，主持人从柱子间慢慢走进镜头讲述一幕幕动人的传奇故事，这个假定的空间定位在一个变化的历史长廊中，把一个古老的历史废墟景象搬到演播室，在这样一个时空交错的环境中，让观众能更好地去了解过去的各种历史。
二情感空间
不同类型的节目体现出来的感情基调是不相同的，一般节目的开始往往通过一段音乐，几组画面，几行字幕，就可以让观众了解整个节目的风格，环境的设计同样也从背景到环境空间道具无不体现出某种特定的情感用语。亚洲卫视的[V]频道，几乎所有演播室的空间设计，都采用极度夸张的色彩，奇异的道具，再加上主持人新潮的发型及服装，体现出先锋音乐的存在空间，在这样的气氛中，肯定不会有严肃的故事发生。
三交互式的空间
谈话式的节目中,演播室的空间设计目的是让主持人与观众在一个开放的空间里迅速沟通，调动情绪，让更多的观众融与节目中进行参与。“实话实说”栏目，演播室为圆型空间，观众嘉宾主持人三者在同一对等空间，摄像分布其中，主持人在观众嘉宾中来回穿插，打破了空间的两面或三面的传统组成结构.这种开放的空间构架,能更加轻易地调动观众的参与情绪，让主持人有更多的发挥余地。
从这一点来说，演播室空间的美术设计，已不是简单地独立出现的，它是通过空间这个媒介与节目结合在一起.这就是为什么搞装饰装修的设计人员，在搞电视演播室的空间设计时,为什么显得有时力不从心了。失败的设计只能体现在独立的空间变化，独立的背景空间，与节目本身相差甚远。
四空的空间(通用性演播空间)
一些演播室不需要一个特殊的环境场所，关键是画面的整体和清晰，再配置简单的道具，这种布景也称为通用性演播，常用中景和近景，全景仅仅起到穿插作用。例如：凤凰卫视的“铿铿三人行”栏目，整个演播室只用了一个非常简单的幕布，以此体现“人生大舞台”“幕后休息室”的意象，以再简单不过的背景突出节目调侃诨谐的风格，是典型的后现代舞台风格，把三个人物放在一个简单的中性背景中，人物和人物之间的性格更加突出，这种空的空间设计可以使观众唤起某种形象感触，也就是所谓的形象联想，形象联想也就是设计创作中不可缺少的契机，是塑造形象的基准。
五装饰性空间
如果是中性节目，不需要表明人物的特定环境，只需要有一个优美的背景来提高画面的艺术欣赏性，比如：音乐舞蹈节目杂技表演节目就需要在通用性的空间背景基础上，给予特意的精心设计，这也称为装饰性布景。这种装饰性空间场景,要考虑演员上下场的变化，利用色彩空间的变化，传统或现代的图形变化使节目本身更加充实漂亮，甚至可以利用机械装置增加演播室的空间变化，让节目更有可看性。
六虚拟空间
电视的发展总是伴
第14篇
参考文献在某一程度上可以帮助作者提升论文写作质量，引用著名的文献资料，那么它的学术论点也是很有价值的，所以我们在写作论文的时候不能小看了参考文献，下面是学术参考网的小编整理的关于室内装饰设计论文参考文献，欢迎大家阅读借鉴。
室内装饰设计论文参考文献：
[1]张学彬3DSMax建模在室内设计教学中的应用与改革[J].中国教育改革与教学研究，2012.05：10-14.
[2]新视角文化行，王玉梅，姜杰，况军业adsMax2012/VRay效果图制作实战从入门到精通[M].北京：人民邮电出版社，2013.1.
[3]姜雨欣，宫艺兵，孙文《论室内设计与建筑设计的里应外合》山西建筑，2014.2.
[4]石腊梅.论计算机绘图教学方法的创新[J].中国成人教育，2013（03）.
[5]张春娥.数码时代绘画作品在室内设计中的应用[J].艺术科技，2015（01）.
室内装饰设计论文参考文献：
[1]聂淼.浅谈建筑室内装修设计[J].科技创新与应用，2012（28）
[2]张欣，李翠芹.室内装饰设计和现代技术探讨[J].美与时代（上），2010（08）
[3]时溪蔓.浅谈室内装饰设计的要素和基本原则[J].新乡教育学院学报，2009（4）
[4]陈明杰，张颖，李静.浅谈现代室内装饰设计新理念.承德民族师专学报，2009.4.
[5]韩思杰，当今室内装饰设计应考虑的几个要点，南方建筑.2002.2.
室内装饰设计论文参考文献：
[1]吕斌.传统工艺美术在现代室内装饰设计中的运用[D].南京：南京艺术学院，2008.
[2]张蕾.传统工艺美术在现代室内装饰中的运用[J].大众文艺：理论，2009，06：53.
[3]刘洋.传统工艺美术在现代室内装饰设计中的运用[J].大众文艺：理论，2009（11）：81.
第15篇
（一）一流中央高校艺术类专业毕业设计（论文）标准解读
中央高校属于国务院部门直属高等学校，简称“中央部属高校”，是指国务院组成部门及其直属机构在全国范围内直属管理一批高等院校①。我国中央部属高校共117所，其中一流大学建设高校A类共36所，B类3所，包含艺术类专业的高校共33所。艺术类专业的毕业设计（论文）要求学生们运用自己的专业知识，提出问题并制作出拥有设计感和美学形象的理想模型和解决方案，最后提交论文论述。要求学生将自己的形象联想能力和逻辑思维能力相互结合，自然科学理论和人文关怀情感相互交融，由此可见，艺术类专业是一种既富有美学性、实践性，又拥有科学性的综合性学科。因此，在一流中央高校中，几乎都设立了艺术类专业。一流中央高校的教学模式从传统的以总结理论为主的教学模式转变为以创新性和能力培养为主的教学模式。在此基础上，毕业设计（论文）选题角度的新颖性、创造性、理论水平和现实意义、综合知识与技能的运用、写作水平、学术水平和格式的规范化都会有较高的要求。例如，江南大学作为江苏省教育部直属的一流中央高校，对各类本科生毕业设计（论文）评分标准作出了不同的要求。在艺术类专业毕业设计评分标准中，指导教师评分占30%，评阅教师评分占20%，答辩评分占50%，毕业论文（设计）总评分折算成五级计分的方法见表1。
（二）地方高校艺术类专业毕业设计（论文）标准解读
地方高校是指隶属于各个省份、自治区和直辖市的普通高等学校，这些高校大部分都是由地方财政或地方行政部门提供资金支持，在我国共有2500多所高校，是我国高等教育体系的主体部分②。地方高校相较于一流中央高校的实力没有那么强劲，学科特色相对较弱，但是省级政府为了使优质的高等教育资源来推动地方发展的软实力，极力支持高校教育。因此，在上海、江苏、广东等高等资源集中的省市，涌现出了一批可以与一流中央高校想媲美的高水平大学，例如，苏州大学、南方科技大学和上海大学等。这类高校的艺术类专业毕业设计（论文）评分基本都采用统一的“334”标准，成绩采用的也是五级计分方式。相较于一流中央高校，地方高校艺术类专业的毕业设计（论文）的艺术性、创造性、合理性、表现手段的完整性、规范性和制作效果的要求相对减弱③。艺术类的毕业设计（论文）涉及到美学上的艺术性评判，因此，个人的主观性在其中发挥着很大的作用。从指导教师的角度来看，学生能否熟练地综合运用到所学的艺术理论和专业技术知识，对所研究的问题能否提出较为深刻的分析和独特的观点，是指导教师评判学生基础知识掌握能力的主要条件。其次是设计（论文）方案设计的可行性和科学素养。从评阅教师的角度看，学生将艺术理论和设计实践结合，在通过模型或图纸等表达理念的时候，逻辑性和理论性要明确。其次是考虑学生毕业设计（论文）的创新性以及分析问题、解决问题的能力。从答辩小组的角度来看，学生的回答要具有现实的艺术理论根据，思路清晰，论点明确。
（三）贫困偏远地区高校艺术类专业毕业设计（论文）标准解读
贫困偏远地区的高校艺术类专业并非高校的主力专业，在带动地区的教育水平和经济能力方面并不能起到领头作用，因此非艺术类专业的高校并不会投入过多的经济支持或教育资源在此方面。例如，广西大学艺术类专业毕业设计（论文）成绩的判定以指导教师为主，占据45%，评阅人和答辩成绩分别占20%和25%，剩下的10%为格式的判定。在此情况下，指导教师的评价具有很大影响。再如，较偏远的内蒙古大学，在艺术类毕业设计（论文）评分标准中，主要侧重于学生综合分析问题和解决问题的能力，其次学术水平和使用价值，再次是格式，学生的答辩成绩即为学生毕业论文（设计）成绩。相对来说，这种毕业设计评价体系和评分标准并不完善和详细，在答辩过程中去考察学生毕业设计（论文）的完成度、质量、以及撰写的水平和规范程度等，显得较为急促。
（四）民办高校艺术类专业毕业设计（论文）标准解读
民办高校是指国家机构以外的社会组织或者工人，利用非国家财政性经费，面向社会依法举办的学校或其他教育机构④。然而，民办高校因为录取分数线相对较低，在艺术类专业中更是明显，因此民办高校的艺术类专业学生的理论基础薄弱，且学习的主动性和能动性都不是很强。同时，由于民办高校的教学能力有限、投入资源过少、管理人员稀缺等原因，因此在学生的课程设置中，还是多以教授理论的传统授课方式为主，实践训练不足，使得学生比较难以兼顾到理论知识和实践能力相结合这一方面。在这种背景下，民办高校艺术类专业毕业设计（论文）的标准可以说是四种高校类型中最低的一个了。在字数要求上，艺术类专业的毕业论文不得少于2500字，论文论点鲜明，论据充足，有实用性和创新型，整体语言流畅。基本上只要满足以上的要求，便可以通过毕业答辩。
二、艺术类院校毕业设计（论文）标准述评
（一）美术类院校毕业设计（论文）标准解读
国内美术类专业院校在艺术理论培训和专业技术知识训练上，都拥有一套相对完整且独特的教育系统，美术类院校主要将专业分为设计类专业和艺术类专业。学生毕业前必须完成本专业的毕业创作（设计），并且结合自身毕业设计实践来撰写毕业论文，重点是强调出对本专业的毕业创作理性依据的表达，或对创作的创新性和原创性做出陈述分析。以中央美术学院为例，央美具有悠久的文化传统和深厚的文化积淀，在传播艺术审美和引领学术构建中处于重要的地位，追求的是学生自由意志的发挥和求索精神的培养，希望学生能够多注重身边的环境，加强自身的自觉认知能力和实践能力。因此，在毕业设计（论文）的创作上，篇幅的大小不做硬性规定，而是希望学生能够展现出大学四年学习过程中对于艺术的认知和审美的理解。学生毕业设计（论文）开题阶段，需要考虑选题的学术意义和社会价值性，以及选题研究完成后的可行性。创作的价值评判以对艺术传统的继承性和传承性来作为一定的标准，在此基础上，凸显出学生专业上的特性以及专业深度。
（二）音乐类院校毕业设计（论文）标准解读
所谓音乐学位论文，与一般音乐学术论文的定义如出一辙，“是指针对音乐某一领域中的某些现象和问题进行系统考察、分析与研究后所撰写的文章”⑤。在我国对于音乐类院校的毕业设计（论文）并没有明确的文件规定，而且各个高校对于音乐类的论文写作重视程度不同，部分院校虽然设立了“音乐论文写作”课程，但并未形成一套完整的教学体系，更多的是讲解论文的写作格式规范和文献的查阅方法，这也使得音乐类院校学生的毕业论文质量参差不齐。一般情况而言，毕业设计（论文）需要凸显出创新型和原创性，对于已经被进行过细致研究的论题，一般不会有更新颖的阐述，相应的毕业设计（论文）的评分也不会很高。其次，学生的学术敏感度和对问题的理解程度也是重要的评判标准，很多学生的毕业选题大多是对某个研究点的粗浅认识，很少有能够为学术发展提供借鉴成果。最后，毕业设计（论文）的逻辑论证和解释说明相互参证的过程也是作为评判论文的参考标准。逻辑论证的过程如果只拥有理论而缺少富有层次的解释，论文的整体结构就会出现空洞感。同样的，只有简单的解释描述而没有足够的逻辑理论支撑，论文的文化内涵就显得十分浅薄。只有将两者兼容并蓄，贯穿于行文之中，才能使得毕业设计（论文）的论点清晰，逻辑严谨。
三、综合性高校艺术类专业与艺术类院校毕业设计（论文）标准差异分析
（一）毕业设计（论文）内容要求的差异
综合性大学的教育资源和师资力量差异性较大，可以分为一流中央高校和普通高等学校来进行分析研究。一流中央高校在发展过程中，不仅保证本学校一流学科的独特优势，同时带动学校院系共同进步发展。因此，艺术类专业在一流中央高校中同样得到了重视，学院具有很强的独立性，在不断学习艺术类学院教育系统的过程中，结合本校的优势和特点，形成了完善的教育理论和课程设置。因此，学生受到的教育系统同艺术类院校的学生并无太大差别，在毕业设计（论文）的内容要求上，设计的规范性、设计的创造性、选题的范围和毕业论文探讨性深度上都有很大的相似性。普通高等学校与艺术类院校的不同之处，首先在于教育偏重方向不同，综合类大学的教育以理论研究和科学竞赛为主，大多采用的理工类的设计管理模式。在毕业设计（论文）内容的要求上，艺术类专业院校根据不同的专业，要求学生通过创作实践出一份具有体量感的作品，设计类要求多以解决现实性问题为主，包含人文关怀性；纯艺类要求展现学生自身的艺术性和审美想法，以达到情感的共鸣。同时，要求设计实践及创作实践和毕业论文结合在一起，以毕业设计的作品入手，或深入解析创作实践所涉及的专业知识，或分析问题现状，论述创作作品所蕴含的深意和未来的可行性等。而综合类大学的艺术专业的论文常常和创作实践作品脱节，没有起到创作和理论相互交映的作用。
（二）毕业设计（论文）展示方式的差异
首先，由于综合性高校的特殊性，使得学生的毕业设计受到了时间和空间上的限制。大多数的高校在进行学生毕业设计展览时，都将展览置于校园展馆内，主要面向校内师生进行观展，观展人数和群体狭小。其次，学生在毕业季的作品对于学生的工作和发展都有很大的帮助，而校内布展限制了学生和社会资源的结合，使师生缺乏对行业内人才需求的有效认识。与综合性高校不同的是，艺术类学院每年都会进行专业性的毕业设计展览。例如，自2010年开始，九所重点美术学院便开始联合举办“‘千里之行（全国版）’活动，敏感、真实地反映出当代背景下中国学院艺术的教学水平和成绩；为我国美术教育研究提供了一个学院与学院之间，学院与社会艺术生态之间比照的平台”⑥。迄今为止，“千里之行”已经举办了10届，每一届的学生都展示出了自己对于艺术的独特想法，虽然无法同“大师”作品相比，但仍然具有自己的生长空间和艺术创作空间。
（三）毕业设计（论文）答辩方式的差异
综合类高校因为专业的不同性，毕业设计（论文）的创作结果各有特点，但答辩形式基本上还是采用了传统的管理模式，没有按照不同专业的形式特点进行设计，产生了一刀切的现象。学生无法在答辩时完整地表达出自己对毕业设计的理解和看法，同老师的在思想和专业上的交流大大削弱。而艺术类院校每年都会举办毕业设计展，给予了学生充分的空间和平台进行展示。针对不同的专业，设立不同的展厅，答辩小组可以现场观摩学生作品，听取学生对于作品的解读。涉及到交互形式的毕业设计，教师也可以进行互动体验，更好地了解学生创作的内容。整体的答辩过程以学生的毕业设计作品为主，以学生对创作思路的分析，整体设计概念的阐述为辅，两者紧密结合，互相映现，保障了在毕业设计和学生答辩评分的专业性和公平性。
（四）毕业设计（论文）培养目标的差异
综合性高校艺术专业和艺术类院校在培养学生的目标上，有一定的相同之处，学生的实践操作能力、艺术素养的提升、专业知识的灵活运用和艺术理念意识的培养，都是两者进行教育人才培养的基本要求，这也是学生在毕业之际所应该掌握的基本能力。然而，和综合性高校不同的是，美院所担负的传道授业解惑之重任重在培养学生对于自身和周遭环境的感知认知能力、自我调节能力和实践转化能力。随着时代的不断发展，各个学科领域的相互交错，使得艺术领域也延展出了新兴学科，对于传统的延续和现代的发展的把握，使得艺术类院校的教育理念有了新的变化。在错综复杂的文化交织网中，导师要在教学中清晰地把握学生的发展方向，尊重学生在毕业设计中的思考和探索。
结论
综上所述，国内高校受教育资源、地理位置、富裕程度等因素的影响，在艺术类专业上展现出来的教育成果也是良莠不齐，因而毕业设计（论文）的标准也会因此产生差距。另外，艺术类的学科不同，所针对的标准也不同，美术类要求有实践成果和理论分析，并且二者相互交织，而音乐类由于学科的特殊性，成果展示形式不同，并不能一概而论。通过对综合性高校艺术类专业与艺术类院校毕业设计（论文）内容要求、展示方式、答辩方式、培养目标的差异研究，针对艺术类教育的特点，综合类高校应该开始思考如何根据自身的发展和社会的需求，为学生提供新型育人培养模式。
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