音乐心理学论文范文

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第1篇

一、练习过程

首先是练习过程。演奏水平的提升或一个新曲目的磨合都需要反复练习。一些教师和学生的观点认为应该保持或尽可能增加练习的时间，哪怕是牺牲音乐理论课或其他文化课的时间。曾有心理学家研究了众多领域专家（音乐家、运动员、棋师等）的练习时间，一般要经过一万个小时的练习才有可能成为该领域的专家；而且尽管个人先天能力或学习动机等方面存在差异，但足够的练习时间仍是“铁打的定律”⑧。这个结果也许令许多音乐专业学生感到欣慰，他们的练习时间没有白费，还需继续充实地在琴房积累小时数。但学生们可能很少对练习策略进行思考，以为时间是通往成功之路，不曾想过可有其他替代的方法。因为过度练习会适得其反，可能产生一些心理或身体伤害，比如长期处于紧张状态带来的心理不适或肌肉损伤等。为避免这些问题出现，可以通过心理练习来代替，即想象练习的过程，想象演奏某个乐曲的指法动作、音响特点或肢体表现，可以在自然状态下进行想象练习，也可以结合录音进行。也许有些教师认为想象练习没有作用，但想象练习的确也是演奏大师常用的练习方法，而且现有的研究表明想象练习几乎能够达到和实际练习相似的效果，尽管也受到作品难度和长度等方面的影响；如果能把实际练习和想象练习相结合会得到更好的练习效果⑨。音乐表演和运动领域的神经科学研究结果表明，在想象练习过程时人脑的运动区域也会被激活，能够达到一定的练习效果。除此之外，对练习过程的反思也是提升练习效率的重要过程，能够分析练习过程中的优点和缺点，有助于自主制定明确的练习计划。这就是心理学中常说的“元认知”，对练习过程不断反省和思考才能达到对练习过程的监控和调节，从而选择适合自己的练习方式。

二、音乐表现

其次是音乐表现。如何表现某个音乐作品，一般是由直觉产生的，或是通过模仿教师或录音习得的。教学过程中教师很少给出明确的关于如何表达一段音乐或应该表现什么情感的指导，更多的是通过启发的方式激发想象，而很少对音与音之间的关系、音乐结构等进行分析。这需要音乐表演者思考音乐表演要给观众传递什么信息，是传递情感，还是呈现音乐结构。这似乎是个见仁见智的问题，没有绝对正确的答案。然而，两者在表现形式上既有区别又有联系，情感表现式的表演也需要具有结构性，乐句的结尾或新乐句开始时的力度、时值和肢体变化都表现了一定情感。音乐心理学家曾经研究了表演者如何为听众呈现音乐结构，他们认为如果能够说明某种结构与表现方式之间的关系，可能会有助于表演教学。情感表现的表演一般是通过速度和力度的变化来实现情感交流的目的。表演中有两种方式可以吸引注意力：一种是谱面标明的要强调的部分，即“内在的”特点；另一种是表演行为带来的特殊的音乐处理，即“表现的”特点。“内在的”特点可以是旋律轮廓的最高点，或乐句的开始；“表现的”特点可以是渐慢的速度，延迟或延长某个音，增强或减弱某个音的力度。演奏者通常会通过“表现的”特点来突出表现“内在的”特点，以此来吸引听众的注意力。⑩这些细微的特点有助于系统地研究音乐表演这一复杂的现象，也帮助人们从意识层面了解直觉的表达方式是否存在某种规律。演奏中“表现的”特点也是由一系列根据直觉的艺术选择来决定的，比如“内在的”特点哪些需要突出，是否能够被清晰地感知到，通过什么样的身体控制得以实现等。一般演奏者没有意识到他们是如何处理“表现的”特点的，通过分析演奏过程帮助他们了解并调整在练习过程中处理作品的表现方式，这些表现方式和演奏技巧同样需要学习。同一情绪可以有多种表现方式，比如愤怒可以通过较大音量、尖锐的音色、复杂的噪声、长短音的对比、对不稳定音的强调、渐快等方式实现。选择什么样的表现方式来演奏某种风格的音乐，更好地传递情绪表现，需要表演者自己决定。目前一些可视化的分析软件已经能够胜任这样的分析任务，通过图像呈现表现的“效果”更直接、更有说服力。呈示音乐结构的表演是建立在作品分析的基础上。学生首先要对正在演奏的作品进行分析，画出谱面上各种“内在的”特点，然后聆听自己的演奏录音并分析：如何处理“内在的”特点前后的音，哪些需要“表现”，如何表现，哪些不必强调，不同风格的音乐是否表现方式不同。这样引导学生进行以表演为导向的分析，并意识到自己的表演策略，会有利于他们形成自己的表演风格。研究表明这种分析有助于表演者的情绪表现，也为分析音乐表演提供了一种新的方法。

三、表演焦虑与音乐医学

第2篇

由于小学生大脑处于发育阶段，对新鲜事物容易产生好奇心理，喜欢东看看西摸摸，动个不停；另外他们求知欲强、要求上进，教师如果在教学中依然用传统的模式，一味地按照书本教材进行讲解，就会使课堂变得沉闷，使学生失去学习的兴趣，他们在课堂上就会做小动作，不认真听讲。因此，教师必须要改变教学方法，钻研教材，积极创设适合学生心理的教学方法，让课堂变得有趣，吸引学生的注意力。例如，在学习《踏雪寻梅》这首歌时，笔者考虑到“XX.X”这个节奏中前八分休止相对比较难懂，因此在教学中笔者利用学生好胜心强的心理，鼓励他们自主讨论应该如何解决这个难题，以此激发他们学习的动力。不一会就有学生举手发言：“老师，我在唱到这个休止符时用点一下头来强调。”有的学生说：“我是在心里默默地嗯一下。”还有学生说：“我用脚打节拍强调。”听到这么多学生的发言，笔者首先肯定了他们的做法，然后进一步鼓励他们：“我们可以选择一种简单而又适合自己的方法来唱。”这个前八分休止符的难题就这样解决了，同学们也在不知不觉中学会了演唱这首歌曲。教师在了解学生心理特点的情况下，运用灵活的教学方法调动学生的学习积极性，促使学生积极思考，踊跃发言，让原本单调的音乐课堂变得轻松活跃，进而提高了课堂效率。

二、巧妙运用奖惩措施，唤醒学生学习潜能

教学手段是多种多样的，教师可以在教学过程中使用夸奖、批评、赞美、惩罚等手段。完善课堂奖惩制度，教师必须要在科学合理的评价基础上有自己独特的方法，运用得当的教学语言激发学生内在的音乐潜能，充分给予学生一个健康快乐的音乐空间。例如在学习《送别》这首歌时，笔者在向学生介绍创作背景时，有的学生在台下开始窃窃私语，影响其他学生听讲，于是笔者问他上课为什么要讲话，他说：“老师，这首歌我早就会唱了。”“太好了，那就由你来担任一下这节课的小老师吧！来教大家学唱这首歌！”这位同学很好奇，表现得非常积极，其他同学也没有尝试过同学的教唱经历，所以都很认真地学唱。很快大家就学会了这首歌。通过这样的奖惩办法，不但使学生改掉了上课爱讲话的毛病，而且还充分发挥了他的特长，形成了人人争当小老师的学习热情，激发了学生的学习潜能。教师应抓住每一个可以夸奖学生的机会，激发他们的学习兴趣，提高他们的自信心。在维持良好的课堂秩序的同时，也提高了教学效率。

三、透彻分析学生心理，机智处置纪律问题

由于年龄的原因，小学生还缺乏一定的自律性，课堂上常常会发生一些意想不到的事情，比如“问题学生”、“多动症”儿童等，课堂上总能发现他们或是在讲话，或是在影响其它同学认真听课，等等。对于这样的情形，教师需要机智灵活，妥善处置，不能简单地停下讲课，严厉训斥一番了事，而应根据实际情况区别对待。或接话分析，用教学内容中的道理去说明，使之深化；或善意引导，晓以大义，以宽容的态度、渊博的学识、透彻的分析，去征服学生的心。为音乐教学提供良好、有序的课堂纪律。例如在学习《茉莉花》这一课时，课堂气氛很有些异样。这是一首广泛流行于全国的江苏民歌，很多学生都能从头唱到尾，上课时不少学生开始交头接耳或是埋头做其它事，根本提不起兴趣。面对课堂上松散的纪律，笔者灵机一动，何不尊重学生会唱的事实，从学生喜爱的角度选择曲目呢？考虑到这首歌有很多个版本，也被多位艺人重新演绎过，所以我让学生说说自己对这首歌的认识，说说自己最喜欢哪个版本，为什么？这样一来，课堂上一下子变得热闹起来，有的学生说：我喜欢宋祖英在澳大利亚悉尼歌剧院演唱的现场版，很经典；也有的学生说：我喜欢霍尊改编的《茉莉花》，很现代、很独特；还有的学生表示：我喜欢梁静茹版本的《茉莉花》，小清新风格很好听。

四、结语

第3篇

“琴人合一”是每一位表演者追求的最高境界，要达到这种境界就要求表演者做到投情，以达到展现作品丰富内涵的目的。做到投情，首先表演者务必准确的把握作品情感基调，其次要对作曲情感的发展逻辑和色彩变化做以详细的分析。我们以声乐作品《昭君出塞》为例，这首作品的情感起伏和情感色彩变化非常多，首先写女儿离开家乡眷恋不舍得悲叹之情；其后转换成对将来“长城无烽烟”的坚定信心和美好展望；最终写到“千里麦浪翻”的丰收喜悦景象。细腻、坚定、豪迈的三次情感变化要求我们表演者要灵敏的做出反应，将情感色彩变化与歌声处理的和谐统一。另外情感表达还可以从谱面上寻找，乐谱上的任何一个音符和装饰音都是有意义的，我们要将每个静止的音符在音乐表演中给予生命力，将作品内涵完美的呈现给观众。

二、音乐表演中的想象

想象是音乐表演中的另一个心理要素，它使人在音乐原有的理性和感性的认识上，经过重塑而构成新的音乐形象。这个过程给予了作品崭新的生命力，它不仅将原作再现，而且还将其创作给予独特性，使音乐作品有了新的色彩。表演者想象得越丰富，作品中心思想就会展现得越清楚，观众的感受也会越深刻。音乐表演中的想象包括对场面环境的想象，也包括对作品所持有的精神气质和内在情感的深刻领悟。例如在歌剧《原野》中，有一首声乐作品是《啊！我的虎子哥！》，在表演过程中表演者要以金子的身份融入到剧情之中，展现出对虎子哥敢爱敢恨的情感，将作品完美的展现出来，引起观众的共鸣。想象是音乐表演心理要素中的关键，我们要充分发挥这一重要要素并运用到音乐表演中，使音乐表演富有生命力，感化观众。

三、音乐表演中的临场心理调控

（一）全神贯注的投入

音乐表演的时候不需要我们再考虑什么地方该改动，攻克哪些技术难关，此时要做的事情就是全身心的投入到音乐表演本身，将自己平时练得东西发挥出来展现给观众就可以了。临场表演时我们平时对作品的研究和所获得的各种感受都已经潜移默化的印在了我们的脑海中，是这种潜在的东西支持着表演过程。全神贯注是保障音乐表演顺利完成的重要心态之一，如果左顾右盼只会给音乐表演现场带来消极的影响。训练全神贯注最方便的一个方法就是，音乐表演者把平时的每一次训练中都当成演出对待，这样在正式演出的时候，做到全神贯注也就不是那么难了。

（二）情感的自然流露

情感的自然流露要求表演者在表演过程中把音乐情感发自内心的自然而然的流露出来，使听众或观众的感觉很舒服，而非刻意模仿。情感的自然流露可以使表演者和听众达到水融的状态。要做到音乐表演的自然流露，需要表演者具有一定熟练的表演技巧、至高的精神境界和艺术修养，真正的把音乐融汇于心，使音乐从心中自然的流淌出来，最终使音乐作品的演绎达到一个更高的境界。

（三）调节和克服怯场心理

音乐表演在上场前通常会出现紧张和怯场心理现象，而临场表现恰恰是决定音乐表演质量的最关键时刻，克服怯场心理，我们需要做到以下几点：

1.客观的态度。根据自己的实际情况，摆平自己的位置，不要想着一鸣惊人，这样不但无形中给了自己巨大的压力，而且还有可能导致发挥不正常。我们应把心态放正，音乐表演不仅仅是表现自己，更重要的是表现音乐，只有这样才能使自己全身心的投入到音乐表演中，竭尽所能的表现音乐作品，争取最好的表演效果。

2.自信。自信在音乐表演中尤为重要，是充分表达情感和演唱效果的前提。表演中面对台下的观众应做到“眼中无人、心中有人”的境界。自信是做任何事情成功的前提，如果连自信都没有，又何来勇气去完美的展示自己。当然建立自信也是需要一定基础的，对于表演者来说需要对作品进行充分的练习和熟练把握。另外还要看到自己的优势所在，扬长避短，将自己优秀的地方淋漓尽致的发挥出来，从容的完成作品表演。

3.娴熟的技巧。表演者要做到熟练掌握相关技巧，表演时便可水到渠成。古人说“艺高人大胆”肯定有其中的道理。我们只有在具有充分的实力的前提下才能做到无所惧怕。所谓“台上十分钟，台下十年功”，我们要在演出前反复的练习作品，这样在表演中就不会害怕，可以更好的做到用表演取悦观众，用情感感染观众。

4.经常的演出实践。经常的演出实践可以使表演者不再畏惧台上和台下的感觉，不再畏惧观众多与观众少的落差，演出的次数越多，表演者在舞台上整体形象和演出效果就会越好。另外，音乐表演和人体的生理也有一定的关系，经常演出可以学会如何在演出中处理自己身体的不适，将演出的负面效果降到最小化；经常的演出实践还可以帮助我们学会及时应对演出中的突况，这也是减少和避免临场紧张的解决方法。如果音乐表演者能够做到以上几点，那么在表演时的紧张和怯场心理会减弱，这对于确保音乐表演的完整演出是至关重要的。

四、结语