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设计风格论文范文

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设计风格论文

第1篇

千百年来自从人开始有了思想,其制造出来的物品不单单只是一件冷冰冰的产品,上面蕴涵了人类的思想。随着时间的推移,产品的风格也跟着思想的变化而变化。于是出现了原始纯朴的陶器,狰狞冷峻的青铜器,优美典雅的青花瓷器以及现代简约,夸张,幽默的工业产品等包含了人类不同文化思想的物品。上述情况说明了文化思想是影响产品设计风格的一个重要因素。近年来,随着科技的发展,人们物质生活的水平的不断提高,人们的思想也发生着相应的变化。有一种社会现象在许多人群中开始流行。这就是人们逃避生理上已经成熟的事实,喜欢在生活中寻找可以保留年幼特征的物品,装扮,语言等。大量夸张,搞笑的卡通造型,可爱,鲜艳的动植物图案成为这些人追捧的对象。而体现可爱,活泼,漂亮则成为设计师追求表现的一种风格。这类风格的产品受到了很多人尤其是年轻人的欢迎。街头,屋内出现越来越多可爱风格的物品,装饰,打扮便不足为奇了,这正是这个时代人的思想在产品设计上的体现。

2可爱文化对产品设计风格的影响

2.1可爱文化

文化,最粗略的划分是物质文化和精神文化。它包含四个层次,物态文化层,制度文化层,行为文化层和心态文化层。心态文化层是文化的核心层面,是人类在各种社会实践活动和意识活动中形成的思维方式,价值观念,审美意识等。它既表现为感性的,不系统的,大众的社会心理,也表现为系统的,理性的社会意识,并以哲学,艺术的物化形态加以保存,流传。

人们的社会心理特征随着社会生活条件变化而变化,导致传统思想受到一定程度的冲击,新的文化思想出现。可爱文化正是顺应这种条件产生的。可爱文化时下被流行地称作“蔻文化”。“蔻”原为英文中的CUTE音译,意为“可爱”。现在“蔻”被延伸为天真纯洁、清纯烂漫、逗人喜爱的意思,近来又被无限扩大为甜蜜、稚嫩、卡通等。“蔻”是一种新人类的生活态度,好玩、年轻、活力,再加上可爱、漂亮、快乐,就叫“蔻”。对“可爱文化”的推崇已经进入中国,并且培养出了独具特色的消费群体,形成了独特的“蔻一代”,这一代人没有束缚,思想和行动开放。因为营养好,观念更新,新新人类的身体发育呈“性早熟”状态,而心理年龄却成为一种半生不熟的“后儿童时代”,更多人热衷于扮“蔻”的因素,这种类型的人普遍怕老的心态促成了“蔻一族”的风行。另外,都市生活的工作压力颇大,善解人意的时尚风潮就为这群人提供着年轻化甚至儿童化的消费,以缓解他们作为社会中成人的压力,他们的潜意识仍然希望得到加倍的呵护和关爱,逃避社会和成年人的责任。“小就会有人宠!”渴望被宠被爱的感觉是他们最基本的出发点。由于上面的原因,导致这一类人的文化价值观发生着变化。他们打破传统的规则,标准,甚至是背道而驰,表现出与其实际年龄极不符合的追求儿童特征的思维观念。

2.2产品可爱风格的形成及发展

2.2.1产品可爱风格的形成

设计艺术是文化的产物,是一个民族,一个时代的物质文化和精神文化相互结合的结果。文化不仅制约着设计艺术的内容,也制约着设计艺术的形式。风格是指在艺术区别系统中,由独特的内容与形式相统一,艺术家的主观方面特点与艺术的客观特征相同意而构成的动力结构。设计风格除了受科技水平的影响之外,还是一个时代的文化观念,审美意识和价值取向在设计艺术中的物化表现。

作为一种新的文化观念,可爱文化必将对产品风格造成影响,设计师将其运用到设计过程中,设计出了受到许多人欢迎的“可爱文化”型产品。设计师主要将简约卡通的造型,欢快的色彩,不同材质等因素运用到产品设计中,因此卡通可爱的造型,明快的色彩成为“可爱型”产品的主要特征。比如卡通造型的家居产品,交通工具,电子产品等。

(1)意大利ALEESSI公司设计师设计的一些家居产品。其产品的造型特点简洁,可爱,结构简单,色彩明亮,有时还会添加一些幽默的因素。没有复杂的图案装饰,这些正符合可爱文化的特征。

(2)奇瑞公司推出的迷你型汽车“QQ”除了考虑人们的购买力之外,其可爱的造型,由其是象一双美丽大眼睛的前车灯,包括红,黄,蓝,绿等鲜艳的颜色,正是考虑了年轻人群追求可爱,活泼产品心理,从而取得了不错的销售成绩。

(3)日本三丽欧(Sanrio)公司的凯蒂猫(HelloKitty)、史努比(Snoopy)成为了世界上最昂贵的猫和狗,正是因为准确地把握住了“可爱文化”的脉络;英国的乞丐熊、德国的泰迪熊等,一再在全球掀起收藏,也是因为“可爱文化”在全球创造出了大量的需求。从中可以看出,这些产品体现了活泼,可爱,快乐的时代风格。而这些风格的产品正是现今社会许多渴望留住纯真美好童年时代的人的需求,尽管他们的年龄已经离童年时代很远。影响到设计领域则是设计师打破了传统设计风格的束缚,将这类轻松,愉快,可爱的特点运用到产品设计中。因此日常生活中的许多产品都打上了此种烙印,并受到多数年轻人的欢迎,成为一种时尚,同时取得了很好的经济效益。

2.2.2产品可爱风格的发展

由于经济水平发展的不平衡,许多发达国家在多年前在产品设计领域就已经注重将可爱文化在产品中体现出来,并且现在仍是如此。韩国,日本的体现可爱意味的产品就涉及广泛,种类繁多。如普通家居产品,装饰品,背包类,及电子通讯产品等。人们购买的热度也非常高。近年来,这类风潮已经波及到中国,许多人似乎一夜之间都回到了童年,装扮,饰物,生活工作空间布置,使用的物品都与可爱挂上了钩。这大大影响了产品设计的时代风格定位,为了满足市场需求,设计师必须将突出天真,浪漫的因素运用到产品的造型,色彩设计中去。

在设计领域贯穿的一句话就是“设计必须围绕人展开的”。而人是一种善于变化的动物,尤其是思维。未来了社会物质,精神生活水平将与现在存在差异,可爱文化有可能不复存在或者说演变成为一种其他的文化类型。与之相应的人使用的产品时代风格也会发生变化,风靡一时的可爱文化产品可能就不再有生存的空间,取而代之的将是代表那个时代文化特征的产品。

3结语

伴随社会的不断发展进步,每个时代都有各自的文化特征。从原始社会的古朴单纯,奴隶社会的等级森严,及封建社会的崇尚礼仪,道德,现代社会的思想解放,自由,无所顾及等,这些特征在同时期的产品都深刻的体现了出来,并且随着时代的变化而发生着变化。可爱文化是当今社会的一种文化现象,是适应目前社会的特点而产生的并影响到了产品设计领域,从而出现了许多体现此类文化特点的产品。由此说明了文化因素对产品设计风格的影响。在未来的社会,新的文化形态出现的同时必将导致体现此种文化特征的新产品出现。

参考文献

第2篇

极简、怀旧、艺术品味登堂入室千禧年的家俱的选择及空间陈设概念将回归到反璞归真的自然隽永风格,不论在造型、色彩或世居是动线的安排、居家风格的呈现上较不同的是,简约不再只是简化的线条和单调的形制,设计元素加入了更多对"人"的尊重及人性化的温暖设计。住宅新规划、新建议。新──新的人文思考与价值观速──正确精准而有效率的快速工法实──真材实料与实用性检──造就长期维护方便性与弹性应用的检洁设计方法

追求的是一种简致和美的风格,反对过分夸张、奢华和浮躁。建筑的造型,比例上的合理是我追求达到完美的目标,这也是设计的较高境界。设计应该是恒久的。也就是说在经过很长一段岁月后仍然具有耐看的质感。对生活在城市里的人来说。生活显得越来越精致了。每个人都在设计自己的生活。确实,生话是需要设计的。当我们被越来越纷繁的时尚事物迷住了心眼的时候,会发现那些设计方向也越来越模糊。建筑学生联盟

纯粹功能性的解决,只是一个设计的雏形。所谓"理性的工程";而设计的最高境界应涉及艺术感的层面。开始是以功能性来考虑,靠空间来解决实际住宅的需缺,最后则以艺术性来表达,让人感到美,感到舒服。这样的兼顾需要刻苦的专业精神、活学活用的专业知识、敏锐的艺术通感,还有不断累积的各种实践经验。做过千多个案例,亦是经过无数历练才形成自己一套可以自如挥洒的成熟手法的。

简约、质朴的设计风格是众多人群所喜爱的,生活在繁杂多变的世界里已是烦扰不休,而简单、自然的生活空间却能让人身心舒畅,感到宁静和安逸;藉着室内空间的解构和重组,便可以满足人们对悠然自得的生活的向往和追求,让他们在纷扰的现实生活中找到平衡,缔造出一个令人心弛神往的写意空间。把这种理念融入设计里,摒弃了吹毛求疵的形式美,否定过分的堆砌和浮夸,通过清晰,简明的线条剪裁和素净质朴的家具组合,构建出舒适、自然、明快的居家风格。

然而,作为一名专业的设计师,不应该把自己局限于某一特定的方向,更不应该默守一成不变的设计风格,而应该跟随着时代和潮流的步伐不断进取,拓宽自己的视野,并通过学习和实践不断更新和突破自我,只有这样,才能诱发出更丰富的设计意念,创造出更多化的作品。应该在设计风格逐渐趋向于多元化,不要在设计上侧重于个人主观感情的投射,爱从大自然入题,造就出具有大自然风尚的居家风格,随着将来的发展和现代潮流的趋势,现在则较偏爱西方现代设计意念,喜以简约主义的手法去处理。设计不只是艺术。进行纯艺术的创作,只求个人单一满足,属于个人化的行为,无需在乎旁人的指点;但设计不能崇拜个人主义,因为最终使用者仍是客户,因而在设计的过程中,既要考虑到客户的各种需要,又要切合使用者所需要,不可妄顾一已创作欲上的自我满足,而完全忽略客户的意见和要求,因为客户才是居室的使用者,只有他们自己最清楚自己的需要,因此设计师只有在与客户沟通后才把想象出来的空间通过其专业的手法而落实下来。

因此,看来一个成功的设计方案,应该是美观现实用并重的。只有美感而欠缺实用性的设计,对设计师来说,可能已是称心之作,既切合设计追求美的目标,又能满足设计师一已的创作欲,但对于最终的使用者而言,只能带来悦人眼目的效果,从而因未充分考虑实用性而引起诸多不便,结果成为失败之作。

设计属性是由过往经验形成.曾经在多所设计公司任职,不少名师认为自己受到环境影响不少,从早期的古典风格到以国外设计师为主导的设计工作中,都是自己今天设计风格形成的原因,而且从早期认为应该提升屋主的生活水准,到今天诊断设计要与居住者的生活完全结合在一起,设计师们发现,为屋主所做的设计应该延伸到多年后的生活。主因是建筑物无法针对个人需求来调整,也因为国人对生活的要求改变,造成室内设计如此蓬勃发展,但是设计师如何让自己脱离"装璜",真正走向"设计"。首先要培养对环境强烈的敏镜度,才能从各自经验归类出自己的风格;其次是将空间的优点焕化成自己的优点,也说是说,能将空间看成三度立体来设计时,就能完全掌握完成之后的协调度;最后要在理想与屋主需求中求得平衡点,和屋主做良性沟将,将视觉美感与生活完美结合。

如何处理与客户之间的关系是每个设计师必须面对的一个问题,因此众多认为:在设计前会与客户进行很深入的沟通了解他的性格、生活习惯。因为设计的最终结果是供客户使用所以设计中虽然有个人的风格,但一定要完全符合客户的个人喜好。与客户的关系是从认识到了解,最终成为朋友。而在设计办公室时,更是要了解这个公司从老板到员工的要求,还包括公司的内部结构、部门分配以及公司的整体形象。客户的特殊性对于设计师来说是一个挑战,因为每个客户一定会有不同的要求。设计师所能做的就是将自己的设计概念详尽地解释给客户

听,与客户进行沟通,尽量在动工之前让客户了解我们的想法。因为设计很难直观地向客户解释清楚,所以好的设计师还有一个技能就是懂得表达。

客户知道他的风格一一追求淡雅而高级的格调,所以才去找他。客户和设计师,首先会在保持低调,平和这些理念上达成共识。一般那些富豪的居室都很低调,但质量上要求非常高。无论做谁的设计,都必须很认真。靠沟通,阐述,变通,找到合适的方法。不用太触目,但一定要够经典、够个性。

从事设计的人都很有自己的看法与意见,而且会有一种想努力完成某种事情的热情,讨厌站在时代的末端,另外一个很重要的特质是具有心里透视的能力,如此设计师们方能清楚了解消费者的需要,然后满足需求。绝佳的设计应是配合建筑物施工期,共同考虑结构、环保、对外环境、建筑与室内的界面处理等关系所规划,工程程序安排与建材种类的配合不至于浪费人力、物资,在预算及时间内,搭配建筑物的工程,共同达成空间的精神,让使用者接收一个圆满的住宅空间。设计不单是一项空间美化的工作,它是一项掌握预算、工作时间、控制施工过程,然后以有效率、正确、准确的方式来执行的工作。综合来说,设计是一项结合了人文、艺术、历史、科技、预算、设备、灯光统合的工作。

从繁复的古典、强调造型的现代到简化的现在,发现想在合理的经费中完成屋主需要的空间,"简化"正是其中的关键,因为强调造型的物品通常比较昂贵,欲只有视觉效果,而"简化"却能让设计者还原设计的本质,藉由素材的真实面来表现。深入了解素材使设计更落实。在平面完成之后,紧接着便是材料选择,判断素材是否适合空间使用,要先从"机能"出发,也就是说,设计观念的架构要正确,才能在怡当的地方使用恰当的素材。要达到能游刃有余,最扎实的方法就是认清素材,清楚了解素标的特性,才能完全发挥素材的优点。

当设计师对某种素材特性不够了解时,就容易被施工单位牵着走,施工单位可能碍于施工方法复杂,而以各种理由设计者的设计图,造成整个空间完成度变低,如果能完全了解素材的优点时,设计师本身更容易发展出具创意的设计。以曾经流行一时的玻璃屋为例,由于台湾的玻璃屋技术不够完整,导致玻璃屋成了热的玻璃盒子、耗费能源多,又难清理、容易漏水,对客户来说,产生使用上的困难,最後便乏人问津,这便是对材料和环境不够了解之故,反观国外的玻璃屋设计,同时考虑自动清洁系统、防紫外线的设计,连卷帘都可以和玻璃屋结合在一起。唯有清楚素材的优缺点後,设计者才能避免使用不当的产品。以玻璃和盖房为例。在多年的设计生涯中,谭精忠设计师使用过不少玻璃与金属,从外墙、隔间到天花,这两类材料在他手中几乎无所不能。认为设计最值得骄傲的是,在有限的条件中创造空局无限价值才值得称许。因为使用最基本的素材完成的成就感最大。

在设计的同时设计者要很好的审视自己的设计态度。这样才能为自己的特有风格而设计。多数人认为设计师的职责在于发现问题,然后去解决问题,然而,空间与人的心灵有关,无关乎改造或发现,只有回归的问题,回到人的最深层。以为设计师工作是要担任引导的一方;而不论空间还是人,都有无限可能可以被挖掘,当人在庸碌的生活以后,开始想暮然回首,不论是在旅程里、旅程中途或是行旅末了,追求深刻的心里深处的家,是一个起点。拿穿衣做比喻,怎么穿质地都稳当妥切,才是最终的境界;如果质地不稳,便需要穿成某一种特色,形成某一种样式,好突显身份,却都不甘个人的本质。如果一个外在服饰简单的人,空间不会凌乱不堪才对,但其内心世界,又如何呢?空间要的是单纯却不是单调,就怕"创造物"表现简洁,但内心其实是单调,作品风格反变成掩饰内心空洞的手段。但如果内容物很深,那么是可以很有力量的。所以很多事物都只是在"色"的变化,追求稳当的质地,是因为要回归生命本质。刚从事设计之初,很多设计者发现自己常常为了某种感觉,而要影响生活中的很多细节,造成不方便,由此可见人的思想局限,因为我们以为有一种东西叫做"美感",而大家只能看着这个美感,却不能用。这样设计者们将会经历了一连串的身心变化与设计生命的不同阶段。以往,要透过技术或规划来达到设计上的美感与要求,但设计里不会有美,因为是人做出来的东西,怎会有美感,只有一个人的框架和局限而已。而认为这里面只有恐惧,如尚且害怕不够,害怕作品不够突出吸引人,用了许多与空间气质不相符的物件,届时反扼杀了空间的生命力。因此我们必须认识拒绝任何精神的权威,做批判性的思考;提示人解放原本应是全然自由的心,在人生旅程中清楚的观照。

设计的目的是创造美好的生活空间,这个空间最终是供人居住的,在设计之中,实用和美观是同等重要的,而且往往是先考虑实用,再考虑造型。设计并不仅仅起到美化的作用,最终的目的是合理地利用空间。美化是设计中的一部分而不是全部。我们是从使用者的角度出发,考虑环境、空间等方面问题,完整地分配、布局。在这之后才进入美化的阶段。美化的理念也要根据客户的不同个案来进行调整。例如酒店是各色人等共处的场所,在设计上就要采取中庸之道,使进入这里的每个人都不会产生不舒适的感觉,要尽量利用每一个空间,使之能合理化地分割,然后按不同功能,配衬上合适的设备和装置,并加以美化、修饰,营造出与之调和的氛围。当然,美化的程度有深有浅,更有不同的风格,做得好不好就看设计师的功力了。设计没有固定的方程式。空间的处理手法是变化多端的。同一空间里存在不同的元素,互相影响。互相配合。即先要考虑实用。再研究造型。一个忧秀的设计师必须能找出这两者之间的平衡点,加以发挥。

建筑设计与装修设计是息息相关的,但二者有分别。设计者应该在未动工装修之前,按建筑物赋予的条件和客户的要求。先作出计划。计划包括空间分割、选用设备材料,把色彩、家具、灯具等等揉合成一个整体的方案。最后才把这个方案交给合适的装修单位去实现出来。其实建筑设计是一个整体的概念,并不仅仅是装修.它还包括了家具、装饰品的设计、摆放和搭配,这甚至可以具体到一个杯子。室内空间里每一个物件都是整体风格的一部分。每一个环节都很重要。

第3篇

“风格”是指站点的整体形象给浏览者的综合感受。这个“整体形象”包括站点的CI(标志,色彩,字体,标语)、版面布局、浏览方式、交互性、文字、语气、内容价值等等诸多因素。风格是有人性的,不管是色彩、技术、文字、布局,还是交互方式,只要能由此让浏览者明确分辨出这是本网站独有的,这就形成了网站的“风格”。一般都要求:清纯简洁,主题鲜明,内容编排得当合理、有一定的艺术感,美观、实用,相关链接正常,能体现网站的基本功能,可以从以下几个方面来为网站设计一个独特的风格。

1.网站标志(LOGO)

LOGO是指网站的标志,标志可以是中文、英文字母,也可以是符号、图案等。标志的设计创意应当来自网站的名称和内容。比如:网站内有代表性的人物、动物、植物,可以用它们作为设计的蓝本,加以卡通化或者艺术化;专业网站可以以本专业有代表的物品作为标志。最常用和最简单的方式是用自己网站的英文名称作标志,采用不同的字体、字母的变形、字母的组合可以很容易制作好自己的标志。

2.网站色彩

网站给人的第一印象来自视觉冲击,不同的色彩搭配产生不同的效果,并可能影响到访问者的情绪。颜色搭配是体现风格的关键。“标准色彩”是指能体现网站形象和延伸内涵的色彩,要用于网站的标志、标题、主菜单和主色块,给人以整体统一的感觉。至于其它色彩也可以使用,但应当只是作为点缀和衬托,绝不能喧宾夺主。例如IBM的深蓝色,肯德基的红色条型。一般来说,一个网站的标准色彩不超过3种,太多则让人眼花缭乱。适合于网页标准色的颜色有:蓝色,黄/橙色,黑/灰/白色三大系列色。一般以白色和黑色的背景网页最好做,颜色搭配最方便;亮色与暗色配合,最容易突出画面,如黑与白,红与黑,黄与紫;而近似的颜色的搭配,能给一种柔和的感觉,如墨蓝与淡蓝,深绿与浅绿。最好能给主页定一个主色调,不要搞得花花绿绿的。

3.设计网站字体

和标准色彩一样,标准字体是指用于标志、标题、主菜单的特有字体。一般网页默认的字体是宋体。为了体现站点的“与众不同”和特有风格,可以根据需要选择一些特别字体。制作者可以根据自己网站所表达的内涵,选择更贴切的字体。需要说明的是:使用非默认字体只能用图片的形式,因为很可能浏览者的计算机里没有安装特别字体,他看到的只能是乱码,那么辛苦的设计制作便付之东流了。

4.使用精炼有效的语言

现代生活节奏加快,人们往往没有时间看大块文章。为了节约时间,在单位时间内获取最大量的信息,人们需要精练的信息,即信息精品,要用信息语言来表达信息内容。所谓信息语言是指以下公式:信息=基本事实+数据描述+专家观点。

信息语言摒弃一切广告性词句、文学性修饰词句,不欢迎一切关于意义、重要性的过分渲染。尽量采用数字说话,欢迎定量描述,反对过多的定性描述,特别是无法形成准确概念的定性描述。用信息语言描述,任何信息都应该有出处,有时间,分类准确。当然,应当满足信息的时效性、准确性、完整性、精练性等固有的特点。在此特别注意的是,不要出现错别字、病句。

5.设计网站宣传语

网站的宣传语也可以说是网站的精神、主题与中心,或者是网站的目标,用一句话或者一个词来高度概括。用富有气势的话或词语来概括网站,进行对外宣传,可以收到比较好的结果。

二、网站设计的色彩搭配

打开一个网站,给用户留下第一印象的既不是网站的丰富内容,也不是网站合理的版面布局,而是网站的色彩。色彩对人的视觉效果非常明显,一个网站设计成功与否,在某种程度上取决与设计者对色彩的运用和搭配,因此专业人士把色彩制作成色系表,根据这些色系让网站也有其自身的色系,网站的色系是浏览者整体的视觉观感,若一个网站色系能有一致性,不仅会使网站看起来美观,更能让浏览者对内容不易混淆,增加了浏览的简洁与方便。而网站的色系更能衬托出网站的主题,若色系能与主题合理搭配,将会增加浏览者的易读性。网站的色系包含了网页的底色、文字字型、图片的色系、颜色等等,这不单只是将颜色搭配得当就算完美,还要配合每个内容,及网站主题。1.网页的底色

网页的底色是整个网站风格的重要指针。举例来说,以黑色作为背景颜色的网页,因黑色本对人的视觉上会造成黯淡的感觉,若是拿来用作活泼的儿童网站,就是不适合了。因为小孩子是天真无邪的、活泼的、有朝气的,与黑色的沉稳、黯淡,很难联想在一起。当然,每个人的审美观不同,可能也会对颜色的代表性看法不同,但既然网站不是只写给自己看的,就应该要注意到大部分人可能会有的观点,然后以众人居多的观点出发,来设计网页。

2.文字字型

文字字型上的设计,最好的网站是以所有浏览者都能看到的字型为主。常会看到有许多网站要求浏览者须自行下载某种字型,才能达到最佳浏览效果,这是种非常奇怪的行为。毕竟浏览者只是来找资料或是来看网站的内容,不可能会因为这种“为达最佳浏览效果”,而自行下载所需要的字型。当所要求的字型若不下载,并不会影响到网站内容上的浏览与不便,那么对浏览者的要求就微乎其微不可能发生任何作用。这么一来,对于网页设计者来说,无非是非常可惜的,因为当初的设计风格却未能让浏览者一窥全貌,岂不是白费心思的吗?

3.图片的色系

以色彩学简单的区分,色系可分为冷色系与暖色系,再详细一点的区分,又可分出各种颜色的色系,而色系的区分,就在于主观浏览意识上的差异了。如何将图片的色系与网站整体色系相对应,就是比较困难的地方了。要绘制一张图并非易事,要绘制一张符合自己网页风格的图,更是困难重重。大部分的网页制作者,并不大可能驾轻就熟的使用影像处理软件或绘图软件,于是乎,网页素材的网站就开始盛行了。当然,不会使用绘图软件并不代表网页就不能设计的很出色,若是能将网络上的素材资源妥善利用,网站也是可以走出自己的风格的。而该怎么选择适合自己网站的图片,就是门很大的学问了。

以图片内容来说,能切合网站主题最好,若不能,也别差异太多。以颜色来说,若一个网页是蓝色的底色,但整个网页的图片却乱七八糟,各种颜色纷纷出笼,更糟的是,蓝色是属于冷色系的颜色,若以蓝色为底的网页,却尽都是大红色、橘色的图片,那将会使整张网页看起来就像垃圾堆,杂乱无章。所以,可以简单的归纳出,网页与图档的颜色,色系一致或是视觉效果一致,将会使网页看起来更为美观且有自己的风格。

4.网页的颜色

网页的颜色,并非单一就图文件、文字颜色、或是底色为主,而是以浏览者的角度来观看,整体网页看上去是偏向哪种色系。常常见到许多网站虽然色系搭配的很好,但却是没有自己的风格。以目前流行的柔色系、粉色系网站来说,就是失了自己独到的风格。因为使用粉色系的网站,不外乎都有相同的特点,文字颜色浅,底色也以浅色系为主,这样除了没有自己的风格外,看起来既不大方也难登大雅之堂。以各大搜寻网站来说,根本不会做这样的设计,因为文字颜色淡,加上底色浅,对浏览者来说,阅读上非常吃力,所以这样的设计风格也应尽量避免。一个有自己风格,且阅读起来舒适大方的网页,并不可能一次就写好,而是需要经过不厌其烦的修正、调色,才能达到最佳浏览效果的。

三、网页的美化设计

1.使用CSS优化网页外观

使用CSS来获得对整个站点所有WEB页面的外观控制。设置页边空白,页面填充,边界,颜色和背景。对任意网页元素设置字体大小及改变字体外观。创建动态活动链接。创建CSS风格的完全兼容的网页。

CSS的主要好处就在于,你不用去修改网页文件,只要修改这个页面连接的CSS文件,就可以实现不同的显示效果,包括底色、背景图片、文字大小、颜色、边框……等等。网站的版面、布局要求,不能占用较大的边幅放栏目图片,正文的位置不能少,图片与文章的搭配要平衡,过多使用大图片,大大增加了传输流量,影响了网站浏览者阅读的速度,要优化网页就尽可能使用CSS实现,灵活地使用CSS,可以使页面精致漂亮而又不会占用过多的系统资源,所以很有必要花些时间研究一下。

第4篇

论文摘要:21世纪是个多种风格流派并存的时代。商店设计风格作为风格流派风起云涌在室内设计中的一个缩影,向人们展示了这个世纪风格特征中最多彩的一面。商店设计中风格的选择并不是随心所欲的,它在反映时代性的同时,也协调着商业建筑风格与商品特性之间的关系,并逐渐成熟起来。

自从人类社会产生了商品的交换以来,商业空间出现了,它与人类相伴至今。从原始时代“物物交换”无任何遮蔽的露天交易点,到今天风格多样的现代大型商铺、繁华的商业街。这个专业为商品提供特定风格的商店室内空间与商业建筑一起经历了不同时代风格的洗礼,现今进入了风格多元化的时代。

商店作为商业空间一个重要组成部分,它具有商业空间所有的特性,它的设计风格不仅直接关系到商品品牌的形象,也直接引导着每一位顾客的心理。为了更好地展示商品,传递信息树立企业形象,最终达到促销的目的,商店的风格并不是随心所欲的,它关系到方方面面。

为了更好地了解商店设计中的各种风格,本文将从以下几个方面分析:室内设计的风格,店面的设计风格与它所在的商业建筑的风格。三者关系紧密相连,笔者在分析现代商店的风格流派时,将它们分为在传统商业建筑内的商店风格与特征和在现代商业建筑内的商店风格与特征。

传统商业建筑内的商店风格与特征

无论是穿梭在世界各地的百年老店,还是徜徉于老城区的商业街。我们不难发现,这些存于传统商业建筑中的店铺从未因时光的逝去而失去光彩,它们依然充满了魅力。从那精美华丽的建筑中,我们可以得知当时的商业是何等的发达;可以想象到当时贸易是何等的繁华,同时也可以从中看出后人在协调历史文化保护与风格选择中所做出的努力。如果细心观察这些传统商业建筑外壳下的商店设计,会发现许多有趣的风格组合。古典建筑中的古典室内,或是古典建筑中的现代室内。我们暂且将它们命名为表里风格的统一、通过变化的统一与表里风格的分裂。

(一)“表里”设计风格的统一

这里所谓的表与里是指:“表”商店所在的商业建筑外立面的风格与店面设计的风格;而“里”则是指商店内部的设计风格。而所谓的“表里”设计风格的统一是指建筑外立面、店面设计与室内设计的完全统一的关系。

这类店铺多为有着悠久历史的百年老店,它们所依存在的建筑外壳可能是巴洛克或是古典主义或是洛可可的风格,它们的商品的卖点是文化和值得信赖的品牌保证。因此将室内部分与室外建筑风格统一起来恰到好处的达到了体现其悠远的文化、高贵品牌质量的效果。如法国巴黎的拉法叶百货店。它的所在商业建筑是典型的巴洛克风格,热情奔放,装饰华丽具有戏剧性与夸张效果。因为是百年老店具有长久的文化和驰名的品牌保证,所以室内部分与建筑外立面进行了统一的设计,一楼大厅内的巴洛克风格的连拱廊和挑高的彩色玻璃圆拱屋顶,显示其典雅与尊贵和百年的历史感。

(二)“表里”风格变化后的统一

介于表里统一与表里不统一的中间状态,它通过店面设计的风格来协调商业建筑与室内设计风格。诸如典型的古典主义建筑组成的商业街——凡尔赛城的皇城商业街。漫步其中虽可以感受古典主义规整典雅大方的特征。但作为商业街它缺少了一份活跃的气氛。因此所有商家都希望在古典主义风格的前提下加入活泼的元素。于是就有了我们看到的具有现代感的古典主义风格的店面设计:古典主义的内墙外用经过几何化处理后加上了各种字符,简洁庄重中又带有一丝活泼的意味。达到了室外室内的完美过渡。

(三)“表里”风格的分裂

“店面设计是商店设计的门脸,它决定着商店的设计风格”这一规则一直被用于许多商店设计图书内。而这一规则在这里却被打破。打开一扇门就可以从中世纪的宏伟豪迈一步踏入现代,享受最新、最现代舒适的购物环境。在世界各地有许多成功的案例,成功地将保护传统文化与享受现代文明完美地结合起来。如奥地利古城因斯布鲁克商业中心金屋顶老商业广场,在哥特式的塔楼和巴洛克建筑中,所有的老店的门面设计都是当地古建筑的代表,而室内确实最现代的设计风格。这种类型的商店它们的外建筑及门面可能是巴洛克、古典主义等风格,而内部则是一种全新的概念或是解构的或是高技的等等。这种组合充满了趣味,如坐落在法国巴黎的芬迪商厦,就以其罗马式建筑在世界范围内推广其珠宝饰品的国际形象,而进入内部则是一个还带有高技派风格展柜却充满了构成主义风格的空间。

这种“表里”风格不统一的店铺设计打破了原有的统一美感,但同时也带来了一种不和谐的另类的美感,这种美同样可以使人得到愉悦的感受。

现代商业建筑外壳下的商店设计风格

如果说传统商业建筑外壳下的商店是对历史的尊重与保护的话,那么现代商业建筑外壳下的商店就是前进发展的必然趋势。随着人类生活水平的提高、商品的不断推陈出新,要求不同风格的商店设计以更好的展示商品;随着科技的发展,钢、玻璃等新材料的产生为现代商业建筑提供了广阔的发展空间,而现代商业建筑也为商店设计风格提供了各种无限的可能。在这两方面的因素的促进下,使得现今的商店设计进入了一个综合风格时代。所以我们既可以看到高技派的绚丽,又可以看到白色派的纯净;既可以看到孟菲斯设计风格的奇幻又可以看到风格派的简约。但不论是何种风格它们都是为了为购买者创造出一个与商品特色相匹配的购物环境。

在21世纪的今天,高技派可以说在商店设计风格的选择中占据了一块土地。它既符合了现代商业建筑的发展要求也满足了创造一个时尚商品需要的展示要求。这里可以看到大量的铝合金、不锈钢、大理石、玻璃幕墙等反光材料的运用,它们追求光亮强烈的效果。在设计中用建筑空间中诸如管道、自动扶梯等构件,来表现结构美、工艺美、材料美,体现高科技美。而高技派在当今年轻人的眼里是“酷”的代名词。因此这种风格成为了许多以青年为消费群的商店设计的首选。诸如BizoAustrilia商铺就是以钢玻璃简洁光亮的几何形来创造了一个至酷的空间。但并不要片面地认为高技派风格的空间就是冰冷无情的代名词,现代科技的发展为这个看似冰冷的表面添加了无限的温柔。如欧洲一个时装店中就有可以调节透明度的试衣间和可以从360度观看衣服效果的试衣镜。实际上高科技为人们提供了更多的人性化服务。

如果说高技派与现代的高科技产品是因为其共同性而进行的组合的话,那么粗野主义就是通过采用混凝土、暴露毛糙的表面等手段用对比的方法将现代商品的细腻柔美表现的淋漓尽致。因此博得了许多以服饰为主要经营商品商家的喜爱。如德国慕尼黑的virmani时尚商店的设计中就运用了许多粗野主义常用的石灰石台阶、混凝土、青石地面、石子镶嵌和古老的印度门来反衬服饰质地的柔软和品牌的个性。让顾客在购物时在受到品牌魅力感染的同时体验这种令人激动的组合。

这种为了力求通过对比来突出商品的室内设计的风格选择中白色派也是一个较好的选择。这种以无比精致,既追求纯净又带有浪漫色彩的巴洛克式的现代主义风格所创造出的空间往往被用来展示彩色的商品,这种用无色之色衬托有色之色的方法让色彩更加突出,吸引了不少顾客的眼球。

风格派最初出现源于门德里安的作品,它追求的是艺术的抽象化和简化,重视直线的概括作用和象征意义。鹿特丹的协和咖啡馆立面就是以不同的面积不同形状的凸出和凹进的矩形的组合关系展现出一个具有数学秩序的店面形象。现代商店设计中也不乏有许多风格派的作品。以直线为主导的设计不仅仅出现在店面的立面还贯穿着这个室内的全部。营造出了一个简洁明了的空间。如日本的以自然科学为基础的化装品店,就是通过在墙面上的切割完成展示的需要,带给顾客一种自然、健康、清洁的商品形象。

后现代主义则是以其追求设计的复杂性和矛盾性,突破传统的秩序感的羁绊,实现新的设计思维和观念这一特征与现代商品追求全球化、多元化的特性不谋而合。后现代主义中讲求隐喻、文脉与装饰的追求往往创造出了一个个不严肃却奇趣的空间,为生活在日益麻木的都市人们带来了一丝轻松感。也正因此它被许多商店作为设计风格选中。而其中最为具有特点的例子是英国的moschio品牌时装店。Moschio品牌的服饰就是以讽喻、机智前卫的内涵昭彰于世的。所以后现代主义很明显成为它室内设计的首选风格。在伦敦的moschio店内有拼贴着旧报纸的装饰墙面,有中国太极八卦的地面铺贴,有“流行的巴洛克风格”的金色楼梯,印度的装饰纹样,有着模拟布帘的墙面造型。这里的所有的一切看起来都是杂乱却有秩序,带有一种不羁的意味。这也许就是设计师最初渴望达到的风格与品牌特性的完美统一。

曾经在意大利兴起的以摆脱现代主义的孟菲斯设计风格也以其组合强烈的色彩简单几何形产生了视觉冲击与其造成的远透视效果,被许多小面积店铺喜欢。如日本的一家首饰店就是一家具有孟菲斯设计风格的商店。几何色条的从外立面一直延伸到室内,家具和展柜甚至是灯具设计中。使得原来狭小的商店产生了更深、更远的效果。同时几何图案中又暗含着条形码意义,更强调了该店的商品内涵。

第5篇

[关健词]平面设计自由简约用色风格

色彩在平面设计中有着十分重要的位置,它与纹样、材料、图案等诸因素一样,是设计的主要内容之一,它常常具有先声夺人的力量,能给人以直接的感官冲击。具体到每一个作品中,运用什么色彩?怎样运用色彩?这些都与时代的审美趋向分不开。因此,同一时代的平面设计作品,在用色风格上便会自觉不自觉地形成一些具有共性的风格特征。

一、何谓平面设计用色风格

今天所讲的风格通用与各门艺术类别中,主要用来指艺术作品整体呈现出来的审美特征,相当于外来语style。风格是一个很大的范畴,可以细分为个人风格、民族风格、时代风格等。这里探讨的现代平面设计的用色风格,就是在借鉴中西方先哲们对艺术风格的见解和看法的基础上提出的,偏重于一个整体的范畴,指的是在现代平面艺术设计作品在色彩运用方面整体上体现出来的一种形象特征、艺术风尚和审美趣味。

二、现代平面设计色彩运用的“自由主义”或“个性化”风格

在现代平面设计艺术作品中,个性化的、自由的色彩运用随处可见,把我们生活其间的社会装扮得五颜六色。我们现在所生长的环境,就是一个色彩审美自由、可以全方位运用、享受、表达色彩之美的时代。这种自由化、个性化的用色风格,既包括色彩选择自由又包括色彩表现自由的色彩观。

1.平面设计色彩选择的自由

从今天设计逐渐国际化的趋势来看,最新色彩发展趋势中的模式,将最终进入和极大影响到人们生活的方方面面。设计师本人在这场设计运动中是真正的领导者,他们自由的寻找现代社会适当的色彩,而且从中获取灵感,他们实际上是色彩的塑造和管理者,使色彩可以吸引或愉悦消费者的眼睛。在这个全球信息沟通非常迅捷的时代,平面设计师可以迅速了解和适应最新的色彩趋势,并做出色彩预报。由于色彩选择使用的自由,所以近年来平面设计艺术行业发明了许多有创意的和独特的视觉组合,色彩陆续在各种地点“轰炸”公众,从商店到印刷精美杂志、报纸、产品手册和户外广告牌,以及无处不在的MTV时尚报告,娱乐频道与流行网站……而在作品中自由的色彩表现的结果,是使消费者体验到这些色彩后,比过去更加有理性,他们希望在更多产品中看到新的视觉感觉。在很大程度上,公众的态度和兴趣,不仅仅通过娱乐和时尚偶像,他们所关心的重要社会问题,需要、希望、恐惧、幻想在自由色彩观的天空下不断促进最新色彩趋势的发展,同时设计师为了保持在色彩设计发展潮流中的领先地位,就必须自主地从纯粹心理学和社会学角度,以及生活方式中的许多方面,寻找刺激色彩趋势发展的因素,这便为设计提供更了广阔的空间。本篇论文由网友投稿,文档123文档只给大家提供一个交流平台,请大家参考,如有版权问题请联系我们尽快处理。

2.色彩表达的自由

创意是一个设计师的灵魂,没有意念的色彩设计,无异于一具空有漂亮外表的躯壳。当平面设计走向程式化之后,设计的创意和视觉表达就更应具有能自由表现自己个性精神的个性化风格。创造新事物,创造者必需超脱于所知,有身心的自由。个性化是设计师对设计的个性差异的独到见解,基于对传统的理解通过视觉传递的模式,去无限超越自我,随心所欲的表达。当然,我们所说的设计色彩表达的自由并不是对自由的放任,更不是设计师个人风格的随意发挥。对那些喜欢张扬个性的设计师来说,设计师的自由也许就变成了滥用自由,纵观我们今天的设计领域,那些发挥自由个性的劣质设计作品成为了我们生活中的垃圾。在设计师发挥自由创造力和想象力的同时自然也要考虑一些客观因素,如:受众群的特点、需要,乃至政治、民族的差异。“目标受众”是为消费者、为我们的社会提供更方便与高品质、高享受的视觉设计作品和设计自由发挥的基本前提。

第6篇

1.1类型学设计方法

类型是具有某一特征或属性(类特征)的事物形成的集合,类型学则是以类特征为研究对象的一种分组归类方法的体系。类型学适用于解决变量与过渡性问题。采用原型类型学方法的思路为:类型收集(具象)—原型提取(抽象)—形式创新(具象)。

1.2类型学与产品风格设计

产品风格可理解为:针对产品的计划、规划和设想在实施过程中形成的活动特征,或最终由产品表现出的形式特征。产品风格是人们造物经验不断累积而形成的固定表现模式,体现出文化、经济、生产工艺和科学技术等众多因素的综合影响,并转化为产品造型。结合类型学方法,产品风格设计也将遵循造型—风格原型—新造型的路线。

1.3产品风格原型

原型的概念源自生物进化论,是指能代表类特征的最本质形式。瑞士心理学家CarlG.Jung认为,原型是由人类集体潜意识的本能产生的意象,具有世代积累的活动方式和经验的遗传痕迹。AldoRossi将CarlG.Jung的原型说引入建筑类型学,提出原型是人类心理经验的表达形式。由此可见,产品风格原型是代表类风格特征的原始形式,承载着类风格特征的形成规律和法则。对其提取和转换应注意以下几点:

(1)风格的分类及类风格特征的明确能促使原型的提取更具针对性和目的性;

(2)CarlG.Jung认为原型转化为有规律的造型,AldoRossi和O.M.Ungers都偏向从形态学角度提取原型(例如几何要素间的关系),因此,对产品风格原型的提取主要以产品造型的研究为基础,将后者还原为基本几何形的构成法则,包括形状、比例、组合规律等;

(3)对风格原型的转换要以遵守原型内在法则为前提。

2产品风格创新设计

2.1产品风格的分类

AldoRossi认为,事物因各自的特征被划分为多种类型,从类型中寻找原型的做法更具针对性。因此,产品风格的类型学设计方法首先要解决分类问题。结合认知类型和文化类型对产品风格进行分类。而产品样本的选择要与表1中相应风格的认知类型、文化类型和类特征相符。

2.2产品风格原型的提取与转换

2.2.1原型及可能形态的提取

结合设计形态分析法提取产品风格特征。设计形态分析法由荷兰学者Warell提出,常被用于提取产品风格的显性特征,其应用如下:分解产品造型的设计元素并逐一列举造型特征;制作产品造型特征评价的调查问卷并打分;依据实验结果确定产品风格中表现力较强的造型特征,通常某项产品造型特征的最终评价值为该项所有调查结果的平均值。

2.2.2原型转换

采用形态分析法实现原型转换。形态分析法最早由弗里茨•扎维奇(FritzZwicky)提出,是对某一问题中各因素的可能组成方案进行分析,并从中评估最佳方案的方法。形态分析法的优势在于能生成原型可能形态的所有组合,突出原型的可变性和过渡性特点,促进原型的深度转换。

3实例

3.1风格类型选择

以阿尔瓦•阿尔托为代表的北欧设计师擅长将温和的民族情感和传统的实用功能融入现代设计,设计了大量既能满足用户的多样化需求,也能体现鲜明北欧风格的产品,为相关设计研究提供了重要参考。

3.2产品样本选择

以北欧风格的电水壶为例。从网站、书籍和期刊上搜集了64个北欧设计师的作品样本,经专家筛选后剩余30个样本。

3.3风格原型的提取

结合北欧风格的类特征和专家对电水壶样本的造型分析,可将电水壶的造型设计元素分为壶身、壶嘴、壶盖、把手及其位置5部分,各自对应的显性特征共21种。制作电水壶设计形态分析问卷,让25位试验人员(男11位,女14位,其中18位具有设计专业背景)根据5点法进行打分,若某一样本的该项特征表现为很强,则打5分,很弱则打1分,无该项特征则打0分。

(1)造型特征。造型特征中有10项的评价值总分超过平均值,表明这些特征具有较好的普遍性。为便于研究和进一步突出造型特征的代表性,取总分超过均值20%的特征作为试验对象,共7项:壶身直筒型(78.6);壶嘴三角型(88.4);壶盖与壶顶平齐(71.4);凸出壶顶(70.4);壶盖抓手独立(76.6);把手为C型弧线(72.2);把手在壶身一侧(130.6)。

(2)产品样本。产品中有14个样本的造型特征评价值总分超过均值,表明这些产品样本基本体现了较一致的风格特征,而样本27是特征表现最强的产品。对以上7项代表性特征进行离散度分析,用来比较特征在样本间的分布状况,分布和性状偏向稳定的特征即为原。“把手在壶身一侧”的标准系数最小(32.8%),表明其在样本中的分布和性状最为稳定,壶嘴三角型次之(48.0%),壶盖与壶顶平齐和壶盖凸出壶顶的两种特征的分布较为平均也较不稳定(62.2%),把手为C型全弧线的标准系数最高(70.6%),表明其分布和性状最不稳定。

4结论

类型学中的原型具有遗传性、可变性和过渡性特点,为产品在风格继承的基础上实现意象造型的多样化提供了有效的设计方法。主要结论如下:

(1)类型学方法对产品风格的分类加强了研究的针对性和目的性;

(2)类型学方法中的原型提取和转换对产品风格的继承与创新设计具有重要的理论支持和实践指导作用;

第7篇

1.1生成期——山庄附属园林

法国式风景园林的开端很难精确地定位到某一时期,与欧洲其他国家的风景园林相似,罗马帝国的影响奠定了法式风景园林的思想基础。在罗马,风景园林最初是由蔬菜和果树组成的,在著名的专著《De agricultura(农业志)》有相应的论述。公元1世纪时期,风景园林规划设计的典范大多是著名山庄附属园林,例如大奥密花园、庞培花园、帕布利花园、赫库兰尼姆花园。

1.2转折期——私人及修道院园林

风景园林实践在法国被认为是自然美与人类理性原则相结合的艺术,是文化的一种表达。诸如层次感、几何形态、比例尺度等价值观自然而然地在景观设计的手法中得到体现,这些原则也是法国风景园林的重要特征。也是文化价值观的一个重要组成部分,许多人完全相信自然中神灵的存在。这种价值观使得现在仍具有重要历史研究价值的罗马拥有大量的绿地空间、私人公园和城市广场。宗教活动对于法国早期风景园林设计活动同样具有重要影响。公元4世纪到5世纪,罗马帝国的统治终结,由修道士们修建,作为修道院中心的园林成为了中世纪园林的代表。这些园林被高高的灌木丛和建筑物隔绝,通过精心设计,严格遵循着秩序、几何形态和组织方式,沿袭了罗马时代的设计风格。广场通常被用来分隔成不同区域,在园林的中心放置一棵树,一片水塘或一口井,这样的设计传统且简单,同时也改变了原始植物种植的功能,将园林景观变成了一个冥思自然、救赎和净化心灵的场所。丽舍森林是其中一个典型的法国案例,并始终保留着原貌。

1.3成熟期——文艺复兴庭院及城堡花园

随着时间的推移,不同的世界潮流影响着欧洲的发展历程。公元8世纪,阿拉伯人征服西班牙和西西里岛,伊斯兰园林的影响波及整个欧洲,但是法国风景园林受其影响并未持续很长时间。公元14世纪文艺复兴运动最先开始于意大利佛罗伦萨地区。直到公元16世纪,法国文艺复兴运动兴起,法国风景园林逐渐变为开放式的自然景观,强调与自然环境关系的缓和,Philibert de l’Orme和Pierre Lescot就是那个时代两位著名的风景园林设计师。公元16世纪末随着亨利四世统治的到来,重要的科学和技术进步出现,涉及几何学、光学,以及风景园林设计。这些活动引入了透视这一新的设计元素的出现。法国庭园是那一时期核心地域的象征,也是中央集权的重要体现。富有的资本家有能力雇佣私人风景园林设计师来建造他们的私人庭园,巴特鲁瓦花园和著名的维康府邸花园都是那个时期的代表作品。在著名的巴洛克时期到来之前,法国的风景园林经历了一段过渡时期。人们努力证明能够使自然环境秩序化。当时的人们认为自然是在混沌和纷乱中进化的,人类站在其对立面,是科学和智慧的代名词,并且应当显示他们的主宰地位。这种思潮最终迎来了古典巴洛克时期的到来。

1.4全盛期——勒诺特式花园

勒诺特式园林产生之前,法国的风景园林设计灵感主要来自意大利,意大利风景园林的风格表达实际上更多地是关于情感和对美学的感触而非逻辑和理性精神。而勒诺特时期风景园林的自由思考变得越来越重要,对几何基本原则的回归,也吸收了更多的透视与组织方式,这些原则受到文艺复兴时期著名的法国建筑师Philibert De l’Orme的影响。勒诺特时期的法国风景园林,美学欣赏始终是价值观的重要部分,象征着人类的胜利与对自然的驾驭。园林完全被设计成一个封闭空间,是建筑内部空间的延续。游览者穿过一连串的空间,就像循着设定好的路线。建筑师构建园林的建筑语言不断讲述着有关卧室,绿色剧院,树墙间行走,沿着水的层级的故事。地面被草地覆盖,犹如地毯一样。每丛灌木都被精确地设计安置,以创造完美对称与和谐关系;由数学比例和道旁的雕塑营造韵律感;水面构建流线变化,反射倒映出天空的景色。这些设计也从某些方面反映出了法国在城堡内部结构设计方面的高超技艺。

1.5融合期——城市公园运动

随着工业革命的开始,风景园林在欧洲各国发生着巨大的变化。风景园林不再是单一的表现形式,风景园林设计开始融合多种艺术形式。许多法国著名艺术家,例如作家Jean-Jacques Rousseau和画家Hubert Robert,他们对待自然的思维方式产生了变化。画家Hubert Robert在他的作品中画了许多废墟。公园在这个时期十分流行,在法国第二帝国时期,随着巴黎的豪斯曼大规划,人们希望建造更多的公园,更大的植被覆盖面积。城市周围的森林和自然景观被更多地人为设计,作为法国重要的景观。与此同时,Vauban和他所建造的城堡很大程度地影响了法国如今的景观和城市设计,这些城堡如今成为了绿色公园,同时也是历史的见证,铭刻着法国园林史上公园的重要性。浪漫主义与英式造园手法同样影响着法国风景园林,这一类型的演变体现了更大的自由度和随机性,代表有著名的埃麦农维勒庄园。

1.6二战后期——当代风景园林

当代风景园林设计中很难发现古典风格的烙印,当地风景园林最有名的是由建筑师Christian de Portzamparc设计的拉维列特公园和雪铁龙公园。这些园林通常以其复合功能著称,而它们最初的设计目的是用于陪衬一座文化中心或重要建筑物。例如,拉维列特公园的重要性体现在其新功能上:一座曲折的艺术感强烈的建筑围绕着它,使得在室外聆听音乐会、歌剧甚至于看电影成为可能。在如今而言,人们更看重这些新功能而非其形态与植被的种类。雪铁龙公园仍然使用传统的对称式,但在自由性和不规则性上做出创造。

2法国古典主义风格园林赏析

对于法国古典风格风景园林一直受到法国民众的喜爱,例如巴黎非常受大众欢迎的杜伊勒里宫与巴洛克式暖房。虽然古典主义风格的园林已经不是当代设计师所亲睐的风格,但是许多具有美好回忆和欣赏价值的古典主义园林本很好的保留下来,依然在发挥着维护和美化这种传统造园方式的作用。

2.1马赛伯雷利公园

风景园林的主要的价值取向应该是园林的功能性,充满自然野趣的天然山水景观也同样受到人们的喜爱。因此,法国许多公园或园林的风格常常介于强调对称性、透视原则的法式园林与强调植物自然生长、充满田园气息的英式园林之间。其中的代表作有法国南部马赛市伯雷利公园。伯雷利公园是马赛的公共市政公园,被法国文化部列为法国著名的园林之一。公园规模17公顷,由三个花园组成。建造于1766年,这曾经是Borély家族的产业。公园有湖泊、各式花园、草坪、喷泉和博雷利城堡,在公园门口租双人自行车,还可以租手划船,可以躺在草坪上看书晒太阳、野餐、玩游戏。

2.2布尔日主教堂公园

布尔日主教堂公园位于一座法国中部城市布尔日,著名的布尔日大教堂附近。布尔日大教堂始建于1195年,历时60多年才完工,是法国中世纪基督教的权力中心,与沙特尔大教堂一样是第一批哥特式建筑,隶属于同种风格建筑中的佼佼者,以匀称的比例、雕刻、绘画以及彩色玻璃闻名。布尔日主教堂公园历经几个世纪,见证了不同的历史风格的变迁。这座园林内部以法式对称的园林布局形式为主,记录了传统的造园方式,向人们展示了城市自然环境的美景。整个外部空间由一个自然式的园林构成,展现了真实的英式自然风景园风格。

2.3费谢尔斯庭园

费谢尔斯庭园是一座建在一片沼泽上的花园,向我们展示了“装饰艺术”风格。自然环境的美与忧伤对设计师的影响多于古典园林风格。这个花园超过有4公顷分类的纪念碑。在梧桐树,玫瑰花园,法国花坛和一系列的池塘形成一个和谐的整体。透过弧形修剪可以看到被修剪得非常精细的紫杉,就像是一幅完美的雕塑作品。有些植物修剪成几何形状,可以欣赏盆景、喷泉、雕塑,在树荫下的长椅或在阳光下伴着鸟鸣,烦恼会奇迹般地飞走。

3结语

第8篇

【关键词】风景园林;规划设计;存在问题;建议

引言

随着我国经济的发展,城市化进程的加快,各级政府都加大了对城市环境改造和建设的力度,因此,对风景园林规划设计的需求很大,使得当前我国的风景园林规划设计事业遇到了前所未有的发展机遇。不可否认,近年来我国的景观环境建设取得了有目共睹的成绩, 极大地改善了人们的工作生活环境。

一、风景园林的设计类型

一般来说,风景园林可以分为两大类,一是根据自然环境本身的特点,对整个园林进行原始意义上的构造建设,从而使人为点缀的具有现代风格的东西能够和原本存在的东西进行巧妙的搭配,构成别具一格的现代风景园林,二是利用现代的建筑学手段,对自然环境进行人为的造景,使之给人一种自然的感觉,例如风景园林中经常使用破旧的石子来对弯曲的小路进行点缀,从而让人们感受到更多的这是一种原本存在的东西,和自然相得益彰,虽是人为造景,却显示不出一点的人工雕刻的痕迹,这是一种感受,更是风景园林设计师们对现代风景园林设计的一种超自然的追求,力求以园林所处的整个大的生态环境为出发点,以整体的观念作为指导,进行整体的布局和建筑构想,这是优秀设计师们所应该考虑的问题,更是现代风景园林真正的设计要点和要求。

二、我国风景园林规划中存在的问题

1、忽视植物在园林中的作用

园林设计归根结底是植物材料的设计,其目的就是改善人类的生态环境,其他的内容只能在一个有植物的环境中发挥作用。园林植物造景是园林建设过程中最重要的环节之一,这个问题在园林界已经基本达到统一认识,因为它是最终评价园林建设质量的标准之一。理论上说,植物景观设计是园林设计的主要内容,但实际情况并不是那么理想,植物最容易被忽视。到今天方案一提出都说以植物造景为主,并强调生物多样性、生态性、可持续利用等。

2、知识产权保护意识相对薄弱

现如今盛行模仿和抄袭他人风景园林规划设计之风,知识产权的保护意识在社会各方面相对较薄弱,个人作品容易被模仿、抄袭。虽然我国已制定的知识产权法比较完善,但从实际操作过程看,对作品的知识产权保护重要性的认识仍然不足,保护力度不够。因此,“似曾相识”成为我国从南到北的园林规划设计的一大特点。

3、结构模式单一,设计思维比较定势

现代科学技术的发展,尤其是互联网的快速发展,使得人们对于各种不同风格的的园林设计都有所了解,但是却无法判断哪些是好的设计作品,哪些是垃圾作品。所以人们往往没有筛选的全盘接受,从而限制了人们设计思维的发展,使得人们在进行相关的规划设计时极易形成思维上的定势,设计出来的作品结构比较单一,甚至有模式化的倾向,缺乏创新性。

4、科技的快速发展造成的影响

规划设计者面对科技信息的快速发展所给的设计思维和方法有了更多不同的选择,如以遥感技术、虚拟现实等为代表的高科技技术的运用,对在实现程度、实施速度等很多地方产生广泛影响;以GIS为代表的应用开发,可以帮助规划设计者们选择更合理的决策。现代生活方式的满足对如何在风景园林设计中应用高科技提出了新的要求。然而在实际的操作中,大多数规划设计者为了凸显其水平的高档而应用科学技术进行虚拟假设,实质上并没有把分析的成果落实到设计的实践当中去,不仅做了无用功而且使得前后联系全无,造成一定程度上的资源浪费。

三、风景园林规划设计的几点建议

1、适地适树,突出植物造景

我国园林品种资源丰富,据不完全统计,原产中国的乔灌木多达8000种,但园林景观设计时依然提倡选择本土植物丰富园林景观,引进未经驯化的新品种,不仅植物存活率低,浪费资金,而且易破坏现有生态平衡,对既有的生物群落存有不可预知的隐患。植物造景中植物选择原则适地适树,即保持生物多样性,又体现地方特色,还减少了资金投入,降低建设成本。乡土植物具有资源丰富、品种经济、适应性强、繁殖容易、管理粗放等优势,而且也容易创造出最适宜当地环境的植物群落,突出地方特色和保持长期的生态稳定,取得最佳的景观效果。植物种植设计中,利用地形起伏变化,乔灌木配置高低错落,花卉宿根地被植物点缀其中,尽量利用色叶、观花和观果植物,表现季相变化和层次感,点面线有机结合,鲜明立面构图,突出植物造景;在景观设计中,以小区居民为第一考虑因素,移步异景,放松心情、减轻疲劳、陶冶情操。

2、风景园林规划设计中应加强对知识产权的保护

在风景园林规划设计中,知识产权保护既包括计算机软件的保护。所有参与者与受益者都应树立保护意识,还涉及到风景园林规划设计作品的保护,如图、模型、文字等作品的保护。只有这样,才能在自身合法权益受侵害时,有效地防止经济利益的外泄;唯有充分认识园林规划设计中的知识产权的重要性,才能最大限度地维护自身的合法权益,避免因侵权而造成的不必要损失;只有知识产权得到保护,才能维护作者利益、鼓励创作积极性、推动创新。

3、与数字化手段相结合

21世纪的社会是一个科学技术迅猛发展的时代,也是一个数字化的时代,许多的行业也都逐步引入数字化手段,园林的规划设计同样可以引入这一手段,以提高设计的科学性、合理性。数字化手段强调运用各种数据进行分析运算,使得空间设计过程中隐含的一些客观规律和秩序通过各种数字信息得以具体化,使得环境认知、建构逻辑、形式与材料、空间组构等这些信息不再凭主观的猜测进行设计,而是可以在理性的分析基础上得以建构,使得设计的各种参数更加的准确合理。通过数字化手段,风景园林的整个空间都可以建立相关的模型,风景园林中的各种植物景观也能够通过建立相关的模型进行预测。

4、追求创新,打造生态园林

居住小区园林规划设计涉及生态、建筑、植物、历史、地理、居民素质层次等多方面,人们对园林的追求趋向于情感和文化品位的生态化人居环境,设计时既不能是单纯的追求景色的美感,还要考虑当地的气候、文化、历史、民情、风俗、园林设施材质、后期养护等要素,事无巨细,兼备实用性,在景观表达效果上结合人文内涵,创造出充满情趣的生活空间,只有不断创新,才能各具特色各有立意,才能满足才能体现多层次多方位的人与自然和谐。遵循生态学的原理,建设多层次、多结构、多功能、科学的植物群落,建立人类、动物、植物相联系的新秩序,达到生态美、科学美、文化美和艺术美,使生态、社会和经济效益同步发展,实现良性循环,为人类创造清洁、优美、文明的生态环境。

结束语

经济的快速发展,城市化进程的加快,使得城市中的环境问题越来越严重,园林景观是缓解环境污染问题的重要手段之一。所以风景园林的规划设计应该要尽可能的符合城市环保的要求,符合事物发展的客观规律以及符合人们的心理活动规律,为提高人们的生活品质服务。

参考文献

[1]李建胜.朱伟勇.伍丽娟.探讨现代风景园林规划设计发展趋势[J].中华民居.2011.

第9篇

1.极繁主义的设计核心

极繁主义的平面设计的设计理念是开放、互动和拒绝意义阐释,这样的设计理念对受众识读体验更加关注,并且对传统的图形生成方法被极繁主而解构。它打破了传统上的平面设计要求设计者需要按照甲方的设计要求,对方所想要表现的既定信息,选择合适的图形语言完成设计的方式,打破了设计者是平面设计文本的解释者,而受众群体则被动地接受图形传达的信息的方式。在平面设计中,图形语言和图形语言的释义作为平面设计创作的通用手段时,必然会束缚平面设计的发展。极繁主义平面设计的核心理念,拒绝意义的阐释,讲究艺术的感性形式,追求平面设计作品同受众心灵通过图形表达的直接沟通,重视平面设计作品的开放性与互动性。在极繁主义平面设计中,传统的图形语义的表达不可能完全被抹除,如果全部抹除,平面设计便会表现为追求式样、离奇怪诞的东西,成了图形的堆砌。极繁主义设计思想对图形元素十分重视,重视视觉形式。

2.设计元素的表达

极繁主义风格的平面设计中,对于设计元素的表达有着这样一个明显的特征,用以组织平面设计画面的图形元素都是具有装饰性的。极繁主义的平面设计构图中不会以某一图形元素为设计画面的视觉中心和画面所表达的意义中心的重合体,而让画面上的其他元素成为这个中心的附属装饰物。在极繁主义平面设计中,那些奢侈、华丽和高装饰性图形纹样不再只为只是美化主体存在,这些纹样也被设计者编织起来,成为设计图像中的主体,与主体图像一起构建出饱含魅力的极繁主义图像。其次,极繁主义的平面设计中,装饰图形语言特征还体现在图形元素的繁复性和杂揉性。图形元素数目众多,并且这些图形元素种类混杂,图形语言更是丰富多样。此外,极繁主义平面设计中的高装饰性并不一定是构图满画面的过度饱和,形成满画面感,在设计画面仍然需要空白用来缓解受众忙碌的视线,并且在画面中产生强烈的简繁对比,从而达到增强视觉效果的目的。

3.图形的传达方式

在当代极繁主义风格的平面设计中,追求以纯粹、直观的视觉形式去引发受众产生情感共鸣的感觉经验,实现平面设计的传播目的,所以极繁主义风格的图形传达方式首先追求的就是对理性的拒斥,它以纯粹直观形式为主导,强调作品的感性特质以及作品同受众之间的心理共鸣。由此,极繁主义风格平面设计的图形的传达,首先通过削弱工具理性对平面设计的功利性要求,将设计者同受众的精神价值放在了设计的首位。其次,极繁主义平面设计的图形表达是立足于触发受众的情绪和情感之上的,这也是极繁主义风格追求感性形式的一个重要特征。情感主要用于表达感情,具有较大的稳定性和深刻性,而情绪,则用在感情的表现形式方面,具有较大的情景性和突发性。极繁主义风格的平面设计正是以受众的情绪触发为诉求点,强化受众的感性视觉经验,引发其内在的情感回应。其次,当代极繁主义风格平面设计在图形的传达方式上还有一个特点就是追求多维度的感性体验。对于当代的平面设计,不仅仅限定于视觉领域,平面作品可以被添加触觉的、听觉的甚至是嗅觉的等信息载动方式。

二、小结

第10篇

空间设计是地中海风格设计的元素要领,其空间要着重表现出地中海风格所蕴涵的“自由精神”和“浪漫情怀”。要做一种风格的设计,首先要了解设计元素不能简单拼凑,必须有贯穿其中的风格灵魂,要搞清楚这种风格所蕴涵的人文精神内涵。对于居住在新时代都市的人士来说,钢筋水泥的住宅虽能保障我们的安全和私密,却毫无生气和灵性,无法为我们提供一片精神的栖息地。因此,许多人开始在空间设计上花更多的心思,只要投资者的经济条件和消费允许,设计师便可以根据居住者的家庭人员结构、生活需求状况,结合建筑物本身的结构布局,为其营造一种蔚蓝色的浪漫情怀,海天一色、艳阳高照的纯美自然的类似地中海式的海洋风情生活体验空间。通过生活空间的变化使客户身心得以舒缓,给人感觉格外返璞归真、与众不同,这与地中海风格本身代表的极其休闲的生活方式是一致的。空间面积大,顶面较高的建筑主体比较适合做地中海风格,一般别墅、跃层、或者是100平以上空间可以考虑装修成该风格。由于设计难度相对较高,所以一般不推荐小户型公寓装修该风格,其次是要求空间开放通透性较好,多以框架剪力墙及砖混结构为宜;再次是要求房间注重采光、采暖合理运用,低密度小区为居住者创造一个舒适的生理环境;最后是要求带回廊、过道、露台、天台、更佳适合做相应的地中海室外景观设计。想要了解地中海风格设计要素所所蕴涵的人文精神内涵。就要在空间的开放性和通透性这两个基础上下功夫。现今多数家庭以塑钢包裹自己的家的露台从这一点上是有悖于地中海风格装修的自由精神的。试想一下,大量杉木的运用成为装修的主脉络。开放式厨房、主卧半开放式衣柜,开放式书房等等,不同功能之间的区域只用特殊的形式过渡,因为没有“门”的界限,空间显得通透而生动。如果同时把阳台或露台装饰成海边的栈桥或海景岩石,树几根木桩,绕几道麻绳,把窗观海,那将是何等的意境。

二、地中海风格中经典的拱形在现代家居中的运用

传统意义上地中海风格的建筑一般会将海洋元素应用到家居设计中,给人自然浪漫的感觉。在造型上,有许多拱门与半拱门以及马蹄状的门窗,圆形拱门及回廊通常采用数个连接或以垂直交接的方式,广泛运用拱门与半拱门,让人在行走观赏中,体会延伸般的透视感。若想在现代住宅中打造地中海式的拱形门,家中的墙面处(只要不是承重墙),均可运用半穿凿或者全穿凿的方式来塑造室内的景中窗,这是地中海家居的一个情趣之处。在材料的运用的,对于室内外的拱形门在材质上必须有所区别,可以通过纯净的白粉刷砖墙,这样在户外阳光的照耀下分外明朗。而室内增加的墙体则可以采用瓷砖、天然石材或是壁纸与居室环境相融合。地中海风格装修还通过以海洋的蔚蓝色为基色调的颜色搭配方案,自然光线的巧妙运用,富有流线及梦幻色彩的线条等软装特点来表述其浪漫情怀;地中海风格装修在家具设计上大量采用宽松、舒适的家具来体现地中海风格装修的休闲体验。因此,自由、自然、浪漫、休闲是地中海风格装修的精髓。

三、纯美的色彩适合地中海风格的软装饰品

第11篇

蒙德里安前期(1908年之前)的创作因其风格并未定型而处于学习摸索的阶段,所以这一时期其作品仍属于具象绘画范畴。蒙德里安1872年生于荷兰阿姆斯弗特,其父是小学教员并擅长素描,其叔父是职业画家。从小就受到艺术熏陶的蒙德里安不断从荷兰传统绘画中汲取养分,逐步摸索创作理论,从而建立自己的风格。这一时期,蒙德里安的作品皆为具象创作,其色彩运用上以写实为核心。在蒙德里安职业绘画生涯前期,对其产生重要影响的是荷兰的“海牙画派”。“海牙画派”核心人物J.伊斯拉埃尔斯、W.梅斯达、J.H.韦森布吕赫等秉承的色彩反映自然真实的诉求,在蒙德里安的作品中也得到了反映。蒙德里安此时的创作内容以荷兰的自然、田园风光为主,无论是村庄、农舍,还是森林、河流,都成了画家描摹的重要对象。如他在1907年完成的作品Naturediedwithsunflower,向日葵成了画面的主角。画作中的向日葵正处于自然的枯萎中,其中少许鲜亮的黄色花瓣晃动着人们的眼睛,会令人误以为这是梵高的作品。而更多的花瓣则由黄色向橙黄转变,在尖端枯萎的部分更是变成了褐色。花瓣中间的葵花盘则呈现出深褐色,显示出成熟葵花子的颜色。在葵花旁边,与其相称的是巨大的叶片。叶子与花瓣类似,翠绿的部分显现出一些生机,而更多的是枯萎的黄绿色。蒙德里安在对色彩的处理上,尽量接近自然真实的状态,这使他的画作如照相般真实。但这种对色彩真实的追求并不是蒙德里安的常态。他在追求真实的色彩表现的基础上向着艺术表现力更强的方向转变。在自然色彩的基础上,蒙德里安加入了主观色彩,这使其画作的冲击力更加强烈。对故乡荷兰的情感,是画家创作的重要源泉。而荷兰田园风光的集中体现———风车,更是成为蒙德里安乐此不疲的创作主题。盖因河畔的巨大风车,是蒙德里安具象作品中最重要的一类。如,画家于1905年创作的MillInTheEvening,色彩在写实中加入了情感因素。在夕阳的映照下,黄褐色的堤岸和低矮的房屋、树木成为画面中暗色的分割区,在这条分割区的上下两面,分别是画面的两条亮色带。下端是河水映出河岸和天空的倒影,由远及近呈现褐色、橙黄、淡金的色彩变化,河水泛起的涟漪成为这些色彩的分隔线,美妙而富有动感。河岸上端的天空同样层次分明,中间是淡金的薄云,与河岸相接的天空为灰色云朵,画面上沿同样是灰黄色的淡淡云朵。画面中最突出的无疑是那巨大的风车,它屹立在河岸与天空之间,木质的风车条幅被夕阳镀上了一层金黄色,风车的背面则与黄褐色的河岸融为一体。画家选取风车背光的角度进行创作,由此带来的是风车轮廓与天空产生强烈的对比,二者色彩的巨大差异既有黄昏中的光影效果,也是画家刻意为之的。与大地颜色相近的风车近乎融入其中,仿佛整个河岸都是风车基座,更加凸显出风车的平稳。

1909年之后,蒙德里安加入了“通神学协会”,其创作由具象开始向精深超验的领域进发,直到1917年。这一段时间是蒙德里安创作的中期,也是其风格发生重要转变的时期。他由具象逐步走向抽象,并在抽象的道路上越走越远。这一时期他作品中的色彩,也从对自然事物的真实描绘向表现抽象精神发展。1911年,蒙德里安游历到巴黎,这里是世界的艺术中心。各种艺术思潮汇集在这里,使艺术直觉十分敏感的蒙德里安不断受到冲击。其中,对他影响最大的还是以毕加索、勃拉克为代表的立体派。在构图和用色上,蒙德里安受到立体派的启发,构图趋于简洁,而色彩也较为单一。如画家于1912年创作的《灰色的树》,就是这一转变的代表作。整幅画作被灰色的氛围笼罩,遒劲的树干和粗枝以黑色粗线条描绘,而枝干之间的空隙则被灰绿和灰白填满。灰绿色是叶子的颜色,而灰白色是天空。画作中,树枝一直延伸到画框边缘,仿佛欲破框而出。从这幅作品,观者可以发现蒙德里安创作风格的转变。从早年写实的风景和人物,逐步走向对自然的外在形式的脱离。树的形态仍然可以看出其自然生长的秩序,但线条已经趋于简化,细节处的雕琢也几乎见不到了。画作中留有的是画家对自然秩序的思考,构图上虽稍显凌乱,却又不是“披头散发”,这种画法正在坚定地迈向其将树木简化为水平与垂直线的纯粹抽象构成。灰色的运用虽有些单调,却使整幅画作产生了纯净均衡和稳定之美,这也许正是画家所追求的对抽象精神的描绘。对立体派的接受,使蒙德里安在艺术的道路上前进了一大步。但对立体派接触得越深,蒙德里安的不安感觉越是强烈。1914年,蒙德里安返乡看望病重的父亲,一战的爆发使他停留在荷兰,这使他有机会反思立体派创作的得失。他发现自己所要呈现的艺术境界并不能通过立体主义来实现,“立体派没有从它自己的发现里引申出逻辑的结论,它没有把抽象发展到它最后的目的即‘纯粹实在’的表达”[2]。于是,蒙德里安努力寻找适合自己艺术理念的表现手段。最终,由水平线和垂直线构成的极简构图以及黑、白及三原色的色彩运用成为他找到的出路。如《海堤与海构成十号》(1915),水平线和垂直线构成的十字形成为画面的基本元素,它们彼此相互分离。而画面的色彩则是由表现沙滩的淡黄和表现海面的灰白构成。接近自然真实的色彩还原固然能带给观者事物的原貌,但却缺少了艺术的情感力和冲击力。蒙德里安意识到仅仅将自然色彩精妙地还原到画布上是不够的,他需要的是将自己的情感融入创作中,并通过作品将这种情感传达给观者。于是,这幅作品中,海面与沙滩在色彩渐变中边界模糊,融为一体,恰如从画家长久凝视的眼中见到的景象。而观者也能体会到画家在面对大海时的宁静与安详。

1917年后,蒙德里安的创作风格固定下来。他将自己在艺术领域的探索归纳在《绘画中的新造型主义》中,并将自己的风格命名为“新造型主义”。“新造型主义”除了以水平垂直交叉的十字线为标识外,在色彩设计上,则完全以黑、白及三原色等纯色为形式语言。色彩此时已经失去了具象写实的功能,转而成为画家表现抽象精神的手段。色彩给观者的影响,也更趋于带给人一种韵律感,从色彩的跳动可以察觉出画面与音乐相通的感官。这一时期,蒙德里安的技艺臻于完善,他的“红、黄、蓝构成”系列也成为自己的标签。如《红、黄、蓝构成》(1921)中,矩形的三原块在黑色线条的主宰中,成为跃动的音符。色彩内在的节奏与旋律,构建了画面的唯美与和谐。画作在形式上更加单纯,只有垂直线和水平线,而用色上也同样趋于极简。1940年,为躲避战火,蒙德里安来到了纽约。在这里,因为心境的变化,画家在对色彩的处理上也发生了变化。如1942~1943年间创作的《百老汇爵士乐》,三原色成为画面的主宰,尤其是明快的黄色,一扫之前其画作中黑线条的严肃、沉闷。不仅传统油画斑斓的色彩设计被彻底抛弃,就连之前画家一直运用的严肃而高贵的黑色线条也从画作中消失。黄色线条成为贯穿画面各个部分的纽带,它有规律的跃动代表着百老汇的繁华和热闹,就像那些戏院明亮的灯光。红色和蓝色构成的大小色块,出现在黄线条分割中的矩形空间或是黄线条本身上,构成如爵士乐般律动的感觉。画作在视觉上产生了高度的和谐之美,蒙德里安仿佛找到了通往纯粹抽象的钥匙。

第12篇

现代简欧风格是欧式风格的一种。简约欧式,顾名思义是简化了的、改良过的古典欧式,但是仍然留其原有的优雅、豪华、大气、和谐、舒适、浪漫的古典欧式的特质,更多的展现的是其时代性与创新性的一面。欧式风格文化艺术底蕴丰富,表现语言与符号精致考究。简欧风格吸收了古典欧式中材质,色彩的大体感觉,但是仍然以纯正的欧式古典元素为根基,只是摒弃了过分复杂的线条与造型,融入了更多的现代语汇及表达方式,通过外在表象的单纯与简化,直抵人内心的简单与惬意。

2简欧风格居室设计的基本原则

简欧风格居室设计将以人为本作为室内设计的主要原则,空间设计主要以居住安逸性和舒适性为主,让人们能在舒适和安静的环境里安稳的休息,合理处理人与环境的和谐关系,满足了人们对于居住环境设计舒适、个性化的追求。

(1)线条。

古典欧式的线条都以曲线、复线形式为主,线条富于流动、变化,整体或局部有装饰图案,线条粗犷、烦琐,能够表现出富丽大气的感觉,层次分明,给人以视觉上的冲击和享受。简欧风格居室设计中线条运用较之古典样式更为平衡与轻巧,给人带来自然、流畅和清新的感受,诠释了人们生活空间的含蓄、内敛,将感性与理性的交织赋予到设计的灵魂之中。

(2)色彩。

古典欧式装饰风格色彩多以浅色为主,如乳白色、黄色系、咖色系等。家具的色彩也以咖色、金色、黄色居多,风格大气,整体奢华。简欧风格中更多地强调通过色彩的对比,配以室内光线明暗对比、材料质地对比等手法;喜欢确定一个点设计中心,并采用次要设计来辅助表现中心点,而非面面聚到,全盘繁复,从而突出居室内部的层次体现,展现出多姿多彩的生活节奏和韵律。

(3)材质。

古典欧式风格材料上喜用大理石,纯正的木质,多彩的织物,精美的地毯,地面材质以石材或地板为佳,欧式客厅突出特色是用家具和软装饰来营造整体效果,深色的橡木或枫木家具,色彩鲜艳的布艺或皮质沙发,都是欧式客厅的主角。同时借助炉壁,壁灯,吊扇,柱子,壁画,纱窗,墙纸,镜子等装饰品来画龙点睛。而简化了的欧式风格,追求的是居家生活的温馨和淡雅,材质上也更趋于清新、自然、简约、现代的材质,将各元素层层过渡,主次呼应,实现自然和清新格调的映衬,达到了独特的艺术效果。

3简欧风格居室设计元素分析

(1)家具。

在简欧风格家居设计中,家具是重要的应用元素之一。在简欧风格家居布置中,家具一般选用简约风格的组合式家具,注重欧式风格的细节,色彩则更倾向简单的白色或米色调,同时搭配以柔和的灯光和现代感较强的电器,时尚气息尽显。在桌椅的搭配上,常以实木材质的桌椅为首选,色彩也以白色和棕色为主,图案以复古图案作为点缀。在简欧风格的家具中,色彩多以浅色调为主,同时搭配适量深色比重辅助风格的展现。

(2)壁纸。

简欧风格的壁纸选择上摒弃了传统欧式的凝重、繁复,而是以自然、清新为整体特点。在房间的装饰过程中,可依据房间布局、家具等的色彩,选择风格相近的壁纸进行墙壁的装饰,烘托房间的整体风格和特点。例如,一些条纹和碎花元素的使用都是比较常见的,及借用一些墙面装饰材料来进行造型,或者纹理、图案来进行墙面的装饰,展现出简欧风格的大气、高贵和典雅等特点。

(3)灯具。

在简欧风格的室内设计中灯具通常被作为很重要的装饰元素。在简欧风格居室设计中,经常选择一些造型或者光线柔和的灯具来进行装饰,如铁艺灯具就是很好的体现。具体种类多采用吊灯来搭配天花板进行装饰,彰显简欧风格的大气、雍容华贵;壁灯的设置多是以反射灯光或局部照明为主,给居住者以温馨、宁静之感。简欧风格灯具的整体风格多以古典风格为主,造型更趋于简洁,既诠释古典欧式风格中的精华,又满足简欧风格的本质需求,从中感受传统与现代融为一体的混搭格调。

(4)装饰画。

在简欧风格的居室空间中,室内陈设多采用装饰画来衬托高雅、华贵的格调。装饰画主要以油画为主,配合以木质相框,体现整体的厚重感。装饰画的数量不需要太多,主题也以自然、抽象的表达为宜,尺度及比例均根据具体环境适度安排,能够为室内空间提供亮点、辅助简欧风格的特点表达即可。

4简欧元素在居住空间设计中的应用

(1)客厅。

在简欧风格客厅的设计中,多采用浅色的木质材料或大理石等石材作为客厅装饰设计的主要铺设材料。客厅整体色调应以浅色调为主,软织物的搭配配合室内的整体风格进行布置,深浅皆宜,但控制主次及比例。加之适当的点缀和装饰,营造一种高贵、奢华,复古、简约的室内整体氛围,更加符合现代人的品位和需要。

(2)餐厅。

餐厅同样是简欧风格居室设计的重点。餐厅的墙壁宜采用大面积的浅色壁纸,以营造轻松、欢快的用餐气氛。背景墙常辅以大幅的装饰画,辅助餐厅舒适、典雅的特点;餐座长条、圆形均有,西式布置居多,配饰别致、讲究,赏心悦目;灯具的搭配常选择吊灯,不但能够增强餐厅的整体效果,还能够提供柔和的光线,为用餐提供优雅轻松的环境和氛围。

(3)卧室。

简欧风格卧室以淡雅色调为宜,以整体式壁橱搭配床头柜以及电视柜,以体现卧室整体空间的明亮和舒适;卧室的重要元素——床,选择欧式古典风格的样式居多,充分体现简欧风格的古典气质和高雅品位;软织物的搭配上配合整体风格及个人喜好的样式及颜色;灯具采用光线柔和的灯,以表现出卧室的温馨和舒适。

(4)卫生间。

简欧风格卫生间的设计多以冷色调为主,以高透明度和高清洁度的纯彩作为卫生间的主要色彩,以体现卫生间的洁净和清新。地板和墙壁等均采用理石材质铺设,在保证防水性和耐用的同时,还能够配合卫生间清新的主旨。洗浴设施喜设置浴缸,浴缸样式常见为曲线为主的流线型浴缸;镜子细节作适当装饰,以展现高雅和雍容华贵的气质和品味。卫生间的照明,主要采用柔和、高亮度的分散性灯光为主,以表现简欧风格卫生间的明亮和大气。

5结语

第13篇

在国外,CD唱片的封面设计非常有讲究,有专业的设计团队。在我国,随着人们审美品位的不断提高,不少CD唱片出品公司以及设计师也开始尝试各种表现手法进行创新设计。针对210个CD唱片封面样本,笔者通过对样本的分析和整理,对CD唱片封面设计进行界定和类型划分。笔者从下面从几个方面结合实例谈谈CD唱片封面设计中的视觉表现形式。

1.以歌者形象为主体的表现形式

CD唱片封面设计中最为常见的表现手段就是以歌者形象为表现主体。设计者主要在CD唱片封面中展现歌者的人物形象,让消费者能够直接从封面了解唱片的歌者是何人,这样的表现形式能让人们在购买唱片的同时对这名歌手有更深刻的外形印象。这也是一种侧面宣传艺人、提高其知名度的宣传手段。

2.手绘插画风格的表现形式

手绘插画的历史久远,近几年开始被运用到CD唱片封面设计中。手绘插画表现用线条使得形态清晰,它的特性是表现较为自由。这种直接的手绘风格使CD唱片封面显得简单纯粹,充满了童趣和装饰性,更让人们感受到音乐的自由气息。

3.以自然风景为主体的表现形式

这种表现形式充分表达空间,以深远为贵,用有限的空间表现无限的意境。在210个样本中,有12个CD唱片封面是以自然风景为主体的,经研究,笔者发现它们的特点是强调天空,特别是云彩。这样的表现形式重在写意,追求简洁空灵,以配合CD唱片中音乐的风格。

4.纯字体的表现形式

字体是CD唱片封面的重要组成部分。通常CD唱片封面设计者将字体转化为一种图形符号,字体之间互相协调并转换,在整个空间里显示了很强烈的视觉构成主义和有规则的形式,创造出一种简洁质朴的版面艺术风格。通常这种表现形式的CD唱片封面,都以歌者名字或专辑名字作为主体,让消费者一目了然。

5.数字技术处理的表现形式

随着技术的发展,数字媒体技术前所未有地火热。过去一些无法实现的表现形式,如今都可以用电脑技术实现,这解决了以往CD唱片封面设计低技术、单一问题,使其感染力更强大,进而满足了人们想要一探究竟的心理和变化多端的视觉审美要求。一般采用数字技术处理表现形式的CD唱片封面都是采用电子迷幻、神奇空灵的画面作为主体,表现一种非现实的境界,或使唱片封面充满科技感。

6.简洁构成的表现形式

此表现形式是设计者将文字或图形作为元素,在CD唱片封面中经过精心组织和构成,运用点、线、面的原理形成一种简洁构成的表现形式。这样直截了当的画面,既表达了唱片的基本信息,也给人以视觉冲击力。

7.观念摄影的表现形式

观念摄影即用摄影来讲述观念,是融合了人们主观对生命的意义、社会的意义、人与人交往意义的思考的综合体。其表达拍摄者对某一事物观点和思想方式,通过照片提出对人生、社会更深刻的思考。用观念摄影作为封面,是摄影艺术家、唱片封面设计师和音乐人表达对时代变迁的心境。

二、唱片封面设计中男女歌者的差异

笔者在虾米音乐网中采集的2008年到2013年的录音室CD唱片封面中,男歌者46人,占100个CD唱片封面;女歌者52人,占110个CD唱片封面。首先,男歌者的唱片封面表现形式种类很多,几乎所有的表现形式都有。在男歌者的100个唱片封面样本中,以歌者形象为主体、手绘插画风格、以自然风景为主体、纯字体、数字技术处理、简洁构成和观念摄影的表现形式比例为53:11:10:9:7:2:8。男歌者的CD唱片封面设计呈现出百花齐放、风格迥异的视觉效果,起到推动音乐和平面设计发展的作用。其次,女歌者的CD唱片封面表现形式种类比较少。在女歌者的110个唱片样本中,只有一个以自然风景为主体的表现形式和两个纯字体的表现形式,其余107个都是以歌者形象为主体的表现形式。

三、男女歌者在以歌者形象为主体的表现形式中的差异

以歌者形象为主体的表现形式可分为三类:一是展现歌者个人形象,二是展现歌者艺术气质,三是展现环境情怀。将CD长篇封面设计的此类表现形式归纳成毗邻轴,能看出男女歌者形象的表现形式在共性中又存在差异。首先,在以女歌者形象为主体的表现形式中,展现女歌者个人形象的最多,其次是展现环境情怀,最少的是展现歌者艺术气质。在107个样本中,展现歌者个人形象、展现歌者艺术气质和展现环境情怀的比例是92:5:10。其次,在以男歌者位主体的表现形式中,展现歌者艺术气质的最多,展现个人形象的最少。在53个样本中,展现歌者个人形象、展现歌者艺术气质和展现环境情怀的比例是8:32:13。

四、结语

第14篇

关键词:艺术设计;民族文化;风格

中图分类号:J50文献标识码:A文章编号:1005-5312(2011)11-0055-01

中国的现代艺术设计起步较晚,现代设计教育的年青化和不成熟,使设计教育体系中引用借鉴西方教学内容与方法较多,因而受西方现代设计观念与设计思维的影响较为严重。特别是对民族的传统文化教育的不够重视与忽略,导致了大多青年设计者民族文化底蕴的匮乏,缺乏自己的思想与创新能力。因而在设计创作中盲目模仿借鉴西方的设计形式风格导致了设计创作只流于表面形式,而缺少了作品的文化内涵和精神追求。没有自己的文化风格和艺术个性,更谈不上既有民族文化内涵又具中国特色风格的设计。

我们提倡艺术设计中的民族文化与民族化内涵。民族文化是指该民族成员历代相传的共有价值观、思想意识,它是思想情感、风格习惯、审美情趣、道德观念、等因素的综合。而设计与文化有着千丝万缕的联系,它不仅反映着文化,就它本身而言,也是一种文化和文化的传播形式。

在世界的发展日益呈现多元化的今天,中国的艺术设计应在国际化艺术设计中将民族化的元素进行有益的补充,使本民族的设计文化得到发展,并创立出具有民族化特色的艺术设计风格,在国际艺术设计领域中,提升中国艺术设计地位。

国际主义趋势的同一性,必然形成一种单一、僵化的艺术语言,设计师的个性不能得到充分发挥,形成单一性,它必然导致视觉传达效果的削弱,不利于艺术设计进一步发展。日本在民族风格溶入现代设计中取得了很大成功,日本的设计起步阶段也是西方化盛行,但最终还是回到了传统,创造了极具民族文化风格又是现代设计观念艺术设计成为了民族特色与现代时尚观念相结合的优秀典范,使日本的艺术设计颇具世界影响力,在日本设计中,传统文化元素的应用是其最重要特征之一。

从艺术的发展史可以看到任何主流艺术或文化的发展都曾受到民族传统艺术的影响和滋养。传统文化艺术能够流传至今,也证实了它具有永恒的生命力,坚持现代设计的民族性很大程度上要求对民族传统文化艺术的学习与借鉴。

民族文化是丰富多彩的,民族文化有共性,又有历史阶段性;同时也具有社会阶层性,民族的多样性。汉族和各少数民族共同创造了灿烂的中国文化,各少数民族文化是中国民族文化的重要组成部分,它个性鲜明、千姿百态,有着取之不尽,用之不竭的创作源泉。传统民间艺术的亲切感,是人与人、人与物、人与世界的直接接触与碰撞的结果。它即朴实又生动感人。

设计归根到底是为人类服务的,个性化是它的重要特征。设计不仅要有民族性,也要具有世界性,而且世界性某种意义上是民族性的归纳和概括。只有个性的,民族性的东西才能被世界人士所发现并在相互交流中得到认同。同样设计作品的民族性是其具有世界性的前提,这也是我们的中国画、书法、京剧等艺术能在世界艺术领域大放光彩的重要原因。

以我国传统民间彩色剪纸为例,它不仅是融绘、刻、染于一体的工艺美术品,也是极具装饰魅力的设计作品。在造型上,它追求自我完美的中国民族装饰形式美;在构图上,强调对称、均衡、有稳定感;在形式上,通过点线面的对比,色彩的映衬,效果上虚实动静,产生节奏和韵律感;方法上,重归纳和概括,将自然形态规律化,更符合装饰美的要求,手法上,多采用夸张变形,并赋予象征和寓意。

设计艺术的是在空间中的设计活动,其涉及的内容包括字体设计和插图、摄影的采用,把图形、字体、插图、色彩、标志等以符合传达目的的方式组合起来,用于传达信息及指导、劝说等目的,达到准确的视觉传达功能,同时给观众以视觉心理满足。由于民间美术与现代设计的某种巧合,以及传统艺术本身的艺术魅力,传统艺术受到了前所未有的青睐,特别是那些优秀经典的作品,往往以很高的审美价值引起现代人们的赞叹与兴趣,并对艺术设计起着一定的影响,以致在一些现代设计大师的作品中,我们不难发现传统艺术的踪迹和设计应用的经典范例。

第15篇

简约主义一词最初出现于20世纪60年代的美国,又称为“极少主义”“极简主义”,是一种现代的艺术风格和艺术追求。其在绘画、设计、雕塑、影视、文学等多个艺术领域,都产生了重要的影响。作为平面设计中的简约主义来说,设计不再完全是设计者的主观表现,而是为了更加明确地传达出设计信息,因此要在设计要素上做各种简化,使设计的主旨更加鲜明。同时,简约并不意味着简单,形式上的简约,并没有让主题的表达受到影响,反而还起到了一种突出的效果和以少胜多的功效。就其特征而言,可以归纳为形式简单和主题明朗。首先形式简单,是指平面设计各要素的简洁和简化,那些复杂的图形和缤纷的色彩是与简约主义平面设计无缘的,简约主义平面设计更多使用的是简单的图形、单一的色彩等,寥寥几笔,两三颜色,就构成了作品的全部。其次是主题明朗,之所以简化要素,就是为了突出主题,防止因为设计要素的纷杂,使欣赏者的注意力受到影响。所以简约主义的平面设计,就是开门见山地表现主题,以满足视觉图像时代下人们的欣赏和审美习惯。所以说,平面设计中的简约主义,是和时代、社会、文化、生活等紧密联系在一起的,从当前其受欢迎程度来看,简约主义将会是平面设计在今后一段时期内重要的发展趋势之一。

二、简约主义风格在平面设计中的运用和体现分析

1.简约的图形

图形是平面设计中的重要元素,其在平面设计中的发展经历了简单——复杂——简单的过程。一开始的平面设计,受制于艺术设计发展水平,其图形往往都是简单直观的,能够表现出其基本的含义即可。而伴随着设计水平的进步和平面设计表达的需要,很多新的图形创作手法,如电脑制图、立体图形等也广泛出现在了平面设计中,这在使平面设计得到丰富的同时,也带来了人们视觉审美上的疲劳。在这种情况下,简约风格的图形便应运而生,其在简单直观的同时,还有着独特的深意,满足了人们对图形外观和内涵的审美需要。如标志设计。标志设计是对图形元素要求最高的平面设计门类,其既要简单明了,又要能体现出标志的内涵。中国某航空公司的标志设计,就选用了一只振翅欲飞的凤凰。凤凰是中国传统文化中的祥物,有着平安、幸福的寓意。一方面,作为航空公司来说,选择“百鸟之王”的凤凰,与公司的性质相吻合,也体现出了中国国际航空公司的雄心和壮志;另一方面,凤凰本身所具有的平安、幸福的寓意,对机飞行来说,也是再合适不过的。设计者用极为简练的线条,勾勒出了凤凰昂首飞翔的姿态,可谓是言简意赅,富含深意。山西某白酒的标志设计,是一幅简化的中国山水画,一个牧童骑在牛背上,手指着远方,这样的设计灵感来源于大诗人杜甫的那句“借问酒家何处有,牧童遥指杏花村”。而在今天的标志设计中,设计师用图形的形式对这一典故进行了有机的运用,在表明了该酒身份的同时,也体现出了该品牌的历史、文化和质量。又如招贴设计。招贴设计是放置在公共场所的广告,利用文字、色彩和图形将信息迅速、准确地传达出来。在视觉图像泛滥的今天,唯有简约的图形,才能引起人们对招贴的关注。如2012年大学生招贴设计展获奖作品《“空洞”的人生》,就是对简约图形的完美运用。整个作品中没有使用文字和色彩,只有一支竹笛,这支竹笛是竖着面向观众的,若干个黑色的音孔一字排开,就是作品名字中的“空洞”;但是这里的“空洞”是加引号的,意在表明,人生就像是竹笛,摆在面前的是一个个黑洞,但是如果我们去感悟生活、创造生活,那么我们的生活则将不再空洞,而是响起了宛转悠扬的旋律。这幅作品仅仅用一个图形,就表明了“生活”这个深刻的主题。所以说,当下的平面设计中,那种繁琐的图形已经不再多见,多是这种外观上简单明了,却又饱含深意的简约图形,这在充分满足人们审美需要的同时,也带给了人们以深刻的思考。

2.简约的色彩

色彩是平面设计中最直观的要素,虽然其本身只是一个自然现象,但是每一种色彩都有一种心理暗示,从而能给人一种先入为主的印象,因此色彩成为了作品中带给人们感受的第一要素。平面设计中的简约色彩,或者是用单一、直观的色彩直接展现作品,或者是遵照色彩规律,用简单的色彩对比来阐明主题,从而形成强烈的视觉冲击感,达到以一当十、简洁高雅的艺术效果。如标志设计。中国联通的标志是一个大红色的中国结。红色在中国传统文化中寓意着喜庆和吉祥,而红色的中国结更是圆满和热情的象征,其采用了直观色彩展示的方式,将企业文化的内涵充分地表达了出来。又如一家国际著名的快递公司,在公司标志和包装设计中,就曾经做过深入的调查和研究,快递行业普遍喜欢用大红色和绿色,但是这家快递却使用了紫色和橙色的搭配,这是一种少见的色彩组合,能给人一种陌生的感觉,一方面,企业想要在众多快递行业中脱颖而出,给人留下深刻的印象;另一方面,人们收到快递的时候,都会有一种新鲜和陌生的感觉,这与紫色和橙色组合带给人们的心理反应是一致的。确立了色彩组合之后,小到一个包装袋、大到运输的飞机,随处都可见这个醒目的标志。这个科学的色彩设计为企业的成功发挥了巨大的作用,其按照色彩规律,让不同色彩之间发生对比关系,达到了最初的设计目的。又如海报设计。香港著名设计大师靳埭强近年来十分喜欢运用中国的水墨元素进行海报设计。水墨元素,意味着往往只有黑白两种颜色,但正是这两种常见的颜色,却在靳埭强的笔下散发出了无穷的魅力。他为2008年奥运会设计的举重海报中,整个作品只有黑白两个颜色——白色的底子和黑色的图案、文字。白色给人以纯洁之感,也暗示了本届奥运会的公平和公正;而黑色则是一种力量的凝聚,给人以厚重的感觉,两者互为对比又互为依托,体现出了简洁、清晰的设计效果。他为宁波服装节设计宣传海报时,依然只用黑白二色,画面中有一只黑色的竹尺,以表现出服装的主题,同时又在竹尺上方勾勒出了一道弧线,两者组成为了一个衣撑,从而进一步表明了主题。黑白的固有属性和心理属性,在他的手笔下产生了精妙绝伦的简约设计,给观者留下了深刻的记忆。

3.简约的文字

文字最初是以图画形式存在的,在漫长的历史发展中,逐渐简化为了现在的面貌。作为信息传递的主要载体,其本身就是一种特殊的视觉形象语言,并随之产生了很多自身之外的意义。为了获得简约的设计效果,很多设计者都在文字上大做文章,利用夸张、变形等手法,从文字的结构、大小等多个方面入手进行设计,体现出了一种言简意赅又形象生动的效果。如标志设计。2005年,为了迎接北京奥运会的召开,北京奥组委了奥运会运动图标。整套图标包含了本届奥运会的全部35个竞赛项目,其设计理念来源于中国的篆体字。篆体作为中国古代十分流传的字体,其最大的特点就是象形性,几笔几画,就能勾划出每一个运动项目最典型的运动姿态,体现出了优雅的运动美感和丰富的文化内涵,真正实现了“形”和“意”的和谐统一。而且因为其所有的简洁性,即便是没有任何绘画基础的人都可以将其画出来,获得很好的传播效果。中国美术学院简称“国美”,其标志设计就是以“国”字为基础的,虽然去掉了左右的两竖,但是一眼望去,仍然能够认出这是一个“国”字。同时,去掉左右两竖线的国字,又和美字十分类似,既像“国”,又像“美”,表现出了“国美”的简称,同时也传递出了美是没有国界的寓意。又如招贴设计。在一则倡导朝鲜和韩国统一的招贴中,面对这样深刻的主题,作者仅用一个文字就表达出了主旨。作品中,作者用草书的形式书写了一个“潮”字,并对三点水这个偏旁进行了处理,在其中加入了一道竖线,这样一来,从正面看是一个“朝”字,将其颠倒来看,则又是一个“朝”字,仅用一个汉字就阐明了深刻的主旨。再如广告设计。以国外的一则杀虫剂广告为例,整个画面只有一只虫子,但是仔细观察,就会发现这只虫子的躯干部分是由一个个字母组成的,其所组成的单词,正是这个杀虫剂的品牌名字,从而将广告的主题直观地表达了出来。所以说,在简约风格的平面设计中,文字所起到的作用,已经不再是简单的信息传递,在创作者利用结构、重置等手法对文字进行了全新设计后,其视觉效果更为强烈了,含义更加丰富了,从而获得了全新的传播效果。