流行音乐本科论文范文

前言：我们精心挑选了数篇优质流行音乐本科论文文章，供您阅读参考。期待这些文章能为您带来启发，助您在写作的道路上更上一层楼。

第1篇

音乐学本科毕业论文开题报告范文_音乐学本科毕业论文

开题报告主要包括以下几个方面：

(一)论文名称

论文名称就是课题的名字

第一，名称要准确、规范。准确就是论文的名称要把论文研究的问题是什么，研究的对象是什么交待清楚，论文的名称一定要和研究的内容相一致，不能太大，也不能太小，要准确地把你研究的对象、问题概括出来。

第二，名称要简洁，不能太长。不管是论文或者课题，名称都不能太长，能不要的字就尽量不要，一般不要超过20个字。

(二)论文研究的目的、意义

研究的目的、意义也就是为什么要研究、研究它有什么价值。这一般可以先从现实需要方面去论述，指出现实当中存在这个问题，需要去研究，去解决，本论文的研究有什么实际作用，然后，再写论文的理论和学术价值。这些都要写得具体一点，有针对性一点，不能漫无边际地空喊口号。主要内容包括：⑴研究的有关背景(课题的提出)：即根据什么、受什么启发而搞这项研究。⑵通过分析本地(校)的教育教学实际，指出为什么要研究该课题，研究的价值，要解决的问题。

(三)本论文国内外研究的历史和现状(文献综述)。

规范些应该有，如果是小课题可以省略。一般包括：掌握其研究的广度、深度、已取得的成果；寻找有待进一步研究的问题，从而确定本课题研究的平台(起点)、研究的特色或突破点。

(四)论文研究的指导思想

指导思想就是在宏观上应坚持什么方向，符合什么要求等，这个方向或要求可以是哲学、政治理论，也可以是政府的教育发展规划，也可以是有关研究问题的指导性意见等。

(五)论文写作的目标

论文写作的目标也就是课题最后要达到的具体目的，要解决哪些具体问题，也就是本论文研究要达到的预定目标：即本论文写作的目标定位，确定目标时要紧扣课题，用词要准确、精练、明了。

常见存在问题是：不写研究目标；目标扣题不紧；目标用词不准确；目标定得过高，对预定的目标没有进行研究或无法进行研究。

确定论文写作目标时，一方面要考虑课题本身的要求，另一方面要考率实际的工作条件与工作水平。

(六)论文的基本内容

研究内容要更具体、明确。并且一个目标可能要通过几方面的研究内容来实现，他们不一定是一一对应的关系。大家在确定研究内容的时候，往往考虑的不是很具体，写出来的研究内容特别笼统、模糊，把写作的目的、意义当作研究内容。

基本内容一般包括：⑴对论文名称的界说。应尽可能明确三点：研究的对象、研究的问题、研究的方法。⑵本论文写作有关的理论、名词、术语、概念的界说。

(七)论文写作的方法

具体的写作方法可从下面选定：观察法、调查法、实验法、经验总结法、个案法、比较研究法、文献资料法等。

第2篇

主办单位：《音乐研究》、《人民音乐》、《中国音乐》、《音乐传播》

面向国家社会音乐文化建设和音乐传播学科及学术发展的现实，第三届“全国音乐传播论文征集”活动正式启动。本届活动以“音心相印，乐至道存”为宗旨，以激发更多的音乐传播学术思想和追求，呼吁音乐传播研究的价值理性，倡导音乐传播的积极社会效应和人文精神价值，顺应文化自觉、文化自信、文化自律、文化自强的时代潮流。

一、征文对象：高等院校青年教师及在校学生（包括本科生和硕士、博士研究生等），科研院所的青年科研人员，文化事业、文化产业、媒体等领域的音乐传播从业人士等。

二、参考选题：下列为本届征文的参考选题方向，投稿者也可以此为提示，围绕活动精神自拟论题方向。

音乐传播理论研究 理论建设与学科建设；学术史与学术群体；传统文化思想与音乐传播等。

社会音乐文化建设 大众（社区、社会群体等）音乐文化生活调查研究；音乐文化产品创作品格、品位的社会导向；音乐文化特色城市/乡镇/社区建设等。

传媒音乐教育 音乐传播相关专业建设和人才培养。

传媒与音乐研究 各类音乐传播媒介（报纸、广播、影视、网络、演出等）的运作特点和规律；各类媒介音乐产品（如影视剧音乐、广播电视音乐节目）的生产、传播。

传统音乐文化传播研究 各民族民间音乐和传统音乐文化的传播；当代传媒音乐产品中的传统音乐元素等。

音乐文化产业研究 音乐文化产品创意；音乐文化产业链及各要素；音乐商品及市场的历史与现状等。

中国（高校）校园音乐文化建设 高校音乐类社团建设；特色音乐类公共选修课；校园歌手和音乐比赛；音乐演出进校园等文化活动与现象的调查与解读。

音乐期刊研究 音乐期刊编辑；音乐期刊的历史与现状、社会活动；期刊评估等。

流行音乐传播研究 流行音乐的生产、批评、接受（尤其是青少年）等方面的实证与文化研究等。

三、稿件要求：必须为首发原作，否则取消获奖资格。字数原则上不超过15000。来稿务必齐、清、定。

1.请使用Word文档标准格式（扩展名doc或docx，推荐存为doc格式），文件名须包含作者姓名和论文标题。

2.首页首行请写“第三届全国音乐传播论文征集”字样，论文标题写在第二行（黑体三号），第三行起写作者简介（宋体四号，包括姓名、性别、单位、专业、研究方向、电话、E-Mail、地址和邮编等，在职人员须写明职务或职称，在读人员须写明当前学习阶段和入学年份）。

3.论文摘要：100—300字，楷体五号；关键词：3—7个，楷体五号，用空格分开；正文：宋体五号；文内若有各级小标题，酌情使用其他字体和稍大字号以示区分。

4.文内注释：一律使用当页脚注，宋体小五号，每页另起编号（注释序号使用圆圈数字，如①②③等）。

5.参考文献著录：须包括主要责任者（作者、主编等）、文献题名及版本、出版项（出版地、出版者、出版年）、页码或刊期等（报纸文献须有版面号），外文文献和互联网文献著录可参考MLA规范。

6.按A4幅面排版，页面下方居中插入页码。论文若含照片、图表、谱例、附录，请分别按类编号以便指称。

四、投稿方式与截止时间：应分别采取以下两种方式投稿，方为有效。打印稿请寄往：北京市朝阳区定福庄东街1号中国传媒大学70号信箱（邮编100024）。另请在信封正面写明“第三届全国音乐传播论文征集”字样。此稿恕不退还。电子稿请发往本活动专用邮箱。邮件的“主题”中请注明作者姓名和文章标题。联系人：韦杰、魏晓凡；电话：（010）657837102.投稿截止日期：2013年10月31日

五、征文评奖与使用：1.本次活动设一等奖1名，二等奖5名，三等奖7名，优秀奖15—25名； 2.获奖者可获得主办单位等机构联合颁发的荣誉证书等奖励；3.主办单位享有所有参加征文作品的出版权、使用权，可将优秀作品汇编成册或公开出版；4.经专家组评审后，组委会将于2013年12月公布获奖名单，并以电话或电子邮件方式通知获奖者。

第3篇

广义上的大众文化主要是指有别于严肃艺术、精英文化的通俗艺术、流行文化，以大众传媒为主要传播手段，对应于英文的popular culture。流行音?罚?popular music）作为深受大众喜爱的一种音乐形式，因其具有通俗性、娱乐性和商业性等特征，成为大众文化的重要组成部分。

通过对不同风格的流行音乐的赏析，可以了解流行音乐的发展历史，提高音乐鉴赏能力。流行音乐的文本，即歌词，蕴含了大量丰富多彩的真实语言材料。以深受学生喜爱的欧美流行音乐为例，学生在欣赏音乐时，既有利于目的语训练，又有助于激发学生学习英语的兴趣，强化学生主动参与英语学习的意识。同时，歌手或乐队的背景信息和歌曲本身所蕴含的社会文化内涵能够拓宽学生的视野，增加学生的文化积累。同样，母语非汉语的学习者也可以通过欣赏中文流行音乐学习中文和了解中国文化。因此，开设流行音乐的赏析课程可以在音乐、语言、文化三个方面提高学生的综合人文素养。

二、研究目的

目前国内院校的相关课程以外语院系开设的英文流行歌曲赏析类课程为主。此类课程或者只侧重听力、口语训练，或者只强调歌词翻译和语言结构分析，或者只单纯地关注文化介绍，教学目的与教学方法都比较单一，未能将音乐、语言、文化三个元素有机结合，导致此类课程极易成为单纯的语言文化技能课程，日益凸显的枯燥性使学生渐渐失去学习兴趣。一些艺术院系开设的面向非艺术专业学生的音乐欣赏课，只是单纯从音乐层面上介绍流行音乐，完全忽略其语言和文化的元素，无法满足学生学习语言和提高文化素养的需求。因此，建立音乐、语言、文化三位一体的教学模式是十分必要的。

课程“流行音乐与大众文化”充分考虑学生多元化的学习需求，在教学中系统梳理流行音乐的发展脉络，同时从大众文化的角度详细介绍经典作品，引导学生对其进行全面细致的赏析，试图从音乐、语言、文化三个方面提高学生的综合人文素养。

三、研究设计

（一）研究对象

课程“流行音乐与大众文化”自2016年起面向全校本科生开设，本次调查选取2015年至2017年间选修该课程的学生为研究对象。

（二）研究方法

本次调查采取不记名问卷方法，在课程结束时发放问卷，当堂填写并回收，确保真实和有效性。问卷主要涉及学生的学习需求、音乐素养、学习态度、教学效果和教学满意度等方面。共计150名学生选修该课程，但是每学期都有没选上课的学生旁听，因此实际回收有效问卷165份，涵盖从大一到大四各年级学生，其中男生97人，女生68人。

四、研究结果及分析

（一）学习需求

61.1%的学生选修该课程是为了“满足自己的兴趣爱好”。大多数学生在上该课程的第一节课时表示选修此课程是因为被课程名称中的“流行音乐”所吸引。这表明大部分学生的学习需求其实就是听歌与看音乐视频，忽略本课程的文化元素及连接音乐与文化的另一个元素――语言。这就要求教师在授课过程中积极引导学生充分利用流行音乐这一载体，深入学习音乐当中蕴含的语言和文化知识，而不只是单纯地沉醉于音乐之中。

38.1%的学生是为了“拓宽知识面”而选修此课程。从问卷其他问题的结果与实际授课情况看，的确有一部分学生对音乐本身并不是特别爱好，但对音乐背后的文化很感兴趣。

值得关注的是，虽然学生对这门课的选课积极性很高，但是在文理科分布上呈现很大差异。理工科学生所占比例高达85%，文科学生仅占15%，且集中在汉语言文学、汉语国际教育、英语、德语、俄语、日语等语言类专业。由此看出，理工科学生更能清醒地意识到自身对人文社科类知识的欠缺，对提高自身人文素养有着极大的热情。语言类文科专业学生选修此课显然是为了增长专业知识。

（二）音乐素养

虽然有61.1%的学生是因为对音乐感兴趣而选修此课程，但是学生的音乐素养普遍不高。在选修此课程前，绝大多数学生无法分清流行音乐具体有哪些类型，只知道自己听的是一些时下最流行的歌曲，对布鲁斯、爵士等经典风格基本一无所知，对摇滚的了解仅限于“吵闹”、“叛逆”等刻板印象。经过学习，学生对流行音乐的历史与风格已有基本了解，最感兴趣的风格是乡村音乐，所占比例为32%。喜欢一般流行歌曲的占31%，喜欢摇滚的占27%，相对陌生的布鲁斯和爵士各有4%，而喜欢非主流或其他另类风格的仅为2%。

布鲁斯和爵士在欧美已有上百年的历史，早已成为主流音乐风格，但在国内依然属于小众风格。音乐作为语言文化的载体，不同的风格类型承载着不同的文化底蕴。因此，在课程中系统梳理流行音乐的脉络，介绍不同风格的代表作品，是十分必要的。

（三）学习态度

学生的出勤率能够直接反映学习态度。有41%的学生能够做到满勤，53%的学生偶尔缺席，6%的学生很随意，“有时来有时不来”。虽然无人选择“偶尔出勤”，但从教学实际看，每学期都会有个别学生只是在开课初期和考试时来上课，甚至还有一名学生仅在考试时来过一次，对考试形式和要求一无所知。

学习态度直接影响学习效果。本课程考查形式为当堂对某一首音乐作品进行赏析。考试时教师会播放两首音乐作品，分别播放三遍。第一遍为盲听，不介绍任何背景信息，直接播放音频。第二遍给出歌手、乐队信息和歌词，让学生对照歌词听一遍。第三遍播放音乐视频即MV。学生在两首作品中任选一首，从大众文化的角度进行赏析。从学生写作的文本来看，出勤率高的同学，在歌曲分析和评论模式上，明显借鉴了平常上课时老师分析讨论歌曲的方法。无论是观点论述还是谋篇布局上都较为翔实和有条理性。而出勤率低的同学的文本则只能通篇翻译歌词或是机械复述视频内容，缺乏自己的观点。几乎从未上过课的同学的文本就更是言之无物，不知所云。

之所以采取当堂写作的考查形式，是因为如果让学生课后写论文，学生必然会参考网络资料，难以形成自己的观点，甚至会直接抄袭网络原文。近年来随着手机上网的普及，考试时还在教室里增设手机屏蔽仪。

（四）教学效果

1.转变听音乐的目的

选修本课程前，大部分学生听音乐是为了“了解相关文化”和“学习语言”，所占比例分别为42%和22%。另有15%的学生是为了“抒感”，21%的学生听歌是“纯粹娱乐”。

选修本课程后，因为“了解相关文化”而听音乐的比例上升了36个百分点为78%。单纯?榱恕把?习语言”而听音乐的比例下降了18个百分点，仅为4%。为“抒感”而听音乐的比例为16%，与选修前基本持平。而“纯粹娱乐”的比例则下降了19个百分点，仅为2%。

经过本课程的学习，学生对于音乐及相关文化的兴趣有了显著提高。一些过去单纯为了“学习语言”或“纯粹娱乐”而听音乐的学生，也逐步将听音乐的目的转向更深层次的文化了解上。

2.改变听音乐的习惯

不同的听歌目的决定着不同的听歌习惯。歌词是反映歌曲文化主旨最直接的因素，从听歌时是否看歌词这一习惯可以反映出听者是否有“了解相关文化”的听歌目的。

选修本课程前，学生中听音乐“边听边看歌词”的比例为10%，选修后提高为41%，增加了4倍多。“喜欢的才看歌词”的比例从选修前的65%减少为43%，这是因为其中有40%转化为“边听边看歌词”。“从来不看歌词”的比例由13%减少为5%，其中有高达62%的学生转化为“边听边看歌词”。选修前有2%的学生听歌“只作背景音乐”，在选修后则全部转化为“喜欢的才看歌词”。由此可见，本课程的学习对培养学生正确欣赏音乐和了解相关文化起到了很好的引导和促进作用。

3.提高音乐素养

很多学生在选修本课程前的音乐素养并不容乐观，认为诸如Taylor Swift、West Life之类的歌手所唱的歌曲就是流行音乐的全部。有别于其他院校开设的类似课程，本课程并没有局限于单纯语言技能训练或文化讲解，而是将语言文化的载体即音乐本身，提高到和语言文化同等重要的地位，建立起音乐、语言、文化三位一体的教学模式。因此，系统介绍流行音乐的历史和风格类型，是教学的重要环节之一。

经过本课程的学习，几乎所有学生的音乐观念都受到影响，有1%的学生甚至表示“彻底颠覆先前的观念”。在经过音乐观念的洗礼后，大部分学生都表示本课程的学习对今后听音乐有所帮助，其中73%表示“有一定的帮助”，6%表示“非常有帮助”。由此可见，学习本课程后学生绝不仅仅知道了几首经典流行歌曲，或是学会了几句英语常用句型，从根本上提高音乐素养，为其以后继续了解学习相关音乐文化打下坚实的基础。提高学生的音乐素养是本课程区别于其他同类课程的一大特色。

4.促进语言学习

虽然选修本课程后，以“学习语言”为目的而听音乐的学生比例由选修前的22%下降到4%，但是绝大部分学生依然认为本课程对“学习语言”是有帮助的，其中73%表示“有一定的帮助”，6%表示“非常有帮助”。教授语言技能从来不是本课程的主要内容，语言在很大程度上只是一种工具，让我们能够更好地欣赏和了解音乐及其相关文化。很多学生在学完本课程后可能才体会到先前对于流行音乐的认识是本末倒置的。学习语言是手段，了解音乐文化才是目的。

5.增进对大众文化的了解

经过学习，学生的音乐素养和语言能力均有不同程度的提高，对与音乐相关的大众文化的了解程度有很大的改观。问卷数据显示所有学生都认为学习本课程增进了对与音乐相关的大众文化的了解。对相关文化“有所了解”的比例由选修前的26%上升为89%。选修前有63%的学生对相关文化“一知半解”，选修后这一比例下降到11%。表示“一无所知”的比例更是由选修前的11%降为0%。

音乐、语言、文化三种元素在教学中环环相扣，一脉相承。音乐素养和语言能力的提高，必然会增进对音乐文化的了解。在三位一体的教学模式中，学生体验到了全新的音乐熏陶，借助语言文本的学习，又感受到文化的魅力，最终获得音乐、语言、文化三方面综合人文素养的提高。

（五）教学满意度

教学效果的好坏无疑是检测音乐、语言、文化三位一体教学模式成功与否的重要依据，学生在学习过程中的主观体验同样也是衡量这一教学模式可行性的重要尺度。

在网络时代，学习一门新知识并非难事。本课程的相关内容基本都能在网上了解到，类似的网络公开课不少。如何吸引学生走进课堂，积极主动地参与课堂实体教学，而不是迷失在网上海量的资源之中，是三位一体教学设计中需要妥善解决的关键问题。教师务必要设计出切合学生需求、切实可行的教学大纲和教案，合理整合资源，同时在教学中积极鼓励、引导学生讨论和思考，让学生体验到实体课堂的生动性和交互性，切忌一言堂式的资源灌输，让教与学之间产生隔阂，让学生如同面对网络虚拟课堂的电脑屏幕。

值得一提的是，学生的需求分为表面需求和潜在需求。如前所述，61.1%的学生选修此课的最初目的是听歌看视频。在实际教学中发现，学生起初最希望在课堂上听到和看到的歌曲往往是他们熟悉的“经典歌曲”，这种表面需求恰恰是本课程极力避免的。流行音乐已有百余年历史，风格多种多样，经典歌手和作品更是层出不穷。然而受到资讯、媒体导向等多种因素影响，大多数人熟知的经典流行音乐可能仅限于Yesterday Once More，My Heart Will Go on之类的歌曲。这就需要老师大量介绍其他相对陌生但同样是绝对经典的音乐作品，拓宽学生的音乐视野，激发学生潜在的需求。很多学生喜欢听陶?匆焕嗟?R&B（节奏布鲁斯），经过学习了解到R&B起源于黑人的Blues（布鲁斯）音乐。在了解Blues的经典作品后，可能就会发现自己真正喜欢的其实是Blues。同样很多学生喜欢听王若琳的歌曲，经过学习后可能会发现自己最喜欢的是Jazz（爵士）。

受限于课时，一些众所周知的经典作品，教学中只能一带而过。只有不断接触学习新知识才能提高自身素养。如果只满足于表面需求，那么完全可以选择上网。走进课堂才能探索未知。教学中也有学生反映很多年代久远的经典作品并不符合他们的审美标准。时代在发展，艺术作品在与时俱进，年轻一代可能会难以理解和接受老的艺术经典。但是本课程的主旨在于拓宽学生视野，介绍他们未知的音乐文化，而不是强行改造个人喜好。对于很多学生来说，学习本课程可能是他们接触这些“难听”的经典作品的唯一机会。虽然不喜欢，但至少了解到有这样一种经典存在，潜移默化中开阔了视野，提升了文化素养。

在课堂教学的同时，老师也会积极引导学生课下上网搜索补充更多课堂上无法详细展开的内容。随着手机上网的普及，更多的学生开始在听课的同时，同步搜索老师授课所讲的内容，并实时和老师互动交流，极大地提高学习主动性。实践证明，基于上述理念的教学模式受到学生的广泛认可。问卷数据显示，50%的学生喜欢“听课”模式，42%的学生喜欢上网与听课“两者结合”的模式，只有8%的学生喜欢单纯“上网”的学习模式。

相应地对本课程的总体教学满意度学生们给出了积极的评价。22%的学生表示“非常满意”，75%的学生表示“满意”，3%的学生表示“一般”，没有一人表示“不满意”。

五、结语

本课程突破了以往类似课程仅局限于语言技能训练或文化赏析的单一性，将课程的核心载体音乐本身提升到与语言和文化同等重要的地位，全面介绍与之相关的文化现象，深入探讨传媒、影视、文学等大众文化与流行音乐在形式和内容上的相互影响。

第4篇

关键词:新民乐;音乐的跨界合作;民乐的创新

新民乐是近年新兴的一种音乐艺术文化现象,是一种运用现代流行的乐器、艺术手段(现代的发声技巧、现代技术改造过的民族乐器、现代的乐器等)演奏形式来重新演绎原来已有的民乐经典曲目,不仅包括器乐曲,还有美声等等。或者也有种相反的形式,用传统民族乐器来演奏当代创作的器乐作品。

新民乐的一个重要的思想就是将中国人对民乐的观念从一个艺术化崇高的位置上下放下来,使之平凡化、大众化。新民乐在民族风格上有极强的表现力。但民族乐队在频响上又缺乏宽度,尤其是低频。因为各个常规民族乐器个性强,所以民族乐队整体音响融合性差。加上乐器本身音域和演奏技巧的限制已无法满足听众日益提高的审美要求。新民乐把民族器乐,电声乐队和MIDI音乐接合在一起,加上流行的配器手法,互补长短;使民乐的个性有了更好的展现,实际上丰富了民乐的艺术表现力。

一p中国新民乐的特点

1.乐队编制的变化,新民乐在演奏乐器上与传统音乐存在很大的区别,传统音乐的演奏乐器都是民族乐器,而且某些特定的曲目还要制定特定的乐器去演奏演唱,但是现期的新民乐,在演奏过程中,多多少少的会加入一些现代流行乐所特有的电声乐器等。无可厚非,是为了迎合现代人日益增长的审美情绪才滋生了新民乐这种新的音乐艺术形态。2.创作手法上的变化,新民乐在作曲的和声要求以及配器的选择方面,新民乐的要求远不及传统音乐来的那么严格严谨,但是它还是本着符合现代人审美观的基点出发,所以从某些角度来说,人们的选择更趋向于这种现代的新民乐形式。3.演奏形式的变化,新民乐的演奏形式和演奏方法比起传统音乐的演奏演唱来更加的随心,随意。它不像传统音乐的演奏那样死板,表情,甚至是坐姿上都有一定的要求。大家所熟知的女子十二乐坊,她们的演奏比起传统演奏形式来,明显衣着,妆容上都现代化,大众化了。

二、中国新民乐发展的成功之处

继承了传统音乐的精华,音乐形象民族化,音乐内容意境深远,民族底蕴丰富;旋律优美,而且把民族乐器独特又个性的音色凸显的淋漓尽致。并且摒弃了传统民族音乐和声、结构、节奏性等方面不好的东西。揉进了西方流行乐热情动感的节奏,华丽的交响乐背景,精良的配器和编曲。萨顶顶是一个来自中国大陆的女艺人,极具特色的民族服装以及带有佛教色彩的音乐给人留下非常深刻的印象。她的成功之处在于:①独特的嗓音条件,一个让人很容易识别的独一无二的学院派女高音;②对中国民族文化深刻的理解,使得她的音乐大量保留了东方艺术色彩;③将音色优美的民族乐器与现代电子合成器完美的融合在一起,把古老神秘的东方原生态民族音乐展现在世人的面前;④首创了一种全新的演出方式――武僧伴舞,做到了动静结合,美感和力量的交融,一种多元素相结合的新型音乐风格(原生态音乐+民族音乐+电子乐);⑤她的曲子由自己编曲填词,演唱,后期音乐制作,演出中编舞,舞蹈,全由自己一手包办;⑥多元素的音乐,式既充斥着原生态音乐那种自由放荡,又包含着西方流行乐强有力节奏冲击的电子乐,给听众巨大的震撼,发人深思,体会天籁般的音乐内涵,给人留下无穷的遐想空间。

三、中国新民乐发展的不足之处

1.破旧而未立新,彻底改变了传统民乐的美学风格,过多的与流行音乐同化,从而失去了中国音乐的灵魂。过分的电声技术,遮盖了民乐乐器原有的韵味。民乐有它的特殊性,它表达的是一种心境,一种思考,需要的是安静自然的环境。而“新民乐”的主张是动态的音乐创新,这种创新最大的表现就是在于电声技术的使用,它的特点在于可以营造各种气氛,弥补传统民乐的单调,使得影响效果丰满,充满现代气息。所以带来了一个不可忽视的问题,过分的电声背景会喧宾夺主,过多的吸引了观众的注意力,从而真正要表现的民乐却没有没重视;再者嘈杂的电声背景使民族乐器特有的清新飘逸步伐凸显出来,使之更趋于流行音乐而不是民乐。没有对比性,容易产生听觉疲劳。在“新民乐”中,缺少对比的音乐,曲目的单一形式缺乏感染力,曲目,和声,复调,配齐以及演奏技巧上都缺乏深度,而且过分的重视表面的视听觉冲击,缺少了最重要的内在。

日前而言,“新民乐”只是将西方流行音乐或生硬的结合传统乐器和西方乐器演奏传统曲目。这些作品既没有民族特色,也不具备世界性的特点。简单的挪用西方音乐元素的做法使作品不能真实的反映人们的情感和思想,也不能继承和发扬传统音乐的真正价值,只是两种不同音乐文化强制性的嫁接。“新民乐”的主要特点应该是取其精华去其糟粕,再加上西方的精髓。“新民乐”的乐曲大多是由一些民歌或人们所熟悉的歌曲改编的,也就是说,“新民乐”缺乏原创。有的学者对于这种现象给于了毫不留情的批判:“现在又些人为了出新,人为的将一些优秀的名额,民乐分割的支离破碎,就走错位,重音倒置。把流畅口语化的歌词有意断开,有事还加上一两个风格完全不统一的音,升高或降低,硬把节奏拉宽或减缩,再加上一些爵士味,便冠以新民乐,新民歌的帽子,以为这就是创新了。”所以创作优秀的乐曲与多变的风格是“新民乐”的当务之急。

2.重商业化而轻艺术化,从女子十二乐坊来看,她们的商业性要远远的大于艺术性,标榜的是商业化的运作和面向国际的发展。只是注重专辑的销售量,全球的巡回演出,而没有说像传统音乐演奏会那样,注重的是高雅的文化交流,商业性是其次的。女子十二乐坊与2001年6月成立于北京,从当年10月至今在中国各地和日本举办过很多场音乐会,并获得“中国轻音乐学会学会奖”中的六项提名大奖,2004年2月20日被杭州市聘为旅游形象代言人。2004年3月获得日本2003年度杰出艺人奖以及唱片销量奖,并在日本20多个城市巡回演出了32场音乐会。差不多10年来,在乐队风格上却没有什么明显的转型或改变,对音乐风格的追求上也没有什么迹象,可见相对于别的新音乐团体来说,女子十二乐坊注重的是侧重于唱片专辑的销售量以及全球知名度,真正音乐的内涵却没有得到一定程度的提高。

四、国外传统音乐与流行音乐的跨界合作

跨界合作指的是两个不同领域的合作①。何谓音乐的跨界合作,就是指各个民族流传下来的音乐经过现代音乐的洗礼,不同形式音乐类型不同程度相结合而产生的不同种类的新音乐形式。每个地区,每个国家的人由于地域,天气,传统的影响都会具有不同的审美观,审听观,自然音乐中所追求的也大相庭径,所以不同地区的民族音乐经过长时间与当地流行乐的融合,产生民族音乐的变体风格音乐形式,此谓音乐的跨界合作。

1.日本与国外的音乐文化交流源远流长,日本急速汲取欧美音乐文化,日本音乐进入近现展阶段从而形成延续至今的“邦乐”(传统音乐)与“洋乐”并存的局面。日本传统音乐的显著特点是声乐曲占绝大多数,并且多数跟戏剧等其他艺术结合在一起。日本的传统民乐发展,完全是做到了将古乐器的“静”与流行乐的“动”进行完美的结合,东西方的音乐文化元素都被平衡而完美的结合在一起,就拿日本今年来崛起的一个新乐队组合(Rin')来说,三位成员使用筝,十七弦,琵琶,三弦,尺八等日本传统乐器,开创了日本流行乐从未有过的新要素,创造了新的传统音乐文化。而她们自弹自唱的表演形式,带给广大乐迷一个日本音乐的新世界。轻快典雅的旋律,透明的高音演绎,没有电声乐的伴奏,取而代之的是尺八和古琴,让流行歌曲融入日本的传统音乐。 与中国新民乐相比较,日本新民乐的发展大量保留了民族音乐风格,没有太多的改变。

2.Night wish组合,是北欧淳厚的古典音乐和重金属前卫金属音乐的完美结合。Night wish乐队玩的是交响力量金属,但是歌曲的创作却是趋向于民族音乐旋律的。键盘乐+金属风格是Night wish乐队的主要风格,他们的作品风格大致一样,高处飘荡着的女高音如圣光一般洒下,仿佛在救赎着堕落的灵魂,下方令人压抑窒息的重金属摇滚乐令人深思。两种截然不同的音乐风格显得格格不入,却又融洽的体现在音乐中。民族音乐的旋律通过现代的演奏方式演绎出来的效果突破了传统音乐的单调和乏味,他们开创了民族古典长发+金属摇滚演绎的新音乐形式。与中国新民乐相比较,这个乐队大胆的创新,将两种不同风格的音乐文化结合在一起,突破了常人的审美思维,综合了两种风格迥然的音乐形式,他们的音乐展现出鲜明的对比,中国都是在传统民乐的基础上加入现代的音乐元素,从而形成新的音乐风格。

3.Il divo组合,是欧美现代流行音乐和美声演唱的结合。3个美声演唱和一个通俗演唱功底相当深厚的成员将现代流行乐用美声+通俗唱法演绎的淋漓尽致。不仅仅是现代流行乐,他们翻唱的歌剧曲段,80年代的流行歌曲,用区别与以往的不同唱法表现出来的作品也受到了人们的关注与喜爱。美声属于传统音乐演唱不二的形式,但是试问有l想过用美声合唱轮唱来演唱流行歌曲?Il divo做到了,开创了先河。与中国新民乐相比较,Il divo乐队采用不同的演唱形式向世人诠释经典作品的另一种意境。出众的演唱水平和团队合作能力,使他们的作品吸引了多数人的关注。

比起中国传统民族音乐的发展,日本的新民乐比较完整的沿袭了传统音乐中的大量元素,不管是从演奏乐器,演唱方法方式,但是不像中国的新民乐,大量的加入了现代音乐所特有的电声音乐形式,演奏演唱方法。简单点说,日本的新民乐相对于传统音乐改变较小,传承了传统音乐的优点,在有些方面为了迎合现代人的审美审听观念,稍加变通,还是比较原汁原味的。night wish和il divo两个乐队创造的欧美新音乐也充分体现了民族音乐和现代流行乐的可溶性,用独特新颖的演奏演唱方法使得民族音乐的“魂”现身在现代流行音乐身上。这就是不同音乐形式的跨界合作。

纵观中国邻国日本以及欧洲美洲现代音乐的新新形式,保持传统音乐不变的一些经典元素,丢掉传统音乐与现代人审美观相悖的地方,同时多注重艺术文化深层次的交流,加强新民乐的艺术性,舍弃一定量的商业性,同时保持与国际新民乐发展的脚步的一致性。才能创造出更深层次的新民乐,人们所喜欢的民乐。

结论:总的看来,中国的新民乐正展现出越来越乐观的前景。有越来越多的新民乐作品打动了人们尤其是年轻人的心,他们将是中国传统音乐文化的新的传承者。一些唱片公司已经注意到新民乐的成长和发展势头,对出版的新民乐唱片市场十分看好。今后,如何保持传统民乐的真正韵味,仍然是一个值得研究的问题。民族音乐代表一个国家、一个地区历史的积淀和文化的灵魂。民乐创新,是民乐不断增强自身吸引力和感召力的重要途径。进行民乐创新,就是对音乐文化的民族传统进行现代转化,这个时候,我们必须结合新的实践和时代的要求,结合人民群众精神文化生活的需要,尤其要结合弘扬先进文化的责任,真正做到古为今用,使传统民乐成为今天进行新民乐创新的丰富资源。

注释

①跨界合作的意思,李岩的《朔风起时弄乐潮》一书中第二章的论文《论现代音乐发展》一文中有提到,第13页。在此我引用了这句话。

参考文献

[1]李岩.《朔风起时弄乐潮》,【M】上海音乐学院出版社

[2]王光祈.《中国音乐史》,【M】广西师范大学出版社

[3]王耀华 王州.《世界民族音乐》,【M】人民教育出版社,新世纪普通高校音乐教育专业本科教材系列

[4]马晓南.《关于“新民乐”的思考》,【N】美与时代,2005(9)

[5]高敏.《也谈“新民乐“》,【N】南京艺术学院学报,2005(3)

[6]宋政.《从”女子十二乐坊“透视民乐的创新》,【N】浙江艺术职业学院学报,2006(4)

[7]施娓.《论新民乐的演奏风格及商业行为》,【N】太原城市职业技术学院学报,2007(3)

[8]杨古侠.《对”新民乐“的思考与展望》,【N】音乐探索,2007(4)

第5篇

关键词：社会需求 音乐学 课程改革

改革开放之后，我国的大学教育就存在一个从模仿苏联专业人才培养模式到比较现代的通才教育模式的转型问题，在教材、教法、培养模式诸方面，大学教育面临改革的巨大压力。目前来看，音乐学本科培养模式，无论是师范类还是表演类，至今仍沿袭音乐学院的教学模式，亦即基本沿用着前苏联的课程学制分配模式：四年制学习，前三学年公共课程与专业课程并行，最后一学年毕业实践与论文答辩为主。旧有的课程设置不重实践，教学内容陈旧单一，培养目标固守成规。因此，在音乐学专业就业压力之下，高校音乐学专业教育体制如何与国际接轨、专业课程设置如何与社会需求接轨、不同课程之间如何交互设置，成为高校音乐院系所要深刻探讨的教育话题。

一、音乐学专业课程设置现状分析

课程设置是专业建设发展的基础，是人才培养的根本保证。普通高校现行音乐学专业毕业生就业困难现象突出，音乐学专业教育模式培养出来的学生不适应社会发展要求，究其根本原因，并非毕业生人数供大于求，而是专业课程设置没有及时与社会需求接轨进行革新。

音乐学专业的生源来自于高中音乐特长生，学生考前通常需要花费多年时间和精力来提高专业技能水平，而文化课的高考录取成绩又远远低于同水平的文科其他专业，因此导致了学生文化综合素质整体不高的现象。入学后，又由于高校音乐学专业课程设置，受传统教育课程观念和教学模式的影响，普遍存在着教学内容与音乐相关行业发展脱节，专业课与社会需求不衔接的现象。大多数课程如蜻蜓点水，音乐文化综合素质难以提高，如此模式培养出的学生，也很难具有社会竞争力。此外，学生在入学一、二年内以基础乐理、视唱练耳、声乐、钢琴等音乐基础课为主，基本上在重复学生入学前所接受的专业培训内容，造成了学生主动学习的积极性不高，逐渐失去了专业学习的好奇心和热情。影响音乐专业课程设置的客观因素，还有公共必修课的十几门课程也都集中安排在第一、二学年，占用了前两学年课时总量的二分之一时间，全部教学计划学时的三分之一。公共必修课程时间安排太过密集，就造成前两学年专业课程时间安排上相对少，尤其影响需要课后大量时间练习的声乐、钢琴等技能类课程的学习。

随着我国由计划经济向市场经济的转型，在人才培养和使用上也彻底改变了完全由国家计划部门按计划培养和分配的教育培养体制，取而代之的是以市场需求为导向的人才培养和使用模式。社会是在不断发展变化的，而高校音乐学专业教学课程的改革却没有跟上社会发展的脚步，几届甚至十几届学生接受的高等音乐教育课程大同小异，所以在不包分配、自主择业的就业环境下，音乐类毕业生因没有掌握和社会需求相匹配的必要职业技能，不能适应社会的发展需求，毕业即失业。据麦可思研究团队所作的《中国大学生就业报告》（就业蓝皮书）调查，“2007年度本科毕业生半年后失业率最高的前10名专业”排名中，音乐表演排名第一，音乐学排名第五；“2010届本科毕业人数最多的100位专业中失业率最高的10个专业”，音乐学专业排名第二，平均失业率达15%。以社会需求为导向的音乐学专业课程设置的改革迫在眉睫。

二、如何以社会需求为导向规划高校音乐学课程设置改革

1.充分了解“市场信息”，明确培养目标

高校音乐学专业要适应教育改革与发展的要求，充分了解和把握社会对音乐人才的需求方向，从而确立以音乐人才的“市场需求”为导向的办学观、发展观。因此才能进一步调整课程设置，构建多样化的课程体系，优化学科间的相互交叉互补，拓展新学科及研究方向，以培养适应社会多样化需求的高素质的新型音乐人才。

为专业文艺团体、中小学学校输送专业音乐人才是高校音乐学专业的传统培养目标之一，因此音乐学专业的培养目标仍需囊括这一主要目标。同时，经济社会的发展，大众音乐生活的丰富，以及音乐艺术的实用化用途的发展，音乐学的培养目标必须强调“多能”。所以还应将培养具有良好的道德修养和较强的组织策划能力、社会适应能力、掌握较扎实的音乐专业技巧、音乐基础理论、具有较强的教学和理论思维能力的音乐表演、教学、管理、应用的多能一专的复合型、创新型人才作为另一主要培养目标。

2.了解音乐人才市场动态，增设适应“市场”需要的专业方向

音乐学院是国内高水平音乐教育的领跑者，在人才培养与社会需求接轨方面，几大音乐学院也率先进行了专业设置改革。如2001年四川音乐学院增设的通俗音乐学院，是川音为顺应时代潮流、适应市场需求和完善学科，在全国九所音乐学院中率先开设的第一所流行音乐学院，开创了国内流行音乐专业高等教育之先河，十年来培养出了多名国内知名青年歌手，多名毕业生被电视台和国内外唱片公司签约，并多次获得“金钟奖”，为丰富国内流行音乐做出了一定贡献。除此之外，中央音乐学院、中国音乐学院和天津音乐学院、上海音乐学院也先后增加了音乐治疗、艺术管理等新兴的专业方向。

长期以来高校音乐学专业以模仿音乐学院培养音乐家倾向的教学模式为主，如声乐课只开设美声唱法和民族唱法，器乐主修以西洋或民族管弦乐队主要乐器为主。不同年龄阶段有不同的音乐喜好，不同文化层次人群也有不同的音乐文化需求，音乐艺术除了审美功能，还有益智、健体以及作为背景使用的实用功能。音乐方面的社会需求也就是大众的音乐需求，就是音乐人才的市场需求，随着城市文化产业蓬勃发展，大众的文化消费水平和音乐需求也在提高，并且拉动了经济发展。据研究统计，珠三角地区有70%的文化部门和娱乐场所近些年音乐专业人才紧缺，50%的企业文化部门中需要音乐专干，90%的居民生活小区有音乐活动辅导员职位，50%的大酒店设有大厅钢琴演奏人员、舞蹈员和音乐文化专干等岗位。大量的私立学校对音乐教师的需求量更大，众多的大型娱乐场所与购物中心也非常需要专业的音乐音响指导1。还有旅游行业、文化产业、企业文化、历史文化及保护等方面都需要大量的音乐专业人才。调查显示，越是经济发展较快地区，音乐人才需求越旺盛。

当前社会需求增加的是应用性艺术人才而非传统艺术专业人才。高校相对封闭的“精英化”音乐学专业教学，却没有充分考虑到大众的音乐爱好和需求，教学与社会的音乐风尚脱节，所以普通高校音乐学专业课程与社会音乐生活，群众的音乐审美需要难以对接。很多高校音乐学专业都不教授通俗唱法，基本没有开设吉他、通俗打击乐等流行乐器的课程，更没有军乐队排练、音乐治疗、音乐胎教、音乐早期教育等这样与社会音乐生活和心理健康紧密相连的课程，而审美大众化、艺术生活化的文化背景下，服务大众音乐生活，用音乐服务于大众的身心健康，又是新兴的可容纳大量音乐人才就业、缓解音乐学专业毕业生就业压力的领域，是提高国民道德修养和精神文明建设不可或缺的。

因此，普通高校的音乐学专业，也应加快改革脚步，积极开设音乐策划、艺术管理、流行歌曲演唱、流行乐器演奏以及多媒体音乐制作与录音工程、流行音乐理论作曲、流行歌曲钢琴伴奏、音乐治疗、音乐早期教育、音乐特殊教育等市场需求较大的音乐专业方向，为社会主义市场经济和人民群众的文化生活服务，用音乐提高健康水平，进而改变音乐毕业生就业难的困境。

3.提高对艺术实践课的重视程度

虽然我国的课程学制分配模式长期受俄罗斯影响，但比起俄罗斯百年积累的教育传统，我国普通高校实践课的比例太少，又存在着只重技能培养、忽略职业素质教育的局面2。为了培养具有音乐表演、教学、管理、应用素质的多能一专的复合型、创新型音乐人才，必须探索一条切实遵循市场化规律、针对性强的社会实践、艺术实践的教学模式。艺术实践是检验教学成果、理论联系实际的重要途径。走进中小学校音乐课堂，社区文化中心，参与企事业单位的文艺活动，到医院或康复中心的行为治疗区以及特殊教育和早期教育机构观摩音乐对人生理、智力及情绪的作用，参与策划音乐演出与录音制作，尝试音乐产品推销，了解琴行、音乐文化公司的经营与管理等等，都是切实可行的实践途径。每学期都应给学生提供面向不同人群、不同领域的实践实训或见习的机会。学生的实践过程和阶段性成果很可能是稚嫩、不成熟的，教师应该有意识的理性的及时的给予指导。除在校内课堂上穿插大量实践或实际操作等模拟实践外，还可鼓励学生参与各类音乐比赛，更要组织学生深入基层，深入社会，激发学生的工作潜力，提高学生的适应能力与组织能力，创造能力以及清晰的自我认知，并通过艺术实践课使学生形成客观切实的择业观念和就业定位。

4.避免课程建设的封闭性，灵活调配专业选修课程设计

人才市场需求的变化，会出现毕业生就业时供求错位的现象。而专业课程调整的速度往往跟不上社会需求的速度。某些高校音乐专业可能暂时不具备开设新专业方向的条件，或者作为开设新专业方向前的“试水”，以本校专业师资为骨干，以校外具有执教资质的专业新方向的从业人员为辅，开设多样化的专业相关选修课，建立灵活的自选性课程体系，也可以使专业教学与市场需求进一步接轨，并可为在校生根据时展的特点，人力资源需求的现状提供一个尊重个体差异与个人志向兴趣，将个人发展与时展相结合的机会。如国内一所开设音乐学（音乐治疗）专业的高校，在校内师资不足的情况下聘请当地歌舞团演员与医院五官科主治医师长期担任吉他课、嗓音保健等专业相关选修课的教学，使学生在宽泛的专业学习之外掌握了应用性更广的乐器演奏的技能，也促进了学生自由就业和创业的能力。课程设置上，避免课程建设的封闭性，灵活配置专业选修课程设计，才能保证人才培养的多样化，使学生开阔视野，及时了解市场需要的动向，全力以赴培养培养自己职业和综合素质，积极自信地应对专业与就业问题。

2.实现高校内部以及音乐专业院校之间的信息与资源共享

大学院校尤其综合性大学里学科门类涉及广泛，各学科专业都有相应的实习、实践及就业基地。并且本省或本市兄弟院校，如高职高专、综合性大学、师范类大学之间的实习实训基地单位的类型上可能会有所不同。如前所述，当前社会需求增加的是应用性艺术人才，所以音乐学专业可充分利用学校内部其他专业的实习、实训及就业基地，以及与兄弟高校之间沟通与合作，对实习基地“资源共享共建”，可互派学生到对方对实习基地的音乐文化艺术相关岗位开展实习、实践与实训。对学生来讲有利于音乐学专业毕业生广泛接触不同工作环境，为选择工作奠定基础；对学校来讲可降低管理成本，避免重复建设的浪费。如一所综合性大学有医学专业及附属医院，那么本校及其他无医院类实习基地的兄弟院校的音乐学专业的学生，根据学生意愿，都可到医院康复中心实习。此外，有些学校现代教育技术及远程教育比较发达，院校之间的良好合作，互相吸收对方优质的课程教学资源，甚至共享兄弟院校的就业信息资源与就业指导课程，也是高校良性合作共同发展，共同促进就业的新机制。

三、结论

高校专业结构如果能与社会需求形成良性互动，就会有利于减少毕业生就业专业结构性矛盾。课程结构改革事关学生的根本利益，是高校音乐学专业教学改革的关键性问题，特别在音乐学专业就业难问题突出的今天，音乐学专业的发展，只有以社会需求为导向，优化课程设置，更新培养模式，注重通才化与专业性并重、严谨性与灵活度并举、理论化与实践性同存，才能更好地解决毕业生就业问题，促进音乐文化和教育市场的繁荣发展。大学的教学改革，不能再停留在口头上，要落实在行动上。各高校要面对社会作调查，听取用人单位对毕业生工作能力的评价，从而修订培养目标、构造适应社会需求，又有利于大学生能力培养的课程体系。

参考文献

[1]邹林波. 音乐专业人才如何就业[J].中国大学生就业，2010（08）：43-44

第6篇

一、普通高校音乐表演学科毕业答辩音乐会教学存在的主要问题 

（一）毕业答辩音乐会有名而无实 

普通高校音乐表演学科的本科生毕业答辩音乐会普遍存在名不副实的情况。音乐表演学科因其专业的限制性、就业范围相对其他文理专业较窄，因此往往在普通高校学科设置中容易忽视，因此所谓的答辩音乐会质量差强人意。一场高质量的音乐会，应当呈现出来的是学生演唱的完整性、曲目搭配的科学性以及音乐会本身的高规格（包括舞台形象、舞美设计等），但大部分普通高校音乐表演学科的本科毕业答辩音乐会过于形式化，并没有达到一场真正的音乐会应有的质量水平和教学目的，比如因师资力量不够，声乐器乐不分考场，作曲作品质量远远不够，部分专业（如流行演唱专业）需要使用电声设备却因硬件限制无法使用，毕业生答辩曲目总量不够、演唱质量不高、曲目搭配不合理等问题屡见不鲜，这些问题的出现直接影响本科毕业答辩音乐会的整体质量，使一场音乐会有名而无实，本身的观赏性和教学价值远远不够。 

（二）学生对待毕业答辩音乐会缺乏重视 

对于非专业音乐院校的音乐表演学科的学生而言，有相当一部分学生认为通过本课的课程学习，自己已经掌握相关知识和专业技能，毕业答辩音乐会的设计和实施不过是获得学位的一种必然形式，加之大部分用人单位在选聘毕业生时，鲜有关注和考察毕业生答辩音乐会的质量问题，学生由此便认为答辩音乐会的好坏与就业关系甚微，也就不愿花更多的精力进行音乐会的筹备事宜；甚至还有一部分学生认为，只要站在舞台上，按照学位要求演唱（演奏）完相应数量的作品就可以轻松毕业，无形中降低了对毕业答辩音乐会的自我要求。 

（三）毕业答辩音乐会设计质量不高 

众多普通高校音乐表演学科的学生抑或老师会认为，毕业答辩音乐会的设计比音乐会本身容易许多，于是形成了学生和教师在音乐会设计上花费的精力远远少于舞台现场表演的准备工作。毕业答辩音乐会由舞台表演和现场答辩两个部分组成，之前应该有详尽而科学的毕业答辩音乐会设计方案。事实上，一份全面而科学的音乐会设计报告对一场答辩音乐会的质量高低影响重大，它可以指导学生在整个音乐会筹备过程中各环节和各项工作顺利进行，是全面、确切、综合检验表演专业学生学习成果的必要条件。而目前有一些普通高校音乐表演学科的教学工作者和学生都对音乐会设计重视度不够，因此在许多细节上出现问题，其中以曲目的选择与搭配不够科学、提问答辩质量不佳等方面尤为突出。 

（四）毕业答辩音乐会各项工作疏于管理与规范 

由于毕业生答辩音乐会普遍安排在大学第四年的第二学期进行，大部分学生因找工作、实习等情况致使大部分时间无法归校，由此，前期的音乐会设计方案很大程度上需要指导教师加强指导与监督；但确有部分教师因无法或不便与学生取得更多联系，最终导致毕业生音乐会设计的格式、曲目的选择与确定等问题出现差错，从而无法达到教学要求。同时，在答辩过程中，形式化的答辩模式普遍存在，主辩教师在答辩前没有仔细阅读答辩学生的设计方案，答辩提问过于随意，对学生回答不置可否，甚至没有安排答辩环节等现象也层出不穷。在对毕业生答辩成绩评定时过于宽松，使学生对答辩音乐会没有任何压力与危机感，从而无形之中降低了答辩音乐会的总体质量。 

二、普通高校音乐表演本科毕业答辩音乐会存在问题的原因分析 

（一）毕业答辩音乐会的教学定位不够科学 

普通高校音乐表演学科的本科毕业答辩音乐会，实际上是对学生本科四年的教育质量与教学成果的综合性考核，它能以最直观的角度检验学生学位知识是否能够学以致用，技能培养是否能够在舞台实践中高质量体现。因此，要提高本科答辩音乐会的总体质量，就必须从本科教育的全过程人手，建立一套完善、全面的教学系统。但就目前的情况来看，大多数普通高校对音乐表演学科的教学定位缺乏科学性，对毕业答辩音乐会的教学更为匮乏，大部分学校仍然将其视为一门课程，甚至没有针对性地对毕业答辩音乐会开设相应课程，比如舞台形象设计与塑造、舞美设计、音乐会设计、答辩音乐会书面设计教学课程等，几乎都没有开设，取而代之的几乎是本科毕业论文写作指导类的课程。毕业答辩音乐会与毕业论文写作完全属于两个学科，这个理念大部分普通高校音乐院系和教学管理者不够清楚。

    　（二）缺乏毕业答辩音乐会有效的质量监控机制 

目前我国普通高等院校音乐院系对本科生的答辩音乐会从教学到设计方案审核再到音乐会运行，几乎都按照“毕业论文指导+院（校）级普通音乐会”的模式进行，没有建立完备而有针对性的管理机制来确保音乐会的质量。具体表现为：首先，缺乏答辩音乐会的针对性教学系统，使老师和学生对答辩音乐会（包括音乐会书面设计方案）概念模糊，甚至有毕业生在毕业前夕仍然不清楚正规的答辩音乐会设计方案应包含哪些内容，一场答辩音乐会的流程到底如何，一线教师也对如何提高答辩音乐会的质量不够全面，仍然停留在基本的技能层面；其次，指导教师在指导答辩音乐会的设计时，缺乏对其教学过程的检查与监督，导致答辩音乐会的教学工作没有强有力的保障机制；再次，未能建立起一套完整的毕业答辩音乐会教学的评估与激励机制，使指导教师没有充分的责任感和积极性进行毕业音乐会设计指导，学生也普遍认为答辩音乐会只要按时提交音乐会设计方案、表演完作品即可，其质量的好坏并不影响毕业和就业的错误观点，因此在音乐会的整个流程中，学生态度比较“走过场”；最后，为提高学生就业率，大部分学校对学生在临近毕业学期找工作采取过于宽容的态度，面对对正常教学秩序冲击的问题，未采取相应的保障措施，也为教师的指导工作增加不少难度。这些均是毕业答辩音乐会质量迟迟无法提高到新台阶的重要因素。 

（三）学生生源质量参差不齐 

目前，普通高校音乐院系因其专业考核的制约性，使得在进行招生工作时身不由己，面对不同地区的生源因地方教育政策的制约而无法实现学生与学校的双向需求性选择。随着国家高等教育改革进行的深入，普通高校的大学教育在形式上多数由“精英教育”转向“大众教育”，造成教育上不可逆转的局面；尽管教育改革让更多学子进入大学，完成他们的大学梦想，得到进一步学习的机会，但不同高校的音乐院系受入学标准的制约，使得本应作为技能化、专业化、素质化的音乐教育逐步演变为被入学标准扼住咽喉的学科，一些原本有音乐素养的高考生却因文化几分之差与自己心仪且适合的高校失之交臂，替代他们的是部分音乐能力普通、文化成绩“过关”的学生，这对普通高校音乐院系的本科音乐教育本身增加难度。另也有部分高校因受地方招生制度的限制，面临生源质量较高的地方招考指标不足、生源质量较差的地区指标有余的情况。音乐修养的“先天不足”导致音乐表演本科教学难度增加，其中以技能教学尤为突出，从而影响学生毕业时的技能能力要求，使学生的专业技能能力整体质量不高，毕业答辩音乐会的现场展示质量自然难上新台阶。 

（四）本科毕业生逐年扩张规模，师资力量匮乏 

在普通高校，以艺体类院系为主的师资力量匮乏和本科毕业生规模扩张的矛盾未从根本上得到缓解，甚至有些院校还有更为严峻的情况。近年来，因国内各高校本科扩招，每年本科毕业生都在大幅增长，使得原本与其他学科相比师资力量较弱，教师队伍规模较小的音乐院校教学压力逐年增加，面对全面扩招，师资力量的补充速度步伐缓慢，意味着音乐院校的本科毕业生指导教师在毕业指导工作方面工作量增大；与此同时，大多数的指导教师还要肩负教学与科研等教学任务。面对重重压力，指导教师对学生毕业音乐会的指导和审核工作投入的时间和精力必然压缩，从而直接影响毕业答辩音乐会的整体质量。 

面对诸如以上的问题和原因，如何从根源上人手，解决问题和困难，提高普通高校本科音乐表演学科的毕业答辩音乐会整体质量，除国家相关教育部门应出台相应的指导意见之外，各地高校和教学主管人员也应当对此展开相应的改革性举措。 

要从根本上提高毕业答辩音乐会的质量，就需要强化其在教师和学生教学过程中的重要性，明确其教学与教育的定位。国内的普通高校音乐表演学科教师以及音乐会指导教师都应该认识到，毕业答辩音乐会并非走过场，它是每年一项的教学成果，也是学生大学四年学习的重要汇报，是学生步入社会前最后一次在校技能舞台展示的机会。因此，它应该是一场视听饕荔盛宴，在这一点上，我们可以借鉴西方国家的教学方式，建立年年毕业音乐会，场场高质量演出的理念，针对问题，对症下药。例如，针对音乐会教学系统的匮乏，各级高校音乐院系可以开设独立的音乐表演学科学生毕业音乐会设计和指导的课程，使学生更加明确毕业答辩音乐会的意义，规范毕业答辩音乐会的整体流程，提高音乐会质量；针对指导教师师资匮乏的问题，可以在学生大学学习的第四年分批进行答辩音乐会，将学生按能力及学生本人意愿先后分时间段进行答辩，这样既能解决学生因寻找就职单位时间段不同而无法保证持续性在校的问题，也能减轻指导教师以及答辩组的工作压力。最后，各个地方的教育部门应协调和发展对普通高校音乐学科的教学，做好监督工作，指导各个学校建立较完善、针对性强的音乐表演学科毕业指导工作和质量监督细则，从根本上保障和解决目前普通高校音乐表演学科答辩音乐会等相关毕业工作的问题。 

参考文献 

[1]李同英.改革毕业设计教学过程，提高学生创新能力[J].江苏大学学报（高教研究版），2005，27（3）. 

[2]张俊霞.重视和抓好毕业音乐会是保证作曲及表演专业研究生质量的重要环节[J].学位与研究生教育，1990，（4）. 

第7篇

一、乌克兰的音乐教育体制和模式对中国音乐教育的启示

乌克兰的音乐教育是从幼儿抓起的，一直贯穿着中小学各个阶段，因此高等音乐教育就有了雄厚的基础。这种音乐教育体制也是靠法律保证的，依靠法律的形式强制幼儿园、中小学实施音乐教育，并且教材和课时设置也都是全国统一的，不得随意改变，如有主管领导不遵从将会追究法律责任。在音乐教育模式上采取了强制性和自主性两种原则，在中小学不但实施普通的音乐教育，而且还有诸多的业余音乐中学利用业余时间培训学生，这些业余音乐中学主要进行中小学生的音乐技能训练。乌克兰的十一年义务教育使每个孩子都能上得起学之外，在那些收费的业余音乐中学学习音乐技能，也是有经济能力的，因为他们的收费都非常低廉，主要目的不是为了盈利，而是让每个普通家庭的孩子都有经济能力接受专业的音乐教育，这在中国一些业余音乐培训机构看来是不可思议的。

我们中国音乐教育却不然，国家一再三令五申要求培养学生的综合素质教育下，很多中小学勉勉强强开启了普通的音乐教育，不过是敷衍上级领导走过场，每周一节所谓的音乐课也不过是教唱流行音乐罢了，更有甚者，这节音乐课往往都被其他课程挤占了。我们国家的音乐基础教育与乌克兰相比简直是天壤之别。部分具有音乐天赋的学生，凭借自己的学习兴趣爱好，只能花昂贵的学费去一些音乐培训结构，学习一些声乐或器乐技能，很多普通家庭也是承担不起昂贵的培训费的，真正能够学习音乐基础的学生却不多。这样以来，我国音乐学院的生源质量得不到保证，因而高等音乐学院的教学质量大打折扣。没有很好的教育体制作为保障，我国的音乐教育很难得到真正的提高。我们不妨从乌克兰这种音乐教育体制上得到一定的启发。

二、先进的办学理念和课程设置对中国音乐教育的启示

乌克兰音乐学院先进的办学理念，就是在教学上着眼于学生的未来，注重学生创新能力的培养。例如柴科夫斯基音乐学院始终坚持把乌克兰、俄罗斯本土音乐做为艺术教育的核心，并重视汲取西欧音乐文化，重视吸引世界各地优秀学生。他们兼收并蓄、固守传统的办学与教学理念，对乌克兰和俄罗斯以及世界音乐艺术发展都产生了巨大影响。这对于我国的音乐教育也是一个很好的启发。我国的高等音乐院校音乐教育目的就是培养音乐教师或演艺人员，高师培育出来的音乐人才作为中学音乐教育的主要师资力量，使音乐教育成为提高民族文化素养的重要途径。这样的办学理念过于狭隘，应该学习乌克兰不仅要培育出高质量的音乐教师，还要培养音乐大师和著名演艺人才。

乌克兰在音乐教学课程设置上比较优化，不但注重专业技能和理论的学习，还注重人文与社会学科目的教学。如柴科夫斯基音乐学院共有六个系：声乐系、钢琴系、管弦乐系、指挥系、作曲系、历史及音乐理论系。他们的教学工作核心就是“人才培养”。这可以从他们课程设置、日常教学安排、教学过程中看到，甚至从一些辅助课程和手段及丰富的艺术实践活动都能体现出来。在课程设置上，乌克兰音乐学院都有自己的特色。

在强化专业教学的同时，还特别强化历史、文化、哲学、美学等人文与社会学科目方面的教学。这样一种课程设置的理念和原则，可以使学生都深刻感悟到，音乐艺术学习最高境界是文化内涵的学习，提高自身文化和艺术修养，以及对心理、思维活动过程的训练。这种课程设置是教育理念的具体化，也会对学生的艺术道路、人生道路产生重要影响。

三、乌克兰音乐学院的教学方法对我们的启示

乌克兰艺术学院的教学方法也值得我们借鉴，他们不但注重专业技能的训练，也注重系统的理论学习，这对于培养学生的综合艺术素养有着重要的作用。在全国各大艺术院校中都开设了一定比例的艺术理论课程。如乌克兰哈尔科夫国立音乐学院，他们就有音乐史、音乐理论学、乌克兰文化史、歌唱理论、戏剧历史等理论课程。还有柴可夫斯基音乐学院，人文与社会学科目就有乌克兰历史、乌克兰文化史、哲学史、美学史、宗教史、乌克兰语、乌克兰文学外国语、体育、政治、基础经济学等。这是值得我们学习的，我们音乐教育虽然也开设部分理论课程，但是师生都不重视理论的教学和学习，往往注重技能学习，而忽略系统的理论学习，结果只能培养艺匠而不是大师。

乌克兰音乐学院尤其重视强调艺术实践锻炼，他们经常把课堂教学与舞台实践相结合。学院不但要求教师要有很多的舞台经历，而且要求学生每年都要举办一场音乐会。毕业前夕，除了举办个人音乐会外，还要参加一部歌剧的演出。师生频繁的舞台艺术实践，使得教学与舞台紧密的结合起来，锻炼了学生的艺术表演能力，使学生在舞台上能够从容甚至张扬地展现他们的艺术个性，也使学生适应了当今音乐新趋势的全方位专业教育。我国高等音乐学院一般只是强调传统的教育基础和训练，从而忽视了舞台实践。还有一方面，社会也应该给他们提供一个艺术实践的舞台，让他们把自己的才华得以展示出来。

在平时的教学中，乌克兰的音乐教师加强学生刻苦的技能训练，目的就是为了让学生在艰苦的训练中，从量的积累到质的飞跃。例如柴院教学大纲对学习曲目量的要求比较大，考试曲目量、举办的音乐会数量、比赛的曲目量都比较大。学生虽然感觉学习压力很大，但都能通过刻苦的训练和顽强的努力，完成教学要求的学习任务，这也就保证了柴院的教学质量。没有辛勤的汗水就不会得到丰硕的果实。我国的音乐教育这在方面做得还非常欠缺。很多学生都是娇生惯养的独生子，学习怕吃苦不努力，到了高等学府更加懒散，不愿意刻苦学习，把大学学习时光浪费掉了，这与我国宽松的高等教育制度有关。要想保障我们的音乐教学质量，必须学习乌克兰音乐教育的教学方法，教师严格要求学生，布置大量的学习任务，完成大量的技能训练。

四、高素质音乐专业教师队伍为培养高素质人才打下坚实的基础

乌克兰之所以成为音乐教育强国，因为其拥有了一批高素质的音乐专业教师队伍。例如乌克兰柴科夫斯基音乐学院，就拥有很多杰出的音乐家，如柴科夫斯基、伊万诺夫、伊波利拉夫、罗宾斯坦、格拉祖诺夫等，他们对柴科夫斯基音乐学院的发展起到推动作用。柴科夫斯基音乐学院之所以成为世界著名的音乐学府之一，与该院拥有一批高水平教师队伍是密不可分的。乌克兰具有完善的多层次音乐教育培训体系，其初等和基础音乐教育的教师也都是素质很高的音乐学院毕业的学生担任，一般都是具备七年以上的音乐学习经历，还必须通过师范大学教育学、心理学等教育类科目的考试。就连那些业余培训机构的音乐中学老师，也都是由音乐学院的教授或优秀毕业生担任，有着这样一批高素质的教师从事音乐基础教育，那么乌克兰音乐学院的生源素质得到了保障。这些优秀教师有着强烈的教学责任心，他们除了教学之外，往往都会有繁重的演出任务，但是他们从不会随意旷学生一节课。他们严谨的教学态度，扎实的教学功力，诲人不倦的责任心，这种奉献与牺牲精神赢得了学生们的爱戴和崇敬。例如，柴科夫斯基音乐学院声乐的教授们还是国家乐团、歌院的演员。他们在完成教学任务的同时，还要不断的参加歌剧院的音乐会演出，他们频繁穿梭于课堂与剧院之间。那些六七十岁的，甚至八十多岁的老教授还在教学第一线进行课堂教学，还在开音乐会。

相比之下，我国的音乐教育缺憾很多。目前我国的音乐教师队伍素质还有待提高。中小学中的一些基础音乐教师一般都是高校毕业的大专或本科生，他们的音乐专业还不是那么扎实，教学态度还不是那么严谨，对待中小学的音乐教育也不是那么热爱，如此以来我们的音乐基础教育很难达到一个很好的水平，输送到音乐学院的学生质量很难得到保障，为高校音乐教育带来了一定的瓶颈。高校的音乐教师也有很多学历都不达标，本科学历的老师教本科生学生还有很多。可以想象教学质量也难以提高，这些高校音乐老师自己要不断努力提高自己的专业水平，也应该到一些世界级音乐学院深造，为提高我国高校音乐教育质量作出贡献。

总之，乌克兰是前苏联科技、文化和教育的中心，乌克兰的教育举世闻名，音乐和艺术院校如柴可夫斯基音乐学院、哈尔科夫音乐学院、奥德萨音乐学院等都是世界一流的大学。乌克兰高等艺术院校扎实的音乐基础理论教育，以及严谨的治学学风，得到我国学术界和教育界人士的高度评价。乌克兰的“扬长教育”、注重艺术实践、因材施教等教学方法值得我们借鉴和学习。

参考文献：

1、刘云松. 浅谈乌克兰的音乐教育状况[J].大舞台，2010-5.

2、刘云松. 乌克兰基础音乐教育体制的启示[J].新闻爱好者，2010-9.

3、金 嫡.？中、乌两国教育理念之比较[J].浙江旅游职业技术学院学报，2006-03.

4、李树金. 乌克兰普通中等教育现状及问题[J].贵州教育2007-10.

5、刘镇枉. 喻意志. 中国高师音乐教育发展概况及其展望[J].云梦学刊， 2001-01.

第8篇

柏林艺术大学成立于1696年，已有300多年的历史，它是世界上最大、最多样化以及历史最悠久的艺术大学之一，现有4个学院（音乐、美术、设计、表演）以及1个继续教育研究中心。柏林艺术大学的教学特色体现在“跨专业思考”和“跨学科工作”上。这种打破传统架构的现代教学模式既能够拓宽学生的艺术文化视野，又能够开启学生全新的艺术创造思维。

柏林艺术大学的音乐学院从成立之初便是德国领先的音乐学院，在发展过程中其他知名音乐学院陆续并入了这所音乐学院。作曲家Max Bruch， Engelbert Humperdinck 和Paul Hindemit，知名演员Artur Schnabel，Wanda Landowska和Emanuel Feuermann，以及学者Philipp Spitta， Curt Sachs 和 Kurt Singer等都曾在这里任教。现在音乐学院大约有250多名教授、博士、讲师， 拥有包括器乐和声乐在内的多个专业。①

一、丰富的专业设置与跨学科合作

与其他音乐学院一样，柏林艺术大学音乐学院设有乐器、声乐、作曲、指挥等专业。秉承德国教育的优良传统，该学院开设的课程种类较多，从乐器演奏到教会音乐，从音乐史到音响工程，从爵士乐到音效组织作曲等。学院开设的课程几乎涵盖了所有的音乐专业。学生学习年限不限，但必须通过各门课程的考核。而这些考核的形式也是多种多样的：论文、口试、笔试、现场演奏、音乐会表演、资格考试、音乐会水平考试等。②特别是音乐教育专业的学生，其主干课程包括艺术实践教学、音乐学与音乐理论、音乐教育三大类；其中群奏指挥方向就有舞蹈、韵律、合唱及其指挥等课程。音乐教育专业的学生需要掌握3门以上的专业课程，并在此基础上完成在初、中级学校的音乐教学实践。③

除了常见的音乐相关专业之外，柏林艺术大学音乐学院还有一些特色鲜明的、与众不同的专业。例如，音乐治疗专业（该专业具有硕士培养体系）就是将音乐与心理学进行有机的联系。除了音乐相关课程，其核心课程还包括心理学、心理动力学、群体动力学等。相应的有授予学生音乐疗法证书的认证体系，这主要是针对孩子与父母的关系的早期心理治疗。

音响工程也是音乐学院特色专业之一。该专业的设置糅合了音乐艺术与科技的课程。该专业的本科生必修的课程包括钢琴、视唱练耳、古典音乐、流行音乐、爵士乐理论等，还需要在柏林科技大学学习相应的声学、数学、通信技术和电子技术等理工课程。通常学生都专攻严肃音乐或轻音乐，但是他们在音响工程方面的能力却毫不含糊，学院提供5个录音室、两套编辑系统以及两套可移动便携音响设备，便于学生进行任何形式的实践活动。④这些课程和实践使学生能获得全面发展，其就业面较为广泛。

二、开放的办学思想促进多层次的交流

在柏林艺术大学音乐学院，可以感受到艺术的传播与交流。这种艺术的交流是在多个方面、多种层次上的。

音乐学院的课程与实践包括校内小型音乐会、演奏会，这些活动提供给学生与学生之间、学生与教师之间、教师之间广泛交流的机会。因为这些音乐会可能是由学生或教师表演，或者师生共同演出，而听众包括校内的师生，甚至很多感兴趣的普通市民。

正因为柏林艺术大学不是单一的音乐学院，学生有很多与其他学院交流合作的机会。例如柏林艺术大学有表演艺术学院，而表演艺术专业的学生也需选修一些音乐方面的课程，与音乐学院的学生一起上课。而表演学院或其他学院举办的一些公开活动，例如音乐秀、表演剧等，也为音乐学院的学生参与其中提供了相当大的舞台。

音乐学院与其他高校的交流合作也是广泛而深入的。学校除了聘请客座教授讲课外，学生还可以到其他学校学习和实践。例如作曲专业的学生除了接受本校教师一对一的辅导之外，还可以在3个电子工作室进行实践，包括本院的、柏林科技大学的以及柏林汉斯埃斯勒音乐学院的。柏林艺术大学音乐学院还与汉斯埃斯勒音乐学院共同建立了柏林爵士乐研究中心（JIB），以便两所大学的学生和教师共同开展艺术工作。这是一个崭新的先锋的音乐中心，它有权授予音乐学士（爵士）、音乐硕士（爵士）、爵士乐教育硕士以及爵士乐声乐硕士学位。⑤

三、与我国音乐教育界的交流活动

柏林艺术大学本身的开放精神促进其与世界各地的艺术交流，而我国与德国的各方面的合作加深也促进了文化艺术的交流。特别是我国2008年奥运会、2010年世博会的成功举办以及为期3年的“德中同行”活动，都使中德文化艺术领域的交流不断加深。近年来，柏林艺术大学音乐学院与我国的交流合作也越来越多。

2004年10月，柏林艺术大学音乐学院派代表Manfred Sirevritts教授参加上海首届音乐教育国际研讨会，介绍了德国音乐教育特点及创新的教学理念和方法。⑥2009年，柏林艺术大学音乐学院在我国参加了一系列活动。9月25至27日，中德现代合唱指挥教学与实践培训/研讨会在南京艺术学院音乐学院召开。德国柏林艺术大学合唱指挥、艺术总监Betzner及柏林艺术大学“美妙星期五”合唱团参加了中－德联谊合唱音乐会、培训与教学观摩。9月27日晚，“美妙星期五”合唱团、南京艺术学院音乐学院“萌”女声合唱团与苏州大学艺术学院音乐系联合举办的音乐会在苏州大学音乐厅举行。这些活动在展现中德音乐个性的同时又凸显出音乐无国界的特点，促进了中德两国的音乐文化交流。

柏林艺术大学是全球著名艺术和音乐高校合作交流网络（NICA）的发起者，至今已与世界上130多所院校建立了合作关系。学校目前共有800多名外国学生，占学生总人数的20%左右。而其音乐学院同样有许多来自世界各地的求学者，我国每年都有众多报考柏林艺术大学音乐学院的青少年。国内有不少音乐学院、艺术学院的音乐教师曾在柏林艺术大学音乐学院进修，或者从柏林艺术大学音乐学院毕业回到国内任教。高比例的外国留学生也反映了柏林艺术大学音乐学院在世界范围的国际声誉，而其面向世界的教育与交流又进一步扩大了它的国际影响。

注释：

①④⑤参见柏林艺术大学官方网站udk-berlin.de.

②弗里德里希・包尔生.德国大学与大学学习[M].北京：人民教育出版社，2009.

③薛艺兵.世界各国音乐院校名录[M].北京：人民音乐出版社， 1996.

第9篇

琼台两岸原住少数民族音乐的发展与文化历史如同其部族的发展进步一样年代久远，海南岛和台湾岛地理地貌相似，中部山区，四面环海，而中央山脉错综复杂，交通极不便利，也直接造成了不同地区部族之间基本没有往来，各自延续其自身特点发展，直接导致其语言、民族音乐文化表现形式也同样延续着早期原汁原味的各自特点：音乐具有群体性；音乐表现形式与原始宗教活动文化交融相辅；音乐结构原始纯朴，韵味具有原生态的特性等。音乐是文化娱乐活动的象征和表现，是情绪和内心思想的一种宣泄和释放，是维系部族团结力量的手段和方法，也是代替文字表现内心事务的方式，在琼台两岸原住少数民族生活中，从老人到小孩儿，几乎无人不会唱歌跳舞。故此，琼台两岸少数民族音乐具有原生态的少数民族传统文化遗产的重大价值，挖掘、收集、整理琼台两岸原生态的民族民间音乐文化，对其历史文化的传承和发展具有重大意义和科研价值。

对于少数民族音乐文化来说，在现代社会的传承与发展，除维护原有的少数民族文化村落与传统节日外，原生态的艺术体系概念发扬传承主要依赖于民族地区高校对人才的培养。琼台两岸原住民的音乐课程主要集中设置于大专院校。与原生态音乐文化研究相同，直到20世纪80年代以后才逐步进入高校教学培养计划中，真正的形成教学课程。但是，由于各大专院校教师人才来源的地域不同、学源专业各异、科研方向不一，以致在教学过程中，方法、手段及其内容也不均衡。大致具有几个特点：首先，地处民族地区，有民族音乐教学传统的大专院校开设课程相对较早，因为这些院校的教学目的或宗旨是保存发扬中国传统民族音乐，面向民族地区，服务于地方社会，所以在传统民族音乐方面的课程设置包含了民族音乐学、民族民间舞、民谣研究等诸多方向。同时，高校艺术专业也经常举办或参与各类民族音乐演出和比赛，这都是良好的培养手段和方式，在演出和比赛中即检验了知识的掌握程度，又促进了是高校艺术专业及地方艺术团体之间的交流和发展。同时，高校中部分教学科研人员，在该方向的深入研究也为两岸少数民族音乐文化的发展起到了推进作用，除了演出表演形式外，高校中的本科、硕士及博士研究生中不乏人才，对这个方向领域进行理论知识的系统研究，甚至最终形成了毕业论文的科研成果，对两岸少数民族音乐文化的传承和发展起到了重要的推进作用。

三、旅游发展与文化交流

近年来，民族音乐、少数民族文化热潮不断兴起，作为国际旅游岛的海南，除了美丽的海滨景色，更多吸引国内外游客兴趣之处，就在于海南少数民族特色的原滋原味的民族文化，随着旅游产业的不断发展，海南东部及中部许多少数民族地区，涌现了许多黎村苗寨、民俗文化村，其主要的旅游项目就在于其原生态的文化环境，区别于钢筋水泥、高楼商厦、现代而忙碌的城市氛围，给人以回归历史和自然，古典韵雅之美，具有民族特色风土人情和载歌载舞的精彩表演，更是让游客流连忘返、津津乐道，其中极具特色的竹竿舞、打柴舞等黎苗族舞蹈，《久久不见久久见》等经典的黎族民歌，已经是许多到过海南朋友们耳熟能详的歌舞曲目，这也对海南黎苗族历史文化及民族音乐文化的传承，通过发展少数民族音乐文化，对推动国际旅游岛经济建设和文化交流起到了重要的作用。台湾少数民族风情更是大陆游客情有独钟的旅游目标，高山族等原住民族的民俗文化，歌舞风情给人们展示了台湾特色的文化传承之美，而其风俗特点和音乐形态表现与海南又极其相似，这更印证了琼台两岸同宗同源，相亲相连的历史特征，而近年来，琼台两岸的文化交流也比较频繁，像海南一年一度的黎苗族节日“三月三”，同样也是台湾少数民族的重要节日，促使两岸同胞共同欢庆，也每年定期文化交流盛会。2005年，在海南五指山市举行的“琼台两岸相亲相爱共庆‘三月三’晚会”，更是近年来留给人们印象深刻的一次两岸交流盛会，海南、台湾两岸的演员代表，各自拿出了最具特色的歌舞节目，深情表演，欢歌笑语，场面祥和融洽，情意浓浓，为了留住五指山那一刻两岸共同欢庆节日的美好时光，把当时的演出广场命名为“三月三广场”，两岸同胞共同奠基纪念石碑，共同摘下了亲情树，从此，每年“三月三”这里都会举行少数民族节日盛会，不但传承了少数民族音乐文化，更促进了两岸文化的交流和发展。

四、研究机构对传承与发展的作用

海南黎苗族音乐文化和台湾原住民少数民族音乐文化的研究都属于原生态艺术领域研究，在当下潮流涌动下的通俗流行音乐发展中文化特征差异较大，不在其主流发展范围之内，在学术研究成果更重视经济产出效益价值的观念体制下，此方面的研究更无优势和短期速效的经济研究价值，因此，如若没有政府和相关部门的经费资助和重点扶持，在科研领域中也定难以较好的传承和发展，更无法深入、系统的进行学术研究。因此，研究机构及政策支持是对两岸少数民族文化的传承与发展研究的重要推动力，为该领域的深入研究提供了一个坚实的平台和后盾。如海南在海南省委台湾工作办公室、海南省人民政府台湾事务办公室、海南省民族宗教事务委员会的领导下，海南省民族研究基地、海峡两岸交流基地、海南省两岸少数民族研究院等多个海南、琼台两岸民族文化研究机构，在少数民族学术交流与研究方面具有优越的地域优势，长期以来以琼南少数民族地区教育为己任，在民族研究上取得了丰硕的成果。是长期致力于两岸少数民族科学研究、文化传承、人才培养、知识创新、社会服务的重要基地与平台，为两岸经济社会发展做出更大的贡献。

五、结语

第10篇

英国音乐教育概况

英国是一个音乐文化高度发达的国家，无论是古典音乐抑或流行音乐，均处于世界领先地位。在我国越来越多受过正式音乐训练的人可能对英国的ABRSM有所听闻，全称是AssociatedB oard of the Royal Schools of Music，即英国皇家音乐学院联合委员会。这个堪称全球最著名的音乐考试机构，也是全英最大的音乐书籍出版社（商），在全球的92个国家内拥有超过62万名考生。人数从10年前的52万一直不断上升，达到今天这个令人叹为观止的数字[1]。在英国本国土每年都有众多的学生参加ABRSM音乐考级，通过八级后，可以参加音乐专业组的ABRSM文凭或大学资格的ABRSM考试，这样就保证了英国音乐高校一流的生源和教学水平。

在全球音乐黄页“英国”中可供浏览

的音乐院所共计105所，除了专业音乐学院，绝大多数综合大学都开设有音乐专业本科和项士学位课程。以利兹大学音乐学院（School of Music University of Leeds）为例，postgraduate programme音乐硕士课程开设有音乐作曲、音乐技术和电脑音乐、音乐学和音乐表演四大专业，分授课式和研究式两种，前者是为已经具备本科水平的学生提供高级专业技能的以授课为主的教学模式，而后者是一种学生在既定的原创型研究中辅以教授的指导以发展本学科某一领域理论成果的教学模式。我国学生在英国攻读音乐表演硕士学位课程通常以授课式居多，在完成学位后攻读博士学位则完全是以研究式教学模式为主。笔者将利兹大学音乐学院音乐表演硕士课程（2002―2003的设置）情况做一个详细介绍，从每周一次的专业小课、专业表演课、应用表演课、合伴奏课及午间音乐会，我们可一窥英国的音乐表演硕士课程的基本风貌。

核心课程设置

音乐表演硕士课程为全日制1学年，每年9月末开学到第二年9月末结束，学位授予可选择在11月末或者延迟到后年的7月。一学年分2个学期（也可看作3个学期，把复活节之后看作第三个学期），其中包括2个考试期和圣诞节、复活节、暑假3个假期。音乐表演课程的设置以学分制为计量，除了学院常驻教师进行授课指导，大量声乐、器乐专业课都是聘请校外的名家进行教学，包括皇家北方音乐学院，北方歌剧院的专职歌唱家、演奏家。课程旨在向学生提供高水平音乐表演的发展平台，提高演唱演奏技能和挖掘作品的音乐表现力。具体来看，培养目标主要体现在以下4个方面：l.挖掘演唱、演奏领域的相应作品，发展能够深入诠释作品的能力；2.证明其演唱、演奏大量高水平音乐会保留曲目的技能；3.表现出一个能够高效地独立学习研究的能力；4.在研究方法和音乐学中具备扎实理论基础，并自如地运用到其表演领域[2]。

音乐表演硕士课程不采用固定教材，各个科目都有各自的教学目标、教学要求、教学大纲。在学期初，教师会把学期要讲授的内容、进度安排等详细讲义分发给学生，同时会列出一批参考书目，以供阅读并写出心得。表演课和理论课都强调学生主观能动性，提出自己的问题和见解；研讨课更是侧重学生分析问题、参与讨论的能力。表演课通过频繁的音乐会作为考核手段，理论课则通过论文和讲演（presentation）完成最终考试，论文通常有标准格式用电脑打印成文，讲演可以根据内容采用放映Power Point、DVD。声乐或器乐表演的辅助演示等多种方式。以下是2002―2003音乐表演硕士课程设置和学

分安排，分为2个学期教学[3]。

注：专业表演课包含每周1次的专业小课；音乐学概论课含每周1次的研讨课，时间单独安排：除歌剧研讨是第二学期开设外，其余课程都是贯穿2个学期中。歌唱语音课，可以自由选择大学内的意大利语系、法语系、德语系之旁听课程，或者去大学语言中心求教。下面重点介绍核心的表演和理论课程。

由于音乐表演硕士入学必须的专业面试时间一般要求达到（国外学生一般通过寄送影音带）25―3O分钟，曲目上需要安排意大利、法国、德国艺术歌曲若干首，和3首风格有别的歌剧或清唱剧咏叹调。因此，入读表演硕士的学生在MUSC5170/2专业表演课上大体都具备良好的外语歌唱能力和相当数量的演唱曲目。每周一次一小时的专业小课，学习任务很重，通常是详细处理一首作品，然后下次背唱，再预留下次作品。曲目学生可以自定，只要教师觉得合适，当然，也会由教师指定。每周还配有一次合伴奏课，由学院专职钢琴伴奏老师给予指导。每周一次的专业表演课就是学生轮流在大演奏厅演唱、演奏，由学院专职表演教师指点，所有上课的学生共同参与讨论分析。每个人每学期上台表演3―4次，每次要准备共计15分钟左右的2首作品。上台前，要充分翻阅资料，对作品背景、风格把握、技术处理等方面做足功课，这样才能从容应付表演之后的自我叙述和来自老师及学生的提问。这门核心课程最终以音乐会作为考核，视学分确定音乐会时间，60学分要有1小时的音乐会，40学分则40分钟。

MUSC5070/2/4应用表演课是经过与指导教师的讨论确定方向，每周作一次指导的有特色的演唱演奏课。声乐表演学生可以选择本民族艺术歌曲。歌剧与流行曲风结合的演唱等，钢琴学生可以选择为他人整场音乐会做伴奏、协奏等。这个课程视不同进度要求写出书面材料，最后要以音乐会和论文完成这个课程。另外每个学期中固定一个中午都会有一场免费入场的午间音乐会，形式多样，以古典类器乐声乐演唱为主，间或会有一些爵士乐。电声音乐专场等，演出者为本学院教师、学生以及其他音乐院校的教师学生。

MUSC5011音乐学概论课不拘一格，涉及音乐中各个领域，从各个时期不同流派的音乐风格可以延伸讲到音乐心理学、音乐认知学等很多深奥的课题，学院不同专业的老师都会参与讲授，另外也大量聘请其他音乐学院知名专家前来授课。研讨课会在当天另一时间段安排，一个半时间教师讲课，另一半则全是学生进行发言，需要事先对讲义通读并阅读指定的一些参考书，然后形成自己的看法，在课堂上陈述自己的观点。MUSC3070/l歌剧研讨课也是和音乐学概论课一样，一段时间会研讨一个主题，经常播放录像以配合教学，学生则要在讨论中阐述自己的理解。这2门课程都是以上台讲演、论文完成最终考核。

教学特色探悉

在音乐艺术产业发达的英国，表演硕士课程尤其以完备先进的硬件设施为学生提供良好的学习环境，在强调实践与理论相结合的同时，大力培养学生的演唱、演奏能力并积累丰富的表演曲目。这主要体现在以下四大方面：

1. 音乐学院雄厚的师资力量和先进完善的硬件设施

学院除了拥有一支在很多研究领域声誉卓著的教师队伍外，很多器乐声乐教师都是聘请活跃在表演第一线的专家，如皇家北方音乐学院、北方歌剧院、北方歌剧院交响乐团等，还有一批长期在学院授课的客座教授和访问学者也经常开设讲座、研讨课等。音乐学院在教学设施上相当完备，Clotherworkers Centenary Concert Hall是一个可容纳300多人的标准音乐厅，音响效果一流，经常进行独唱、独奏及中型规模的演出；学校的Great Hall大音乐厅则用来演出交响乐，以上两个音乐厅均配备Steinway三角大钢琴。大型排练厅是学生每周排练管弦乐合奏的场地。配备优质钢琴（少量是三角大钢琴）的琴房向全院所有学生开放，只需每周一在琴房门口的时间安排表上写上自己的名字就可以每天按点练琴了。学院还有大量可供租借的乐器，其中包括一批古老珍贵的巴洛克时期和18、19世纪的乐器如Harpsichord，羽管键琴、琉特琴等。另外学院还拥有2个标准的录音室和音乐制作室、图书音像资料室、乐器存放主、学生用计算机房、研究生学习室等，这些设备可以让学生有一个很广阔的学习空间。

2. 重视表演实践，强调对作品深层挖掘

从每周一次的专业小课、专业表演课、应用表演课、合伴奏课以及学分安排，可以看出表演实践在教学体系中的比重之大。专业表演课是给学生一个勤于上台演奏演唱的好机会，在此之前对作品进行全方位深层次的研究，可以有效提高学生处理作品的能力。课上和老师学生的讨论分析又可以将这种心得体会进一步深化。应用表演课让学生将自己的演奏演唱特色化，一些学生选择本民族的音乐来作为最终考核的音乐会曲目，一些学生也选择用电声乐协奏来完成自己的音乐会，令人耳目一新，足见其巧妙用心。在每场音乐会考试后，无一例外都有Viva voce discussion，即所谓的口试，也就是评委老师会向学生就作品背景、风格处理、练习过程的心得进行提问，这一部分口试成绩将被计入最后综合的评分中，从中我们也可看出英国的音乐表演类硕士教育体系对除技术以外音乐理解的一种严谨的治学态度。

3. 表演实践与理论学习相结合，注重学生研究能力的培养

在表演硕士课程体系中理论学习始终都处于一个基石的作用。从音乐学概论课看，它讲授主题涉及音乐的各个领域，课程开始前发放的讲义罗列出大量优秀值得通读的参考书，每个主题都有一个详细的提纲，以便给学生明确的思路，只有当预览过这些提纲和相应的参考书，聆听讲课才是一种享受。最后的其中一项考核很有意思，是由几人共同完成的网上电子期刊文章，即一人写作、一人编辑、一人制作网页，最后在指定网页中完成该考核，每人都要撰写自我评论，分析对此合作课题的贡献。另外还有一项考核是上台讲演，可以辅助其他一些视听多媒体完成，这些都让学生对某一课题作深入研究，然后作出Powerpoint；在不超过10分钟的时间内详细阐述一个问题，并接受老师和学生的一些提问。歌剧研讨课同样也是强调自我的一种理解，通过阅读参考书目，形成自己的一些观点，并在讨论时参与相互的交流，在论文中写出一些有新意的论点。

4. 音乐会较为频繁，学生参与机会较多

学年开始，每位学生都会拿到一份本学年度所有音乐会演出的小册子，其中详细列出音乐会内容、时间、地点。除了上述每周一次免费入场的午间音乐会，还有大量晚间19∶3O的收费音乐会（通常也仅几英镑――。这些都是高质量的音乐会演出，不少是英国及欧洲的知名演奏家歌唱家，一部分是利兹大学交响乐困，利兹巴洛克管弦乐团等专业团体进行的定期演出。曾经有一次利兹大学音乐学院部分学生参与了北方歌剧院上演的德沃夏克的歌剧《水仙女》（英文演唱），在大音乐厅的精湛演出吸引了校内80O多学生，将大音乐厅挤得水泄不通。另外音乐学院的声乐学生也有机会参与北方歌剧院的歌剧排练作为实习，钢琴学生在三年一度的利兹国际钢琴大赛中都可以现场观摩学习，这些都让学生在浓厚的表演气氛中不断磨练自己的演奏演唱技术。

对我国音乐表演高等教育的借鉴作用

目前我国报考音乐类院校的学生每年都稳中有增，直接导致全国千余所高校中，有六七百所开设了艺术类专业[3]。相比于早些年前，如今大部分音乐专业类学生的规模空前庞大。但对比每年音乐类学生毕业前夕的就业形势又不容乐观，少部分非常优异的学生可以顺利签约，大部分学生由于专业水平等原因迟迟不能找到理想的工作，相当一部分学生选择继续读研以求谋得更好的发展。而这其中硕士学位毕业的学生很大一部分回到大学音乐院系从事教学，因此探讨如何更好提高我国音乐表演高等教育质量，就上升到如何培养高水平的表演人才的一个现实高度。而英国音乐表演硕士教育以其悠久的历史、丰厚的传统以及享誉世界的高质量给我们教学思路改革提供了很多借鉴作用，概括来说有以下三方面：

一、师资队伍不断优化、强化，硬件不断完善。多鼓励中青年教师进修深造，与其他音乐院校展开交流，针对不同专业邀请著名的访问学者、客座教授开设专题讲座；积极开拓与国外音乐院校的交流、合作办学，努力提升办学质量；不断充实音乐资料室的音像资料、音乐期刊、音乐曲谱；条件允许的话，可以定购一些国际知名的音乐杂志，如journal of the Royal Musical Association（ISSN0269―0403）英国皇家音乐协会期刊：设立一些专为学生用的学习室、计算机房，可以方便学生运用网络获取相关专业资料。

二、教学模式尝试多样化的改革，探索更高教学质量的整改方案。音乐表演高等教育应重视研讨课在课程体系中的作用，鼓励学生多读书、善思考、勤练笔，对音乐作品进行深入研究，挖掘其背景、风格、技术处理等；在学习过程中多听音响资料，比较不同版本，分析不同作品的演奏演唱风格；多参加不同形式音乐会观摩学习，从别人的表演中汲取精华，改进自身的缺点等；教师的教学方式也可以灵活多变，可以在某一课时中安排一些多媒体教学，放映名师教学录像、歌曲音乐会等等，然后让学生谈心得体会，这种直观、动态的教学手段可以给学生以极大的信息量，有效提高学生的学习积极性，加深他们对音乐的深入理解；假期中还可以安排有兴趣的学生之歌剧舞剧院观摩，学习专业的演员如何排练一部歌剧或舞剧等。

三、给学生多提供上台演出的机会，形成一种浓厚的音乐演出氛围。定期举办音乐沙龙，播放一些歌剧VCD，著名歌唱家演奏家的音乐会实况录像，同绕相关主题进行讨论；周末音乐会可以让学生定期轮流在音乐厅汇报表演，曲目就以上课的作品为主，经过反复加工上台演唱演奏，可以锻炼学生的舞台表现力和有效改善一部分学生心理素质不佳的问题；另外还可以多开设一些教师专题讲座，老师可以根据自己的科研成果，比如对于民族音乐在中国作品中的运用及相应理解和情感表现，外国艺术歌曲演唱风格的把握问题，外文歌唱的语音问题等等都是很好的专题讲座素材，相信会很受学生欢迎。另外还可以多邀请其他音乐院校的同仁举办独奏独唱音乐会，让学生多听多看多想，在频繁的音乐表演氛围中有意识地磨练自己的演唱演奏水平。

结论

随着我国社会产业结构的调整，社会对音乐人才的需求也随着经济的发展在不断变化。每年大批音乐学子踏进音乐院校的大门开始学习专业，都期待着经过4年的学习后能够在音乐表演的某个领域学有所成。由于当前庞大的招生规模，一定程度使得师资和教学资源趋于紧张。如何让现有的师资力量和教学资源最大限度地服务于学生，提高教学质量和办学水平就是我们必须重视的一个问题。它山之石，可以攻玉。英国以其几百年来深厚的音乐文化传统，形成其高水平的音乐普及教育和高等教育，为世界贡献了无数优秀的歌唱家、演奏家，他们的办学理念、教育体系、培养方式都是很值得我们的高等音乐教育界借鉴学习的。我国的音乐表演高等教育应该本着培养学生综合音乐素质的办学理念，努力在其专长领域或多个方向提高表演能力，以期适应未来的各项演出与教学工作，为我国的音乐文化市场输

送高质量的音乐表演类人才。

参考文献

[1]http：//Abrsm.or

[2][3]http：//leeds.ac.uk/music

第11篇

and while you may go marry.

For having lost but once your prime，

you may forever tarry.”

——“莫因娇羞惜爱怜，趁此春光嫁少年。等闲负了青春约，此生难再觅良缘。”

我的第一个传播学男友叫李普曼，他每天神神叨叨说看到的我不是真正的我，他不是真正的他，我们都活在彼此的幻象中，每天确定彼此的身份就要花去很长的时间我受不了了。

还好我遇到了弗洛伊德，严格来说他不是我们本专业的，他的具体专业我也不太清楚，因为在校成绩实在很优秀，所以各个专业的系主任都找他谈话希望他能够调专业。最初，是因为我经常做梦，他对梦的解析深深吸引了我，他说我的梦是某种最隐秘最渴望的感情的表达和宣泄，而且这种感情关乎sex。我为心事被戳透感到娇羞的同时也为他的直白与独特深深折服而爱上了他。但是随着了解的深入我发现他太可怕了，我经常早上起床的时候发现他鬼魅一样地坐在我的床前盯着我看，他像一个黑洞一样不断地吞噬着我，他经常对我进行人格分析，有的时候甚至实行催眠术，我受不了了所以逃离了他。

我还有一个男朋友叫麦克卢汉，刚开始我还挺喜欢他，他是个技术派，有点真功夫，不是搞理论的不磨叽以后能混口饭吃，后来才发现那小子太偏激了，每天要吃饭的时候，他说吃什么饭不重要，重要的是你在什么样的房子里吃，用什么餐具吃，不同的餐具诉诸的感觉不一样，最后他把我搞得胃口全失，我们就分了。

吃够了技术派男人的苦头，我就开始寻摸着再找个有文化的吧，有思想有厚度点的，所以我又找到第四个男朋友，他叫阿多诺，研究文化的文化人，刚开始吧我还挺喜欢他的，老崇拜他了，看他批判这批判那的挺给力，一开始他对我也包容，后来，我俩的矛盾就凸现出来了，他不让我看偶像剧，不让我听流行音乐，不让我逛街买衣服，连我看《初恋这件小事》他都要骂我肤浅幼稚没有追求，还说我是“庸众”，对这个社会只会顺从，永远不会有自己的创造力和想法……我看初恋的小事有错吗？我重温恋爱的感觉有错吗？我没追求咋啦？活得快乐不就成吗？分！

还是找个脚踏实地点的能包容我的吧，嗨，还真的让我找着了，这个男朋友叫卡茨，他人真的很好，很体贴，凡事都能够从我的立场出发，在他看来，我做每一件事都是基于某种需要的基础之上的，都是合情合理的，但是发展到后来，我觉得他很娘，没有原则没有尺度，很多时候他的爱太局限于个人而缺乏对这个世界以及社会的宏观认知，算了，不成熟不成熟，分吧。

再到后来，我遇到了他，他很帅，浑身上下都散发着春天的气息和爱的芬芳，他叫施拉姆，他很帅很阳光很明朗很积极，是我们系的系主任，其实我们专业当初就是他建立起来的。我被他的光环吸引了很久很久，这次分手有点不太一样，是因为我发现他这个人虽然综合能力较强，但是其实并没有什么真才实学，没有创新能力。比如他的衣服搭配吧，乍一看挺潮挺有型的，但后来发现都是整天观摩奥斯卡影帝的造型拼拼剪剪得来的，还有他的长相其实看多了发现毫无特色。他的思想亦是如此，每一句话都能让我回味半天，但是过后又突然发现这是我某位前男友曾经说过的，哎。

后来，再到后来，我导师要给我介绍对象，他说：你别找那些偏的怪的假的了，我看小胡胡正荣就不错，他研究那啥政治经济学，体制内的比较靠谱，虽然老点丑点，但是人家好歹长了一张明星脸啊！

想象很忙，现实很荒。然后，这是一道很长的关乎时间的分割线。传播学男友渐渐再也不见，我也回归到大龄单身传播学女硕士这一残酷现实中——白天愁论文，晚上愁嫁人。两年之后的现在，我可以自豪又无畏且苍凉地宣布：姐依然单身。

2010年春天的一个清晨，我拉着行李箱第一次停在传媒大学核桃林，蜂拥而入的年轻俊秀的面庞让我血脉喷张。那个时候我曾默默期许：这么多可爱帅气气质男，总会有几个跟我发生一些哲学意义上的关系吧。

等到9月份真正开学了之后我才发现，当时我所在的那个位置是学校本科男生穿梭于宿舍（梆子井）和教学楼之间的唯一进出口，也就是说，所有看得过眼的男生就只有这些了，可口儿帅哥很多只不过是自己的幻觉，一厢情愿的假象。我们学院1：9的男女比例压迫我胸闷了好几个月，更可气的是，传媒大学的男生早就乱花渐欲迷人眼，如云的美女早已悄然提升了他们的欲望的触发点，一般女生轻易难入其法眼……

是以告诫各位学妹：择校时一定要擦亮你的双眼，传媒大学从来不是女生恋爱的天堂，它是锻炼女金刚的地方，你要承受男女比例阴阳失调带来的胸闷气短，也要承受男生日渐提高的审美阈值所带给你的抑郁不解。

第12篇

关键词 音乐学；综合艺术；实践教学；文化产业

中图分类号 G640

文献标识码 A

文章编号 1004-4434（2013）01-0220-04

前言

2005年，教育部颁发了《关于进一步加强高等学校本科教学工作的若干意见》，明确要求“进一步加强实践教学，注重学生创新精神和实践能力的培养”，提出“合理制定实践教学方案，完善实践教学体系”。可见，实践教学作为高等教育教学的重要组成部分，它对于培养学生实践和创新能力的重要作用愈益凸显。

建立实践教学体系的目标在于培养专业人才的综合实践能力，它包括相关学科、专业所要求的技术能力；运用知识、技能解决实际问题的应用能力，以及更高层次的创新能力。因此，构建艺术实践教学体系，需要在学科理论、专业技能的基础上。根据人才培养目标的要求，结合文化市场的特点，整合各艺术实践的教学环节，把培养学生综合实践能力的教学作为主要目标。

近年来，音乐学专业教学领域对实践课程的体系建设，越来越注重将音乐学理论与实际联系起来，融专业技能培养与综合素质教育于一体。具体在实践课程的开展中，该专业已逐步从教材的选择、教学方法的综合应用，课程内容设计等多方面进行了补充与完善，旨在提高教学的整体质量及学生的专业水准。总体而言，合理、科学地构建实践教学体系，并通过教学来使学生建立起多元化的思维模式及全方位的知识架构，是该教学体系建设与实施的意义所在。

一、发挥区域优势 整合教学资源

在我国，文化产业属于第三产业，具有文化与经济的双重属性，是文化性与商品性的集合体。新世纪以来，随着我国国民经济的发展壮大，国内的文化产业已踏入了快速发展的轨道。音乐文化产业作为文化产业中的一个重要组成部分，同时作为带动我国文化发展必不可少的因素之一，它也已进入了前所未有的繁荣时期。音乐文化产业的发展载体通常包括音乐生产的管理机构、音乐研究教育培养部门、音乐人和社团、生产发行购销部门、宣传咨询部门、售卖部门等。管当前我国的文化市场空前繁荣，音乐产业也随之得到了快速的发展，但这其中依然还存在着不少问题，如缺乏自由和创新的空间、缺乏高素质的音乐文化产业人才、缺乏完善的法律体系和保护机制等。而如何使我国的音乐文化产业得到更良好的发展，这就需要我们积极地去寻求解决问题的对策。

以北京、上海、广东等经济较发达地区目前已获批的国家级音乐文化产业基地为参照比较，这些地区的产业发展，不论是产业链条的构建方面，还是文化资源的高度集成化，它们在全国均具有一定的领先地位。因此其音乐文化产业的发展在全国范围内也较为成熟。而像广西等边疆少数民族地区，虽然地方经济欠发达，但因其有着丰富的民族音乐资源，而实存十分巨大的发展潜力。正如在广西这片美丽的八桂之地，居住着壮、汉、瑶、苗、侗、仫佬、毛南等多个民族，其悠久的历史文化和极富特色的民族音乐资源都将成为广西音乐文化产业发展中重要的原动力。除此之外，广西所拥有的独特的地理区位优势也使其近几年来作为中国与东盟国家文化交往的重要“接口”，开拓着国际与国内两个市场，壮大着艺术演出业、文化信息业、电影音像业、文化娱乐业、文化节庆会展业5个产业集群，并在全力做大做强以《八桂大歌》为代表的广西民族歌舞品牌，以《印象·刘三姐》为代表的刘三姐文化品牌，以南宁国际民歌艺术节为代表的节庆文化品牌等文化事业。

目前，广西的音乐文化产业发展虽已获得了一些成果，但是它在产业规模、产业质量、市场竞争力等方面还是与发达地区存在着较大的差距，其中制约广西音乐文化产业发展的主要因素即体现为专业人才的缺乏。音乐文化产业人才应具备有较高的文化艺术素养和创新能力，其不仅要掌握音乐文化产业经营管理的基本理论，同时还要有一般产业管理的综合应用素质。而现今，广西从事音乐文化产业工作的人员尚缺乏一定的创新能力、策划能力及战略眼光，这在一定程度上制约了广西音乐文化产业的推进。因此，为促进广西音乐文化产业的建设与深化，我们必须积极地去培养一批具有开拓精神的复合型音乐人才。

广西艺术学院作为我国华南地区省属综合性艺术院校以及广西艺术教育的最高学府和历史最悠久的艺术人才培养基地。建校至今已有70余年。学科下设音乐学院、美术学院、设计学院、中国画学院、舞蹈学院、人文学院和影视学院等多个专业教学实体。除此之外，在教学设施的硬件方面，学院不仅拥有各类专业工作室、多媒体教室、计算机音乐制作室等多种教学实验室，还拥有技术条件较先进的音乐厅、汇演中心及美术作品展览馆等公共展演厅和教学实践平台。合理运用广西艺术学院的综合教学资源，培养音乐学专业学生将多元化的艺术理论融入到文化产业建设的实践学习中去，不仅可以使其综合能力成为今后个人就业的竞争优势，而且其本人也可能成为未来服务于文化产业发展的建设者。

二、实施市场调研 确立培养目标

立足于学科专业属性，提高实践教学质量，直接关系到高等教育人才全面培养目标的实现。广西艺术类高校的综合实践教学建设，将对培养广西本土高等艺术人才和建设具有广西特色的艺术文化具有战略性的意义，同时对服务于泛北部湾区域及东盟各国与我国的经济、文化交流起到积极的促进作用。因此，注重分析、研究国家关于西部、北部湾区域、东盟经济圈、少数民族地区相关文化、教育、就业、经济等方面的政策；结合广西文化市场及相关经济模式的特殊性，充分考虑音乐学专业的学科特点，分析区内相关高校历年艺术人才培养方案及就业数据、市场分析报告等，对形成系统性、实用性、指导性的实践教学体系具有重要的作用。

自2004年始，广西艺术学院于音乐学院开设了“民族音乐学、音乐史论、音乐传播学”及人文学院开设了“文化艺术管理、艺术商务、媒体创意”等各音乐学专业方向。虽然这些专业开设的时间不长，但广西艺术学院所拥有的软硬件资源优势和深厚的办学传统均成为培养实践、复合型音乐人才的有利支持。

2009年，即广西艺术学院第一届音乐学专业学生毕业之后，音乐学院、人文学院就该专业毕业生的就业情况及相关人才需求进行了较为详尽的社会调查。调查内容包括：一、“艺术类人才整体素质要求”，项目涉及艺术修养、专业技能、组织策划能力；二、“艺术类人才理论修养要求”，项目涉及中国传统文化、艺术鉴赏与评论、中外现当代文化、政治理论修养；三、“艺术管理类人才专业技能要求”，项目涉及声乐、器乐、设计、美术、影视制作、网页设计；四、“艺术管理类人才综合能力要求”，项目涉及文案写作、营销管理、人际公关、市场分析等能力。

通过统计、分析反馈信息得出以下数据显示：人才整体素质方面，用人单位要求具有组织策划能力的占40%，艺术专业技能的占35%，学术修养的占20%；理论修养程度方面，用人单位对学生掌握中国传统文化、中外现当代文化、艺术作品鉴赏与评论、政治理论修养的要求基本持平于20%以上；专业技能的掌握方面，用人单位尤其需要学生掌握平面设计或音乐工程操控技能的占28%，有音乐（MIDI）、影视制作技能的占22%，网页平台设计的占18%；综合能力要求方面，用人单位对各项能力的要求也是基本趋于平衡，按关注程度依次排序为人际公关能力、文案写作能力和营销管理能力等。（以上数据材料整理自广西艺术学院音乐学院、人文学院2009年人才需求情况抽样调查报告）

综上所述，音乐学专业是以培养具有较高的艺术理论修养和音乐综合素质，应用能力突出，富有创新精神的复合型人才为主要目标。具体而言，一方面体现于能进行独立研究和写作，适应艺术科研机构和文化、教育等部门的工作要求，是从事艺术评论、写作、教学、科研等工作的复合型音乐艺术人才。另一方面体现于熟悉艺术事业及文化产业的基本特点和发展规律，有较全面的音乐理论知识和较高的艺术鉴赏素养。能紧扣当今媒体时代的发展要求，具备有管理、策划、经营能力，能在各级政府文化艺术管理部门、广播电视报刊出版部门，艺术活动团体，群众文化、企业文化、旅游产业等部门从事工作的高层次专门人才。

三、构建课程体系 完善科目设置

鉴于以上分析，音乐学院和人文学院在进行相关课程设置时，根据音乐学的专业特性及其教学规律，在结合文化市场人才需求和广西地方经济发展的同时，学习借鉴区外高校同类专业的教学经验，进行了科学分析和合理规划，分别设置了以下两套课程科目。

（一）“民族音乐学、音乐史论、音乐传播学”方向

1、专业理论课

《中国音乐史》、《西方音乐史》、《中国传统音乐》、《音乐评论》、《音乐美学史》、《音乐名作欣赏》、《民族音乐学概论》、《音乐文化传播学》等。

2、专业选修课

《流行音乐概论》、《音乐社会学》、《20世纪音乐概论》、《世界民族音乐概论》、《音乐市场营销》、《音乐史料研读》、《中外歌曲赏析》、《音乐源流学》等。

3、综合技能课

《演讲与口才》、《专业论文写作》、《钢琴基础》、《键盘和声与即兴伴奏》、《旋律写作》、《电子琴演奏基础》、《计算机音乐制作》、《合唱指挥》等。

4、音乐理论课

《乐理》、《视唱练耳》、《曲式与作品分析》、《和声》等。

5、专业实践课

《田野调查》、《艺术展演》、《教学实习》、《文案策划》、《毕业论文》等。

（二）“文化艺术管理、艺术商务、媒体创意”方向

1、专业理论课

《文化艺术项目策划与管理》、《财务管理基础》、《文化艺术市场营销》、《文化产业概论》、《艺术批评导论》、《广告学》、《传播学概论》等。

2、人文通识课

《非物质文化遗产概论》、《艺术批评（音乐、戏剧、影视鉴赏与评论）》、《文化艺术政策与法规》等。

3、综合技能课

《写作基础训练》、《演讲与口才》、《网页设计制作》、《商务礼仪》、《公共关系学》、《非线性编辑》、《论文写作》等。

4、音乐必修课

《中外音乐史》、《乐理》、《视唱练耳》、《合唱训练》等。

5、应用任选课

《播音主持》、《广播电视节目制作》、《摄影基础》、《出版策划》、《戏剧表演》、《国际商法》、《影视制片管理》、《组织行为学》等。

可见，以上课程的设置目的，一是通过专业理论课程的教学，使学生能够将音乐理论知识与艺术专业基础相结合，在掌握好音乐学、传播学、营销学等学科理论的同时，进一步掌握文化艺术项目创意策划的基本原理及方法运用；二是通过综合技能课程群的教学，使学生能具备有较强的逻辑思辨能力、文字功底以及良好的交际沟通能力和较高的素质修养，培养学生独立策划、经营管理文化艺术项目的综合能力；三是通过对人文通识课程群的教学，使学生能够对我国传统文化有较系统全面的认识，并兼具一定的艺术鉴赏与评论能力；四是通过对音乐技能课程的教学，使学生能够具备一定的专业技术及表演水平。

四、搭建实践平台 拓展创意空间

如何合理、有效地实施音乐学专业的综合实践教学并构建学科体系，“拓展实践平台。打造创意基地”是其中重要的建设环节。

广西艺术学院自2004年设置音乐学专业以来，以紧密贯穿对“艺术价值、社会价值与市场价值”最大化的追求为培养文化建设人才的教学目的及核心理念。在艺术实践方面，一是学院积极搭建平台，组织举办形式多样的创意比赛。多年来，在广西区内高校成功打造了“艺苑杯”——专业技能比赛的校园文化品牌。创意比赛不仅活跃了校园的学术氛围，同时也提升了学生们的实践意识。二是学院大力支持学生参加全国性的大学生创意策划赛事及专业性学术活动。近年来，实践教学的显著成效促使学生参赛频获佳绩，并逐步在业内领域崭露头角。总之，通过参加比赛及互动交流，学生们的综合实践能力在不断提高，且历练出一批又一批艺术领域里具有策划制作与经营管理能力的后备人才。三是努力打造大学生校外实践基地以拓展创意空间，将概念走向实践。学院致力于为怀揣“艺术之梦”的大学生提供艺术成材的社会项目，特别是在他们走出校门后能得到更好的发展，获得就业或创业的机会。校外基地的实践优势首先体现于信息共享，使创意商品化，形成创意活力。实践基地同时兼具一定的产业功能，它既是创意生产的核心区域，同时又是艺术产品的集散中心，并通过辐射作用带动区域内文化产业的市场发展。

总之，“实践平台”和“创意空间”的构建应基于深厚的学术理论支撑，使学生在系统地掌握专业知识及较全面了解文化市场发展规律的同时，能通过对专业知识的转换应用来参与和践行文化事业的新发展。此外“构建”也为广西高校培养服务于文化产业建设的专门人才进行有效地探索。

第13篇

论文摘要:针对面向基础教育改革的高师音乐理论课教学，从当前高师音乐理论教学存在的问题作了较全面的解析，阐述了音乐理论课程与其它课程的联系，提出了音乐理论课程教学改革的一系列方法，对音乐理论课程的改革提出了探索性的意见。

一、当前高校音乐理论教学存在的主要问题

1.传统音乐文化主体意识的失落。在过去的一段时间里，港台及西方商业性、娱乐性低俗流行音乐占据我国社会音乐生活的主导地位，社会主义民族化的主旋律几乎被淹没。音乐教师难以驾驭音乐课堂教学，全国统编音乐教材实施阻力较大，高校不少学生对流行歌曲、摇滚乐十分迷恋，对严肃高雅音乐(包括民族音乐)缺乏认同。在高校里，我们相当一部分专业音乐教师用西方音乐理论和评价标准来讨论中国的传统文化，对本民族的音乐价值缺乏正确的估价，对中国文化缺乏应有的尊重，造成中国传统音乐文化主体意识的失落。一个民族的文化传统，渗透在思想、文化、艺术、道德各方面的生活中，通过积累、沉淀、世代相传，形成民族风俗习惯和民族精神。音乐作为民族文化生活的一部分，它不仅有娱乐功能，更有其教育、认识和审美功能。

2.音乐理论课与实践的结合问题。音乐是一种听觉的艺术，学习任何音乐理论，都不能离开音乐的实际音响，都应与音乐的感性体验相联系，在感受音乐实际音响的过程中加深对音乐理论诸问题的认识。而目前高校的音乐理论课教学中，理论与实际音乐音响缺少必要的结合与联系，枯燥单调的“纯”理论课失去了音乐鲜活的感性特征，因此，学生们对音乐理论课的学习缺乏兴趣，出现了“重技轻理”的现象。

3.音乐理论课教学的广度与深度的问题。目前高校音乐理论课的教学是短视的并带有功利性色彩，教学中不注重知识的广度与理论深度，这在教学双方都有所表现。教师沿用多年的老教材照本宣科，不能把音乐理论诸多问题的国内外研究现状与教材的相关内容结合起来进行讲授，使授课没有新鲜感;学生对音乐理论课的学习也不求甚解，平时不努力，考试临时抱佛脚，只要成绩及格就行，更谈不上针对某一音乐理论问题自觉地查阅相关的图书资料，以求甚解，课堂内外不能形成较浓厚的学术氛围。

4.教学手段和设施设备落后陈旧。随着社会的不断发展与科学技术的进步，引进现代化教学手段高校音乐理论课教学势在必行。目前多数院校的音乐理论课教学仍在教学方式、方法和手段上没有变化，多年一贯制。

二、高校音乐理论教学的探索性意见

（一)在教学指导思想上

1.在教学指导思想上主要在创建具有民族特色的中国师范音乐教育体系势在必行，我国是一个历史悠久、民族众多的文明古国、礼乐之邦。中华民族传统音乐文化在世界上也是唯一的从远古不间断传承下来的音乐文化，我们应当珍惜、发扬光大。全国政协主席李瑞环1990年元月在全国文艺工作者座谈会上的讲话《繁荣文艺必须大力弘扬民族优秀文化》中指出“在当前国际和国内形势下，弘扬民族文化不仅直接关系到文化的兴衰，而且在政治上具有重要意义。弘扬民族文化是振兴民族精神，提高民族自尊心和自信心，发扬爱国主义精神，顶住一切外国压力的一个重要条件。为了实现祖国的统一，弘扬民族文化又是沟通海峡两岸的桥梁，是加深海内外炎黄子孙的相互了解，增强民族凝聚力的重要力量”。

2.加强音乐理论教学与其它课程的联系两个方面来探索。音乐理论课的教学通过这种与其它音乐专业课的横向联系，能够把音乐理论与音乐实践更好地结合在一起，全面促进与提升学生的音乐素养和文化素养。其次，要加强音乐理论课教学与哲学、史学及社会学等学科的横向联系。以辩证唯物主义和历史唯物主义的世界观为指导，运用哲学和方法论去研究音乐理论及一切音乐现象，才能把握客观音乐现象的真正脉搏。要正确认识音乐理论问题，学会运用哲学的认识论和方法论是非常必要的。史学是以人类历史为研究对象的学科，研究历史最基本的前提是实事求是精神，即以史料为客观依据，以科学的态度来研究历史。音乐发展到今天，经历了漫长的历史过程，音乐理论课教学中涉及到的一切音乐现象，都是特定社会历史时期的精神产物，音乐也有着社会性与历史性特征。在音乐理论课的教学中，要以历史的眼光看待音乐发展史上的诸多理论问题，对音乐家及其音乐作品的评价应持客观公正的态度，这一点在音乐史论课的教学中显得尤为重要。社会学是探讨社会现象、社会关系、社会生活等一系列相关问题，研究人与人之间的社会关系，以及人与人、群体与群体之间的相互关系的学科。音乐也是社会生活的重要组成部分，音乐作品的产生、传播到被社会所接受的过程，都是一定历史时期社会现实的反映，与当时的社会生活有着密切的联系，也就是说，任何音乐现象都是社会历史现象，因此，运用社会学的研究方法去对待和研究音乐理论诸问题，这也是搞好音乐理论课教学的科学方法之一。

(二)在教学方法上

1.提高音乐理论基础课的文化品位。纯音乐理论对于音乐基础较差(不识五线谱，甚至也不识简谱)的学生来说，很难产生学习的兴趣，相反，容易产生畏难情绪，这就给教学带来一定的难度。俗话说:“兴趣是比责任感更好的老师”。为了提高学生学习的兴趣，变痛苦教学为愉快教学，我们在讲述枯燥无味的概念的同时，最好能加进一些中外音乐史中的趣味性故事;中西乐理的对比;舞蹈音乐的特征和实例等内容，以活跃课堂气氛，同时也提高了该课的文化品位和课程的含金量。

2.简明扼要，深人浅出。在讲述每一个概念时，应尽可能的简明扼要，深人浅出，避免繁琐。比如学生演唱音不准，归根到底是音程的关系不对，这就要求我们首先在理论上搞清有关音程的基本概念，能识别和构成各种音程及其转位，判断它们的协和程度。

3.理论联系实际。学习理论的目的全在于应用，学习音乐基础理论的目的也是为了解决实际问题，这就要求我们在重视理论的同时，大力加强视唱、练耳(听觉训练)、记谱等方面能力的训练。通过视唱练耳的训练，培养学生对音乐的感知能力、音高和节奏的听辨能力、音乐的记忆能力、音乐的审美能力;积累和丰富音乐词汇。它对提高学生的音乐素质将会起到难以估量的作用。

4.选用合理的教材。选用合理的教材是在有限的课时内取得良好的教学效果的前提。

建国初期，我国音乐院校使用的教材基本上都是前苏联的教材。具有很强的科学性和严谨性，对我国的音乐教育起到了巨大的促进作用，但这些教材选用的音乐都是以欧洲为代表的西方音乐，不可能表达我国传统音乐的音感特征。学生在听觉上积累了大量的外国音乐语汇，而对本民族的音乐语言反而感到生疏，进而认为土气、低级，产生妄自菲薄的思想。为了弥补不足，我国从事视唱练耳教学的教师陆续编写了一些视唱教材，如上海音乐学院视唱练耳教研组编的《视唱教程》、《多声部视唱教材》(上海文艺出版社，1960年)、《单声部视唱教程》(上、下)、(二声部视唱教程》(上海音乐出版社，1989年)、许敬行、孙虹编著的(视唱练耳》(高等教育出版社，1991年)等，这些教材并不完全排斥外国音乐，而是以中国民歌和中国乐曲为主，它们对培养学生熟悉本民族的音乐作出了可贵的贡献，为如何编写有中国特色的视唱练耳教程提供了宝贵的经验。 三、高师音乐理论课的教学改革构想

师范音乐理论课的教学改革对充分认识音乐理论课在整个音乐专业教学中的地位和重要作用有重要意义，需要积极探索音乐理论课的教学规律，加强音乐理论教学与其它音乐专业课的联系，做到互相促进，全面提高，在教学中应加强音乐理论教学与哲学、史学与社会学的横向联系，学会运用辩证唯物主义和历史唯物主义的观点指导高师音乐理论课的教学，要进一步丰富音乐理论课的教学手段，不断增加教学设施设备的科技含量，及时改进音乐理论课的教学方法，让音乐理论课在整个音乐专业的教学中发挥更大作用。音乐教育专业课程设置呈三足鼎立之势，一是政治、外语、体育等公共课;二是教育理论课;三是专业技能及专业理论基础课。这种体系性的引人使中国专业音乐与师范音乐教育逐步走向系统化、规范化。培养了大批的各方面的音乐优秀人才，提高了全民族的音乐水平，促进了中西方音乐文化的交流，推动了中国音乐创作、表演和教育的全面发展。另一方面，这种体系的全面引人，从客观上确立了“欧洲音乐中心论”的地位，阻碍了中国民族优秀音乐文化的弘扬和发展。如何解决这一问题呢?以下是笔者关于教学改革的构想:

1.音乐教改应在思想、课程、内容、教法上突出师范性和民族性，尤其应以理论课程设置、教材教学内容民族化为突破口。四大件应着重讲授原则与方法，强调举一反三、融汇贯通，而不是用西方的思维模式来指导我们的创作师范生学习。四大件主要目的是为将来从教适应工作、自学提高、进一步深造、增强分析作品能力、接触认识中外经典作品并具备初步的编创能力，打好基础。换言之师范生学习四大件和其他音乐理论不是为了当作曲家，而是为了当好各级各类学校普通音乐教师和部分专业课分科教学的教师。

2.音乐理论课教改应该精减科目、浓缩内容，扩大知识复盖面、减少重复，并要强调各课程间的渗透贯通，增加应用性内容与基础性训练，这是教改的出发点和指导思想。课程内容的调整，首先应着手教材体系的民族化，以我为主，增强民族传统音乐主体意识，逐步过渡到建立独立的民族课程和教材体系:(1)和声学—教改的方向是删减内容、改革教法、中西并重、训练多样。(2)复调音乐—师范专科大多不开此课，本科在高年级以必修或选修的性质开设。(3)曲式与作品分析—从曲式人手对作品全面剖析，分析作品应成为本课的主体内容中西兼顾，不可偏颇，理论结合实际，并尽可能的做到乐谱、音响对照、视听同步、理性思索与感情体验合一，这应是本课的特色和教改出发点。这门课还应与音乐文献欣赏、音乐人文历史知识、和声风格分析渗透教学，不应只限于音乐材料组合发展、曲式框架的纯理性分析。

3.师资队伍与其他改革是为了发展，发展要落实到提高教育教学质量上。在技能课如声乐、钢琴、中外乐器选修、视唱练耳等教学中实行分级达标管理方案，参考中国音协器乐考级办法，定出各技能课各期各级达标练习曲、乐曲、歌曲曲目的选择也要充分考虑民族性特点。

4.就弘扬民族优秀音乐而言，从一所院校来看，要注意整体布局形成良好的外部坏境并建立有效机制，以保证民族优秀音乐文化的传播、学习和继承。如为了促进文理结合、理工浸透、完善学生的知识结构，增强学生适应社会的能力，应开好非音乐专业的大学音乐欣赏课公共选修课，开设中国音乐和中国音乐史课。搞好音乐课外活动，用中国民歌演唱、民族器乐独奏合奏比赛代替大学校园还在升温的通俗歌曲卡拉大赛和现代舞大赛。开设中国民族音乐系列讲座课。总之，师范音乐教育通过一系列教学改革弘扬民族音乐文化，来强化爱国主义精神，增强民族主体意识，并不断造就出对我国民族音乐的传播有责任心使命感、又有一定民族音乐理论、技巧和良好的民族音乐审美习惯和趣味的新一代音乐师资。

第14篇

关于创作

1948年,法国工程师皮埃尔・舍费尔(Pierre Schaeffer)创作了第一部具体音乐《火车练习曲》,随后,德国作曲家斯托克豪森于1953年在德国科隆德意志广播电台电子音乐实验室完成了其第一部电子音乐作品《Studie I》……在五六十年代,德国和法国成为世界电子音乐的两个中心,电子音乐的诞生和发展迄今为止已近50年的历史了。

与西方发达国家相比,我国的电子音乐创作则起步较晚。1984年9月24日,在中央音乐学院举办了中国第一场电子音乐作品音乐会,它“揭开了中国电子音乐发展的序幕” ①。起步至今虽然只有短短的20多年时间,但我国的电子音乐创作仍涌现出了一批在国内外有较大影响和较高学术价值的电子音乐作品,如:张小夫的《不同空间的对话》、《天问》、《吟》,吴粤北的《电子音诗――摩梭人家》、《变形Ⅰ、Ⅱ、Ⅲ》,刘键的《纹饰》、《风的回声》、《半坡的月圆之夜》等等。

对比目前国际国内电子音乐创作的现状,本次会议在充分肯定我国电子音乐创作成绩的同时,也提出了一些较为突出的问题,如武汉音乐学院刘健教授在会上坦言到:“目前我们国内对电子音乐创作规律中的电子音乐语言特征的认识还不够,我们搞过一些比赛,我也听过一些作品,有的只是一首歌和一个简单的伴奏”。

显然,在电子音乐创作上国内还有很多工作要做,毕竟电子音乐是一个外来的东西,我们只有在充分认识和把握其规律的基础上,才能有更大的创新空间,才能有更大的发挥余地。

关于教学

我国的计算机电子音乐教学始于20世纪80年代。1989年,全国第一个由政府批准的音乐音响导演专业在武汉音乐学院正式成立②。1997年,中央音乐学院现代电子音乐中心开始招收电子音乐方向的硕士研究生。同年,吴粤北教授调入广州星海音乐学院,在作曲系开设音乐与音响导演专业,在他的主持下,1999年该专业扩建成我国专业音乐院校中第一个音乐与音响导演系。2001年,中央音乐学院现代电子音乐中心开始招收电子音乐作曲本科生。2003年,吴粤北教授在上海音乐学院创建了我国专业音乐院校的第一个音乐工程系,致力于电子音乐理论及应用方面的教学和研究。近年来,我国各音乐院校及一些综合性大学的音乐院(系)也相继开始增设计算机电子音乐方面的相关课程和专业。

会议中,中外专家和各地来宾纷纷就此发表意见,中央音乐学院电子音乐中心主任张小夫教授发言时说到:“师资不足是个普遍现象,包括中央音乐学院……另一个就是课程的设置,拿我院的电子音乐作曲专业的教学大纲来说,我们每年都在修改,这个大纲已经不止四五稿了。”与会的美国作曲家詹姆斯・哈金斯(H.James Harkins)博士对国外的电子音乐教学进行了介绍,他说到:“老师会带着学生一起做一些实验或创作,通常这些学生们也会在一起共同完成一些工作和作品,这样他们彼此间就能学到很多自己不足而又非常需要的东西。”随后,南京艺术学院的庄曜教授介绍了南京艺术学院传媒学院的教学情况和经验。

可见,由于我国的计算机电子音乐专业教学还比较年轻,因此不论是在师资、教材,还是培养模式等方面,都还存在不少急待改善之处,毕竟,专业教学是整个计算机电子音乐发展战略中的重要环节之一。

关于科研

1984年,上海交通大学建立了中国第一个“电子计算机音乐实验室”。随后,天津音乐学院、上海交通大学及上海音乐学院等在1986与1988年先后两次邀请国外专家前来讲学。1987年,北京大学成立了“音乐声学与计算机音乐研究室”。1987年6月,刘健、吴粤北教授在武汉音乐学院创建计算机音乐音响实验室,吴粤北教授任音乐音响实验室中心主任。1993年,张小夫教授在中央音乐学院创立现代电子音乐中心。2007年,上海音乐学院吴粤北教授担纲的电子音乐与数字媒体学科被批准为国家级重点学科。

我国的计算机电子音乐科研工作从起步到今天,在很短的时间里,就在算法作曲、音乐声学、计算机电子音乐教学等科研领域取得了一定的成绩,然而与国外发达国家相比,我国的计算机电子音乐科研工作还有很长的路要走。

会议中,武汉音乐学院刘健教授呼吁到:“国际计算机音乐协会年会所递交的论文一大半以上都是以技术为主的,而国内在这方面还较弱,希望能有更多的人投入到电子音乐创作技术领域的研究中去。”

另一个与会专家们非常关注的问题就是科研中的学术规范,本次峰会主持人、上海音乐学院吴粤北教授说到:“在国际上,Electronic Music本意是指偏流行的电子音乐,Electro-acoustic Music本意是指专业化的电子音乐,而在我们国内恰好把二者弄反了,把前者误当成是专业化的电子音乐,把后者误当成是电声乐器演奏之类的流行音乐。”接着,上海计算机音乐协会何监秋主席介绍了我国计算机音乐研究的概况和现状。

在会议临近结束时,中国乐器协会信息部丰元凯主任又提出了“计算机究竟算不算乐器”的问题,引来与会者们的激烈争论。可见,目前在我国计算机电子音乐科研工作的总体水平方面还有待提高,在一些基础性的研究和前瞻性的探索等方面都还需迎头赶上。

探索中前进

综上所述,目前国际上发达国家的计算机电子音乐发展的趋势是:非常注重科技与艺术的结合,注重不同学科参与者的协作,以科技为主动力和重要手段,以艺术的形式再现人类的创造力和精神世界。

而我国计算机电子音乐的发展与国际先进水平相比,在总体上还有一定的距离,主要还处在探索、学习和积累的阶段,但是,我们也要看到我们的后发优势和文化优势,如:一些国家在某些领域的探索过程为我们提供了很好的前车之鉴,减少了我们走弯路的机率,同时,我国上下五千年的文明史无疑是我们在创作既有独特个性又富文化底蕴的优秀电子音乐作品过程中的巨大源泉。当然,我们更应该清醒地认识到,任何事物的成长和发展都不可能是“一个天上掉馅饼”的轻松过程,今天在我国计算机电子音乐发展史上所取得的每项成绩都无不是在无数开拓者和有志者们的不懈努力和探索中获得的。

“继往开来,任重道远”,中国的计算机电子音乐发展还有很多工作要做,还有很长的路要走,本次上海国际计算机电子音乐研讨峰会的成功举办无疑为我们了解世界和世界了解中国打开了一扇大门,我们期待着中国计算机电子音乐发展的腾飞早日到来。

①王次荨兜缱右衾衷谥泄的开端》,《中央音乐学院学报》,1984年第4期。

第15篇

德国很多音乐学院专业齐全，但不像我们设置很多的系，而是按照其共同性质划分几大专业范围(Fachbereich)，例如法兰克福音乐与表演艺术学院所有专业分别归属于三个专业范围：(1)音乐表演；(2)作曲与音乐教育、音乐学；(3)舞蹈与戏剧。钢琴专业有三种不同的培养模式，全部设在第一专业范围“音乐表演”之内。它们在入学要求、课程设置以及就业出路等方面都各不相同，下面分别介绍。

1．钢琴演奏专业(Klavier)

主要培养职业钢琴家。高中毕业，年龄在25周岁以下者，通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制为10个学期①，整个学习过程分为基础学习(Grundstudium)和主科学习(Hauptstudium)两个阶段：一般4个学期之后举行一次学习中期考试(Vordiplomortifung)。通过后进入主科学习，在第10个学期进行毕业考试(DiplomprÜfung)，获得硕士文凭。主科毕业成绩特别优秀的，可以申请继续学习(Aufbaustudium)4个学期，毕业获得“音乐会考试文凭”(Konzertexamen)②。

入学考试要求：(1)钢琴演奏：4首不同风格的高难度的乐曲，要求完整地(包括奏鸣曲和组曲)背谱演奏，总演奏时间不低于40分钟；视奏总成绩在25分的总分内至少必须超过13；(2)视唱练耳：包括45分钟的听音笔试(听记一条单声部、一条两声部旋律、和弦听写)和10分钟的口试(音程、和弦的听辨，旋律听唱、视唱，节奏听辨模仿与视奏)；(3)基本乐理：包括60分钟的笔试(音程、和弦、音阶，为旋律配多声部等)和10分钟的面试(和弦功能与曲式分析)。

学习内容：课程设置见下面表1。第2栏“学习学期范围”是推荐的一个大致的学习时间范围，学生实际上可以根据自己的时间和学习能力自主选择在哪一个学期学习该门课程。第3栏是必须总共参加几个学期的课程学习。所有课程中，只有钢琴演奏、作曲学、曲式学、作品分析、音乐史、视唱练耳等课程需要有考试成绩，作为通过中期考试和毕业考试的证明，其他课程只需要按规定的学期数参加听课，认可教师出具参加证明即可，而不规定必须考试。其中钢琴演奏作为主科不在每一个学期考试，而只在学习中期考试和毕业考试中进行。代替学期考试的是，每一个学生必须在学习期间至少在校内各种音乐会中公开登台钢琴独奏演出两次。

学习中期钢琴考试：1首高级练习曲，3首不同风格的高难度乐曲，总时间至少40分钟，要求全部完整地背谱演奏；钢琴视奏。

毕业钢琴考试：首先向考试委员会提供一份演奏曲目单，其中包括至少1套巴赫平均律中的前奏曲与赋格和另外1部巴罗克时期的大型作品(后者也可以用另外的两套巴赫平均律或一些斯卡拉蒂奏鸣曲代替)、2首练习曲(至少1首是肖邦练习曲)、古典奏鸣曲、浪漫派作品、印象派或新古典主义作品、1950年以后的现代作品、钢琴协奏曲、较大型的钢琴室内乐各1首／部。所有曲目必须是在本院未参加过考试的(招生入学考试除外)。曲目审查获得通过后将分两次考试：1场公开的钢琴演奏音乐会，曲目从所报演奏曲目单中自选，总时间50至80分钟；1场不公开的考试演奏，包括30分钟的钢琴演奏(曲目由考试委员会从未参加公开音乐会演奏的其他曲目中现场挑选指定)、1首现场学习演奏的新曲目(有3小时的准备时间)和视奏。

2．钢琴教育专业(Klavierpadagogik)

该培养方向归属于“器乐与声乐教育学”专业(Instrumental―und Gesangspädagogik，简称IGP)，主要培养钢琴教师。高中毕业，年龄在25周岁以下者，通过专门的入学专业测试即可申请入学。标准学制8个学期，也分为基础学习和主科学习两个阶段(4+4)，需要通过中期考试和毕业考试，获得硕士文凭(Diplom)。

入学考试内容包括三个方面：(1)钢琴演奏：4首风格不同的、具有相当程度的曲目，总演奏时间至少20分钟，加视奏；(2)选修乐器：原则上要求选修一种管弦乐器，演奏3首不同风格的简单乐曲，总时间10分钟内；(3)基本乐理和视唱练耳：基本与上述“钢琴演奏”专业相同。

表2中是从IGP整体培养计划中提炼出来的钢琴教育专业培养方案。“课程名称”栏目里列出的只是课程方向，例如“演奏实践”课程，包括歌曲即兴伴奏、即兴演奏、爵士和流行音乐、改编弹奏等；“作曲学”为分析并掌握各种典型音乐风格作品的特点；可能以风格流派或者作曲大师为单元逐步学习，所以有些课程要学习好几个学期。“学习证明”栏目的“考试证明”(Leistungsschein)表示该课程需要参加考试，“参加证明”(Teilnahmesschein)则可以只参加课程学习而选择不考试，教师出具参加学习证明即可。该栏目的两项之和等于“必修学期数”栏目的数字，代表该门课程总共必须修几个学期。其中“视唱练耳”课未规定学期数，但总共必须通过四个级别的考试，学生可以根据自己的实力选择上课或者直接参加考试。

学习中期钢琴考试：至少3首不同风格的高难度曲目，大型作品可以是其中的一个乐章，总演奏时间不低于25分钟；视奏。中期考试最迟必须在第4学期完成，以显示学生具备继续深入学习该专业的能力。申请参加中期考试必须出具参加了以下课程学习的证明：钢琴和选修器乐每学期一份证明，室内乐、演奏实践、音乐学、教学法各1学期，音乐与器乐教育学4学期，曲式学和音乐史各2学期，视唱练耳和作曲学各1学期。中期考试未通过者可以在1学期之后补考一次，补考仍不合格必须退学。

学生按照要求修完全部课程后，即可申请毕业考试，毕业考试可以申请按科目分期分批进行，或者申请在一个学期内全部完成。毕业考试钢琴演奏为4首完整的、不同风格的乐曲，其中1首必须是协奏曲或室内乐合 奏曲目，总演奏时间约50分钟，另加1首现场抽签指定的新曲目，有60分钟准备时间，然后是10分钟视奏。此外，递交一份毕业论文，论文的选题由考试委员会和学生谈话商定，从开题到完稿提交时间为6个月。

与“钢琴演奏”专业相比，钢琴教育专业在钢琴演奏要求上稍低，但增加了音乐教育学、钢琴教学法以及教学实践等课程，而且全部要求考试成绩，作为毕业条件之一。

3．钢琴室内乐、钢琴伴奏(艺术指导)专业(Aufbaustudiengang Klavierkammermusik und/oder Liedbegleitung)

主要培养音乐会合作演奏人才。报考者必须已经获得音乐学院钢琴演奏专业毕业文凭，所以称之为深造学习(Aufbaustudium)。标准学制为6个学期。学习者可以在第四个学期之后选择到底将钢琴室内乐、还是钢琴伴奏、或者两者都要作为毕业考试重点。毕业获得硕士文凭(Diplom)③。

入学考试：分为钢琴独奏和钢琴室内乐／钢琴伴奏两部分。前者包括3首不同风格的、高难度的作品，1首练习曲，总时间不少于40分钟，加钢琴视奏；后者包括与本院师生合作演奏1部钢琴室内乐的一个乐章，2首歌曲伴奏，曲目在考试前四周公布。

学习内容：表3是具体课程设置。由于这是深造学习，所以要求的必修课全部是演奏实践性的课程，而没有其他音乐理论课程。当然学生如果有兴趣，所有课程都是敞开可供学习的。此外，钢琴室内乐方向学生必须参加乐器演奏主科学生的课堂伴奏，钢琴艺术指导方向学生必须参加声乐主科的课堂伴奏以及学院合唱排练伴奏。

在一些其他音乐学院，该专业方向也如同钢琴演奏、钢琴教育一样作为常规硕士专业设置。例如莱比锡音乐学院称之为合奏专业，培养音乐会演奏的职业音乐家，标准学制为10个学期(4+6)。分为不同的重点方向，其课程设置也稍有不同：(1)钢琴室内乐方向，除主科外，学习古钢琴(Cembalo)、歌曲伴奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为其他乐器主科的课堂伴奏等；(2)钢琴艺术指导方向，除主科外，学习古钢琴(Cembalo)、室内乐合奏、即兴演奏、视奏、总谱弹奏、指挥、为声乐主科的课堂伴奏、嗓音训练、意大利语音、法语语音等，在主科学习阶段要参加一次戏剧排练演出实习。其他音乐基础课程为共同课程，例如作曲学、视唱练耳、音乐史、乐器学、曲式学、音乐分析等。在学习阶段学生可以申请双主科或者另外一门副科学习。

以上简要介绍了德国音乐学院钢琴专业的三个培养方向的基本情况。这些方向在我国音乐学院中实际上已基本存在，入学、毕业考试要求也大致相同，在课程设置上由于各学院师资力量的不同而有变化。其不同主要体现在：

(1)课程考试的灵活性。不是所有的课程都必须要考试，一些课程可以选择只参加学习而不考试，这样可大量节省学生的时间和精力，使其能够毫无畏惧地、尽可能地多听课，或钻研感兴趣的课程。尤其是主科钢琴演奏，在整个学习过程只有中期考试和毕业考试两次。而我们是每一个学期都要考试，学生常常为了准备考试曲日而花费几个月的时间，有的人甚至整个学期就为了准备考试的几首曲目，导致无暇、也无心学习其他乐曲，严重阻碍了学生广泛涉猎各种风格的作品、扩展音乐视野。

(2)学生学习的自主性。学生对自己的学习具有充分的自主选择权利，包括学习时间、学习内容都可以根据自己的需要而“量身定做”。这在某种程度上可以更好地因材施教，主要得益于其全学分弹性学制。而我国的现行模式是固定的四年制，所有课程按照教学计划固定在某一学期，学生必须按照规定的时间表来学习。

(3)课程内容的灵活性。一些重要课程要求学习多个学期，但并不一定非得具有连续性，而可以选择在不同的学期参加不同专题或由不同的教师主讲的课程的学习。例如“钢琴教学法”课程，至少有两位教师同时开课，都没有固定统一的教材，而只推荐参考文献，教师根据自己的研究成果和实践经验以专题的形式授课，其内容可能在各个学期轮流开设或不断补充，学生可以根据兴趣试听，然后选择听谁的课程和听哪一个专题。这样的好处，对于教师而言，体现了一种竞争性，可以形成以教学促进研究和以研究促进教学的良性循环；对于学生而言，不必硬去听自己不喜欢的某位教师的课程，由于教学内容常换常新。能够不停地接触到新的成果和观点，而不会局限于某一位教师、某一本固定教材的“一家之言”。

笔者认为，这些不同之处正是我们在学科建设和教学改革中值得学习和借鉴的。在当前越来越多的中国钢琴人才获得国际比赛奖项，显示了中国钢琴教育的丰硕成果的同时，愿我国的钢琴学科建设更加完善发达!

注释：

①德国高等学校教育实行弹性学制。标准学制只是最普通的学习时间，可以延长学习时间或者由于天赋和勤奋缩短学习时间。对于以前在其他学校学习过相关课程并通过考试的，可以出具课程成绩并申请减免学时测试，通过后即可缩短学期数。例如很多外国学生在本国内已经获得过本科学历和学士学位，在不转换专业的情况下可以出具文凭和成绩，申请测试，直接进入第二阶段的学习。