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定性作用的是传统戏剧表演艺术传承人,也是根本因素。非物质文化遗产是传统生活方式、行为方式的发展,是民间的动态文化,且依托于人而存在。因此,非物质文化遗产必须寄托于人而存在,而传承人则是非物质文化遗产活的证明,通过人将非物质文化进行表演、复制和制作。传统戏剧没有实在的存在形式,也不是虚幻的存在,它需要依托于表演艺术者进行演绎。因此,传统戏剧与传承人互助共存、同存同亡,体现了表演艺术传承的本质特性。
二、传统戏剧的价值主要表现在传
统戏剧表演艺术的传承人身上。并不是所有的非物质文化遗产都值得人们去传承,而应该选取有价值的,蕴含民族深厚文化内涵、民族精神的,并不断在民族文化滋养下具有一定生命力的非物质文化遗产,才真正值得我们去保护和延续。而非物质文化遗产的历史价值和现实价值的体现,很明显的表现在传承人的文化价值上。因此,传统戏剧表演艺术传承的传承人必须具备精湛的技艺,并且具备传承文化遗产的精神内涵,被大部分艺术者所承认,才能成为传统戏剧传承的活标本。
三、传统戏剧的生命力主要体现在
传统戏剧表演艺术的传承人是否能有效地进行延续。非物质文化遗产得到传承的载体是传承人,比较物质文化遗产的传承载体是唯一的、不可替代的物,传承人可以进行培养,可以进一步发展和进步,亦或是传承结束而使其消失在人们的视野中。非物质文化遗产不仅只有古代人可以创造,只要是有人的社会都将不断创造新文化,不断传承和培育文化传承人,保持非物质文化遗产的传承之力不息。在之后的传统戏剧表演艺术传承中,我们要尊重现有的传承人,并鼓励传承人去发挥自己才华,自觉承担起应尽的职责,让传统戏剧能长久的延续下去。
四、传统戏剧表演艺术传承的功能
(一)传统戏剧表演艺术传承的最直
接功能是文化功能,不仅要传承文化遗产,还要创造文化产品。传统戏剧作为非文化物质遗产,依托于人,而人又是非物质文化遗产的创造者、延续者和拥有者,由人对戏剧表演艺术进行了一代又一代的传承,使得传统戏剧更加的精湛,不断地更新并具有生命力。传统戏剧表演艺术传承独特的文化功能使得戏剧传承人不断学习传统戏剧表演艺术文化,又不断地传承传统戏剧文化并创造新的戏剧文化,让传统戏剧不断发扬光大,被更多的人们接受和喜爱,成为了传统文化的再造者,发挥了继往开来的文化功能。
(二)传统戏剧表演艺术传承的最直
接功能是文化功能,不仅要熔铸文化心理,还要塑造文化品格。文化形态和文化品格在真正的艺术里面是超越时空的,传统戏剧的产生,是无数艺术家千百年来的倾心付出、精心创造并培育的一种文化的表现形式,凝聚多种艺术元素在其中,并承载着中华文明,代表一个时期人们的审美观念。无数传承者对传统戏剧表演艺术的传承和发扬,不仅塑造了中国人民的文化品格,也继承了民族精神。
(三)传统戏剧表演艺术传承的最直
接功能是文化功能,不仅传承文化传统,还强化文化认同。传统戏剧传承的不仅仅是脸谱、服饰这些实物艺术构成元素,也不仅仅是唱、念、做、打等表演形式,而是基于戏剧产生的具有传统性质的哲学思想和美学特质,是对中国文化传统的发扬,贯穿于整个中国文化脉流。传统戏剧中很多离奇曲折的情节设置、活泼有趣的对白、悲喜交加的场景、穿插变化的结构、行云流水的表演等,都让传统戏剧更加的引人注目,并构成了一种综合形式美,通过表演艺术传承人的表演使戏剧具有永不衰竭的生命力。
五、结语
关键词:肢体语言外部技巧融合
人类语言对于人类信息传达的功能是有局限性的,为了弥补这种局限性,人类在交流信息中逐步的发展形成了自己的一套形体语言,这些形体语言不但弥补了人类表达的不足而且在更大的程度上丰富了人类的表达艺术,艺术家们在观察、搜集、揣摩、积累的基础上将人类的形体语言运用到了舞台表演中,为戏剧表演做出了重大的贡献。
一、无声的“肢体语言”在舞台表现中的冲击力
肢体语言指用肢体动作及动作的节奏、动作的张力所体现的人物的内心世界和感情生活,对于推动戏剧的发展和丰富舞台表现的冲击力有巨大作用。肢体语言的运用不仅仅在后现代戏剧的体现方式上,在现实主义戏剧中的应用也不可小视。以阿根廷的一个著名剧团演出的戏剧《萨莱托•马丽帕》为例,讲述的是两个青春期的少女,无聊、反叛,她俩争强好胜,互相比试,但逝去后什么也没有发生。这一系列的关系全部通过肢体语言来展示,而且是通过对生活动作的编排,她们摔倒在地,跳起、倒手、翻滚、扑跌……她俩的节奏完全一致,这些高超的技巧必须经过严格的训练。
在中央戏剧学院的教学中,进行了一系列肢体语言教学的尝试与研究,取得了有效的成果。表演系为例,常莉教授排演的萨特的独幕剧〈禁闭〉,采用了一系列肢体语言以及现代舞的形式来解释剧本,剧中的三个演员分别扮演虐杀儿童的罪犯埃司泰乐,因开小差而被枪毙的巴西记者加尔希,还有一个女同性恋者伊奈斯,他们在舞蹈的动作中相互追逐,伊奈斯用手臂优美环绕司泰乐,司泰乐先是接受后挣脱,伊奈斯运用翻转倒立等形体动作来阻挡司泰乐和加尔希的接触,伊奈斯用一块滚动的圆木作为行动的支点,做出了很多优美的高难度动作。同学们用肢体语言体现了剧中人物都有着自私的本性,为了达到自己的目的不惜牺牲别人的利益,结果三个人谁都不能实现自己的目的,体现了“他人即地狱”的该剧主题。
肢体语言若想运用在演员的体现上,必定对演员在肢体表现力上提出更高的要求。这种肢体语言是经过了训练的,有熟练的技巧的、有控制、有美感、有节奏、有情感、有深度、有内涵的肢体体现方式。
二、音乐剧对演员外部技巧的综合要求
音乐剧是一门综合的表演艺术,是将演员的戏剧表演、歌唱、舞蹈综合在一起的艺术。但是这三个元素并不是孤立的分割的,戏剧表演、歌唱、舞蹈是通过剧中的角色紧密结合的。歌唱、舞蹈和戏剧表演对一个音乐剧的演员来说是基本的条件,但是全方位的综合难度是非常高的。声音、表情、发声技巧、形体动作的综合运用来体现人物是音乐剧对于一个演员的基本要求,这就要求演员要经过长时间的艰苦训练来达到。
音乐剧对于演员的形体和声音的要求是苛刻的,他们必须多才多艺、能歌善舞。
舞蹈作为音乐剧的舞台表现形式是发挥了巨大作用的。舞蹈动作是经过提炼、组织、节奏化、美化了的人体动作。舞蹈以人体作为艺术体现的工具,凭借它做出各种有节奏的动作、姿态、表情来表达作品的内容和人物的思想情感。舞蹈人物的塑造,舞蹈情绪的表达,舞蹈意境的体现,始终贯穿在舞蹈动作中。音乐剧中舞蹈的创作以人体流动的美的动态为语言来塑造舞蹈形象,表现剧情。舞蹈可以通过舞台上演员的肢体变化和动作幅度的收缩来表现内心情感的变化。
音乐剧舞台上的舞蹈种类大体分为:芭蕾舞、踢踏舞、爵士舞、欧美民间舞蹈、流行舞等。舞蹈演员一般都是芭蕾舞演员出身,受过严格系统的技巧训练,可以体现飘逸、轻灵的舞姿,在音乐剧的舞台上经常用芭蕾舞来体现细腻的感情。踢踏舞是爱尔兰、英格兰民间踢踏舞蹈和非洲节奏结合起来而形成的。19世纪来自爱尔兰的移民和黑人在街头最先跳起了这种舞蹈,后来在电影的音乐舞蹈片中应用,随之这种舞蹈发展成为舞台表演形式,轰动世界的音乐剧《大河之舞》就是采用踢踏舞的这种舞蹈形式,集体场面表演起来声势浩大,光彩夺目,颇为壮观。爵士舞被引入音乐剧的舞台,是音乐剧开放性和兼容性的写照。现代爵士舞承袭了传统爵士舞的特点之外,还成功融合了1950至1980年代所流行的舞步,随着时代的发展,和现代舞有相通之处,是以表达年轻人的心声、呈现生活状态与风貌的一种舞蹈体现方式。在《西区故事》和《舞姿摇曳》中都有富有激情的爵士乐舞蹈演出。欧美代表性的民间舞诸如华尔兹、小步舞、波尔卡等舞蹈形式,音乐剧的主要发展还是在欧洲和美国,所以音乐剧的编导们特别青睐这些舞蹈,他们从中汲取艺术营养和灵感融入自己的创作。
三、中国戏曲与当代戏剧的融合
我国传统的戏曲表演艺术,是具有强烈的表现力的。它来自于生活,不同于生活,出于体验,而又不止于体验。表演艺术家们的一举一动,一颦一笑,把蕴藏于内心深处的微妙情感,刻画得惟妙惟肖,表现得淋漓尽致,显现了形体动作的雄、美、刚、柔、虚、实、娇、俏。想象力丰富,夸张适度,唱、做、念、打都是经过严格的训练的。:
关键词:财务报表;分析;局限性
财务报表分析是指以企业基本活动为对象、以财务报表为主要信息来源、以分析和综合为主要方法的认识企业的过程。其目的是了解过去、评价现在和预测未来,以帮助报表使用人决策。但目前我国财务报表分析还存在局限性,不能满足不同需要者的需求,本文就此提出了一些观点和看法。
1财务报表分析中的局限性
1.1财务报表自身的局限性
1.1.1报表数据的时效性财务分析所根据的都是反映在会计报表上的历史资料,分析历史性资料,评价以往的绩效,虽可供企业决策参考,但企业面临的毕竟是现实问题,不能对这些历史资料依赖过重。因为这些资料往往没有考虑通货膨胀等因素和物价的变动,财务分析的依据均以原始成本为基础,在物价波动较大的情况下,以原始成本为基础进行分析,如果不加调整,显然会受到物价因素的干扰而失去其应有的现实意义。
1.1.2报表数据的的真实性财务报表分析研究的前提条件之一就是要求报表数据真实、可靠。但是,在企业形成其财务报表之前,信息提供者往往对信息使用者所关注的财务状况以及对信息的偏好进行仔细分析与研究,并尽力满足信息使用者对企业财务状况的期望。其结果极有可能使信息使用者所看到的报表信息与企业实际状况相距甚远,从而误导信息使用者做出错误决策。
1.1.3报表数据的可比性根据会计制度的规定,不同的企业或同一个企业的不同时期都可以根据情况采用不同的会计政策和会计处理方法,使得报表上的数据在企业不同时期和不同企业之间的对比难以有意义。比如,企业的存货发出计价方法、固定资产折旧方法、坏账的处理方法、对外投资的核算方法、外币报表折算汇率、所得税会计中的核算方法等等,都可以有不同的选择,即使是两个企业实际经营情况完全相同,不同的方法对期末存货及销售成本水平有不同的影响,因此,财务报表中的有关数据会有所不同,使得对两个企业的财务分析发生歪曲。
1.1.4报表数据的完整性在知识经济的条件下,企业的价值创造模式发生了较大的变化,无形资产对企业价值创造的贡献越来越大,日益成为企业生存和发展的一种核心资源。然而,根据现行会计准则的规定,企业的无形资产价值由于不能可靠计量,不能确认为企业的无形资产,没有在报表上予以反映,这无疑会低估企业的价值,使企业资产的账面价值与实际价值严重背离,使得财务报表分析的结论不够全面。
1.2分析过程的局限性
1.2.1忽视问题性质分析。在我国目前财务报表的分析过程中,一般用的是定量分析法,定性分析方法用得很少。尤其是当前借助于网络和财务软件的优越性,不仅使财务报表的编制变得异常简单,财务报表的分析也被赋予了“智能化”。
1.2.2比率分析法使用的各种数据都是过去资料,也就是先有经济业务发生再编制财务报表,报表进行分析具有“滞后性”。
1.2.3对现金流量表只重编制,不重视分析。现金流量表与以前的财务状况变动表有本质区别,它的编制基础是现金制,与资产负债表和利润表是一种从不同侧面反映、相互补充、相互依赖的关系。计量基础的不同决定对现金流量表进行分析意义非常重大。
1.2.4缺乏对企业的长远和整体分析。由于财务报表分析的主体不同,基于各自的目的对财务报表分析的重点也不同,但总的说来,分析的效果与企业的长远发展不是很吻合,绝大多数报表分析者更愿意与一个具有良好发展前景的企业保持密切关系。
1.3财务报表披露的局限性
信息披露内容不完整是我国现行财务报表体系中较为突出的一个问题,这直接影响了企业对经营业绩的反映和监督的效果。企业内生的人力资源状况,各种软资产如知识产权等,以及企业在经营过程中造就的竞争优势,对于提高企业的经营业绩发挥着重要的作用,然而这些事项或情况在财务报表的信息披露内容中却没有得到反映。随着社会经济发展速度的加快,环境对企业经营活动造成的影响也越来越突出,但现行财务报表中却忽视了对企业的环境信息,长此下去必然会影响决策的效率以及决策的正确性。
2分析方法的改进
2.1财务报表分析应使用经过注册会计师审计后的财务报表,提高财务报表数据的可信度,使财务报表分析有一个可靠的基础。
2.2在财务报表的编制上,应要求企业加大披露面和披露深度,使得财务报表数据的有用性加强,从而一定程度上克服财务报表自身的缺陷。充分披露财务报告信息。具体应增加对无形资产和人力资源信息的披露。
对无形资产信息的披露可采用表内与表外相结合的方式。表内披露主要是指编制通用格式的财务报表单独揭示相关的信息,表外披露主要是在财务报表附注部分揭示。我们可以把包括知识产权、人力资源、自创商誉、人力资本、风险资本等在内的无形资产与原先的无形资产分别加以列示,以便更好地反映知识资本的价值和获取收益的能力,突出以人力资本为中心的知识资本的重要地位,从总资本保全角度报告会计信息,会计上能予以量化的无形资产应尽可能加以量化。对这部分信息的披露可采取文字叙述法、表格法和图式法等并用的形式,尽可能展示无形资产的价值、构成、收益、风险等方面的信息,比如可采用图表法揭示未来无形资产的现金流量、折现率和收益期限等的预计数,以提高资本保全的信息披露的质量,而不是对无形资产做简单而抽象的概括。
2.3重视现金流量表的分析
首先,增加现金流量表的编制内容。提供更多的关于现金流入流出的信息,例如未来现金流入的金额、流入流出现金的分布以及相关的不确定性影响因素。其次,应加强现金流量表准则的建设,完善相关内容。财政部颁布了《现金流量表》的具体会计准则,表明了我国也开始重视现金流量的信息,原因在于现金流动的信息更符合财务会计的决策有用性目标,而且有助于会计信息使用者评估企业的偿债能力、分析企业支付股利的能力。大量的实证研究表明现金流量信息比权责发生制下的收益数据具有增益信息含量,而且现金流量数据也优于营运资本变动的信息。现金流量表构成了真实而公允地反映企业财务状况和期间损益信息的一个基本要素。最后,加强对企业相关财务人员的学习培训,使其能够独立地编制现金流量表
中国戏曲与西洋歌剧是戏剧在不同文化下发展成具有本土特色的两种戏剧形式,中国戏曲是从中国戏剧中慢慢发展演变而来的,西洋歌剧也是从希腊文明中的戏剧文化发展而来,它们有着共同的祖先——原始戏剧,探索二者的起源,我们发现其有着惊人的相似过程,不仅仅是起源,它们的发展过程、表现形态、艺术内涵都有着不同程度的相似之处。
1.1课题的研究意义
对中国戏曲与西洋歌剧的比较研究提出新的看法,希望本课题的研究成果,可以填充中国戏曲与西洋歌剧之比较研究的一个空白内容,同时也将中国戏曲放在一个更高的位置,使更多的学习者把关注点投向中国传统声乐文化。
戏曲是我国传统声乐艺术的一大精髓,其中蕴含了最具中国特色的传统文化,是中国人性格特点、精神文明和独特语言的最集中、最表象的体现;西洋歌剧是当今世界发展最广泛的古典艺术之一,经过了几个世纪,到今天,它仍占据着各大舞台的中心地位。将二者放在一起研究,有着举足轻重的意乂。
1.2国内外研究现状
1.2.1国外研究现状
笔者查阅了校图书馆的相关外文学术期刊及专着,未发现同样的课题研究。外文涉及的主要是西洋歌剧的作曲家、作品背景、咏叹调演唱分析、和声曲式分析等,内容较多;对中国戏曲的研究在百链上以“ChineseOpera”为关键词搜索到了 230篇外文期刊,外文图书仅34本。研究的内容多是人文层面的,以介绍中国戏曲为主,关于二者比较的内容尚未查阅到。
1.2.2国内研究现状
根据校图书馆百链链接搜索以“西洋歌剧”为关键词的图书有452种,其中内容以史类研究与歌曲集为主;以“中国戏曲“为关键词搜索到的图书有13185种,涵盖了各个方面的内容。以“中国戏曲与西洋歌剧”为关键词搜索到的期刊有62篇,其中关于中国戏曲与西洋歌剧比较研究的期刊有10篇,搜索到的学位论文仅两篇。首先,从数量上看,这一课题的研究还属于非常薄弱的环节;再从内容上来看,所涉及的书籍内容较为单一,且内容大多停留在表面,有实际指导意义的内容较少。
1.3课题的研究目标、研究方法、课题的创新性
1.3.1课题的研究目标
此课题的研究是对两年来学习的理论知识与演唱实践的一个总结,也是主要的研究领域,旨在通过研究这一课题,做到理论与实际相结合,学以致用,相辅相成,从二者的发展现状中发现其存在的问题,通过比较二者的艺术特点,总结出其存在的相同点与演唱上的共通性,从而为实践提供理论支持。
1.3.2采取的研究方法
1、查询法:查阅相关书籍及文献,上网浏览相关资料;
2、观察法:通过观察日常生活和演出活动,了解最前沿的音乐理念、表演方式等,获得研究所需的相关材料;
3、音像资料分析法:收集大量音像资料进行观摩学习,整理课题所需资料。
搜集论文相关资料,对资料进行分析研究;总结相关资料,对论文进行初步构思;列出论文提纲,书写论文内容,对论文进行修改,定稿。在此课题上,通过本科四年以及研究生阶段的学习,在前人已有的基础上,已具备进行该项研究的客观条件;并通过平时的理论学习与实践经验,可较好的完成该项课题的研究。
第2章中国戏曲形成的历史沿革
2.1中国戏剧文明形成的三个阶段
《中国戏曲史》中提到关于戏曲的起源:“戏剧的起源,无论中外,都承认大致由三种力量促成:1、初民的宗教情操2、祖先及英雄崇拜3、人类的模仿天性。”将这三点放到戏剧艺术当中来看,循序渐进的形成了一条戏剧诞生之路。在很多的文章中我们看到,有些学者将中国的传统戏剧艺术称之为“中国戏剧”,有些又称为“中国戏曲”,对此,我尝试从时间的划分上来将二者的内涵进行区分。“中国戏剧”是中国戏剧文明形成以来到发展至今,所包含的总的艺术内涵,是一个总称;而“中国戏曲”则是指在宋杂剧形成之后,所包含的综合性的舞台艺术,“中国戏曲”包含在了 “中国戏剧”之中,下面将通过几段历史来界定“中国戏剧”与“中国戏曲”。
2.1.1原始歌舞中的拟态表演
中国戏曲形成的渊源最早课追溯至原始社会时期的原始歌舞,原始歌舞作为一种美的因素存在于中国的戏曲艺术当中,在戏曲艺术真正完全形成时,歌舞仍然是其中不可或缺的一部分。原始歌舞主要与原始社会中人们的狩猎活动有关,有的歌舞直接来源与人们的狩猎活动以及狩猎之后的庆功宴,这一说法可在《吕氏春秋?古乐》1当中得到佐证:“拊石击石,…,以致舞百兽,”指人们装扮成百兽的样子击打石头,应着节拍而舞。除了在古书上有记载,我们还可以在世界各地的壁画中得到考证,这是最早的原始歌舞形态,通过模仿动物们的形态,并按照自己的情感、意志加以整合,形成了一种拟态的表演,这种拟态的表演可以作为中国戏曲歌舞表演的一个基石,之后在此基础上逐渐丰满成熟。
2.1.2原始宗教中产生的场面与程序的组合
随着社会经济的快速发展,在满足人们物质文化需求的背后,精神文明需求则成为了人们生活中不可或缺的一部分,如今随着电影、电视等视听媒体的普及,戏剧作为一门古老的艺术,拥有了更广阔的发展舞台,对此,社会需要大批的影视作品表演人才。
目前已有不少高校开设了戏剧影视表演专业,教学安排主要是参照中央戏剧学院和北京电影学院的相关专业进行的,但是戏剧影视表演具有很强的实践性,在普通高校实行以上著名院校的人才培养计划显然是不科学的,一是学生的素质不高,大部分学生的表演理论知识和基本功都比较缺乏;二是师资力量和教学设施不能与高等院校相比,教师教学经验和阅历匮乏,学生缺乏舞台表演锻炼的机会。所以,各高校应根据自身的特点,探索适合自身的教学方法和教学模式,以培养实用型的人才为目的。[1]
二、戏剧影视表演多元思维教学的重要性
多元思维的戏剧影视表演教学是结合各种实际情况、先进的表演特色与教学理念,充分利用先进的教学视听资源,创造多元化的教学环境,培养学生多元化的表演思维和方式。目前,戏剧影视表演专业的教学还存在着许多弊端,多元思维的教学模式可以更好地利用先进的科技资源弥补传统经验教学中的固有思维模式,做到将声乐、表演有机的结合,不仅能更快的提高学生的影视表演素质,而且可以促进学生其他专业课的学习。
三、基于多元思维的戏剧影视表演教学
1.教学手段的多元化
第一,要更新教学观念。在众多的艺术高校中,“重艺轻文”是一个普遍的现象,很多学生都有着优良的艺术天赋,但在文学修养方面却严重缺失,这给教学带来了很大的困难,演员不只是面对的一个死角色,而是要奔着将角色dylw.net演活的心态去演,赋予角色灵魂,创造出一个有血有肉的人物,而这些都需要深厚的文学修养,只有这样才能对剧本、人物心理、故事社会背景有一个清楚的认识和理解。对此,在对表演系开设的课程中,还应增加文学科目,鼓励学生们去阅读一些优秀的文学和影视作品,开阔学生的视野,提升他们自身的文学修养。
第二,采用多元化的授课方式。戏剧影视表演是一门实践性很强的课程,传统的集体授课模式已满足不了它的需求了,所以,在教学过程中,教师应采取集体授课为主,小组课,个别辅导课,专业表演课等作为辅助开展多元化的教学,争取以高效率的教学模式来赢得学生的喜爱。戏剧影视表演专业的学生一般都具有好动的特点,在教学过程中,教师应以提供指导、点评和建设性意见为主,为学生制定教学计划,课题自选,充分调动学生的积极性,充分利用各自的想象力去塑造演员形象。作为实践性较强的学科,必须依靠学生自身去摸索、去反复练习和掌握,教师只能以身作则,为他们提供一个良好的文化环境和学习氛围,启发学生们自主探索和创作。表演专业的教师要站在更高的思维层次上,去观察、了解学生,掌握学生各自的优缺点,因材施教,更好的去诱导和启发学生学习。
第三,利用好多媒体教学资源。戏剧影视表演并不是像数学、物理等一些很抽象的科目,传统教学中教师只能凭借自己的教学经验和感觉进行教学,但随着科技的发展,多媒体教学为影视表演提供了一个更为直观和专业的平台,通过多媒体对一些如图片、声音、文字和视频等教学资源的呈现,大大提高了教学效率和教学质量,教师可以通过讲解一些典型的表演风格和艺术特点,增强学生对不同艺术派别的辨别能力,此外,还可以通过观看,来锻炼学生的模仿能力,提升他们的表演素质。
2.利用多元化的方式培养学生的表演能力
培养学生的表演水平要从日常教学做起,在平时的表演活动中,要善于从多角度对人物做全面的分析,如在什么样的社会背景下,人物的心理状态怎么样,人物的性格特点如何等等,这些都是需要积累的经验,一个优秀的演员,只有将编剧笔下的角色演活,完美的塑造这个人物形象时,才能更要全身心的投入到所演人物的生活中,真切的去感受、去体验。
3.实践表演形式的多元化
戏剧影视表演的实践形式是多种多样的,如各大节日晚会(元旦、中秋、国庆等),个人主题音乐会、各种音乐才艺类比赛等,参与这类比赛既可以得到专业老师的现场指导,也可以使自身的表演技能得到较大的提高,是非常值得提倡的。此外,校园内部还具有一些专门的表演社团,可以积极的参与其中,通过与其他同学的交流探讨,提升自我素质,获取更多锻炼的机会。[2]
4.培养学生表演鉴赏能力的多元化方式
一是利用观赏性艺术表演提升学生的鉴赏能力。在学习了一定的表演学的基础上,学校可以组织学生们观赏一些经典的影视作品或校内外的一些比赛作品,利用小组讨论和自由表达的方式,让学生们对演出节目进行评价,并找出作dylw.net品中值得借鉴和学习的地方,提高学生们对影视作品的鉴赏能力和表演欲望。
二是利用公益讲座和影视讲座的授课方式提升学生对表演的鉴赏能力。学校可以在自身能力范围内,邀请影视表演的专业人才,如表演家、艺术家等来校举办公益讲座,让学生们近距离的接触艺术的魅力,通过表演家对表演技巧和对剧作人物的剖析,拓宽学生的视野,培养他们敏锐的洞察力,进而提升他们对艺术的鉴赏能力。[3]
5.教学影视作品选择的多元化
各国影视作品的特点都不尽相同,所以,教师在教学过程中,应多方面的选取教学素材,例如欧美引领时尚潮流的好莱坞大片、奥斯卡影片等代表欧美特色的作品,可以作为对欧美表演剖析的题材,此外,在我国各民族的艺术表演都有着自己的特色,可见,世界之大,各个国家民族都有着属于自己的表演特色,在选择影视素材时,教师们也应拓宽范围,做到与时俱进,择优选取。利用多样化的表演素材,扩大学生的表演范围,提升学生的表演能力。
总之,随着社会的不断发展,人们对影视视听享受的要求更高了,信息化的时代,一切都在快节奏的进行,尤其是影视业的发展,比其他行业的更新换代更快,所以,教师们要结合实际需要,开展多元化的教学方式,不断提升学生们的表演素质,为社会培养更多更专业的表演人才。
参考文献
[1]刘宏伟,新时期戏剧影视表演教学初探[期刊论文]-四川戏剧2012(1)
关键词:3-6岁学龄前儿童 应用戏剧教育 教育技巧
目前,对学前儿童戏剧教育的研究主要有两方面倾向,一个是艺术戏剧教育,一个是应用戏剧教育。艺术戏剧教育是指包括剧本创作、导演、表演、舞美、音乐、演出活动、宣传等一系列内容的复杂的教育活动,旨在通过艺术戏剧滋养儿童稚嫩的心灵,通过给儿童内心造成的审美愉悦实现对其精神的洗礼与提升;应用戏剧教育是指通过建立戏剧情境,以游戏的方式,引导启发幼儿潜力、开发幼儿思维及创造力的教育活动。本文主要针对3-6岁学龄前儿童,研究其应用戏剧教育活动的技巧。[1]
那么应用戏剧教育活动具体一点到底是指什么呢?举个例子如国内幼儿园比较普遍使用的故事表演、儿歌改演、节日演出等都属于应用戏剧教育的范畴。应用戏剧教育对3-6岁儿童智识、思维及创造力的影响是巨大的。应用戏剧教育也是幼儿老师使自己的课堂教育模式更加新颖有趣的有效手段,是掌控幼儿内心世界的艺术法宝。戏剧教育活动在幼儿园的灵活应用,会使幼儿教师的教学方式、氛围更加优雅,也会润物细无声地在幼儿的心里建起艺术世界的圣塔。笔者通过走访、观摩、查阅资料、理论研究,总结出几种针对3-6岁学龄前儿童比较适用的戏剧教育活动技巧以及应用策略,希望对幼儿教师有所启发。[2]
一、说故事
幼儿教师要先入为主地积极建立故事情境。比如,有一位小朋友不爱写拼音,老师发现了,主动地说:“小朋友们,你们见过蜘蛛吗?”小朋友们肯定争着抢着回答:“我见过”或者“我没见过。”老师继续说:“在老师家书房的窗户上呀,来了一只大蜘蛛。她是红色的,非常漂亮。她在窗户上结了一只大大的网,每天都在上面织出好多漂亮的拼音来。第一天织了个A,第二天织了个E,第三天织了个H。老师很奇怪,蜘蛛也这么爱学习吗?昨天晚上老师做了个梦,梦见了红蜘蛛姑娘,她对老师说,她最喜欢和拼音写得好的小朋友交朋友。小朋友们,你们谁想和红蜘蛛姑娘交朋友啊?”接着下面的小朋友会依依的举手,趁此机会说服不爱写拼音的小朋友好好地写好拼音。并且等不爱写拼音的小朋友把拼音写好了,老师可以真的拿个红蜘蛛的道具来,将小朋友们一齐引入故事情境,鼓励和鞭策小朋友写好拼音。
这种说故事的戏剧教育技巧是目前幼儿教师较常用的,是幼儿教师实施教育的最基本的机智。[3]
二、教师扮装
老师在进入课堂之前,先将自己“预装扮”一下,让小朋友一看就基本知道是什么角色。老师再把其它道具、装饰都摆在小朋友面前,一件一件地向小朋友们展示,然后由小朋友们把这一件一件的道具或装饰给老师装扮上。老师装扮完后,直接与小朋友们互动,运用“说故事”的教育技巧与小朋友们开展一个小故事,达到教育目的。
三、漫画墙
在教室里空一面墙,由老师在最前面画一幅图,上面有环境、人物以及人物的对话,针对3、4岁的儿童可以设计得简单一些,5、6岁的儿童设计得稍微复杂一些,每天由一位小朋友在墙上继续剧情的发展,这样,任由小朋友天马行空地去想象,这样一个长长的故事就会一直在小朋友的心中继续。这不仅会启发幼儿的想象力、创造力,还会培养他们的表达能力。
四、“你动我说”
老师进行简单的装扮,在小朋友们面前呈现不是老师的另一个角色。老师借助道具做一些事情,让小朋友们展开想象叙述老师所表演的这个“小故事”。然后,老师再“演”一遍,让小朋友做现场解说。这个技巧是“看图说话”的延伸,适合大班的小朋友做。老师扮演的角色也可以由小朋友来扮演,再由其他的小朋友做解说。
五、分组表演
老师提出一个主题,如“放学后的我”,然后提问一个小朋友,问他昨天你放学后都做了什么,是否愿意给大家表演出来。那么他表演时需要的搭档角色,如他的“爸爸”“妈妈”“奶奶”等,老师再从其他小朋友当中给他选出来,他们一起给大家表演出来。这个技巧非常锻炼小朋友的想象、模仿和表演能力。
六、即兴表演
即兴表演是最能探发小朋友思维力、想象力、表演力的戏剧教育技巧。这个技巧的运用对小朋友来说可以难,也可以易。说它难,是有时候小朋友的表演从故事情节上来说不完整,不连续,天马行空地想到哪演到哪,有时不太符合逻辑,当然对于3-6岁的小朋友来说有点求全责备;说它易,当然就是小朋友不受逻辑思维的约束,表演起来比较自由。这个技巧的应用,需要老师运用“说故事”的方式引导小朋友把握故事大致的方向。
以上是笔者在走访、旁听了牡丹江几所幼儿园后,又查阅了一些研究资料,归纳出来的比较适合3-6岁幼儿使用的戏剧教育技巧,比较基本但是行之有效,幼儿老师们可以根据自己的教学经验由这些技巧再引发出其他的技巧。本文参考的苗芳的硕士论文《教育戏剧在幼儿阶段的运用》中,针对5-11岁的儿童的戏剧教育技巧,她提到了集体绘画、故事接龙、界定空间、坐针毡、仪式、人体雕塑、口头声明、静像剧面、思路追踪等技巧,这对本文研究的3-6岁的儿童的戏剧教育技巧也有一定的借鉴作用。
参考文献
[1]苗芳. 教育戏剧在幼儿阶段的运用. 云南艺术学院硕士研究生学位论文,2013.
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英文名称:Theatre Arts
主管单位:
主办单位:上海戏剧学院
出版周期:双月刊
出版地址:上海市
语
种:中文
开
本:大16开
国际刊号:0257-943X
国内刊号:31-1140/J
邮发代号:4-247
发行范围:国内外统一发行
创刊时间:1978
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一、教育戏剧的理论
教育戏剧是一种教育活动,在欧美国家的教育活动中经常使用,将戏剧融入教学起源于法国思想家卢梭的两个教育理念:“在实践中学习”和“在戏剧实践中学习”。后来美国教育思想家杜威实践学习理论的“渐进式教学”教学理论等,在欧美国家有了深远影响。
教育戏剧在我国的台港地区虽然起步较晚,但近几年的发展势头也是迅猛。而中国大陆地区虽然在课堂教学中有的教师有时也会有利用到戏剧表演这样的形式作为课堂组织形式,帮助学生更好地理解课文,但在语文课堂教学中并没有形成系统化和常态化,大多数停留在表演的层面,为了表演而表演,并没有真正从深处挖掘戏剧的教育功能,发挥和促进学生的学习兴趣和能力。并且,教育戏剧被引入也经常被使用在中小学语文课堂教学中,包括欧美国家、中国的台港澳地区,也是普遍在中小学语文教学当中会使用教育戏剧,而大学语文课堂却没有提及。即使是这方面的论文,本人查阅了近几年的关于戏剧教育的相关论文,也都是论及中小学语文课堂,而没有提到大学语文课堂。那么大学语文教学是否也适用教育戏剧?如何在大学语文课堂教学中开展教育戏剧?
因而,本文希望通过探讨教育戏剧这一理念,分析如何融入语文课堂教学当中,如何促进大学语文课堂教学的效果。
二、教育戏剧的概念和内容
(一)教育戏剧是一种教育活动,即在教室内运用戏剧与剧场的要素与技巧于课程教学。教育戏剧与戏剧教育不同。
“教育戏剧是用戏剧方法与戏剧元素应用在教学或社会文化活动中,让学习对象在戏剧实践中达到学习目标和目的”所以,教育戏剧是利用戏剧这一艺术形式来开展教育活动,而并非是针对戏剧这一文学形式所进行的教育(戏剧教育则是针对戏剧这一艺术形式进行的教育活动)。在教育戏剧当中,“教育戏剧所秉持的理念就是以学习者为中心,以戏剧作为教学媒介,在教学过程中,学生将语文教材中的大量故事、诗歌进行自主改编、二次创作的过程提供了学习者广阔的想象和创作空间”。在这里,教育教学的内容还是语文课文,但为了让学生更好地理解课文内容,加强教学效果,同时让学生掌握学习语文应该达到的实践能力,即能听、说、读、写的能力,于是在这里,戏剧在课堂教学中作为施展教学所利用的一种工具和媒介,而不是教育教学的内容。教育戏剧更注重的是教育教学的内容,而不是戏剧本身,希望能通过利用戏剧这一文学形式营造一种宽松愉快的氛围,锻炼学生的能力。是一种教学手段。
(二)戏剧教育恰恰相反,戏剧教育则是注重戏剧本身,戏剧本就是教育的内容,戏剧教育是针对戏剧这一文学艺术形式而实施教育活动。目的是为了培养专业戏剧的编、导、演和舞台美术等专业人才。戏剧教育是针对戏剧这一文学形式所进行的教育活动,具有专业化,在戏剧教育中,戏剧不是工具和媒介,而是教育教学的内容。
(三)教育戏剧与戏剧表演存在区别。“教育戏剧是一种运用于社会文化和普通教育过程中的戏剧方法,也就是在教学或社会文化活动中,将戏剧元素作为一种教育方法,让学习者在戏剧的学习和实践中达到学习目标。教育戏剧并不是简单地故事戏剧化或扮演戏剧,其重点是给予学习者正确的引导,让其进入到学习主题中并在其中学习到更多的内容。”
而戏剧表演则是一种艺术表演形式,戏剧是指以语言、动作、舞蹈、音乐、木偶等形式达到叙事目的的舞台表演艺术的总称。戏剧旧时专指戏曲,后用为戏剧、话剧、歌剧、舞剧、诗剧等的总称。文学上的戏剧概念是指为戏剧表演所创作的脚本,即剧本。戏剧的表演形式多种多样,常见的包括话剧、歌剧、舞剧、音乐剧、木偶戏等。其重点是让观众观看欣赏,完成故事情节的了解和对其主题的理解。
三、教育戏剧在大学语文教学中的具体实施
(一)明确教学目的,确定教学任务
所有的教学活动要围绕教学目标展开,因此在教学中确立正确的教学目标就尤为重要。教学目标是教师和学生共同完成的任务,是预设的,因此也是检验教学任务是否完成的指标之一。对教学具有导向、激励、调控和评价等功能。只有明确教学目标,师生在教学活动中才能按教学目标优化教学活动,发挥教学目标,顺利完成教学任务。
教育戏剧虽然是以戏剧表演作为辅助教学手段,但是如果没有事先的准备,学生在一堂课里就能编出剧目并随即表演,在时间上过于仓促,质量也欠佳。因此,往往要实施教育戏剧之前,要做课前的一些准备。首先,教师可以先明确即将要进行的教育教学内容的目标,并可以告知学生,例如要达到的语言表达目标、表演目标等。明确了教学目标后,学生可以针对性地对所要教授的教学内容进行处理,即进行创编,而且创编的剧本必须围绕课文,并能体现所要达到的教学目标和效果。
(二)熟悉原文原著,查阅相关资料
明确了教学目标后,即进行剧本创编的准备工作。教育戏剧是学习课文的辅助手段,戏剧剧本创编和戏剧表演都基于课文内容,在此之上可以进行扩展、拓深。无论如何,戏剧表演的内容不能和教学内容无关。因此,学生首先必须阅读课文的原文或原著,或者查阅相关资料。因为《大学语文》教材中选编的课文有很多是节选自名家名作名篇,并不是完整的篇目,所以,为了让学生能更好地了解内容,必须先阅读原文或原著,了解作者创作的背景、理解作者写作的意图、理解作品的原著精神、把握文章的主旨。例如陈洪主编的《大学语文》中,古文课文《论语・先进》、《庄子・秋水》、《礼记・大学》等,还有西文汉译作品《在宾夕法尼亚大学的演说(节选)》,这些文章都是节选原文原著,若要从整体去把握作品的主旨,可阅读原文原著。除此之外,有的篇目则非常浓缩,给学生提供创作的信息不够大,例如诗歌戴望舒的诗歌《寻梦者》、艾青的诗歌《北方》等。要求学生⒛练的诗歌扩编成一部可以表演的戏剧,则需要获取更多的创作来源,所以学生应做足课前的准备,查阅相关资料,熟悉原著原文,了解作品的创作背景等。
(三)分组合作探究 创造编写剧本
每一种艺术表演都有个脚本,戏剧也不例外,而戏剧表演的脚本,便是剧本。剧本是一种文学形式,是戏剧艺术创作的文本基础,是表现故事情节的文学样式。剧本里将会对戏剧的表演过程有叙述和描绘,并设计好演员表演的表情、动作、语言等。编导与演员则根据剧本进行演出。
因此,语文教学中要运用教育戏剧,第一步应先创编剧本。创编剧本是在理解文学作品的基础上进行二次创造,是一种文学创新活动。学生在这一过程中感受的不仅是小说、散文、诗歌、戏曲等文学形式带来的阅读体验,也是对作品进行完全解构之后的剧本创作。大学语文课对学生的要求,除了阅读和理解作品之外,更高层次的应该是赏析和创造能力。在课堂教学环节融入情景剧表演,可以有效地实现这一教学理想。大学语文课程所使用的教材中的篇目大都是选取了中国古代、现当代经典文学作品,或是选取全文,或是节选片段等。这些课文大多是诗词、散文(包含古文和现代散文)、小说、说明文等,不是所有的课文内容都便于改编成剧本的,例如散文和说明文就不便于改编成剧本,而故事性强的小说则因为有相对较完整的故事情节而便于学生创编,诗歌由于大多是表达情感的,也可以有迹可循进行创编。因此,学生在阅读古文、小说、诗歌后,依据自己的理解形成新的审美体验后,可以结合自己的审美体验对所阅读的内容进行情节细节上的创编,以便于在课堂上进行情景表演。
这是一个伴随着文学审美体验和想象力、创造力协同合作的过程,因此编剧的过程,实际上就是学生的文学创作过程。
(四)分组戏剧表演并评价
在实施教育戏剧之前的准备工作完成后,则可在课堂上实施开展。教师可邀请其他老师担任评委,或者从班级里挑选出几位同学担任评委,在课堂上宣布剧目表演开始,然后按课堂教学实际时间来合理分配每个小组的表演时间,让每个小组选派的组长先就自己小组所理解的课文内容和寓意进行讲解,然后安排组员开始围绕课文内容进行的戏剧表演。表演结束后,根据评委的评选结果,评选出最优秀的剧目,该剧目表演必须是最能体现课文内容,最贴切课文寓意的。最后,老师就学生的表演进行点评。
例如《论语・先进》这篇古文,在学习这篇古文的过程中,由于文言文对于学生来说,稍微生僻些,学生不容易理解课文的内容和寓意,所以,借助白话文的戏剧表演,通过模拟文中情境对话,对于理解课文,有很大帮助。《论语・先进》这篇文章写的内容是关于孔子和几个弟子围坐着谈论治国方法,从而表达自己的政治理想的故事。因而,这篇文章的情境表演主要是表演孔子和几个弟子的围坐、将文中文言文翻译成的现代白话文对白、人物的表情和眼神、动作等,通过欣赏以上的表演,从而得知前三名弟子的治国方法,都没有谈到根本上,孔子赞赏曾点用形象的方法描绘了礼乐之治下的景象,体现了“仁”和“礼”的治国原则,这就谈到了根本点上。这篇文章,从孔子和他的学生自述政治上的抱负,从中可以看出孔子通的政治理想,最终理解这篇古文的寓意。这样的课堂氛围活跃,学生们都能互动起来,他们在这样愉快轻松的氛围中,自主探索学习,取得了很理想的学习效果,整个课堂的良好教学效果也体现了出来。
三、结语
在大学语文课堂上引入教育戏剧,可以促进同学之间的交流合作精神。教育戏剧的开展必须借助戏剧表演,在表演过程中不是一个人能够完成的,需要几个同学之间团结协作。因为教育戏剧的戏剧剧本创作和戏剧表演需要,同学们必须阅读和讨论课文内容,探讨创作,揣摩表演时的语言、表情和动作、眼神等,并撰写剧本,学生们为完成这一任务而齐心协力,他们在这一过程中变得熟悉起来,有些平时沉默寡言的同学也变得勇敢起来,敢于表达敢于与他人交流;这样的活动不仅培养了学生们彼此间的合作精神,还提升了他们的语言表达能力和写作能力以及表演时的表达能力,更重要的是,教育戏剧给了学生提供展示自我的平台,增强了学生的自信心,提高了学习语文的效果。
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回国后,余上沅曾经组织“国剧运动”,虽然国剧运动最终宣布失败,但余上沅提出的国剧理想,即:国剧是“中国人对于戏剧,根本上就要由中国人用中国材料演给中国人看的中国戏。这样的戏我们名之曰‘国剧’”,曾经在一段时间内,成为中国戏剧界部分戏剧家们艺术追求的目标。
1920年代开始,余上沅就积极参与戏剧导演与表演。1924年夏,余上沅与闻一多、熊佛西、赵太侔等人合作演出了洪深编剧的《牛郎织女》。1924年冬,余上沅改编并导演了中国古典名剧《长生殿》,将其命名为《此恨绵绵》,该剧在美国万国公寓礼堂演出,效果空前的好。
回国后,余上沅积极组织国剧运动,组织北平小剧场运动,进行小剧场戏剧的排演,但是,因为人才、经济的困难,北平小剧场运动只进行了很短的时间即宣告结束。
1935年10月18日,余上沅到国立剧专担任校长一职,该校1935年10月18日在南京薛家巷成立,1949年与延安鲁艺合并为中央戏剧学院。
在14年的从教生涯中,余上沅先后排演了《视察专员》(1936年)、《回家》(1936年)、《东北之家》(1936年)、《威尼斯商人》(1937年)、《奥赛罗》(1938年)、《长生诀》(1945年)、《师表群伦》(1946年)等七部戏,其中《视察专员》、《奥赛罗》、《长生诀》、《师表群伦》、《威尼斯商人》都是多幕剧,每部戏的导演要求不同,导演出的戏剧舞台呈现也不一样,从而形成了余上沅丰富的导演创造。
在导戏的同时,余上沅总结自己的导演经验,撰写了多篇导演理论论文,其导演的戏剧在20世纪30、40年代的话剧界具有弓丨领风气之作用,导演风格也独树一帜,颇为评论界赞赏,成为国统区著名的戏剧理论家和戏剧导演。
余上沅的导演艺术理论体现在他撰写的部分论文中,它们分别发表在民国时期的多部戏剧杂志上,有在《国立戏剧专科学校校友通讯月刊》上发表的《表演提要》、《导演提要》、《舞台美术提要》,在《广播周报》上发表的《怎样欣赏戏剧》和在《中国青年》上发表的《综合艺术》等。这些论文详细阐释了余上沅在戏剧导演艺术方面的见解。
总体看来,余上沅的导演艺术理论属于实用型导演理论,注重实践运用,避免深奥的理论阐释,其内容集中于导演素质的要求、导演的舞台动作设计和导演步骤三个方面。这种实用之导演艺术理论是适应1930、40年代戏剧导演艺术的发展状况而形成的,具体内容如下:
—、导演素质的要求
余上沅认为导演的素质是保证导演完成戏剧导演工作的前提,并明确提出了戏剧导演应具备的四方面素质。
第一,导演应具有阅读剧本,将剧本内容想像成画面的能力。
余上沅认为,导演应“能够熟读一剧至若干遍后,在头脑中形成一连串绵不断的活动画面,如临其境,如见其人,如闻其声”。也就是要求导演要具有将剧本内容转化为生动的艺术形象的想象力,想象力是导演进行创作的基本能力。
第二,导演要具有观剧的能力。
这是余上沅对导演观剧体验之修养的要求。导演不仅自己要具有创造力,还应具备超越平常观众的观剧能力,在观剧之时,能发现一剧演出之优点,能分析出其优点“其所自来,认出其贡献缘于剧本,缘于演技,抑或缘于导演”,并且能发现导演的缺点,并能记录下来,以备以后导演的时候借鉴。
第三,导演要具有启发演员的能力。
余上沅认为导演应具有的最关键素质就是能“同情演员并且协助演员”,对演员要“循循善诱,注重启发”。
虽然戏剧是综合艺术,但是,将戏剧排练的最终成果呈现于舞台的是演员,怎样辅导演员,使演员能够将戏剧内容完整、准确、合理、生动地呈现于舞台是考验一个导演基本素质关键之所在,所以,启发、培养演员是戏剧导演过程中最关键的因素。余上沅认为导演具有“支配演员指挥演员的”的特权,但是,“绝对不可妄自尊大,苦人所难”,要“循循善诱,注重启发”。这种“循循善诱,注重启发”的培养演员之方法,既要求导演要尊重演员,考虑与照顾演员的情绪,又要求导演具有高于演员的对剧本的理解能力,充当演员的导师。
第四,导演必须学识渊博。
这是是余上沅导演观念中导演应具有的最基本能力。余上沅认为,导演在剧本理解上、观剧中、辅导演员方面都要具有特别的能力,这些能力集中到最基础的一点就是导演必须学识渊博。
戏剧包含布景、舞台装置、灯光运用、服装道具之配合、表演、化装等各门类艺术,作为导演,必须对这些艺术有深入的了解,能运用这些技术才能将各门艺术综合起来,达到合作功效,才能导演好戏剧。
余上沅在其戏剧导演理论中强调导演应具有4个方面具体修养的同时,又反复强调导演很容易“沦为戏匠之流”,导演拥有4项基本修养是避免导演“沦为戏匠之流”成为好导演的前提条件。
以上这些导演修养的提出与余上沅对戏剧的整体认识有关。余上沅认为戏剧是一门综合艺术,即“舞台是一付立体的画面,配音是一曲美妙的音乐,演员的动作是一场生动的舞蹈,台词是一首优美的诗歌,由于多方面的综合,才造成了完整的戏剧——综合艺术”。因为戏剧综合艺术的特性,导演面对戏剧时就必须具有戏剧各部门的综合知识,懂得各部门的运作,所以,综合性的修养是必须的。
除此而外,西方戏剧传人中国以后,以其动作性见长。余上沅是一位话剧导演,讲究动作性必然是其导演理论中的重要内容。
二、导演的舞台动作设计
余上沅认为,“盖艺术之目的,端在满足人生之需要,非以聊供闲中消遣,或清闺雅玩也”,明确提出戏剧应具有文化之使命。余上沅的这一观点似乎有戏剧工具论的嫌疑,细究之下,也很有道理,戏剧是一种代言体,一方面代表对象说话,另一方面在代目的同时需要有一定的启发、教育观众之意义,戏剧让人更深人地了解人生、社会,所以,戏剧的使命感是戏剧生命力之所在。余上沅显然看到了戏剧艺术生命存在的重要性:一部无意义的戏剧作品只能供消遣,难以流传,一部有生命能流传的戏剧作品,必然是能结合社会、人生之意义,并能深入影响与打动人的。所以,戏剧之艺术目的尤为重要。
但是,导演该怎样将戏剧的文化使命传达给观众呢?余上沅认为导演应根据剧本进行动作设计,通过动作展现。戏剧需要表现其使命感,而表现工具就是戏剧动作,戏剧要靠动作来推动情节发展。余上沅认为,戏剧导演的动作设计与绘画是非常接近的,它也如绘画一样,要注意统一、轻重、均衡、比例、调和、节奏,如此一来,戏剧设计才能“提纲挈领,宾主分明,轻重匀称,既言适度,调协和合,气韵灵动,终至炉火纯青,轻巧自然,人于化境”。戏剧演出就是在视觉上要通过动作形成一串活动立体画面。
在余上沅的导演理论中,戏剧中的动作可分为大动作和小动作。所谓大动作是指舞台上大的位置的移动,余上沅将舞台分为15个分区,认为应该从方向、姿势、阶层、动定、虚实、明暗、色彩、线条和衬托等方面对动作进行设计,又提出任何动作需要“有其理由之存在,为其感情所驱使,断非偶然”,概括了大动作之形成的10种依据:依据剧本、依据人物心理、依据把握观众注意力要求、依据剧情跌宕与期待、依据剧中人物关系、依据场上气氛、依据场面之画面感、依据节奏、依据速度、为打破戏剧单调等。
对于戏剧中小动作的设计,余上沅提出了“与其多动,毋宁少动”的原则。所谓戏剧中的小动作是指演员不进行位置移动自身发出的举动,如击掌、点烟、屈指计算、格斗动武、写字、闻香摘花等,演员的小动作在某种程度上有助于人物内心的表现,能推动情节发展,但是,反作用就是容易分散观众的注意力,误导观众对戏剧的理解,造成场面混乱感,破坏戏剧气氛。
无论是大动作的设计还是小动作的设计,都属于演员表演内容,导演注意演员的动作设计是帮助演员进行表演的重要一环。
作为一个好的导演,不仅要帮助演员设计动作,还应该注意演员动作与所饰演之人物的思想、情感、语言的配合,这首先需要导演根据剧本对演员进行剧本研读、理解戏剧主旨、理解人物方面的训练,在排练中使演员表演由简人繁、由生疏至熟练,最终将表演中各部分融会贯通。
三、导演步骤的设计与实施
余上沅的导演艺术理论中,排演是戏剧导演的重要环节,他认为导演在排演戏剧的时候,需要设置排演的日程,并注意排演中的26个内容。
他以一部三幕剧的排演为例,以五周时间为限,列出戏剧排演的详细日程:第一周,导演要组织演员读剧、讨论,并开始第一、二幕的粗派和复习;第二周,复习第一、二幕进行第三幕的粗排,并进行全剧的可提词式复习,配合布景、道具进行试演;第三周,先针对主要演员和次要演员进行抽场排练,最后全体演员进行排练,主要注意台词和动作的衔接;第四周,复习三幕戏剧内容,并进行全剧试演,同时邀请少数来宾观看;第五周,要达到全剧能一气呵成的效果,进行最后试演。
在详细的排演日程安排之后,余上沅针对排演中可能出现的情况提出了导演细排戏剧时应注意的26个内容,包括布景设计、灯光效果、舞台调度、动作的统一性、戏剧舞台的美感等若干方面。其中尤其强调导演与布景设计者的沟通,提出导演要与布景设计者就大道具的形式、安排进行磋商、协调,以使布景尽快与表演配合,从而达到戏剧综合呈现的效果。
排练是将戏剧呈现于舞台的重要步骤。余上沅将排演环节作为其戏剧导演理论的最终环节来进行阐释,既符合戏剧导演的基本程序,又是对一部戏剧舞台呈现之最后步骤的展示。文明戏时期,戏剧只经过简陋的排演甚至不经过排演而搬上舞台,其结果是演出效果越来越差,终至丧失了自己的戏剧市场。传统戏曲主要欣赏固定的戏曲技术呈现,舞台表演一般不需要排演,但是并不影响戏曲的表现力,因为戏曲剧目表演已经固定化了。戏曲唱念做打的配合按照程式进行,主角上场即能与配角搭上戏。而西方戏剧、中国话剧则不同,西方戏剧与中国话剧都是按照剧本进行表演的,没有固定的表演程式,戏剧表演全靠演员对剧本进行领悟,排练娴熟后,上台表演才可保证万无一失。
中国传统戏曲中没有导演,中国戏剧之导演角色是从西方戏剧中引进的,中国话剧舞台上导演工作规范的制定也是从西方戏剧学习而来。中国第一个导演是南开新剧团的张彭春,张彭春曾到美国学习戏剧,在1911年南开中学导演《醒》和《一念差》之时,开始逐渐尝试导演工作,而导演名称与排演制最终得以承认是1924年洪深导演《少奶奶的扇子》的时候,从那时起,中国才开始有了较科学与完整的导演排演制,但是,这种导演排演制很长时间内只在小范围内进行。直至1930年以后,中国话剧届才普遍实行排演制,导演的地位越来越被承认,导演规范逐步建立,基本的导演技术得以确认。余上沅做为中国现代话剧领域里较早涉足导演艺术的戏剧家,经过多年戏剧导演实践,总结出了以上一系列务实的导演观念,形成了朴素、细腻、严谨的科学化的导演方法,并以此推动了中国话剧戏剧导演有规范、有步骤地发展。
余上沅的导演理念是在其导演实践中形成的,理论体现于实践,戏剧《视察专员》是余上沅剧专时期的第一部导演作品,这部作品由陈治策根据果戈理的《钦差大臣》改编,戏剧中的人物、情节全部进行了中国化的改动。在《视察专员》一剧的导演中,余上沅充分体现了自己的导演特点。
观众评价该剧中余上沅的导演手法:“精密、细腻、节奏清晰、变化自然,似乎没有一个小洞隙不被导演者之思绪所淘染。”据徐慕云回忆:这次的演出演员水平“都很平均,即便一个小角也与正角一样的用心演出”。在这部戏的导演中,余上沅展现出细致、精密、节奏感鲜明、场面变化自然的导演特点,尤其重视对演员表演能力的培养,力图使整部剧的演员表演水平呈现出平均的状态。194.1年,余上沅在其《导演艺术提要》一文中总结了自己的导演经验,其中重要的一点就是:对舞台事无巨细,从细节出发,把握舞台表现的每一步。这样的导演理念在这部《视察专员》里边已经充分呈现出来了。
关键词:戏剧艺术;表演;自我;角色
在戏剧表演过程中,演员的自我与角色是对立统一的关系.演员的“自我”又称本我,是演员真实的心理状态和行动.而演员的“角色”是指在戏剧表演过程中塑造的人物的性格、行为等等.在戏剧表演的过程中,演员的自我与角色之问存在不同程度的区别,而达到表演过程中自我与角色的有机统一,则是戏剧艺术的最高境界。
一、演员本身的自我认知
想要成功地塑造角色演员就应该把握好自身的一些条件,这些条件包括自己的外部特征,比如相貌、声音、形体特征等以及各种外部技能比如唱歌跳舞、琴棋书画等,而且要充分了解自己的内心世界,把控好自身的情感;当然也包括自身的生活经历以及自身的修养。演员本身具有的天赋各不相同,有的形体动作比较好,在形体方面占优势;有的有声乐天赋,在台词声音塑造上就占优势;有的模仿能力强,学什么像什么;有的生活阅历多,在理解角色上就占有优势。因此,每个人的可塑性是根据自身能力而有所不同的。演员做好准备提高自身的技术,充分认识到自我的短处,排练时就可以节省好多时间,融入角色比较快。日本著名学者盛田昭夫说过:“如果你一点也不了解一条河的深浅,你最好打消要趟过它的念头。”因此,演员要想对角色的塑造成功必须要清晰深刻的认识自我。也就是说演员要想更好地从自我向角色去融合必须要充分认识到自身的优缺点。这也是演员自我进入人物角色的前提条件。
二、从自身角度出发深入发现剧本对角色人物进行详细认识
演员拿到剧本后必须对剧本角色进行的二次创作才能真正的了解这个角色。在剧本设计的背景下,从时间、事件、环境来全面分析角色人物的心理变化,从而了解人物性格对人物的行为处事进行揣摩,进一步揣摩角色人物的内心世界,融入到角色的心理,然后自己根据剧本要求来刻意的去模仿角色,从而逐渐地从模仿到最后的完全与角色融为一体,才能把戏剧表演的淋漓尽致。具体可从以下两方面入手:
1、在时代背景下分析角色
根据剧本人物生活的时代对角色人物的时代产物以及生活习惯进行具体分析,详细的分析角色与自我之间的差异,从而完成自我的突破真正融入到角色中去。
2、抓住角色的性格特点
根据剧本中角色的言行举止和环境分析角色人物的性格特点。可以在一些具体的事件上把握好这些鲜明的特点表现出来。要想把人物性格主体才能够表现的越厚重越坚强必须在环境冲突严峻、破坏力大的前提下才能完成。
三、升华表演艺术,完成自我与角色的统一
通过前面两个方面可以看出,演员只有将自身特点与角色之问相似特征相互融合才能把角色塑造成功。要想达到完美的表演效果单纯地依靠本色演出或者单纯地靠技术训练都难以完成。表演的基本功是演技,是对演出时的肢体形象、语言、节奏的把握。必须对剧本的时代背景、内涵、角色心理以及观众心理和情绪多方面考虑才能充分的发挥自己的演技。所以演员应该在自我认知的基础上,把控好角色与观众心理,在塑造出角色的基础上通过自身特点来表现人物张力。在舞台表演的同时,演员对角色和观众心理感知的缺乏会造成表演迷失的现象,而过于陷于角色思考同样也会自己无所适从,要想在自我与角色之间的转换与交流演员必须通过加强训练来达到。所以,演员首先要先了解生活,通过自身生活的实践与观察更多的了解社会多层次人的生活原型以及心理诉求,这样可以增强自身的生活阅历更好的塑造角色形象;其次,自己能够在表演过程中顺利地实现自我与角色之间的转换还应通过加强训练让自身能够迅速模仿各色人物;最后,也要通过深刻理解剧本创作意图与人物心理特征产生的根源,从而使自己突破自我,丰富自己不同角色塑造能力,并使作品不会偏离作者的主旨。
四、结束语
总而言之,自我与剧本中角色的真实交流才是真正的戏剧艺术表演,这就好比将两个性格不同的人通过剧本这一条纽带融合成为一个性格、言行举止、行动表现完全相同的人从而实现两个真实的自我之间的交流。这些在艺术舞台上的表演是十分重要的。而作为戏剧表演者在舞台上运用自身的全部去表现塑造好一个剧本中的角色才是最终的目标。通过把这个栩栩如生、活灵活现的角色的扮演好,将观众完全吸引到当时的环境情景中,完全投入的去欣赏表演。因此,作为戏剧表演演员,应该完善自我与角色关系的塑造,才能够从容的在角色中找到自我,在自我中找到角色。
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我认为,关键的原因就是当下的戏剧消解了文学性。而这种消解并不只是单方面从戏剧展演上的消解,更是从学科建制、理论研究、戏剧生产与批评探讨这四重层面上的全方位消解――学术界、批评界、舆论界与戏剧界本身都已然抛弃了“文学”作为戏剧本体的意义,这与汤显祖、李渔时期重视“案头文学”的戏曲大辉煌年代,与莎士比亚、莱辛时期“作家中心制”的黄金时代截然相反――须知“只顾场上,不顾案头”必然会让当下戏剧陷入低迷,并难以走出。所以,要想让当下戏剧走出低迷,必须在上述的四重层面重申文学性的价值与意义。
首先,学科建制上对于文学性的重申,是全面培养戏剧人才,丰富戏剧教育内涵的重要前提。
所谓学科建制,说到底就是人才培养问题。纵观当下高等院校关于“戏剧”的学科建制,一般本科以“戏剧表(导)演”与“戏剧影视文学”为两大专业,这类专业的考生基本上是以高考招生的“艺术生”为主,而硕、博士研究生培养序列中,关于戏剧的“戏剧戏曲学”则又是与“表演学”、“电影学”、“广播电视艺术学”等专业被“艺术学”一级学科所囊括,从未被放置到“中国语言文学”一级学科之下。纵观全国高等院校、科研院所的“戏剧戏曲学”硕士研究生,仅有南京大学一家列入到了“中国语言文学”一级学科之下招生,其余皆是按照教育部学科编排列入“艺术学”招生,甚至前些年风行全国的艺术学专业硕士MFA更是将“戏剧戏曲学”等同于“戏剧戏曲演员(导演)”进行遴选,而开设写作学MFA课程的上海大学与复旦大学则又以小说创作为主,丝毫不提编剧原理,戏剧与文学的关系竟然尴尬至此――学科尚且如此设置,一切不言自明:“戏剧”是一门艺术,而不是一门文学,文学功底好坏,语文成绩优劣并不能成为“戏剧”门类招生的标准,而只用看其“艺术水准”即可。培养人才尚且如此不顾“文学性”的标准,若还想使得戏剧走出低迷,岂不是本末倒置?
其次,理论研究上对于文学性的重申,是完善戏剧研究领域,健全戏剧理论体系的基本保障。
理论研究是否全面,决定了一门学科是否可以健全、可持续地稳定发展。受到学科建制的影响,当下戏剧理论界的“重艺轻文”趋势则更是如此。中国古代戏剧发展的巅峰,其本质仍是戏剧文学的巅峰,明清时期的戏剧理论,其实就是重“案头”的戏剧文学理论,戏剧理论开始重“场上”研究,则开端于上个世纪初――而当下戏剧戏曲学的硕博论文更是较少研究事关“案头”的戏剧文学,而多半以声腔剧种、舞美灯光或表演技巧的“场上”元素为研究对象,或者干脆高扬“文化批评”、“戏剧人类学”甚至“后现代戏剧理论”的大旗,以空泛的西方理论来描摹当代戏剧这张已经不成样子的脸谱――纵然有对于戏剧文学的探讨,亦多半以表演、音乐为主而寥寥几笔带过,至于专门对于戏剧文学的研究,则更是凤毛麟角、微乎其微。
据笔者统计,自2000年至今,全国戏剧戏曲学硕博论文共有998篇,其中论述戏剧文学的仅有23篇,尚不足2.3%;再比如,自1978年至今,国内共出版各类中国戏剧史(通史、剧种史、断代史)达230余部,但《中国当代戏剧文学史》仅有一部,而且还是1990年出版的,凡此种种都表明,轻文而重艺的当代戏剧理论探索,已经成了学术界的主潮,如何在戏剧理论探索中重申文学性的意义,这亦是当下戏剧理论界一个迫在眉睫的问题。
再次,戏剧生产上对文学性的重申,是吸引更多戏剧观众、促使戏剧良性发展的第一要务。
古今中外,戏剧生产一般有三种体制:演员中心制(角儿制)、导演中心制以及编剧中心制,从长远的角度看,只有编剧中心制,才能够真正地促使戏剧良性发展。我国戏曲的鼎盛时期――元明清的杂剧昆曲时期,无一不是采取“编剧中心制”,一大批优秀的剧作家如“关白马郑”、李渔、孔尚任与汤显祖等人,他们的剧作《窦娥冤》《牡丹亭》与《桃花扇》等不朽名作不但光耀中国戏剧史、文学史,而且丝毫不逊色同时代西方经典的作家作品。但从京剧的徽班进京与花雅之争之后,戏剧生产开始逐渐忽视了剧作家的意义,以演员为中心的“角儿制”开始取代编剧中心制,开始只重“场上”而不重“案头”。及至二十世纪以来,西方电影生产模式下“导演中心制”盛行,编剧的地位更是旁落到可有可无的地步,无怪乎著名剧作家魏明伦将当下戏剧低迷的原因总结为一句话――“剧作家根本就是弱势群体嘛!”
戏剧生产上忽视文学性,使得戏剧不再“好看”,观众流失也就无可置喙,戏剧要想在当下走出低迷、良性发展,必须要依靠戏剧生产中对于戏剧文学――即剧本的重视。剧本剧本,一剧之本,戏剧的核心说到底就是剧作,而剧作的本质就是文学。如果不在戏剧生产上重申文学性的重要,从而凭借优秀的剧本来吸引更多的观众,而只凭空设想就可以产生好的戏剧演员,进而建构“角儿制”的戏剧生产模式,从根本上来讲是完全不可能的。
最后,批评探讨上对文学性的重申,是引导戏剧回归文学、带领戏剧走出低迷的主要方式。
别林斯基说,“评论家的职责,乃是补充作家叙述的空白,而不是说三道四”,就当下的戏剧评论而言,这句话更是有着警钟般的现实意义。一部戏公演后,剧评或许会如潮涌来,但多以演员的表演素养、导演的编排心得为批评对象,而剧作家则成了冷板凳上的“壁花小姐”。非但媒体不关注剧作家,甚至连评论界都认为剧作家无足轻重。譬如孟京辉导演的《魔山》《恋爱的犀牛》等剧作都曾在批评界、新闻界引起对“孟氏先锋戏剧”的热评,但这些剧作的编剧廖一梅却一直被“冷处理”,连廖一梅自己也哭笑不得地承认,“直到《琥珀》的出世,才第一次感受到了当编剧的幸福感。”
【关键词】肢体语言;外部技巧;融合
中图分类号:J812 文献标志码:A 文章编号:1007-0125(2016)02-0033-01
肢体语言在戏剧表演过程中的运用还是会受到了很多特定因素的制约,这样就让肢体语言在传达信息的时候拥有了一定的局限性,人类语言在发展的过程中,通过肢体语言形成了一种很完善的形体语言,在一定程度上让艺术表现缺乏具体性的缺点得到了弥补,增加了戏剧表演的色彩,所以现代的戏剧表演中肢体语言对形体语言进行了充分表现,表演具有丰富性。
一、肢体语言为舞台表演带来的冲击
适当的肢体语言能够让舞台表演更加具有活力,将人们内心的情感世界的色彩表现出来,也能够在舞台表现力和戏剧的发展上起到强烈的冲击作用。戏剧在现代剧后期的表现方式上起到了重要作用。出现在表演中的肢体语言,是根据具体生活的内容表现出来的,戏剧表演人员在这一方面都是经过完整的训练的。我国戏剧表演最高学府中央戏剧学院中有专门的课程,进行肢体语言的教学的研究,肢体语言一般是表演系的一门专业课程进行教学。
二、音乐剧表演中对演员应用肢体语言的综合要求
作为一门综合的表演艺术,音乐剧是一种能够将戏剧表演、舞蹈、唱歌结合在一起的艺术。这几个元素并不是孤立的,通过剧中的角色戏剧歌唱、舞蹈、表演得到了紧密的而结合、想要成为一个音乐剧演员需要具有舞蹈、歌唱、戏剧这几个基本条件,将他们综合到一起同样是十分困难的。一个音乐剧演员最基本的就是将声音、发声技巧、表情、形体动作综合到一起对剧中人物进行表现,就需要演员长期训练来实现的。音乐剧对于演员的形体以及声音是有着严格要求的,他们一般能歌善舞、多才多艺。在音乐剧的表演中,舞蹈作为一个重要部分在表演形式上有着重要的作用,人们通过舞蹈进行艺术表达,通过不同的节奏和动作、姿态以及表情,对作品中的人物和情感进行充分的表达。在音乐剧中人们通过舞蹈来对形体流动美感进行表达,能够准确表达剧情。踢踏舞、欧美民间舞蹈、芭蕾舞、爵士舞、流行舞等是舞台上音乐剧的几个种类。很多芭蕾舞演员出身的舞蹈演员,是经历过严格的技巧训练的,能够展现出轻灵、飘逸,在音乐剧的表演中有时会使用芭蕾舞体现出细腻的感情。现代爵士舞除了几层了传统爵士舞的特点,还将1950年到1980年间流行的舞蹈元素融入其中,时代的发展,与现代舞有相似之处,年轻人的生活状态和心理与风貌通过舞蹈进行表现。踢踏舞是英格兰和爱尔兰民间踢踏舞蹈和非洲节奏结合形成的。
三、戏剧与戏曲的完美融合
具有很强表现力的中国传统的戏曲表演艺术,是来自于生活,但又与生活不同,来自于体验,又不止于体验。表演艺术家们的一颦一笑、一举一动能够将内心深处情感表达出来,能够深刻地体现形体动作的刚柔、娇俏、雄美、虚实。演员的夸张适度、想象力丰富,还经过了严格的唱作念打的训练。《赵氏孤儿》这部典型的将现代戏剧和戏曲手法结合在一起的作品,在时空转换的处理上比较完美,开场的时候孤儿在梦境中迷茫、徘徊,灯光转换之后,孤儿翻滚之后回到了现实,现实和梦境通过一个动作就转换过来了,戏曲中的假定性被演员体验和展现出来;在向孤儿成熟自己当面的骁勇时,屠岸贾一个转身就将情境变为当年的样子。在象征手法的使用上,屠岸贾在对赵家灭门时,士兵们提着手中红色的包裹在围场行走,杀气满满的将包裹甩在舞台上,充分体现了灭门时血腥的场景。在戏曲动作的运用上,在结尾部分孤儿是通过戏曲的台步完成的,除了美感之外,还表现了孤儿的内心世界,在得知一切之后,又是恩人又是仇人的养父时候,他虽然迷茫,但是仍然要自己面对世界,作为一个男人他的每一步都是坚定又充满不确定性的。
四、结束语
总的来说,戏剧表演中使用的外部语言,都能够对戏剧的内涵有着一定的表现作用,但是,表演者在进行外部肢体训练的时候是有着严格要求的,舞台上丰富的肢体表演,能够使人在肢体上表现出扮演的人物的内心情感,还能够体现出表演内涵,训练的过程中,演员非常注重心理素质的培养,良好的心理素质能够让舞台上的肢体语言得到充分的发挥,能够让戏剧的表演力得到升华。
参考文献:
[1]安东尼・司顿斯,冯向红.英国“形体语言”雕塑大师:I・沃特斯(1930~2006)[J].雕塑,2006(06).
[2]赵晨.体育教师形体语言在教学中的合理运用[J].安徽体育科技,1998(04).
[3]池婷婷.戏剧表演教育发展面临的困境及可持续发展路径分析[J].戏剧之家,2015(20).
[4]钟美琳.传统戏剧表演艺术传承人的特性与功能[J].戏剧之家,2015(20).
关键词:赣剧花旦;表演节奏
戏剧理论家廖奔曾说:“节奏是表演的灵魂,但美感的体现却是赣剧表演的灵魂。赣剧是唯美的艺术,中国人对戏曲的审美期待不仅是它能提供合理的内容,还有它对内容的特殊表现方式及其效果――美的传达,这也是由表现性戏剧具备更大观赏性的特质所决定的。”在一出戏里,根据剧情内容的需要,各种表现手段有时互相衔接,有时互相结合或交叉,这使各种节奏因素呈现出复杂而富于戏剧性的组合,形成了全剧节奏的起伏和变化。这种节奏的变化,是由戏曲形体动作的节奏和戏曲音乐的节奏相辅相成地贯串于全剧的。
决定节奏的因素很多,有剧本问题,有音乐问题,有导演问题,有演员问题。就戏曲节奏而言,不能孤立地说慢比快好或快比慢好,很难定出一个通用的尺度。内容与艺术风格不相同的剧目,应有相应的不同的节奏。戏曲节奏离开特定的内容,孤立地任意延缓或加快,都将事与愿违。
一、表演节奏的重要性
掌握花旦表演尤不可忽视其程式节奏,乐队就是这里面的节奏谱。它的贯穿使用,以及它那强烈的听觉效果,构成和统领着全剧演出“可听”的节奏形式,成为李渔所说的“戏场锣鼓,筋骨所关”的重要手段;另一方面,它也因为与表演的默契配合,构成了最协调的视听关系和效果。乐队在演奏过程中音乐节奏的变化,如采取速度变快和放慢,旋律加花,胡琴运用单、双弓子对比来体现动作与心理节奏的松紧,必要时还要加上鼓楗子予以力度上的强调等。节奏是使唱念做打诸般艺术手段多样统一的共同要素。就唱念做打与歌舞相结合的
程度来说,从接近生活语言的散白到曲折委婉的歌唱,从接近生活节奏的各种手势、动作到紧张炽烈的武打,在强弱疾徐之间存在着多级阶梯式的节奏因素。在一出戏里,根据剧情内容的需要,各种表现手段有时互相衔接,有时互相结合或交叉,这使各种节奏因素呈现出复杂而富于戏剧性的组合,形成了全剧节奏的起伏和变化。这种节奏的变化,是由戏曲形体动作的节奏和戏曲音乐的节奏相辅相成地贯串于全剧的。由各种打击乐器的音响组成的锣鼓经在这方面起着极为重要。
戏曲节奏的快慢,受制于情境,依据于情节,决定于情绪。当快的时候,快于生活节奏,快镜头进退,当慢的时候,慢于生活节奏,慢镜头铺排。有时情节拖延,甚至停顿,但情感必需矛盾,乃至冲突。戏曲常常是情节缓慢,情感紧张。情感也是情节。
二、如何控制表演节奏
在戏曲表演艺术中,为了突出刻呵人物的内心世界。经常让人物自已直接陈述自已的内心活动和感情变化。而当这种陈述表现出言之无物和为抒情而抒情的情形时,自然就会显得平庸沉敷,节奏过于缓慢。为要解决这种现象的出现,仅就我们演员的角度来说,具体要做好以下几个方面的工作。
第一个方面,为要解决节奏的快慢,演员要在情节中抓住情结,在情节中爆感。、首先要解决的是,叙事与抒情不能截然分开。抒情中离不开事件的叙述,叙事时也必然渗透着叙述者特定的情绪。然而。以叙事为主或以抒情为主的戏词又毕竟不同。在本来应该抒发某种感情的地方代之以空泛的叙述,在本该叙述的地方代之以乏味的抒情,这都不行。只有抓住了情结。才能得心应手,左右逢源。
第二个方面,演员期待编剧能在创作前期。在情节与情结的布局上,把握好轻重缓急,这是舞台表演艺术决定成败的大前提。我国的戏曲传统曲目多取材于历史小说、历史故事,在某个剧目中出场人物的经历、人物之间的关系,往往存在漫长、具体而复杂的戏前史。所以在剧中就经常安排人物作往事的回忆。这种回叙又往往以夸耀的方式进行。于是形成一
出戏里反复回忆,不同戏里同样回忆。在有的戏中,这种往事的追忆与刻画人物特定性格和特定感情配合得很好。但也有另一种情况,却不顾人物的思想性格、不分场合,动辄让人物作大段回忆和夸耀功德等。编剧如果在这时处理好了。待到演员上场时,就十分从容了。
第三个方面,作曲者在音乐设计上,从剧本和演员的双向考虑中。合情人理,为表演者创造有利条件。因为戏曲中的抒情因素,不应该孤立地存在,必须与事件的进展、人物之间的矛盾冲突、人物自身的行动等有机地结合在一起。但有的戏中的抒情,却是在人物的外在形象和内心活动处于静止状态的情况下进行的,因而也会使观众感到戏的节奏慢得没有道理而不胜其烦。音乐设计。应该让唱者越唱越来劲,让听者越听越过瘾。
第四个方面,动作设计者,要把握好动作语言的合理运用,使演员能够随心所欲。除了唱念,同样重要的是做打。做打到精彩处。观众是不顾及动作是长还是短,是快还是慢,观众要的是欲望的满足,我们想,共同努力。导演再齐抓共管,戏曲的节奏,就能取得恰到好处的效果。
三、总结
戏曲舞台节奏是一种复杂化的“综合性”节奏,是一种综合性的艺术节奏。它由剧情的节奏、演员表演的节奏、音乐伴奏的节奏、场面处理的节奏,以及舞台上一切艺术手段,包括音响效果、开闭幕布的节奏等等因素综合而成。其中,剧情的节奏是整个舞台节奏的基础,而形成剧情节奏的主要内在因素,是剧情的发展和人物情绪的变化。当然“艺术来源于生活,并高于生活”,花旦演员在牢牢地掌握舞台节奏的同时,还要明白舞台节奏是要以生活为基础的,再加上中国戏曲特有的审美程式形成的,才能合理营造出有生命力,有感染力,有创造力的中国戏曲。
参考文献:
[1]刘孟琳 刍议京剧花旦表演艺术[期刊论文]-戏剧之家 2014(10).
〔关键词〕 厉震林 电影 研究 专著
上个世纪90年者就认识厉震林先生,但由于各种各样的原因并没有很多的交往和交集。只知道他是北京师范大学资深教授黄会林先生的高足,不仅具有理论思辨和研究能力,而且也有创作才气和能力。在黄会林教授的指导下,他完成了电影处女作品《残笛》和电影文学剧本《落日》,其间创作的上下集电视剧《我们的橄榄屋》荣获“理想杯”电视剧二等奖第一名(一等奖空缺),并且荣获中国戏剧文学奖。后来,拍摄电视剧代表作品有四十六集电视连续剧《康熙王朝》、三十集电视连续剧《开漳圣王陈元光》等,发表电影文学剧本《童年方舟》、《芝麻开门》、独幕话剧《都市晨曲》等,参与制作大型现代越剧《玉卿嫂》等。因此,很受黄会林先生的器重。在北京师范大学艺术系获得文学硕士学位后,他进入了上海戏剧学院戏剧文学系和电影电视学院任教。1999年,厉震林报考余秋雨先生的博士生,并且成为了上海戏剧学院历史上招收的第一位博士研究生。“他汲取了多所高校的优良学风,治学厚实、思路开阔”,导师余秋雨教授在他的博士学位论文答辩会上对厉震林如是评价。厉震林先生的博士学位论文《中国伶人性别文化研究》完成于2002年,但一直到2014才正式出版,因此,余秋雨先生为《中国伶人性别文化研究》写的序言也颇有沧海桑田的思绪:“今天,当他(厉震林――引者注)又一次把这篇论文放在我前面的时候,我几乎忘了。二十一世纪已经过去了十五年,厉震林早已成为学院教务部门的主要负责人,他指导的不少博士生,也都已成为一代学术骨干。于是,他,理所当然,成了‘长辈学者厉教授’。他的这篇学位论文,也随之成了‘两个世纪交接期的历史文本’。”
厉震林先生在中学学的是理科,大学读的是财政金融专业。1986年获经济学学士以后,曾经在山东大学任教四年。在旁人眼中,这位经济学人经历了八年耕耘,其专业生涯渐入佳境,成功在即,但厉震林却毅然决然决定改行,用他自己的话说就是“我是学经济学出身的,但我钟情的始终是文学。”知识分子大概都读过钱钟书先生的小说《围城》,或许都记得钱钟书先生有过这样一段议论:能够在银行谋一个职位,可以保衣食无忧,一生能够过上一种体面的生活。厉震林先生的当年同学,现在很多都已经成为了司局级的领导干部,不少是在经济要害部门,能够呼风唤雨,风光无限,但厉震林先生却不为所动,没有任何后悔的意思。一个人能够从事自己喜欢特别是热爱的事情,一定有一种旁人不一定能够体会到的成就感、满足感和幸福感,而且,包括电影理论批评在内的电影界似乎有这样一条铁律:凡是从别的专业或者领域转行从事电影的人,绝大多数都取得了很大的成绩、很高的成就,不管是从事电影创作和生产,还是从事电影研究和批评。与其说好的开始是成功的一半,不如说是真心热爱是成功的一半,是成功的基础,成功的保证。
虽然说现在戏剧与影视合力成为了一个单独的一级学科“戏剧影视学”,戏剧与影视似乎有一种天然的血缘关系、血肉联系,但戏剧与影视貌似还是“隔行”乃至“隔行如隔山”。即使是影视,几乎所有人都理所当然、理直气壮地合在一起说,横跨电影电视研究也是顺理成章,但电影与电视之间的巨大差异还是不可忽视的。特别是分别具体到电影创作和生产领域,电视剧创作和生产领域,忽视其差异必然会遭到市场无情的惩罚。笔者属于特别保守型的研究者,完全固守电影领域的研究,因此,对厉震林先生的戏剧研究(知道也取得了特别重大的成就)心存敬畏,不敢妄评。
从1993年开始,厉震林先生一直在上海戏剧学院担任教学工作,教师可以说是他的第一身份。他担任的课程包括戏剧影视文学、电视文艺编导、导演、艺术管理等专业的主干课以及全院的选修课,教授的学生则已有多位成为中国著名的电影演员、导演和制片人。特别是他的《电影名片分析》课程,先后被评选为上海市重点课程和上海市精品课程,在上海戏剧学院乃至整个上海都颇有名气。他自己这样认为:我是和《电影名片分析》课程一起成长的。对我来说,《电影名片分析》不仅仅是一门课程,它还影响到了我的学术和创作生活,更渗透到了我人生中的价值观和生命观。由于《电影名片分析》课程的文本细读方式,一个画面、一个场景、一个镜头、一个段落地读解和分析,许多名片的修辞语汇构成元素,可以说是烂熟于心,甚至是倒背如流,它对于我自己从事电影创作活动,真是大有益处,可谓是受益终生。总之,《电影名片分析》课程不仅滋养了听过厉震林先生课程的学生,也使得厉震林先生树立了电影美学的标杆,领略了电影真正的震撼和魅力。或许如此,我们看到厉震林先生其后把更多的实践和精力放到了电影研究上面,很快就成为了电影研究“海派”的代表性人物。
厉震林先生的电影研究主要集中在演员文化和导演文化两个领域,其中绝大部分是关于电影表演的。按照厉震林先生自己的说法:因为这是我的研究领域,长期的研究惯性使什么问题都会往表演文化和导演文化方面思考。其实,厉震林先生对电影的本体问题也有着很深入的思考,比如他这样评价巴赞的电影批评及其理论:在一个完整电影艺术活动的终端环节,也就是在银幕前,向观众直接评论电影,进行讨论和辩论,这种电影评论的终端观无疑使评论回归到本位,在一种最原始和最直接的评论状态中,使评论产生了它原本应该具有的价值。安德烈・巴赞让电影接入到观众,让电影评论接入到电影创作,使得电影创作、评论、接受“三位一体,相互依存,相互制衡”。厉震林先生的电影研究著作《电影的转身:中国电影的现代化运动及其文化阐释》出版以后,作为上个世纪80年代最活跃也最具权威性的北京电影学院教授倪震先生这样评价道:《电影的转身:中国电影的现代化运动及其文化阐释》,是一部既有历史回顾又具文化阐释的电影专著。它不但对新时期以来的电影文化思潮、电影本体演变和电影产业状况进行深入而精炼的分析,而且,对电影批评及电影实践诸方面亦均有论述。这是一部具备多视点又实现整合性论述的电影文化著作,对20世纪80年代直至新世纪之初的中国电影现代化运动作出了独特的、具有学术意义的阐述。笔者1997年曾经与裴亚莉女士合作完成了一部电影研究著作《新时期电影文化思潮》(中国广播电视出版社1997年版),述的也是1979年到1996年间新时期电影思潮的演变及其内在外在原因。读了厉震林先生的《电影的转身:中国电影的现代化运动及其文化阐释》,有很多新的启发,也感到了一种深深的遗憾,产生了强烈的重新修订《新时期电影文化思潮》的冲动。不过由于种种原因,迄今为止修订工作还仅仅只是“念头”而没有付诸行动。好在关于新时期电影研究不断有新的著作问世,我和裴亚莉女士在《新时期电影文化思潮》没有顾及到,或者说论述不到位的情形已经在很大程度上得到了弥补和完善。笔者曾经在中国电影史研究中梳理了“重写”与“再写”:所谓重写,似乎意味着、颠覆前人,意味着另起炉灶重新搞一套;而所谓再写,依照笔者的理解,就是在此时此地出发、根据此时此地所能够达到的水平并且反映、满足此时此地的需求。也就是说,再写不是、不是颠覆,而是“承前启后”――一方面继承前人的所有成果,另一方面也为后人提供继续发展所需要的东西,是历史发展长河必不可少的环节。其实,历史就是一个不断延续的过程,电影史也是一个不断再写的过程,不断完善和细化的过程,即“永远在路上”。尽善尽美终究只是一种追求和理想,我们自己今天觉得尽善尽美的东西,但后人肯定会发现有很多遗漏,这就是历史发展的辩证法,不是依人的主观意志为转移的。因此,当我们使用再写概念的时候,在某种意义上就意味着“放低身段”,意味着不再追求尽善尽美。重要的是,我们做了我们应该做的事情,无愧于我们所处的时代,无愧于我们在所处的时代所作出的此时此地努力。
厉震林先生的新著《电影的构型:表演、文化和产业》是他的第八本论文集。厉震林先生自己坦诚:断断续续写了两年,有因会议主题的,有因媒体邀约的,有因刊物专栏的,有因课题任务的。目的不同,风格却是基本保持一种,即讲真话、有用处、去陈言、务新意。事实上,讲真话、有用处、去陈言、务新意是很难做到的。可贵的是,厉震林先生一直坚持这样做,为电影学术界树立了良好的规范和范。在《电影的构型:表演、文化和产业》一书中,厉震林先生使用了很多富有想象力和张力的概念,如表演美学的“精神成长影像”,杂糅的“魔幻”表演,表演的“可读性”,表演的“力场”,表演文化的 “流通”阶段,“中国式”的表演文化图景,社会表演的“中国式”形态,等等。这些概念极大地提升了电影研究的想象力,拓展了电影研究的空间,有助于丰富、深化和推动电影研究,并且与无所不在、无时不在的“社会场”、“舆论场”有效勾连和贯通。事实上,今天的电影、电影研究都已经不局限于电影、电影研究本身,对电影的过度性的社会解读及其形成的舆论热点、社会思潮,也已经成为电影文化生态的有机组成部分,成为独特的中国电影文化生态一道靓丽的风景线,甚至成为了中国电影文化生态一种“有意味的形式”。电影教学局限于课堂,电影研究局限于书本,纯粹是“党内无派,千奇百怪;党外无党,帝王思想。”
事实上,厉震林先生也绝不仅仅局限于课堂,局限于书本,而是广泛接触电影业界,广泛参加电影业界的各种活动。2016年,中国电影编剧高峰论坛在邵逸夫故乡浙江宁波召开,作为中国电影文学学会副会长的厉震林在会上发表《“冲奥”不如冲自己的“东方情怀”》的演讲。他表示,冲击奥斯卡连续19次没有成功,这是一个老的问题,但是至今没有解决。他认为,中国电影以票房决英雄,产品多,作品少,有赢家,无行家,艺人若云,文化人则寥寥无几。中国电影缺乏人生价值以及人类学的精神等级,我们中国电影目前在政治学层级,没有涉及到人类学。电影人的人文素养欠缺,导致对于作品的宏观把握失准,无力构成文化层面的真实。好莱坞把一个很假的故事写得很真,而我们电影往往把一个很真的故事写得比较假。应该说,厉震林先生的这些言论和思想具有强烈的针对性和现实意义,值得中国电影业界倾听和聆听。
关键词:艺术教育图书馆工作,文化音乐背景
我国艺术院校是培养艺术表演、创作和艺术教育专业人才的专业院校。艺术院校主要任务是为培养和造就具有较高文化艺术素质和专业技能的文化艺术应用人才。纵观我国的艺术院校,一般开都设有声(器)乐、戏曲(舞蹈)表演、艺术设计、动画、戏曲音乐、影视表演、音乐剧表演、主持与播音、电视节目制作等相关专业,以服务于地区的经济发展和社会发展。笔者所在的郑州艺术学校就设有舞蹈、声(器)乐、美术、戏曲表演、话剧与影视表演、民乐演奏等中原地域所需要的14个专业。论文大全。[1]学校以戏剧戏曲学学科为依托,以舞台艺术实践教育为重点,以中等专业教育为主,多学科、多门类协调发展,具有一定科技含量的综合性中等艺术学校的办学目标。多媒体教室、琴房、画室、专业练功房、排练厅等现代化教学设施,为莘莘学子演绎艺术人生起点营造出浓厚的艺术氛围。
一、艺术院校图书馆的育人环境
努力营造人才入行、深造、成名成家的艺术教育环境,是学校一切工作的出发与归宿。
1、馆藏建设
作为学校的文献信息中心图书馆,为建设艺术教育环境,在馆藏建设上既以戏剧、影视专业为主,同时也重视对文艺理论与优秀文学作品、以及美术、景观、服饰等形象资料的采集工作。如中央戏剧学院图书馆拥有馆藏中外文文献资料41.91万册(件),其中戏剧专业特别是话剧类图书、报刊资料、图片、音像资料之丰,在全国各类图书馆中尤为突出。[2] 在河南艺术职业学院的12.9万册藏书中,涉及各种与演出有关的中外历代人情风俗、河南地貌景观的形象资料比较齐全;舞台、银幕艺术、戏剧影视史话、创作技法、作品及作品评论等专业核心期刊比较系统。[3] 阅览室具体订有《中国戏剧》(中国京剧)、《剧本》、《新剧本》 《上海戏剧》、《戏剧文学》、《剧作家》、《黄梅戏艺术》、《剧影月报》、《戏剧之家.生活焦点》、《四川戏剧》 《中国音乐》、《当代戏剧》 《曲艺》等十余种戏曲类专业期刊,《大众电影》、《大众电视》、《影视艺苑.影剧版》、《中国广播》 《人民音乐》、《舞蹈》、《乐器》 《心声歌刊》、《声屏世界》、《小演奏家》、《黄河之声》 《杂技与魔术》、《美术》、《新美术》、(艺术市场)等内容涉及戏剧、曲艺、音乐、舞蹈、美术等20余种核心专业期刊,较系统地支持了学院广大师生的教学、科研和演出活动。
2、阅览室建设
围绕艺术教育环境的建设,诸多学校图书馆都在大力阅览室建设。阅读丰富人生,知识成就梦想。为实现“飞扬青春,演绎个性发展”,书刊阅读则是艺术院校青年学子的重要文化生活。同普通院校的学子一样,他们或抱着求知的需要、职业的需要,或是修身养性的需要走进阅览室,通过以品味文化、人文精神、智慧思想来引导独立思考和探索精神,以内涵为根本,进行长期的、渐近的深层次文化建设,力求给人以深刻的思想启迪。
以除了广为收藏戏剧、诗词散文、小说以及语言与文字广播、影视娱乐等有关方面的文献资料外,就是利用声、光、电技术,创造丰富的文化环境,以充分发挥其教育职能。建立“戏剧文化阅览室”,为广大师生的施教活动和学习活动提供了坚实的文献保障,同时还汲取。
二、艺术院校读者群的阅读特征——艺术欣赏
1、寓教于乐,寓学于乐
艺术院校青年学子的重要使命是继承传统艺术,开创满怀想象的艺术家生活。师承、入流和艺术创新是艺术院校学有所成的必由之路。要做到戏比天大、艺比天大,人比天大,必须以人为本。先学做人,再学做戏,是艺术院校的莘莘学子演绎艺术人生的主要起点。2007年我国沈阳地区高校大学生“当代大学生阅读行为调查”表明:选择“休闲娱乐,修身养性”的,占62.1%,远远高于其他类型的阅览特征。[4] 艺术院校的学生读书除求艺的需要、就业的需要外,就是满足修身养性、先学做人。在多媒介交互环境下,今天之大学生们的阅读习惯也发生了大的变化:已从书斋阅读走向马桶阅读,从文字阅读走向视觉阅读,从纸媒阅读走向网络阅读。从知识阅读走向娱乐阅读,通过艺术欣赏行为,寓教于乐,寓学于乐则是艺术院校读者群的阅读特征。
针对艺术学生对文学类书刊有所深爱,对所谓“休闲娱乐消遣”类书刊有所偏爱;对热点、畅销书刊有所追捧,具有明显的“功利性”阅读倾向。2005年5月,按学校领导的指示,我们郑州市艺术学校图书馆在学校专业练功房附近辟文化阅览室一间,作为我院校园文化的重要窗口之一,该室除拥有近百种有关文化、娱乐、体育及生活类书刊外,在刘校长的具体支持下,我们还添置了音响、播放设备,设置了音乐背景。该背景全天候播放名曲,烘托出浓郁的文化氛围。
2、音乐背景与心理辅导
音乐背景是指用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术,是艺术欣赏之一种。[5]在阅览室这个特定环境内,所设置音乐背景是学校心理辅导和心理健康教育的重要手段。音乐背景,即借助音乐能表达人们思想感情、反映社会现实这一功能,创造一种氛围和教育环境。音乐背景适合学校的教育环境,除能丰富青年学生的艺术想象力外,同时对于预防和治疗学生的身心疾病,调适学生的不良情绪,培养学生的健康情感和协作精神,促进学生的自我表达,开发学生的创新思维和创新能力等,亦具有非常重要的作用。[6]
二十世纪七十年代末,随着以大规模集成技术为核心的基片技术的发展,电子技剧学院图书馆称之为音像观摩阅览室,郑州购书中心和郑州经贸职业学院也有不同形式的尝试。为了做好音乐背景的设置工作,我们专程走访了郑州购书中心,就控制设备、音响设备、音箱音质,声控大小等一系列问题进行了详细的调查,在总务处的大力支持下,我们因陋就简,安装了校图书馆第一套音响系统。作为阅览场所的音乐背景,我们全天播放名曲,声音小于60分贝,优雅的乐曲始终在室内流淌,深受广大读者的喜欢。在青年学生的心理调适上取得了一定的成效。凡是在该室阅览过的人都感到非常舒服,心情特别放松。有位同学说在背景音乐下学习不困、不累。乐曲主旋律平稳,起伏跌宕自然,在这种音乐环境下学习,心情特别愉快,考虑问题思路也敏捷。在书刊阅览室设置音乐背景是新型的文化形态,属“基片文化”的范畴。
我们所播放的乐曲多是有利于读者开阔视野的曲目。论文大全。我们认为对于性格忧郁悲伤的人,宜多听如《流水》、《黄莺吟》、《百鸟朝凤》、《光明行》、《步步高》、《喜洋洋》、《情深意长》等名曲;而针对患有青春焦虑、心烦郁闷的读者,我们就播放《苏格兰小调》、《姑苏行》、《平湖秋月》、《雨打芭蕉》等乐曲。因为此类乐曲清丽高雅、节奏缓慢、情调悠然、风格雅典。有些同学情绪易怒,我们就选放一些旋律优美、恬静悦耳、节奏婉转一类的曲子,如《春江花月夜》、《平沙落雁》、《塞上曲》等。论文大全。有些同学反映晚间睡眠不好,失眠多梦,次日影响课堂听讲。我们就建议他们用MP3等工具选听一些节奏少变、旋律缓慢、清幽雅典的乐曲,如门德尔松的《促夏之夜》及我国的民月《幽兰》、《梅花三弄》、《二泉映月》等。让读者走进美丽的“悦读”世界,享受遐意的“书式”生活!
近一年来的实践,大家一致认为文化阅览室的音乐背景的设置是成功的。以民为本、和而不同、心怀天下、社会人生、乡思亲情、咏史怀古、论学品艺等。
2009年9月,为庆祝祖国60年华诞,我们反复播放由词作家乔羽和作曲家刘炽共同创作的歌曲《我的祖国》。该趣调极其优美、婉转、亲切感人。仅副歌部分而言,歌词内容和音乐形象,将前面的田园风光抒情画变为壮美的大幅浓烈的油画,将对祖国的深情怀恋升化为使人感到祖国的博大、可爱!在旋律方面,作曲家采用舒畅开阔的长音节奏弱起,使长音、强音更有气势,更富有感染力和鼓动性。[7]
在文化阅览室设音乐背景,体现了艺术信息的整体性与综合性,由单向性知识传递方式向多向性信息传递方式的立体结构转变,把审美意识教育与有机环境意识教育结合起来,为学生构建开放性的学习环境,提供多渠道获取知识并加以综合运用的机会。
参考文献
1、郑州市艺术学校主页zzysxx.haedu.cn2009-10-12
2、中央戏剧学院图书馆主页baidu.com/view/1335915hem2009-12-29
3、在河南艺术职业学院baike.com/view/1901367.tem2009-12-30
4、张岚,戴建陆.1988—2008年大学生课外阅读行为变迁,图书馆杂志,2009.(12)P:44
5、中国社会科学院、现代汉族词典,北京:商务印书馆1984.1:1374
6、张义泉,音乐疗法在学校心理辅导中的作用,韩山师范,2005学院学报(2):80
7、贺锡德,365首中国古今名曲欣赏,北京:人民音乐出版社,2005.1.