美术设计论文范文
前言：我们精心挑选了数篇优质美术设计论文文章，供您阅读参考。期待这些文章能为您带来启发，助您在写作的道路上更上一层楼。
第1篇
组织专业教师团队进行市场调研，深入了解和掌握企业对人才培养的需求，根据调研反馈的信息和研究结果，确定专业的建设方向和人才培养目标和方向。在专业建设工作中，市场调研是专业建设的探路石，为后期的专业建设提供重要的参考依据。
1.通过市场调研，可以掌握劳动力市场需求程度、生源的有效供给情况以及开办该专业所需的师资设备条件，能够在很大程度上消除新开专业的盲目性。
2.通过市场调查，了解本校毕业学生就业情况，能知晓有关专业及学生的社会适应性，及时弄清教学中存在问题，从而能为改进教学、调整专业奠定良好基础。
二、根据调研结论，组建专家团队科学制定教学计划，构建课程体系
在充分调研论证基础上制定专业教学计划，专业教学计划是为实现学校的培养目标而制定的，既要遵循教育发展的内在规律性，同时还要满足企业市场需求以及学生特点，体现中职特性和培养目标要求，为使专业设置能有效对接社会与企业岗位，学校可以聘请相关企业的技术人员或高校的专业人士，组建专业建设专家指导委员会，建立校企合作的专业建设团队，校企共同制定专业课程体系和教学大纲，定期开展市场调研和相关论证活动，对相应职业岗位进行广泛调研和深入分析，掌握企业市场动态，动态调整和完善课程建设体系。
三、以行业标准为前提，开发和完善校本教材建设
目前许多中职学校都存在着专业教材体系混乱，教材内容比较自由宽泛，技能操作缺乏统一规范，执行行业标准不一致，跟不上企业发展的步伐等问题，为学校教学带来了一定困难。组织专业教师和企业技术人员共同开发校本教材，是解决这一问题的最佳途径。教材开发应根据企业需求确定教学内容，坚持行业标准和规范为前提，“以就业为导向”的原则，依据学校现有的资源，开发适应岗位技能的专业校本教材，注重教材的整合、提炼，力争使教材体系同时兼备理论性和实用性。
四、加大师资培训力度，打造一流教学队伍
1.师资队伍是专业建设的保障，培养和打造师德高、业务精、能力强、技术硬的专业教师队伍是学校发展提升的必备条件，学校鼓励在职专业教师积极参加学历提高进修和国内外各种形式的专业技能培训学习。
2.在教学上要不断的推行新手段新方法，加大多媒体教学力度，提升教师信息技术和多媒体的应用能力，进而促进信息化教学资源的开发运用以及教学质量的提高。
3.安排专业教师参加不少于2个月的企业顶岗实践，让老师们不断将企业的新知识、新工艺、新技能应用到教学当中，为培养适应社会的优秀人才做好铺垫，保证技能教学的高质量运行，大力推动“双师型”教师的培养。
五、创新教学模式，开放教学课堂
探索和实践“工学结合”的人才培养模式，建立企业项目导向、任务驱动、理论教学和项目课程相结合的实践教学体系。开放教学内容，转变课堂教学模式，带领学生到企业参观访问，了解企业文化、行业发展动态和最新技术，将教学由课堂走向课外，引领学生走进生活，走近企业，到大自然中去创作，到工作岗位中去体验的同时提升学生对生活的观察、认识及感悟体验，更好地熟悉岗位技能，提高专业能力和职业素质培养，为今后进入企业用人单位零距离对接打下良好基础。
六、深化校企合作、加强实训基地建设，为专业建设奠定良好基础
第2篇
我们可以这样理解，如果没有舞美设计，那么对于大型类晚会来说本身的意义是不复存在的，大型晚会不同于一般的活动及小型表演，它需要舞台设计的绝对成熟与对现场的充分把控。因此，舞台美术设计在大型晚会当中的主要作用表现为三点：第一，运用灯光、布景、服装、道具、化妆等构建我们需要设计的晚会场景，为大型的综艺或主题晚会带来现场的实际效果。舞台美术设计在使用道具、布景、灯光调试及科技元素的融入，呈现出不一样的风格与特色，当然这与晚会的主题策划所相应，因此舞台美术设计在大型晚会主题策划中的第一个作用在于构景，这也是最为基础的部分。第二，对于节目中气氛的渲染。我们可以在大型晚会当中发现这样一个特点，随着节目的流程展开后，舞台美术的增加让节目的编排达到更好的效果。例如，舞台场景的更换、灯光的渐变与道具的添加等等，这些元素的融入与变化是为了能够让舞台设计充满神秘感和变化感，同样它与晚会的主题是保持一致的，运用舞台美术设计的相关技巧使得现场的场景与表演更加精彩。第三，与策划主题保持一致，为节目策划带来舞台效果。在大型晚会举办的过程里面，舞台设计是最为重要的一部分，因为运用一切艺术设计与其相关的场景布置都是与节目策划息息相关的。因此，我们从另一种角度来说，舞台美术设计也具备一定的节目性与内容性，因为它必须围绕策划内容展开，同时它也是为策划所服务的。因此，我们对舞台美术设计的理解将得到拓展，它不仅仅是舞台的基础布置与灯光调控，同样它运用高价值的艺术表现力为我们呈现出不一样的魅力。对于国内外举办的大型晚会来说，想要真正地达到舞台表演的效果，必须先从现场的美术设计能力着手。现代舞台美术设计，它的定义越来越宽广，除了上述提出的三个方面以外，还具备许多新鲜的元素。例如，它可以使主题晚会充满立体视觉，同样在色彩的运用和道具的搭配上突出与创新，因此舞台美术设计是实现晚会策划目的的根本，我们运用这种艺术与实践能力，通过搭配、渲染、感受等多方面的能力去实现艺术所呈现的效果与目的。
2舞台美术设计在大型晚会主题策划中的重点
2.1空间设计的美感
对于大型的演艺活动来说，空间布置较为复杂化，我们以一个主场的物理空间去拟定控制范围。例如，露天晚会、大型的户外晚会或是剧场型室内晚会，根据不同的空间性质去设计与拟定，让整体保持个性与独立。而舞台的呈现也多样化，如现在所流行的伸出式舞台，或是中心与局部的舞台设计等等。因此，保持空间设计的美感是根据这些布局位置和整体表现而定的，下面笔者说一下空间设计应该具体把握哪几个要点：首先，我认为应当保持晚会设计的整体视觉感，它应该具备多角度、全方位的特点，这样才能够缩短因距离而造成视觉障碍。而色彩、灯光以及运用新型视觉技术都可以在设计当中避免这个问题。通过对场景的合理的布置和演员表演的位置去体现空间呈现的准确感，很多设计灵感中，舞台美术设计可以通过外在因素的改变去缩短因室内或是室外场景存在的不足，我们可以看到大型晚会的背景板或LED屏幕的呈现感，这些都是通过设计来实现现场位置的不足。空间呈现的灵感体现在科技和设计者的觉悟，真正拥有艺术天赋的人不是刚愎自用，而是运用现代元素与科技改造空间，以最美的视觉去呈现空间的优势与独特。而这种独特是独一无二的，虽然物理空间会受到一些限制，但是对于设计师来说，他们会避免其中的缺点，将空间的优势完美地表现出来。其次，注重设计的灵感与观众的感受。大型晚会的举办不等同于一般的小型活动，它对于空间设计的层次感与视觉影响要求非常严格。或者说，空间设计决定灯光效应和整体的美感，也就是根据不同层次和场地的特征进行设计与布置，运用道具、灯光、布景弥补场地存在的缺陷，或是对于优势较为明显的场地来说，充分利用其优点发挥特征。所以我们在舞台设计当中，一定要以空间设计的美感为主，因为只有在设计环境的把控下，才能够更好地发挥才能，创造出不一样的空间感，给观众带来绝对的视觉盛宴。
2.2舞台媒介的多样与新潮
在时展的今天，舞台美术设计已经不仅仅局限于灯光和布景，它运用新的媒体技术去实现现场的立体感与视觉体验。我们可以密切关注这几年的中央电视台春节晚会，大约在十年前，央视还采用灯光与舞台的设计进行布景，可是时展到今天，我们所看到的是一种科技元素的融入，大家可以在不少舞蹈的编排当中感受到身临其境的体验。例如，采用新媒体和新介质的加入，如应时代而起的多媒体3D布景，运用信息数字技术为我们呈现出来独具特色的三维立体背景，让我们观察出立体的景象，给观众以绝对的视觉冲击等等。在大型的晚会当中，我们所强调舞台媒介的多样与新潮，其原因在于，科技的成熟为人们带来更多的体验，而舞美设计早就与科技发展结合为一体。例如，我们运用电脑去构图，运用数字科技与多媒体技术来呈现生机勃勃的画面，这些都与舞台媒介息息相关，可以说舞台媒介的科技发展已经让大型晚会上升到一个新的高度，恰恰我们运用这种画面去配合晚会的主题设计，用更为生动的画面去达到我们想要的效果。尤其对于当代的舞台灯光设计来说，它已经开始结合多媒体技术，我们可以参考国内大型晚会场景，其舞台背景和投影设计，在配合灯光的前提下，能够呈现出大气磅礴和热情盎然的景象。因此，舞台媒介被重视，并且会随着时代的不断发展呈现更多的创新模式。在中央电视台的一次春节晚会活动中，央视运用机器人实现现场互动与对观众热情的熏陶，在一些舞台背景的设计上，运用数字技术实现空间的立体感，这是数字技术的加入，一方面体现舞台设计的现代感，同时给人以现场感的融入。例如，一些小品、歌舞及杂技表演，通过多媒体背景的设计，带来真正的场景布置，这样的感受如同立体电影一样，更能让人融入大型晚会的气氛中。
2.3设计风格与晚会主题策划的吻合
我们在举行晚会之前，一定要明确这次晚会的主题是什么，同理，主题的含义也代表着舞美设计的主要核心。我们举个例子，如大家所熟悉的音乐主题晚会，在晚会策划之前，要明白以音乐为主题的晚会侧重点在哪里，或者是大型的歌舞晚会，或者是单独的明星聚焦音乐晚会，或者是综合性晚会。根据主题的特点去设计现场，如对于较为现代的青年晚会来说，在举办的前期设计当中，设计师会运用很多灵活的元素与鲜明的颜色给现场带来视觉冲击，同样在灯光的运用上更加符合年轻人的审美观。在现场场景的布置上，这种音乐类型的主题晚会在道具的设定上较为简单，但是在背景布置及LED的选择上却绝对不可以马虎，因为多媒体媒介的加入与电子乐、现场音响的配合更大程度上提升了青年类音乐会的活力。因此，晚会当中存在的主题决定其舞台美术设计的重点。例如，一些大型的联欢晚会上，像这种综合性较强的晚会设计，在舞台美术的要求当中非常值得考究，因为要运用伸出式舞台和现场空间的设计去转换场景，如歌舞表演后，我们可以马上看到相声和小品的切入，这种转换是贴合主题而进行的，只不过综合类型的晚会整体主题很明确，但是在节目的编排上会融合综艺元素。因此，在舞台美术的设计上较为全面，所以主题与舞台美术设计的相符合对于大型晚会来说非常重要，设计有时候往往注重一种感觉，而主题的策划就是明确这种感觉，进而延伸，以精准的舞台与画面为大家展现出美丽的成果。
2.4人物形象的塑造与服装道具的安排
提及人物形象这方面，节目在编排内容和主题策划时，舞台美术设计早已与表演中的人物形象相贴合。我们举个例子，如在小品节目的编排上，我们会采取非常轻松、贴合生活的LED背景和舞台道具，这些都是人物形象的精髓联系在一起。如果舞美设计和人物表演相差很大一段距离，那么就会违背大型表演的策划主题。因此，无论在人物形象的塑造，还是服装道具的安排，在每一个方面，它所融入的元素都是一整套系列的，局部的设计有出彩之处，我们再将舞台美术设计的整体保持一致，这才是舞台设计的精髓所在。从舞美设计的细节出发，我认为人物形象的塑造与服装道具的安排一定要细致并且不可以草率。对于大型晚会来说，服装与道具乃至舞台的匹配度非常关键，在整个服装材质的把控上，要经过严格的筛选，不少设计曾经认为，舞台美术设计的范围很广阔，那么在服装的搭配和节目编排上，它成为了舞美设计当中的重要细节。我们不难发现，在央视举办的联欢晚会中，服装颜色与灯光的配合能够带来非常好的艺术效果，同样在道具的安排上结合整体的舞台场景，显得非常具有匹配感。因此，我认为舞美设计是与细节息息相关的，而道具的设计、服装的搭配、整体的空间感与场景、灯光是一个整体，只有处理好这方面的细节问题，才能够真正地发挥它的艺术美感。所以舞美设计的重点也表现在细节方面，如道具、服装和人物的表演，它不是死板的常规工作，需要我们按部就班地进行，而是根据创意、主题和现场去拟定最完美的效果，这也是为什么许多大型晚会能够给观众带来真正的震撼感，也能够让其在家享受盛宴以此作为最大的娱乐方式，因为只有在我们处理好细节的同时，才能够配合舞台设计出最为完美的晚会，这些是设计师们追求的最佳结果。
3结语
第3篇
一般来讲，作为美术设计专业的学生，都应该具备较为丰富的想象力和创造力，这样才能设计出更多新颖优秀的美术作品。而若没有任何依据和素材，单凭想象，就是闭门造车，也是无法设计出好作品的。因此，在美术设计教学中，教师应该帮助学生开拓视野，多学习一些丰富多样的艺术形式，这样会对学生今后创作能力的提升有重大帮助。而民间美术有着丰富多样的载体，正是一种具有很大学习价值的艺术形式，因此将民间美术引入到美术设计教学中具有重要意义。具体来讲，其作用主要体现在以下几点：
1.1增强学生的民族意识。
民间美术我国传统民族文化的重要载体，学生在学习民间艺术的同时，能够感受到古代劳动人民的智慧，并深刻体会我国博大精深的中华文化，这能够激发学生的民族意识，使其对国家和民族更加热爱，从而激发更多的创作激情。
1.2增强学生的审美情趣。
由于民间美术的形式种类较多，形式美法更是表达的非常彻底，每种民间艺术形式都有其独特的形式美法和艺术价值，学生在学习各种民间美术时，能够很好的陶冶情操，增强自己的审美情趣。同时，还可以帮助学生提升文化素养，为今后的艺术创造提供更多支持。
1.3拓展美术设计元素。
由于民间美术的载体较为丰富，学生可以从中领略到不同的艺术形式美法，这将会极大的丰富美术设计的素材，使学生在创造的过程中将更多的元素和内容引入到设计中，促进我国美术设计水平的提升。
1.4提高创新能力，参与文化传承。
学生在学习民间美术的过程中可以结合本土文化与西方美术文化进行创新，因为民间美术在运用时不能照搬硬抄，必须要对其进行加工和改进，提炼出精华部分，才能充分发挥传统美术的优势，使其获得新生，在这一过程中，学生不但可以提高自身的创新能力，还能够实现对传统文化的传承与发扬。
2美术设计教学中如何运用民间美术
2.1解读民间美术样式通过民间采风、实地调研、收集资料，文字、图片，从形态学角度研究民间美术的生存基础、造型特征、图案纹样。
了解民间美术样式的历史沿革与现状，分析其前景、危机和潜力。对构成的特点、形式法则和配色规律进行临幕整理.分析记录民间美米的装饰状态。研究各种纹样的称谓及特殊含义和传统，并分析其文化内涵及工艺制造特色，即附着于何物之上，客观分析记录原因。
2.2挖掘文化内涵在熟悉民间美术样式的基础上，以文化背景为前提，深入挖掘民间美术的内涵。
将民间美术放到民族历史文化和思维方式的大背景中去，在对其本质和美学特征的探求中，求得规律，吸取有价值的成果。文化是一个民族、历史发展长期积淀的结果，是民族存在、发展的根基所在。它是设计的文化积淀和永恒动力，是物质生活、精神生活和社会生活的综合体现。任何一个民族都是统一的文化共同体。民间美术的文化内涵受“天人合一”“阴阳五行”观念的影响，这是中国人特有的宇宙观、世界观和方法论。这一哲学观、美学观是中国人代代相传的文化链条。只有把握民间文化的本质，挖掘民间文化的内涵，激发民间文化的力量，才能找到最佳的设计定位，创造出富有文化内涵的设计形象。
2.3设计与运用在经过从感性到理性的认识之后，将民间美术的素材通过直接、间接、再创造的方法运用到现代设计中
并以自己已掌握的设计技巧再现出来，从而使设计作品在信息飞速更替的今天更具时代性和永久性。直接运用：直接把民间美术的构成形式或色彩以及某些表现方法或工艺制作方法，借用到设计之中。在创作过程中，将民间美术的图案、造型样式作为一种创作的素材，直接运用到实践中去，以借题发挥的方式传达自己的意图，设计出的作品与民间美术之间必然有着密切的联系，使现代的艺术设计更具有民族特性。这一阶段的重点是掌握民间美术样式的各种表现方法和形式语言，掌握好民间美术词汇的运用。间接运用：总结民间美术造型的形式法则，寻找适合自己需要的形式语言，如强烈的色彩、特殊的寓意，经过融合、消化，成为自己的艺术语言。使民间美术作为一种民族文化的营养，充实和丰富自己的思想、情感与修养。创作的作品与原始素材既有联系又有区别。再创造：好的设计不但美在形式而且美在内涵，它应该既有高科技的形式美，又有理性思辨的艺术美;既有符合时代潮流的崭新样式，又能体现民族文化的内涵。只有拥有技术含量的本土艺术语言结合深入浅出的直接情感表达，创作出的作品才能给人既带来感官的愉悦，又能唤醒人们心中潜藏的情感体验。教师在设计教学中指导学生对民间美术进行全面的分析、整理、归纳和提炼，寻找民间美术与时代特征的结合点。要以新的观念、新的视觉和新的表现手法容纳西方设计理念和思潮，并与传统文化的神韵、意境有机地结合起来，通过最简练的语言和个性化的表现形式达到最强烈的艺术效果，使民族传统文化在设计中不断地被重新诊释和定位。
3结论
第4篇
色彩是舞台布景中不可缺少的重要调剂手段，通过不同色彩配置方案能营造出各种变幻莫测的视觉效果。它在戏剧舞美设计中的作用有两点：可以描绘生活的真实感及实现对环境情调的塑造；可以表现不同的情感意蕴，以紧扣观众的心弦。舞台美术中的色彩构成是利用色彩属性上色相、明度、纯度的差异，通过对比与调和来完成搭配，并由此产生不同感官的视觉效果。不同的色彩搭配会形成不同的视觉风格，这是由于色彩的冷暖、动静、软硬等视觉差异造成的，依据这些就能通过对色彩的不同配搭来形成高贵与朴素、典雅与明快、隐晦与活泼、粗糙与细腻、甜美与酸涩等诸多形式风格。此外，构成的意义还在于利用色彩的过渡及推移变化形成节奏和韵律感。从总体上看是通过色彩对比突出人物，揭示故事矛盾与冲突，通过调和完成整体风格的呈现。色彩构成在舞台美术中更重要的是对色彩情感心理的刺激作用。众所周知，由于色彩视觉经验带来的色彩心理差异，再加上色彩的冷暖错觉、进退错觉、轻重错觉、膨胀与收缩错觉、华丽与质朴感等，这些都最终会对观众心理产生超越客观的心理传递。当我们将这些视觉感受上对应的色彩方案与人物内心、故事情节、主题宣泄相呼应时，其演出的效应必将会无限地扩大。需要注意的是，在戏剧舞台美术的色彩构成应用中应把握好以下几点：1.舞台色彩的配置应与剧本的体裁风格相吻合；2.主要人物（演员）应用对比的手法来在色彩上凸显；3.为渲染舞台气氛，表现人物情绪波动及情感变化，色彩的变化也应与剧情展开配合；4.应注意人物服饰、化妆与布景、道具、装饰物等之间的色彩层次关系；5.色彩的对比与调和可通过属性改变来完成，也可通过形状、比例、方向等来调节实现。
二、光构成
戈登·克雷：“灯光是舞台上的画笔，灯光是舞台上的灵魂。”没有光就没有所谓的视觉世界，舞台上的一切都得靠光得以呈现，光在舞台上会制造出魔术般的奇幻效果，故舞台灯光对戏剧的整体演出效果起着举足轻重的作用，让鲜活的表演者与没有生命的舞台环境实现了统一，为表演艺术提供了一个灵动流淌的时空。在戏剧舞美设计中设计者可运用不同强弱、色彩、动静的影与光的变化来渲染气氛，刻画人物形象，转换情节时空。其照明作用可分：1.重点照明，意在照亮演员，突出主要人物形象、表情、神态；2.立体照明，呈现舞台的立体感、空间虚实感，为人物建立具有舞台真实性的活动环境；3.层次照明，即用灯光变化来让舞台元素具有主次关系、虚实感、呈现光与色的节奏美；4.装饰照明，主要采用装饰的手段，利用光的强弱、色的变化以及动静转换来进行布光，呈现艺术化的造型效果。如今，观众对戏剧的审美要求今非昔比，对舞台照明也呈现出了动态化需求。需要注意的是，戏剧舞美的布光贵在突出视觉、写实、审美及表现，应符合作品内容要求所需，紧扣思想主题，适合客观场景，而不能单独立足于追求新颖效果。此外，还应注意到现代舞台灯光是把功能各异的数字设备连接在一台电脑上进行统一控制和管理，需要提前预设。
三、对比构成
“有比较才有鉴别”，对比指的是形象与形象之间、形象本身各局部之间因比较得出的差异，在艺术创造上是一种相对自由的构成形式。戏剧都可通过这种手法将对立的好与坏、善与恶、美与丑揭示出来，创造鲜明的形象和强烈的感受。此外，在舞台美术形式感上也可通过形象间的大小、疏密、动静、虚实等的对比，突出视觉焦点，强化戏剧冲突，合理分配布景结构，引导观众视线等。对比运用在戏剧舞台上会产生肯定、明朗、强烈的视觉效果。这种手法可充分显示人与人、人与物、物与物之间的矛盾，突出戏剧冲突，揭示作品的本质，起到了强化作品的艺术效果和感染力的作用。在舞台置景上可通过方向对比、空间对比、动静对比、位置对比、聚散对比、大小对比、色彩对比等诸多方式来实现，关键在于巧妙处理好各部分间的比列关系。而在对比中创造一种协调、简洁、鲜活、生动的形式感，就需要针对不同的戏剧主题，将现有的环境和条件进行合理的再配置。爱德蒙·琼斯指出“舞台设计是诗人的工作。”对比构成在舞台美术中的运用就是要让舞台视觉形式诗意化。为此，设计者不能让构成法则作为固有模式存在，而应善于根据创作需要灵活运用。需要注意的是，戏剧舞台美术设计不能过多放纵于激情，而要把感性深藏于严谨的设计过程中，通过视觉化的对比意识来表现角色精神世界深层的活动。总的来说，要想运用对比手法为戏剧的境界和氛围带来节目内涵的提升，并由此产生一种焕然一新的吸引效应，就需要设计者敢于突破常规，运用一切艺术、科技、材料手段来巧妙、合理地制造震撼心灵的对比效应，以征服观众。
四、材料构成
舞台上的所有形态总是要通过材料来实现，因此材料的研究与使用就成为了研究舞台布景的重要课题。现代科技的发展为舞台设计与制作提供了更多的材料和技术选择，通过对材料性质、加工方法及造型三者的关系分析来选择材料应用与搭配，就能产生与主题及情节相呼应的审美感受和心理联想，让材料塑造的形象实现由外在到内在的升华，由描绘物质转到描绘精神，使之具有精神意味。材料构成就是要深入研究各种材料的材质、性能、形状及采用不同的加工手段后创作出的形象在视觉心理上产生的不同效应。需要强调的是，要打破常规的研究材料造型的各种可能性，以追求创新的在色彩、形状、肌理及强度、加工性能上可开拓的灵感。即便是司空见惯的材料我们也可通过打破重组，寻找新的形式、新的语意。同时，在科学技术水平飞速发展的前提下，那些电脑超导、激光等新技术会给舞台艺术增添新的活力，这都需要我们着意去尝试。总的来说，在研究中要重视材料的分类、材料艺术语意的挖掘、新材料的开拓与创新。一定材料应与一定造型相匹配，恰当的材料选择对作品表现有着事半功倍的效果。爱因斯坦说过：“知识与想象力的乘积等于创造力。”舞台美术设计中设计者要将材料作为语言来探索，强化人与材料、环境的互动体验，利用大胆想象为舞台开创全新的视觉盛宴。高科技材料的应用为演员和观众的思想沟通与共鸣提供了更有效的形式语言，但需注意的是舞台从属的艺术设计本质是不能改变的，即一切材料语言应根据内容与戏剧主题所需时空要素保持一致，通过对情节的呼应、烘托、比照来带动观众的情绪和想象力，以达到“诗画交融”的境界。
五、结语
第5篇
如今商业化电影泛滥于院线，对于高票房的追求已经是所有电影人可以公开表达的愿望，因为保证票房成绩才能对自己今后的艺术创作有一个基本保障。而《英雄》作为这样的里程碑意义的影片，电影叙事形式和电影叙事内容被多方质疑和审视是不可避免的，但我们无法忽视《英雄》在院线票房成绩和在评论界收到的褒奖，2004年美国《时代周刊》全球十大佳片第一名，奥斯卡金像奖和美国电影金球奖最佳外语片的提名以及国内外多个奖项的获得，就是对这部电影的艺术成就的一个肯定。
二、美术设计对于电影《英雄》叙事的作用
电影艺术是一门多种艺术形式共同组合和作用下的艺术产物，所以在电影这门艺术当中，我们看到更多的是电影的包容性，各种艺术元素相互作用让电影的表达和叙事有了更多的可能性。在张艺谋以往的电影当中，色彩就承担起了叙事的功能，《红高粱》《大红灯笼高高挂》《我的父亲母亲》等电影对于红色的彻底运用，建立起了张艺谋独特的个人艺术风格。在电影《英雄》中，张艺谋对于色彩的设计和使用可谓极富创造性与实验性，整部电影主要使用了红、白、蓝、灰、黑五大主要颜色来进行叙事表达、意境构建和画面渲染，影片也用这几种颜色对各个叙事片段进行标志性的分割，利用不同的颜色来代表不同的叙事段落，形成了既各自独立又和谐统一的电影叙事风格。
(一)红色
张艺谋对于红色的钟情，我们在他以往的作品当中可见一斑，在电影《英雄》当中红色依然占据了重要的叙事作用。无名在给秦王讲述残剑与飞雪的故事时，画面的主要基调就是红色，画面的红色纯粹饱满，翻滚跳动，就像讲述故事的无名的内心一样，对秦王的怒气升腾不灭。而在这里使用红色，在另外一个意义上，也是为了表现残剑与飞雪之间爱情的炙热浓烈;在残剑与飞雪决斗的场景中，也大面积地使用了红色，红色正象征着两人的内心，飞雪的内心对残剑饱含着浓浓的爱，而残剑的内心则是对天下人民、天下大义而甘愿付出的炙热真性情;影片中红色的部分最为让人印象深刻的就是飞雪和如月在胡杨林中的决斗，整个场景被夸张地处理成红色调，黄色的树叶在空中飞舞，而决斗到最后，整个胡杨林和飞舞的树叶都变成了红色，在这里张艺谋选择了进行适当的艺术夸张处理，也是为了推进叙事。此外，飞雪和如月都穿着红色的衣服，红色和黄色形成了鲜明的对比。在这个场景当中，对于二人服装的处理也是做到了细节上的极致，二人虽然同样都是红色的服装，但是飞雪衣服的红色明显要比如月的深一个色度，而飞雪外套下搭配的是深红的服装，如月的则是粉红色，这样的细节表达一方面是为了画面的和谐与统一，一深一浅的颜色会让整个画面看起来更有层次感，另一方面也是为了通过服装和颜色塑造二人的人物形象，通过颜色来交代二人的年龄以及身份地位，这也是作为摄影师出身的张艺谋对细节的独到把控。此外，书馆也被处理成红色:红色的光线，红色的房间，红色的屏风，残剑也是身穿红色的服装，用硕大的毛笔书写的也是红色的字，在这里的红色一方面是为了突出残剑与如月的暧昧，残剑内心的火热，对于天下大义的执著的意念，还有对于秦王的恨与怒火。同时，这样大面积的红色也起到了暗示的作用，暗示影片的悲剧结尾。
(二)黑色
在影片当中，黑色代表了秦王的至高无上、不可侵犯的权威，秦王的宫殿无一例外的都是黑色，黑色的墙壁、黑色的柱子，秦王身着的服饰也是黑色的，黑色吸纳着一切的颜色，好像走进黑色的秦王宫的一切都会被吞噬，正如在秦王周围的文武百官也都无一例外的身着黑色的服饰一样，黑色象征着蕴涵着丰沛的力量，同样也代表了死亡，这样的情景布置也是非常符合故事情节当中对于秦王的描述语境的，其残暴、冷酷、威严的人物形象也很自然地树立了起来。在影片的开始，画面中的秦军就是身穿灰黑色的铠甲，头上的帽盔上飘着火红的翎毛，黑色铠甲象征着军队代表着秦王的权威与冷酷无情，而士兵头上的红色翎毛更是暗示了一种危险的感觉，这也为影片的最后无名葬身于秦王军队的剑雨之中埋下了情节氛围和伏笔。
(三)白色
白色代表了纯洁，不掺杂任何杂质，代表一颗赤子之心。白色也是残剑与飞雪的故事最初二人的服装颜色，大漠戈壁的黄色，二人身着白衣骑着白马，代表了二人一开始的纯粹、不掺杂任何杂念的爱情与彼此的忠诚，此时的白色是不带有任何感彩的颜色，所以也表明了这个段落是在讲述真实的故事，这里白色也代表了真实。而随着残剑为天下百姓求安定思想的浮现，二人开始有了不同的意识与想法，所以此后的场景中，二人的服装颜色以及场景颜色在不断变化，这也象征了二人不断变化的心境，虽然其中有过误解和摩擦，但是二人相知相爱的心却从未变过，所以影片结尾二人又重新换上了白色的服装，此时白色却象征着冰冷和死亡。
(四)其他颜色
蓝色代表了平稳、冷静与理智。在影片中蓝色的出现主要集中在无名对秦王讲述刺杀长空、残剑和飞雪的过程后，被秦王所识破，在其想象着残剑与飞雪的故事中，画面中是彻底的蓝，在这里蓝色就代表了秦王冷静与理智的一面，从另一个角度来看，也表现出了秦王此时对于这些人物和眼前的无名形象的揣摩，此时的这些人物形象在秦王的眼中是充满问号与具有神秘感的，充满了不确定的因素与感觉，所以使用蓝色来进行表现再合适不过。在电影中，绿色的运用也十分巧妙，主要出现在残剑回忆的这个段落中。绿色象征着生命与希望，所以在这个段落中，残剑与秦王近在咫尺却放过秦王一马，此时身着绿色服装的残剑怀揣和平、充满希望的内心不言而喻，正是如此尊重生命的残剑，才会有后来为了天下之大义而放弃刺秦的纠缠的内心。在这个回忆的片段中，残剑与飞雪在山水之间无忧无虑地生活，没有战争，没有分离，绿色正代表了残剑与世无争的平和的内心。
三、结语
第6篇
对产品的用途要了解。任何产品都是根据不同的用途来分类进行市场销售的，产品是为了满足人们所需，因此要明确产品的用途。对产品的运输条件也要掌握，长途、短途、海运、陆运、空运等，不同运输方式对包装造型结构的要求也不同。在对包装产品结构造型进行设计时，要全面考虑产品的特性，此外还要对包装本身进行系统的研究，对包装的材料、质地等都要把握清楚。运用电脑设计对包装结构造型设计主要完成的是结构、尺寸以及形体的线条表现。为了日后方面修改，在电脑设计中通常使用平面图形软件来设计和制作，例如，AuloCAD、Freehand、CoreIDraw、IIIustrator等软件。其中在CoreIDraw软件中能够按照自己的实际需要，对图形的尺寸、大小、形状进行随意修改。
2装潢设计
装潢设计是对图片进行包装，增加吸引力最重要的设计部分。通常来讲，装潢设计主要包括图形、色彩、文字以及编排构成四个部分的设计处理，通过装潢设计对消费者表达出产品的内容和形象，从而吸引消费者，并引起消费者的购买欲望。其中在装潢设计中需要注意的是，它不是简单单纯的画面装饰，它的主要目的是通过画面的视觉审美效果传达出产品的信息。在画面设计中有一定的原则，必须符合简洁、独特、明确的广告特点。装潢设计过程中需要考虑的因素是多方面的，其中包装所用的材料、造型以及印刷等都需要考虑。对于装潢设计的过程主要分为两个阶段进行：设计构思和绘制正稿。其中设计的灵魂就是设计构思阶段，因此要十分重视构思阶段设计。对于设计中要表达的重点一定要把握好，对设计画面的表现角度、手法和形式等都要处理好，这样才能构思出巧妙的设计。而绘制正稿则是为了更好地展现设计构思的灵魂。以往传统的绘制通常是用手工来完成的，工作效率比较低，并且修改比较困难，效果和质量都比较差。现阶段，电脑技术的应用，电脑设计成为一种新型的工具，不仅提高了工作效率，易于修改，效果也增强了。绘制常用的软件主要有Freehand、CoreIDraw、IIIustrator、Fhotoshop等。
3展示效果
包装产品经过结构造型设计、装潢设计两个基本过程，就代表着一种产品即将从生产环节进入到商品流通环节。如果包装设计能很好地展示产品的特点，符合客户的需求，那么产品就可以从生产领域进入流通领域。对于产品的造型结构和装潢效果能否满足客户的需要，传统的做法通常都是通过打样，把真实的样品做出来，来展示它的效果。通过这样的形式，需要的时间往往比较长，消耗的资金也比较大。随着电脑科技的发展，逐渐把电脑设计融入到设计领域中来，对产品设计的效果无需进行打样，直接利用电脑虚拟技术，把产品造型和装潢设计的三维效果呈现出来，这样能够更逼真的看出产品包装设计的效果，其中对不满意的地方也能够进行顺利的修改。在包装效果图展示过程中，常用的效果展示软件主要有3DSMAX、Maya、LightWave、SoftImage、Truespace等。
4结语
第7篇
设计等多种因素的综合概念，是杂技及其他演出艺术中除表演以外的各种造型因素的统称。舞台设计由布景、灯光、化妆、音乐、服装、道具等成分及其由空间、形状、质感、活动、光色等因素所构成的空间与时间的综合体。舞美设计是为杂技演员表演和剧本服务的，一个好的杂技舞美设计家的设计理念是：布景——杂技演员——观众——剧本是一个整体。其任务是根据剧本的内容和演出要求，在导演统一的艺术构思中运用多种造型艺术手段，设计和创造出杂技表演中背景环境和角色的外部形象，用以渲染舞台气氛，塑造杂技人物形象，揭示杂技主题（如下图表）。如果说杂技表演是一朵鲜花，那么舞美设计无疑就是鲜花上的绿叶，它们相互交融、相互依托，并形成以多部门所组成的庞大的艺术综合体。可见舞美设计在杂技创作表演中独特的重要性。俗话说舞台美术为“眼睛的音乐”，带有浓重的感彩。它并非独立的“画”，而是作为杂技综合艺术中的有机组成部分而存在；它必须有利于揭示杂技的主题、为在舞台上塑造鲜明的人物形象这个总目标服务。
二、现代舞美设计与传统舞美设计的运用比对
1.在每场杂技的开演之时，映入观众眼帘的首先就是杂技演出的布景，它如同人的外形和面孔一样，会给观众留下深刻的第一印象，它通过线条、色彩、明暗、透视等形象造型手段，为杂技演员的舞台创作提供逼似生活的表演空间。它对于刻画杂技人物、烘托杂技主题都起着极其重要的作用。
2.传统杂技舞美设计在设计服装、妆容造型、道具的选取制作时注重的是突显民族风格和角色塑造。如杂技《古彩戏法》《中华魂》《顶碗》的服装显出是质朴、浓郁的民族象征特色；当然在现代杂技舞美设计里，也应遵循承接基本的杂技舞美制作规律，但是，现代杂技舞美设计立足于基本的舞美美学要求之上，更多地是突出其艺术性，大胆创新，为杂技作品的编排插上想象的翅膀，帮助演员们进行杂技造型和杂技动作的延伸。杂技道具的制作也是杂技舞美的重要部分，例如我主演的《高车踢碗》节目，当把一个个不锈钢的碗踢进头顶的底碗中，因为碗与碗都是钢制的，非常容易进去后还会弹出来，造成演出的失误，所以必须在道具上做些设计，在碗的内部添加薄海绵以起到缓冲的作用，然后再垫上防滑的胶布这样就可以最大程度上减少失误。而服装是杂技表演中非常重要的组成部分，它是杂技物质载体的延展。现代杂技舞美设计在对服装进行设计时，还能花些小心思，使服装具备多样性和多变性，使杂技作品的独特性更具表现力。
维吾尔族民间杂技作品《达瓦孜》堪称中国一绝，导演运用了大量的维族杂技中极具代表性的旋转技巧，作为该杂技的主要动态语汇来表现。在服装设计的考虑上对尺度进行大胆改进，制作了360度的大裙摆，远远超出传统的维族服装的幅度。这是顺应了杂技舞美设计表演效果的处理，表达了表演者心中浓郁而强烈的情感，凸显了“旋转”的象征意义。现代杂技的合理运用能深化舞蹈舞美设计主题的内在意蕴，扩展了传统杂技的表现能力，融合了音乐、舞蹈和舞美的综合表现因素，为现代杂技作品在创编、设计、表演、审美和评价等方面营造了更为广阔的空间与容量。
三、舞台杂技表演美术设计的特性
1.舞台设计起源于古希腊喜剧演出中的中色布景，现已形成平面画景、装饰性布景到演员动作有机结合的立体装置布景，再到在舞台上体现了时间的因素，它成为了一个运动着的时间、空间与意义的综合体。舞台美术设计特有的形象语言能很好地表达剧作的内涵，属于杂技表演外的二度创作艺术。舞台美术创作源于生活，但又须以剧中人物、事件和规定情景为依据，并须与总导演的创作意图相协调。
2.舞台艺术应从属于杂技表演艺术。舞台艺术的中心是表演艺术，景物不能脱离表演自我炫耀，而现代舞台美术则融入和加强了演员的表演，从而使人物形象更加鲜明。
3.舞台美术设计.既是空间艺术又是时间艺术。在人物与景物造型方面无不具有空间特性。首先人物造型是依附于三维的演员身上，而景物造型则为演员表演提供必要的空间环境，景片平台、道具等皆需占有空间。在演出的全过程中，时间在不断流动变换，人物造型也随角色行动而变化。人物景物皆随着剧情发展而显示出时间的推移。
4.舞台美术设计具有综合性，本身是有布景、灯光、音乐、化妆、服装等诸多造型因素的综合体，它们之间既有分工，又相互关联，形成一个不可分割的艺术整体。
5.舞台美术设计技术性较强，舞台形象要依靠多种先进的技术手段才能体现出来，因此他的发展历来与多元化高科技技术紧密相关。
第8篇
美术设计指在一定的审美观念引领下，将某一种构想或计划，进行视觉化、形象化的创作过程，其在影视造型的设计和制作中意义重大。电视广告作为一种影视语言，无疑也同电影作品一样，需要美术设计作为指导，或许在信息传播媒体多元化的今天能获得一席之地。首先，优秀美术设计指导下的电视广告，能够强化观众的记忆。电视广告由于可以清晰地展现商品、模特儿的直观形象而具有强烈的冲击力、感染力、穿透力及较高的到达率与生活贴近等优势，但是信息量小、转瞬即逝是其一项致命的缺点。如何在只有15秒、30秒的时间内，准确传达一定的信息量就是广告工作者必须解决的难题之一。美术设计的引入不仅能将画面造型、人物造型、文字语言、色彩及时代风格赋予更强的视觉感染力，而且对瞬间抓取观众的记忆力和关注度，起到一定的强化作用。可见，一支优秀的电视广告离不开美术设计的指导。其次，美术设计可以很好地统筹电视广告各构成元素，使其在整体与局部达到高度的统一。语言、声音、文字、形象、动作、表演是电视广告的基本构成元素，如果不能在广告创意产生之初就有一个统一性的策划，似乎会与观众的审美经验相背离。再次，科学的美术设计指导可以降低电视广告的制作成本。电视广告不仅受收视环境的影响大，而且费用昂贵，也是一大行业劣势。科学的美术设计指导不仅会大大降低时间制作成本，使整个拍摄过程有条不紊。而且，可以充分地运用电视媒体的感性特征，为企业塑造商品本身之外的品牌形象、产品文化、品位等非同质化特征。这些都无形中降低了电视广告的制作成本。
二、形式美是电视广告设计遵循的基本法则
电视广告最终是以美的形式展现在观众面前的一种影视语言，除了要展示出整个美学范畴共有的审美特性外，还要因其内容诉求和受众，而展示出自身特殊的审美特性。无论如何，形式美法则仍然是电视广告设计应遵循的美学规律。下面从电视广告的基本要素：画面造型、文字语言、民族色彩及画面风格几个方面加以阐释。
1.电视广告的画面造型应讲究和谐美。电视画面造型指电视广告中的非语言符号，包括图像、图画、摄影照片、传统特技画面、数字电视画面等。其中，图像（实景图像）是传统电视画面中最主要的非语言符号，即指电视画面中的实人、实景和实物内容。数字电视画面是随着数字技术发展而产生的一种电视画面的新形式，无论是传统电视广告画面还是数字电视广告画面，都要讲究均衡与变化的多样统一性。在实际拍摄中，编导和摄像师要利用观众的视觉加重作用来制造画面的均衡感。由于电视画面是一个有边框的平面，这样就有一个中心点和一条中轴线，画面景物的设计布局如果均衡悦目，画面就给人一种严谨的稳定感和整体感，这在一定程度上依赖于摄影师的拍摄构图。无论画面构图元素单纯还是复杂，电视画面构图中最重要的宗旨是突出主体形象，明确主置，处理好主体与陪体、主体与环境背景之间的关系，寻找最佳的拍摄角度，分配好光线、色调等造型元素，以获取内容与形式高度统一的、完美的电视画面，从而使观众的欣赏过程在平稳和谐的心境中徜徉而行。例如，中国画理论中讲的“补白”，就是在画面的空白处添加寥寥数笔，便产生引人注目的力量，视觉集中，因而视觉分量相对就重，达到突出主体的目的。黄金分割率从欧洲文艺复兴时期起就在西方被认为是最完美的构图法则，被广泛运用于绘画、雕塑、建筑艺术中，将黄金分割率运用到电视画面构图中，也具有极高的美学价值。
2.电视广告中的色彩元素应引发观众的心理联想，力求一种情感与象征效应。在电视广告中，色彩有着特殊的审美意义，它比其他任何因素都更能影响广告的情态。色彩跟图像的关系就像标题与正文。图像主要依靠色彩增加关注度。色彩象征通常引发人类情感上的美学效应，产生特定的心理作用。总之，一支优秀的广告，离不开均衡的色彩表现力，一方面色彩的情感与象征可以促使观众在欣赏广告时由内而外散发一种精神层面的愉悦感，最终获得双方的共鸣效应，另一方面巧妙地处理主体与陪体的色彩对比关系，可以突出主体，使画面的整体效果更加鲜明。
3.文字、语言等广告信息应具有真实美特质。广告诉求及广告设计通过真实自然产生美感，这是广告设计美学有的审美规律。国际广告协会提出的衡量优秀广告的五条标准中最重要的一条就是“列出商品或服务的真实优点”。广告创意者首先应明确一点：电视广告中的艺术表现手法是以服务于客观事实为宗旨的。即使作品中运用了夸张的艺术手法，也是为了烘托产品的真实性。比如某护肤品广告为了宣传产品的神奇功效，打出“今年二十，明年十八”的广告语，恰当地使用了幽默、戏谑的夸张手法，达到了预期的效果。但，如果是“眼贴膜，保证一周内皱纹全消”，这样无度的宣扬就会成为虚假宣传。
4.画面风格要符合受众群体的审美经验。风格指某一时期流行的一种艺术形式，是艺术家在创作成果中所表现出的格调与特色。在当今信息时代，受众群体的审美特点有了新的时代性要求，无论塑造何种画面格调，代言人的气质与商品品格的匹配，显然是一个符合受众审美经验的基本前提。总之，形式美法则在电视广告领域同样适用。除此之外，电视广告出彩的创意，也可以达到“出乎意料，又在情理之中”的审美效果；广告的特定诉求与受众的特定欲求的纯正归一，也是一种单纯美的诉求；广告制作过程中的各方面，包括视觉元素、形式、功能的调理和规范，正是秩序美的体现。
三、结语
第9篇
改革开放以后，我国从不断涌进的世界各国美术流派和风格的信息里，发现了中、西美术在认识上的距离。同时也看到了，在前苏联美术基础教育体系之外，还有法国、德国等国的美术基础教育体系，并且他们之间的教育方式大相径庭。欧洲在19世纪工业革命后所产生的照相术，由于它的成像来得更加“准”和“快”，那种讲究“形准”的绘画无法与它比肩，完全失去了意义。于是，西方画家放弃了我国一直苦苦追求的前苏联“形准”绘画艺术（也叫“再现”艺术），进入讲究“表现”的绘画艺术境界。由此，以往的美术基础教育大纲失去了统筹作用，绘画水平的高低不再以“形准”作为唯一衡量标准。原来用“形准”作为基本功训练的教师开始放弃了这一要求，改而向学生提供条件，让他们进行自学，教师根据自己的理解去尝试基础教学。因此，“形准”的绘画要求开始削弱。
二、单线的坚持与兴起
超现实主义大师米罗的作品是典型的唤醒了点、线、面的生命，使它们成为形象，可以单独组成供人欣赏的艺术品。他的作品的最大特点是在空白的底板上画画，喜欢表现的主题是人、鸟、星星。在其作品中会发现画中的“点”象是无意中被随性撒落的，静心观察，其担当着一颗星或象征着人的眼和手的角色；一根看似不经意的挥洒“线条”，却被安排着代表一个物体的轮廓线，同时又成为一个人的手臂形象；几块犹如路人随意扔出的“色块”，被当作了天空、大地、人或鸟的替身。这里点、线、面在画家手中成为形象，并精确地安排到位，构成了一幅幅妙趣横生、别开生面的作品。由此可见，绘画是以造型精确到位并凸显水平高低的艺术，唯有经过严格“形准”训练的人才能达到。强调“形准”，并不是要求所有的专业都要向油画专业一样，把对象画的“像活的一样”，而是要讲究质感、量感、空间感，偏重用明暗调子造型。设计类的学生完全可以采用其专业最基本的绘画表现手段———单线作为基本功训练，以达到“形准”的目的。其次，用线造型舍弃了物体表面的光影和明暗，给学生以更多的时间去研究对象的内外结构特征，更快地掌握准确概括及表现对象的造型能力，增强学生的立体空间知觉，提升其空间造型的能力。
三、单线与“形准”的关系及融合
（一）线在造型过程中的内涵和语言
在中国人的绘画理念中，一根线包含一个人的精神和情绪。绘画中的线能体现出一个人的修养和心境，它是最传神的绘画手段，是有生命的。艺术设计中的线有其独特的韵味和生命力。与新华字典里所说的“几何学上指只有长度而无宽度和厚度的”线不同，单线在艺术设计中是有厚度的，是一个消失的面，可以画出最小、最浅的面和各种质感的物体，也可以研究形态到最精微之处，体现最细微的情感。由于绘画材质的不同，各种笔画出的线亦有不同，但是它们出线方式的中锋与侧锋却是一样的。中锋画出的线是尖点深，两边淡；侧锋画出的线是尖点深，一边淡。侧锋画出的线有宽度，也就是有厚度，其运用的面很广。
（二）线对于把握形准的实践意义
在艺术设计教育实践过程中，学生对于形态的构建是一个通过比较利用线确定形态位置的过程。一是用垂直线和平行线确定对象的上下、左右位置。用绘画的方式表现一个对象时就会面临着给对象的体积、质感、量感、结构的凹凸、穿插在结构上的光影定位问题，如何将这些立体的三维空间对象正确地定位在二维空间纸上，绘画方面采取的是用垂直线与平行线来定位。用垂直线和平行线测量的办法有两种：一是用目测通过上下、左右的比较确定一个对象的位置，或通过手拿垂直铅笔比较对象的左右位置的方法来确定，也可以横拿铅笔比较对象的上下位置的方法给以确定。二是用比较的方法确定对象的长短粗细、深浅光毛。绘画的过程就是一个比较的过程。在比较对象的结构位置时，除了比较对象的形状之外，还要与同类的对象作比较，如画左眼睛的时候就要与右眼睛比大小、深浅等。经过比较，对象的比例和形体结构关系由此确定，再经过线条轻重、虚实、粗细、强弱的表现，作品就会以其生动有力、气势贯通的美感展现。
（三）单线准确表现对象需要注意的问题
1.根据对象受光后的情况进行绘画
人们在用线表现对象时，线的抑扬顿挫并没有根据结构受光后的关系进行绘画。如学生在画侧面石膏人像的鼻梁时，该处本是受光的，学生在绘制中把线画重了、粗了；而暗部的鼻翼线应该画得重些和粗些，学生反而画得既细又轻，因而产生了形不准的感觉。正确的表现应该是利用笔对线条的粗细进行控制，用细线轻轻地画鼻梁的受光部，慢慢地进入暗部，线条逐渐深和粗起来，由此画出的线条贴切、流畅。画骨头的部分用中锋为宜，肉的部分用侧锋为好。侧锋因其出现的线是由深到淡且有厚度，所以画圆润的对象最为合适。
2.合理处理对象的空间位置
学生在处理画面时，对于整体观察方法仍缺少对空间感的表达。单线表现空间的方法与西方画中用明暗来表现不同，它是利用线的密与疏、疏衬密的对比方法产生前后空间的。如果不存在疏与密对比的条件，绘画时便可以用笔线的淡与深对比来制造空间。有了空间，形就会感觉准了。
3.单线对于质感的表现
第10篇
（一）营造意境与氛围
在电影中，色彩不仅是一种风格化的造型元素，还是营造意境和特殊氛围的一种符号。如在影片《卧虎藏龙》中，导演以具有东方传统色彩的灰白色光线来营造山水画般画面和一种虚无与和平的境界，表现人文修身的精神净化。影片中翠绿色的竹林背景给观众留下了深刻的印象，在中国传统文化中，绿色是生命、希望和活力的象征，绿色的竹子既是文人士大夫君子形象的象征，又是高尚道德品质的象征。冯小刚导演的影片《集结号》画面恢宏、时间跨度极大，影片的场景主要集中在户外。影片的前半部分主要描写战火纷飞的战争年代，自然环境极其恶劣，因而，画面以诡异静谧的黑白色为主，黑色的村庄、纷飞的雪花，带给人震撼而压抑的感觉；随着电影时间从战争年代过渡到和平年代，画面也从沉闷的黑白色转换为鲜艳的绿色和黄色，呈现出安静祥和的氛围。影片《芙蓉镇》中石块铺成的街道夜晚是悲凉的，早晨是浓雾多喜的，门缝里透出的油灯光线是橙黄色的，梅雨染湿的大地透露出暗淡的青紫色调，白天的街道是热闹的，雨天的街道则是悲愤的，这种压抑人性的色彩映射着影片中主人公的悲惨境遇。
（二）揭示情感与心理
色彩是电影语言的一部分，电影工作者常使用色彩来表达不同的情感和感受，揭示人物心理、刻画人物性格和情绪变化，正如著名导演张艺谋所说：在电影视觉元素中色彩是第一性的，最能唤起人的情感波动。如在影片《燕尾蝶》中，人物服装色彩变化与人物性格相吻合，外表柔弱、内心坚强的凤蝶在服装色彩选择上始终是象征纯洁、坚强和阴郁的灰、白、黑等看似可以搭配任何色彩的色系，这与她对金钱保持冷漠、在繁华中保持淡泊、在痛苦中保持坚强、在梦想破灭时坚持信念的气质相匹配。影片《艺伎回忆录》中，昏黄、灰蓝等饱和度偏低的柔和色调贯穿影片始终，这种孤独、凄凉、寒冷、遥远的色调既营造了一种东方意境的画面效果，又表现了一种神秘气息和艺术氛围，带给人莫名的绝望。昏黄色和灰蓝色的对比不仅打破了画面单一的色调，也暗示了主人公久美子奄奄一息的命运；久美子与绅士的第一次碰面是在一个开满樱花的晴天，画面充斥着柔和的粉红色，即使是刨冰上也浇洒着红色的糖汁，这些色彩既代表着久美子浪漫、娇嫩、天真的梦想，也唤醒和激发了她对美好生活、爱情和未来的希望。橙色是能量和活力的象征，在影片中则暗示着久美子成熟的心理和快乐的情感。
（三）表现思想与主题
为充分表现影片的思想主题，每一部影片在运用色彩时都会保持一个总的色彩基调。如在张艺谋的影片《红高粱》中贯穿影片始终的是铺天盖地的红色，红得刺眼，红得震撼，这种色彩既表现了西北人民质朴豪爽的性格，又表现出一种敢爱敢恨、敢作敢为的人生态度。影片《千里走单骑》中纯粹清透的湛蓝延续了一种本真的风格、原生态天控摄人心魄的美丽和厚重深沉的亲情美。影片《燕尾蝶》中无论是梦想的升腾与破灭，还是人间的罪恶、悲凉、黑暗和死亡都溶解在华丽灿烂的色彩中，色彩在这里是过去与现在的交织和强烈变化，既预示着凤蝶的成长经历，又暗示着影片美丽幻灭的主题。
二、电影美术设计中色彩的表现形态与风格
电影中色彩的表现形态是指电影制作人员根据电影表达主题和内容的需要，通过对不同色彩元素的组合来体现不同的含义，色彩的表现形态主要包括两种：影片色彩的总体结构和分镜头的色彩结构。电影中色彩的表现形态是一种观念形态，是导演、美术师等相关工作人员美学观念的体现。电影美术设计中色彩的表现形态有三种形式：有物质载体的形色、无物质载体的光色和情景色。有物质载体的形色是指有实际外形的、可触摸的色彩。在电影中，这种色彩形态主要体现在服装、化妆、道具、环境等背景色彩中，这种色彩是电影美术师根据电影主题和内容表达的需要人为创造的、主观色彩与客观实际色彩相互统一的背景色彩。无物质载体的光色和情景色都没有实物载体，需要借助于外在条件的相互配合才能实现，无物质载体的光色是指电影美术师借助自然光和其他条件人为制造出来的单镜头、特殊环境和电影整体色彩；情景色是指在不同空间、时间、条件等情景下形成的色彩。对于一个优秀的电影美术师来说，不仅要根据导演对影片的艺术构想和追求灵活自如地运用这些不同色彩形态，而且要根据影片的内在思想、意义，电影本身的历史、时代、人物心理等准确把握影片的背景色彩。现代电影美术设计过程中的色彩设计都是站在现代哲学思考的角度以更加主观的风格和意义来展现隐藏在生活背后的无奈、抗争、压力和欲望，这种色彩运用具有强烈的抽象性、多元性和象征意义。在现代电影中，色彩已不再是一种单纯的构成要素，而成为一种精神的象征和追求。风格是艺术作品在整体上呈现出来的独特面貌，是特定时代、特定民族、独特审美观念和精神的外在体现，相对于其他艺术特色来说，风格是多种不同因素在特定条件下相互作用的结果，因而，更具有稳定性和深刻性。色彩在电影美术设计中占有重要地位，是电影美术设计的重要表现手法之一，其风格形成受导演文化背景、美术观念和色彩观念的影响，是导演在长期使用色彩过程中形成的一种相对稳定的习惯。优秀的导演不仅拥有属于自己的独特的电影色彩风格，而且能以色彩风格来展现电影的情感、历史背景和象征意义。对于一个导演来说，其文化背景主要受民族文化、地域文化等因素的影响，因而即使是主题相同的电影，不同导演也体现出不同的风格，这种风格是其生活艺术的个性代表。如美国是一个热情奔放的民族，因而许多好莱坞电影在色彩运用上体现出强烈的视觉冲击力和华丽的风格；中国文化深受儒家文化影响，因而无论在色彩运用上，还是在色彩表达上都体现出中庸的特色；欧洲电影在色彩运用上受欧洲文化细腻、深沉、内敛特点的影响，更注重以完整的色彩组织结构和细腻的镜头色彩表达来突出色彩的艺术性和思考性。此外，导演自身的色彩观念对电影色彩风格的形成也具有一定的影响。由于每个导演生长环境、文化程度、知识结构和审美观念的不同，他们对电影美术色彩的理解也会存在差异，这在一定程度上造成了他们不同的电影色彩风格。如张艺谋导演的影片《英雄》《满城尽带黄金甲》《红高粱》《大红灯笼高高挂》等，将色彩的作用发挥到极致，影片《英雄》中黑色的宫殿、黑色的服饰、赭黄色的土丘、青蓝色的天空、血红色的胡杨林，这些色彩不仅渗透着深厚的中国文化情结，融汇了许多中国文化元素，而且与故事情节巧妙地结合在一起形成了极具东方韵味的色彩画面。著名导演冯小宁拍摄的影片《红河谷》《黄河绝恋》等，科尔沁草原、纳木错湖、青藏高原等色彩明显的地域和自然景观体现出独特的电影色彩造诣。
三、结语
第11篇
光影这一要素是直接通过光的手段给观众呈现可视形象的方式，也就是用光来成影，并将影投射到幕布上或是景片上，充分表现舞台剧情的氛围。比如在2008年北京奥运会的开幕仪式上通过LED制造的光影效果和表演密切的结合，幻化出了各种图案，给观众带来一种进入梦幻般的视觉感受。
二、光位
光位即舞台灯光照射的位置，它对舞台上人物的情绪、体态或是景物的外形都发挥着重要的作用。比如用光正面照射人物，那么人物给观众呈现的就是比较丰满的形象；如果用侧面的光照射人物，则给观众的感觉是比较消瘦的。这种光位的照射效果也适用于景物，但如果为了追求景物的立体感和质感，还需要结合光强这一要素，所以说在舞台上对光位的应用，要结合其他灯光组成要素。
三、光区
光区体现的是一个区域，目的是为了让舞台画面显得更加有层次感和多变感，所以光区有不同的形状和范围，也有区域边界的虚实之分。一般舞台的光区被分为3种区域，一种是突显表演者的区域，一种是显示景物的区域，还有一种是投射到天幕上的区域。但上述分类也只是大致的分类，涉及到具体的舞台灯光光区形式和变化则需要根据具体情况来设计，并运用单灯和多灯的组合，调节光源、镜片或是挡光片等方式来获得效果。
四、光束
光束主要是要达到视光柱的效果，比如舞台上林间阳光渗透的光束，太阳升起时的光芒等都是光束营造的效果，将光束应用在歌舞表演中，会增强音乐感。但如果从美术设计角度出发，还要结合具体的灯具、幕布、光强、光色及舞台表演的形象，这样才能给观众带来视觉上的感受。
五、光的运动
光的运动就是光在舞台上的转换和变动，为了配合不同舞台剧情的不同要求，可能有的时候需要聚光灯，有的时候需要追光灯或是散射灯，从而使静止的舞台布景或是场景变得生动。
六、灯光舞台美术设计的原则
首先是遵循强度或是亮度的原则，在舞台上必须要有足够的灯光，能让观众看清楚舞台，包括布景的颜色、景物和人物的外形，甚至是需要特别突显的细节部分。其次是遵循分配原则，分配主要是不同灯光射向舞台的方向分配，主灯和辅助灯与舞台中主角、配角、景物的分配，以及亮度和色彩的分配。最后是遵循节奏原则，也就是指光的运动这一要素，保证所选灯具和舞台的剧情发展相融合。
七、结语
第12篇
民间美术艺术承载着来自古代的文化、哲理、审美、民俗等多方面的集合，是中国历史文化的瑰宝，呈现出色彩斑斓的赋色体系和丰富的文化内涵，并以富有深意的造型和充满地方特色的材质代表了某一时期某一地域内呈现的人文环境。民间美术艺术也因文化中心的多次迁移而表现出多层次、多元化的现象。在国内，对于民间美术的分类也有多种看法，如李锦璐先生在《对民间美术的一些认识》中进行的分类，包括：“日常活动、节日活动、祭祀活动所表现出来。”而邓福星先生则在《论民间美术》中将其归为：“供奉、宅居、服饰、器用、贴饰、游艺等六类。民间美术的分类繁多，工艺也各有千秋，在人们日常生活中的各个部分都有所表现。小到陶瓷玩具、剪纸、刺绣，风筝。大到雕塑、泥塑、建筑石刻，还包括一些特色的小吃玩意儿：糖人、面花面点等。它美化了物品的功能，并赋予它们新的审美意义，全方位的体现了当时社会环境下人民生活的现状。
二、美术设计中可对民间艺术的选用
（一）民间色彩
我国的民间美术具有悠久的文化历史和人文内涵，其在色彩的选用上更是五彩斑斓，富有深意。就像瑞士心理学家卡尔．琼曾说的：“色彩是潜意识的母亲，它可以唤起人们早已忘怀的记忆和情感。”奇妙的色彩语言在民间美术中的运用凸显艺术的文化性，是创作者与受众进行交流对话的语言形式之一，具有装饰、象征、寄托等多重功能。民间色彩的应用不是纯粹的随心而定，根据情感来搭配，而更多的是在生产活动与社会交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩观念中形成的阴阳五行说和趋吉避凶的世俗心理，或是对单种颜色的色彩崇拜。现代社会是视觉时代，而色彩在视觉中带给人更多的情感导向，让人在第一感官中产生或明快，或沉静，或绚丽，或素雅的印象，与人们的生活紧密相连。服装的颜色、建筑的颜色、商品的颜色甚至是整个城市的颜色基调，很大一部分都需要色彩的仔细搭配。美术设计作为以视觉为主的艺术设计形式，更需要来自民间色彩搭配的借鉴。
1、单色崇拜
人类对色彩的最初认识就是从单色开始的，根据科学调查，人类从婴儿时期开始识别黑白两色，也就是说从出生开始到4月后，人眼中的世界从主观认识上是如同黑白电影一般的，到后来随着各项身体机能的成长才逐渐识别到其他颜色。而黑白两色的简单搭配，也被赋予了“一生二，二生三，三生万物”的八卦变化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”，到了秦朝，秦始皇统一六国之后认为：“今秦变周，水德之时。昔秦文公出猎，获黑龙，此水德之瑞。”于是秦更命河曰：“德水。”“以冬十月为年首，色上黑，度六为名，音上大吕，事统上法。（《史记•封禅书》）”又回到了黑色崇拜。人们对某种颜色的喜爱似乎代表了某个时代的特殊印记，确又在历史的前进中周而复始。在现代美术设计中，设计师总是利用色彩的视觉冲击来吸引观者的注意，而单色所彰显的精炼感能带给受众更丰富的内容和更强的冲击力，对主题所要表达的情感以简单直白的形式呈现给大众。民间色彩中所流露出的简洁、鲜明、响亮让现代美术设计增加几分“少即是多”的美感。一来可以表明艺术品的整体基调，二来通过人们对民间色彩含义的某些固定印象，完成对信息的传递与输出。
2、五彩彰施
从单色到五色，人们将颜色与阴阳五行学说结合在了一起，成为认识天地、自然与与神灵相接的重要思想。我国传统的五色是指：“青、赤、黄、白、黑”，与古代朴素的唯物主义理论“五行说”相对应，如董仲舒在《春秋繁露．五行之义》中所提到的：“木居左，金居右，火居前，水居后，土居中央。”就是将五种颜色配以五行的对应说法。因为五行之说是相生相克的，所以在颜色的搭配上也有诸多的可与不可。民间美术色彩的对比从色相上来说跨度很大，而且多使用补色、冷暖对比，显得较为浓烈或夸张，极具表现力。如在民间木板年画的色彩应用中，为了让整个色调更加有节日的喜庆效果，用“红配黄，喜煞娘。”等搭配方式，让红色从侧面引发人对火的联想加上黄色的亮眼，无形中就将我国传统节日的气氛表现了出来。现代美术设计过程中，充分借鉴民间色彩搭配，能对文化内涵有更深刻的认识，如一些复古的服装服饰，将现代工艺之美搭配上民间色彩的绚丽，创造出极具本国特色的民族服饰。又比如在广告设计中加入各种民族色彩标签，将城市所象征的颜色作为某种文化输出，实例是北京的出租车就将黄色作为基本色，与北京“皇城”的身份相匹配，然后选择四方的八种色，代表祖国的四面八方。
（二）民间艺术造型
民间美术作为一种造型艺术，呈现给大众的不仅仅是奇特、宽博的造型方式，同时也包括了在进行这项运作时所剖析到的创作手段、社会背景、文化内涵、民族情怀等等。艺术造型是千人千面的，极富有想象力和主观能动性，但会通过相互影响而在某一地区形成独特的定势。但从创作的思维方式上来说，中国民间艺术造型也与世界其他国家的艺术造型有共同点，如法国、苏联等地出土的“丰产女神”像与我国辽宁红山文化女神裸像有异曲同工之妙。就像一位先哲所说：“人类趟过的是同一条河流。”即便如此，各个地区的人民也因各种因素的影响，还是呈现出多元化的艺术状态。中国民间造型艺术迎合着古代历史文化的潮流，展现出不同寻常独特的魅力。“以大为美”、“以生为本”、“对称性特征”、“造型的完整”是本国民间艺术造型的几项特点，也为本国的各类造型艺术提供了丰富的涵义，如比喻剪纸中出现的“双鱼石榴”、“莲花娃娃”，泥塑中出现的“虎头帽”、“猪头鞋”等等，都从坦诚的反映出民间劳动者对生命、自然的真挚情感。在现代文明高度发展的今天，我们越来越开始关注文化的民族性和本土化，在诸多的现代商品中，在功能作用得到极大满足的前提下，人们逐渐返回到对产品的传统性、手工性及自然感的关注，如一些以现代人物、生活为题材的新年画报又重新回到了人们的生活中，还有一些传统造型的商品以新材料仿旧制造后又成为人们的陈设把玩。现代美术设计在点、线、面的分割组合中需要图形本身包含的涵义和文化来支撑。
三、结语
第13篇
1电视节目包装是打造精品电视节目的重要举措
电视节目包装随着电视媒介技术的发展而不断变化，每一个历史时期电视节目的整体包装水平会因电视技术和电视台节目制作理念的不同而显出较大差异。到了电视媒介技术较为成熟的今天，电视节目的个性化、专业化、创新性发展已成行业趋势，在这样的发展背景下，电视包装技术的更新和包装水准的提升是电视台创建频道品牌、打造精品电视节目的重要举措。电视节目包装早就出现，包装手段和包装后呈现的形态受到多方面因素的影响。无论在哪个时期，电视媒体的发展都与其他艺术创作有着一定的联系。因此，在结合电视节目生产流程和生存现状的基础上，电视包装设计一般被界定为运用各类视听元素对电视节目进行整体优化设计，创造出更加有利于观赏的收视效果。综合几种传统媒体的特点，电视媒体在图像和声音相搭配形成的声画组合方面占有优势，电视传递信息从根本上强调的是视觉效果上的清晰，在满足观众知情权的情况下丰富荧屏视觉体验感。因而，从视觉传播的角度看，平面设计元素中的图片和颜色的搭配、协调使用，以及平面艺术创作中的版式编辑手段等的参与，都可以让观众在有限的电视荧屏上感受到无限的含义表达和审美体验。在电视媒体作为信息传播媒介出现伊始，电视包装从属于电视产业，并不是一个独立的行业品类。如果从时间上来界定，电视包装业的发展经历了不到一个世纪的历程，与其他技术手段相比，这个历程是比较短的。从包装技术手段所经历的几个阶段来看，从起初的人工包装到电子化手段包装再到网络化的包装，电视包装技术实现了跨越式发展。现代化的技术手段成就了电视频道的专业化发展和电子化生产与制作，在技术上取得了遥遥领先的现实影响力。电视包装技术发展至今已经成为独立的产业门类，在与电视节目质量同步提升的过程中，电视包装技术行业渐成规模，电视产业发展在为电视包装技术发展提业前提的基础上促进了其快速发展，而电视包装技术在同一时期以自身的技术优势进一步推动了电视媒介的改进。在相互依存、相互促进的过程中实现了互利共赢。从变化发展的观念看，电视节目包装技术是个一直处于动态变化中的名词，代表着一个会时常融入新元素、内容经常会更新的新兴行业。电视包装技术同电视媒介的发展一样，同处于不断发展变化中的人类社会有着密切的联系，每一时期，人们的思想认识、生产力水平的高低和技术创新的程度都是不同的，尤其是在我国厉行改革的时代，在社会上出现的一切变动都可能会对电视包装的发展产生影响。电视媒体从“传者中心论”到“受众中心论”转变的历程中，电视包装技术要更多的考虑观众的需求，从观感、心理、情感等方面设计电视节目，并充分运用和创新电视包装技术，通过健全和完善包装技术这一硬件条件来打造精品电视节目，树立品牌意识，带动电视频道朝着创意化方向发展。
2平面美术设计融入电视节目包装的积极意义
平面美术设计中的很多元素是构成我国传统文化的重要部分，这些元素在电视节目包装中的运用，不仅有助于电视节目建立形象、创意化的识别标识，更是对我国传统文化的继承和弘扬。平面美术设计中文字、图案、色彩三大元素同样是生成电视节目内容的主要工具，而电视节目内容的生成同样需要文本信息、声音和色彩的运用。从要素的构成方面来看，电视节目和平面美术设计出现了交叉和重叠，把平面美术设计中的元素和编排方式运用到电视节目的创作过程中来，既继承了传统艺术设计的基本手法，又增加了听元素形成电视频道自己的视听系统，这是一种艺术化的再创造。从宏观上看，不论是平面美术设计，还是电视节目的艺术加工，都是建立在传统文化基础上的再创造。在电视包装技术中融入平面美术设计元素，体现了电视节目对传统文化的认同，在坚持技术创新的基础上坚守了民族文化阵地，顺应了时代的进步和发展。增强视觉效果在综艺节目娱乐化和严肃节目轻浮化的传媒生态下，重技术轻内容的发展趋势渐成电视行业的新常态，为了巩固新闻信息传播和传播主流价值观念的平台地位，电视频道和节目应重建内容，提升节目的整体质量，以内容建设为根本。这就需要加强对内容的创作，在节目表现形式的艺术化加工和传播渠道的优化上作出改变。平面美术设计中美学元素的渗透，是电视节目在当前环境中重回“内容本位论”的重要举措，平面设计中常用的创作技巧及对基本元素的熟练运用，能打造出更适合电视节目在电视媒介上传播的平台，增强电视媒体的视觉传播效果，给观众带来更好的审美体验。提高商业价值平面设计是促进电视节目设计赢取观众认同、实现商业价值的有效手段和重要方式。在已有的研究中，部分学者只看到了电视包装技术对电视节目宣传和营销的重要性，对平面美术设计在其中的运用不置一词，另有部分学者只是将电视作为展示平面美术设计元素和编辑方式的平台，对二者的统一和融合对电视台的盈利并没有进行深入研究，这些都是片面的。电视节目的高规格制作标准要求平面美术设计能为电视台带来经济创收，在具备视觉强化效果和审美功能的情况下，让电视节目制作中的剪辑艺术和声画组合技巧彰显出更强的艺术感，以提高电视节目对电视台的经济溢价。打造精品节目随着电视产业的发展，新旧媒体在竞争中呈现出的蓬勃发展之势。作为老牌信息传播和视觉营造平台，电视节目的发展已构成了电视产业发展的核心战略。从战略高度看电视节目的包装技术，已远远不止单纯的技术与节目内容拼接，而是整个电视台和电视频道的品牌塑造工程。电视传媒产业的工业化发展路径和市场化生存法则，要求电视节目从内在到形式，必须不断进行革新和升级，构建品牌意识，融合多种艺术表现手法增加内容的权威性、艺术感和文化含量。平面美术设计作为众多艺术创作方式的一种，为美化电视节目的荧屏呈现形式、创作出高质量的内容起了积极的作用，是电视节目实现品牌化发展的重要力量。综上所述，平面设计元素在电视节目包装设计中占据了很大空间，它们是构成频道语言的要素之一。电视屏幕上，平面元素的组合是最基本的视觉传达符号，它们借助电视媒介、传播信息，获得存在价值。电视节目包装设计融入平面美术设计既影响了现代社会中人们的意识和生活，也对我国传统文化的保存和弘扬做出了贡献，是我国电视产业升级系统中的重要一环。
作者：周媛媛
第14篇
构建工学结合为导向的一体化课程体系建设的开发思路。课程模式以工作过程为导向、以工作任务为主线，实现工学结合，制定符合职业性、实践性和开放性要求；根据职业教育理念进行了课程的序化、重构、整合或开发新课程；根据区域、行业经济社会发展需求和职业岗位实际工作任务，依据有关职业资格标准，选取课程内容；注重构建课程评价体系为开发思路。游戏美术设计专业课程建设要将游戏行业岗位能力分解为若干个能力模块；结合游戏企业制作流程和能力训练要求，开发相应的项目为课程编制思路；按照岗位的工作项目来设置集中实训环节，且都在学完相关知识和基本技能后就立即安排，缩短了集中实训的时间间隔，同时也降低了学习的难度。完成一个集中实训后就标志着能胜任未来岗位的一项工作，并能以此在社会上进行工作，这样让学生在一次次的成功中体验成就感，以成就感来激发和保持学习兴趣。安排以游戏企业实际工作项目作为练习和实训的内容，学生感觉到的是在完成一个个项目任务，虽然在此过程中相关技能能不知不觉中得到强化训练。
2游戏美术设计专业一体化课程建设与改革
（1）游戏美术设计专业课程体系建设目标。
游戏美术设计专业的教学积极聘请行业企业专家、同行专家共同参与专业课程标准的开发。对游戏美术设计专业所覆盖的岗位能力要求进行认真分析，共同开发友协专业的课程标准。经过几年时间，建成并组织实施符合职业能力要求并且可供学院其他专业借鉴的专业教学标准。游戏美术设计专业课程的开发与实践，即游戏美术设计专业课程标准及系列教材的编写与教学实践。每个课程实务以岗位能力入手——学习目标——工作流程，确保岗位的从业能力；并且根据不同方向的特点调整教学内容，以大量游戏企业真实项目为实训手段，确保内容的掌握。建立“学习目标——相关知识——典型案例——学习小结——进一步探讨——公司项目实战实训”的教学流程。游戏美术设计专业课程体系建设必须以职业岗位能力为目标，重点突出职业技能的培养。分阶段划分教学模块，按工作岗位确定实际学习项目，以实际学习项目为载体完成教学任务，最终实现学生学习技能与就业无缝对接。同时，根据学生就业方向的个人意愿、就业市场需求和专业的最新成果等，有选择地开设一些专业选修课，拓展或深化某一方面的专业知识，以适应社会、企业和学生个人的需要；另一方面，结合游戏行业特点，加大工学结合核心课程建设，合理规划项目课程建设。在教学内容中大力补充新知识、新技术、新工艺、新成果，并实现课程的模块化；同时，鼓励教师与企业技术人员合作编写学材，创建以能力培养为中心、以解决实际问题为目标的学材模式。
（2）课程建设理念。
游戏美术设计专业坚持“以行业为依托、职业为特色、能力为本位、质量为准则”的工学结合为导向的一体化课程体系建设理念，在编制人才培养方案中，把专业技术应用能力和岗位技能培养放在首位，专业理论知识以“必须”“、够用”为度。所以在课程设置上，要按照国家教育部的要求开设。专业技术模块和专业实训模块，按照技术应用能力、职业素质培养为主线，按照理论知识“必须”“、够用”为度的原则，设置课程并精选内容。按照专业技术领域和职业岗位（群）的能力要求来设置课程，删除不必要的课程，对课程内容重合的课程进行整合。例如，将《游戏场景设计》《三维游戏设计》和《游戏角色设计》整合为《三维游戏设计》等。根据目前动漫游戏市场对不同人才需求，拓宽学生的就业面，加强三维游戏设计1/2、ZBRUSH（次时代游戏制作）软件操作，有利于提高学生岗位技能的提高。课程内容的改革要突出时效性，动漫技术的发展实际和市场的需求，在人才培养方案中新增加《游戏架构与策划》《ZBRUSH（次时代游戏制作）》《PS（插画设计）》课程，及时将当今动漫领域新知识、新技术、新工艺引进课堂，重点考虑教学内容的前沿性和实用性《。网页与网络动画设计》《后期合成》选修课的设置增加了学生个体的发展空间以及人才培养的可持续发展。
（3）工学结合一体化学材建设。
学材立足于游戏设计行业的实际操作，突出“以能力为本位”“、以就业为导向”的指导思想，从岗位实际出发，阐述相关的知识和技能，突出岗位能力点的训练，加强学生的适应能力和创新能力，根据游戏行业用人需求，编写产学结合、突出实践能力培养的学材。学材体系结构体现职教特点，符合学生的认知能力和技能养成规律，适应现代职业教育教学模式和教学方法，体现教学过程中教师的主导性和学生的主体性。“以学生为主体”，打破学科式课程体系，从实际需要出发，以课题、项目为中心，做到理论实践一体化，使学生在边学边练的过程中，掌握制作流程和操作方法。参照职业资格认证标准，在学材中体现职业资格考核认证标准，在学生的思考与训练过程中，模拟资格考核的要求，使学生的学习能够符合行业需求。
3结语
第15篇
一般情况下，合法的教育机构应该具备三证：教育部门颁发的《办学许可证》、物价部门颁发的《收费许可证》及工商部门颁发的《营业执照》。不幸的是，98%以上的培训班都处在无照经营的状态当中，也以少数的一些培训班打球，以公司或工作室的名誉来进行招生及培训。究其原因，美术高考有很大的季节性，集中培训时间每年也就三五个月，加之教育，工商，公安部门未能协同打击，为培训班开展游击战提供了广阔空间。只有少数规模做大了的培训班，集训期学员两百人以上，为了拥有相对比较固定的教学场所，不得已才去申报三证。拥有三证的培训班，从学生的管理及教学上来看相对比较完善。而学员在30人以下的培训班，很多连用一张A4纸打印的管理制度都没有,其管理水平及管理效果可想而知。这应该是贵州省美术设计类生源质量相较于其他省份较差的原因之一。
二、教学人员的技能及师德良莠不齐
俗话说“名师出高徒”，“师傅一桶水，徒弟一碗水”，教学人员的专业技能，对学生水平有直接关系。为了方便表述，本文将培训班的教学人员分为：教授型教师、少壮派教师、艺术家教师、高中美术教师和业余教师几个大类。教授型教师，特点是大学教授，或副教授，担任培训班的校长及主讲教师；学员的专业基本功相对较强、培训班的规模不大、学费高、基本没有管理、录取率不高，办学时间长，师德很高。教授型教师的优势是长期的教学经验、扎实的技术功底、以及在美术高考改卷中的话语权使得光环魅力无限，教学方法、教学效果及生源数量相对比较稳定，在教学过程中以教给学生的艺术基本功而不以应试为目的，所以录取率一般，但是学员一旦进入大学，学员的优势，一下子就能显现出来。劣势也比较明显，教授在大学中都有着他们自己的教学及创作任务，能分给学生的时间和精力肯定有限，在白热化，职业化的竞争中，他们主观上为了自身的名誉，也不愿意培训班过于发展壮大，所以一般维持在20-50人的规模。学费较高，一般2000-3000元每月。少壮派教师，特点是专业能力较强的刚毕业的大学生、或在校大学生担任主讲教师；学员的应试能力非常强，只要经过2到3年的发展，他们的规模都能在50名学员以上，是培训班的中坚力量，学费高，有管理及激励学生学习的方法，录取率高。在“考起大学才是硬道理”的快餐文化中，“学生的成绩就是他们的生命线”，少壮派教师以满腔的热血和全部的精力投入到专业教学当中，他们研究各个学校的考题，以及各种能够快速提高考试分数的方法与技巧。而且他们与学生的年龄差距不大，心理上易于与学员沟通。所以学生的画面效果及考试能力在短期内会得到明显提升。学费方面的特点是在开办培训班的前期，学费较低，一般为500到1000元每个月，而当他们名声大起来，规模变大之后，学费会大幅度提升，有的甚至会超过教授型教师的学费。培训班的名声就是他们生存的根本，为了培训班的招生名誉，少壮派教师的师德也不错。艺术家教师，特点是创作能力较强，一般由一名到三名艺术家组成，学员数量少，录取率低，学费低，办学时间短。这个群体的教师，艺术创作能力较强，一般是35岁到50岁之间，在经济上和名声上还未成功的职业艺术家，艺术气息浓厚，按照自己对艺术的理解来进行教学。调查中发现，一开始他们带了三五个喜欢画画的学生，在高考中好像基本都考起大学了（含三本及大专），在未扩招的年代里，这是很成功的战例，在巨大的利润空间下，他们投入到美术高考的培训潮流中，结果基本都因为艺术家性格上的某些特点、没有管理，学员具备一定的专业能力，但缺乏考试能力，所以，录取率较低。一般3年以后。又恢复到在自己的工作室中带三五个学生的状态。这个是教师群体的师德有待考量，比如教师与学生，发生恋爱关系或性关系的案例，时有发生。高中美术教师，特点是只以自己所在高中的高一高二学生基础培训为主，生源数量稳定，学费低、培训班办学时间长。高中美术教师，占着其天时地理人和的诸多优势，生源以自己学校的美术爱好者为主，因其是中学第一线的教师，在学校里，有着沉重的教学任务，所以他不可能有，太多的时间和精力用在美术高考的培训的集训上，平时收着较低的学费，用业余时间做最基本的基础培训。高二结束后，学生就背上行囊，家中经济条件好的，到北京、杭州、广州、重庆进行专业培训，经济条件一般的，也会选择到少壮派教师的培训班参加集训。只有数量极少的，家中经济条件极差的，才会选择跟原来的老师继续学习。业余教师，特点是，年龄两极分化严重，学员数量少、录取率低、学费低，培训班寿命也是两极分化严重。这个群体的教师，年龄较长的，一般是美术爱好者，画了三五十年的画，有不少的收藏，不懂教学，因学员数量少，也无需太多的管理，凭着几十年的人脉积累，倒也有十来个个学员跟着他画画，培训班寿命很长。年龄较小的，一般是刚毕业的大学生或美术爱好者，家中经济条件不错，对艺术有狂热的爱好，是一位或某几位大艺术家的狂热粉丝，租个房子就开办培训班，开口闭口学师，临摹大师的作品，梦想成为大师，培训班的办学时间，当然可想而知。
三、解构了的单一教学，向技术化、职业化方向畸形发展
扩招前美术考前培训班教学的培训方式是：以美院附中，或大学开办的正规教学为主流，民间散落的少量美术考前培训为辅的方式。但扩招后，附中培训模式面临着：扩建、资金、教师数量匮乏等一系列问题，与日益增长的美术考前培训需求形成主要矛盾，民间美术考前培训，在这样的市场前提条件下，也就如雨后春笋，大量出现、发展及壮大。原有大学招生模式是凭作品报名，通过初试复试方式来进行人才选拔。但这样的方式，招生成本过高，效率过低，非常不适合大规模的考试要求，所以中国所有的大学招生，被迫走向了“极简主义”的道路，原有的写生方式，被改成了默写或画照片，以节约模特费、静物费及静物的购买、保存及摆放的人工成本。在高考指挥棒的挥动下，近十年来，不管是贵州的美术专业联考，还是各大高校在省外设立的校考，都遵循这样的模式。贵州的美术考前培训也向技术化、职业化及教学的多样化的方向迅速发展。遵循传统的教学模式，以教授型教学的培训班为代表，因为是教授上课。所以基本能遵循艺术教学的规律，让学员逐步从静物、人物，风景的临摹、写生中逐步地进行艺术基本功训练。相对来说，这一部分学员，基本功相对扎实，进入大学后也能较快地适应大学的教学。技术化、职业化的教学模式，以少壮派培训班的教学为代表。由于国家没有明确的教学大纲和课程标准，所以他们在教学上，完全自主安排。在缺乏课程规划的情况下，教学目标完全针对高考，服从高考指挥棒的指向。他们研究各大美院及其他高校考试的试题、高分试卷，及快速提高画面效果的速成法。传统教学法，在它们的解构、重组下，变成了“中国特色”的教育方法。比如在素描的教学过程中，他们可以完全忽略石膏几何形体的写生及临摹，学员从学拿铅笔开始，就直接学习考试的内容----头像临摹，并且，把学习及考试进行了全新的编码，比如贵阳XX美术高考培训班的素描秘籍就这样写到：高分卷的评分标准：紧抓构图、结构、黑白灰。第一，抓构图（5-10分钟）上下左右安排好、三庭五眼要标准，眼睛位置最重要。第二，抓结构（20-30分钟）卡准骨点及转折，三条线：眉弓底线、鼻底想和下巴底线……第三，抓黑白灰（50-60分钟）画好明暗两个系统。暗部，用6B铅笔打底，2B、3B铅笔反复画。亮部用H或HB铅笔反复画……第四，……如此“精细”的编码，特别是对于美术这样一个讲究感觉的学科，对于学科的理论建构，应该说进了一步。但对于当下多数的美术考生而言这样的教学方法除了教会学生会背头像外其他没有太多好处。有一位考生，考的是川美的校考，头像写生，他站在正面的位置上，却“写生”出了完美的侧面头像，结果，这位学员经过3个月的“背诵”学习，考起了川美。在色彩教学过程中的编码，更是到了“增之一分则太长，减之一分则太短”的地步。比如说画一个苹果，老师会先教你画一个上大下小的苹果外形，然后将这个苹果分成8个部分，每一部分，都对应着老师调好的色彩，学员只需要将这8个色彩填到相应的位置。用这样的方法进行训练的学员，只需要3个小时的时间学习，就可以画出一个个完美的苹果，从单个苹果的效果上来看，不少超过老师画的效果，甚至达到范画的水平。换句话说，学生学的不是“美术”，而是填空。老师调好的颜色，价格当然很贵，在考试前，一个32格装满颜料的颜料盒，300元1盒。而同等体量的颜料。绝不超过20元。努力学习了这样精准编码的学员，可以仅通过2到3个月的专业学习。完全可以考起专业美院或重点大学。但是这样的教学，“缺失了附中对学生感受能力、观察能力、想象能力、记忆能力、表现能力、创造能力的综合培养。”
四、结语
