艺术与美术论文范文

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第1篇

中国画的工具和材料基本上是由笔、墨、纸、砚来构成的,人们通常把它们称为“文房四宝”,大致是说它们是文人书房中必备的四件宝贝。因为中国古代文人基本上都是或能书,或能画,或既能书又能画的,离不开笔、墨、纸、砚这“文房四宝”。

一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。

最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。

现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”

等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。

一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。

在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭

记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。

从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。

中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。

我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。

说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。

中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。

三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。

纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。

一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。

从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。

中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变 化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。

除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。

四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。

不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。

在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》

中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:

笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。

臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。

诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。

笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。

笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。

笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。

墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。

墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。

镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。

水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。

砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。

砚匣:又称砚盒,安置砚台之用。以紫檀、乌木、豆瓣摘及漆制者为佳。

第2篇

1、大胆尝试颜色搭配

色彩搭配为艺术设计起到了画龙点睛、锦上添花的作用，而民间美术对于色彩的配搭体现了民间生活不断变迁的过程以及不同民族、不同地域、不同需求的特点，因此现代艺术在色彩搭配方面对于民间美术的借鉴必不可少。例如在过年期间，我国的鞭炮、春联、红包等都以大红色为主，象征了来年生活的红火；而我国的民族服饰虽然不尽相同，但都存在相同的特点——色彩斑斓，就像把绿的青山，蓝的天空，白的云朵，黑的土地都融合到了服装里，体现出民族贴近自然，拥抱自然的特点。我国的文化底蕴丰厚，因此也给不同的颜色赋予了不同的意义，例如红色的热情，白色的纯洁，黑色的稳重，紫色的优雅等等，而这些颜色特点在现代艺术设计当中，都能够与设计对象相契合，这种愿景与艺术形式相结合的方式，在凸显事物所想表达的情感和思想之外，还将艺术气息体现的淋漓尽致。

2、保留民族特性

艺术设计方面的民族性是中国特有的艺术表现形式，且永远不会褪潮流。民族并不局限于狭隘的区域和艺术形式当中，它不分国界，具有世界性、艺术性的特点。现如今，在中国的服饰、饰品上民族风格尤为突出，设计师在服饰上将潮流元素与民族元素完美结合，不但体现了它的独一无二，也将我国特有的民族特点在世界的舞台展示出来，在体现了我国浓厚的民族情结的同时，也向众人展示了我国丰富的历史文化内涵。民族性通过民间美术的审美性、民俗性和实用性的共同作用得以体现，并且对现代艺术设计影响长远且深刻，无论是在造型设计、色彩运用还是创作理念上，都向现代艺术设计提供了源源不断的灵感，推动现代艺术设计的不断向前。

3、讲究人与自然相结合

造型和形象是艺术设计最直观的表达形式，我国民间美术经过了时代的变迁和岁月的沉淀，其艺术造型种类颇丰。而现代艺术可以充分借鉴我国民间美术的造型艺术，基于自然的情况下，加以发挥主观想象，将艺术创造向自然、随意的风格靠拢，并且通过独特的外观造型将其表达意义暗喻其中。比如我国的的艺术瑰宝——翠玉白菜，自古达官贵人都喜欢在自家当中摆放或收藏翠玉白菜，它也是拿来馈赠亲友的佳品，而将珍贵的玉雕琢成白菜的形状也是颇有讲究，白菜的谐音意味着纳百财，有着吉祥如意、财源广进的说法，因此是玉器界备受欢迎的题材。不仅如此，我国自古有“算盘一响，黄金万两”的说法，因此现代艺术设计当中，算盘常常以一种装饰物出现在商业用房内使用，这些包含吉祥寓意的造型一直备受中国人的追捧，也广泛运用于现代艺术设计当中。

二、结束语

第3篇

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画;从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等;从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等;从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征。

艺术史上,绘画有着多种品类和样式。大致列举如下:

岩画 即绘制或凿刻于岩石上的图画。原始人在岩壁上刻下他们的信仰和种种生活印迹:狩猎、游牧、战争、反映生殖崇拜的男女交媾、怪异的人头像、手印、蹄迹……中国岩画分为南、北两大系统,南方岩画多是用颜料绘上去的,北方岩画则多是凿刻出来的。

漆画漆画是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺,战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地,有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器,花纹工细,有的漆奁描绘舞乐、狩猎情景,富有生趣。湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件,纹样精致,线条流利,状态生动,其中漆盂是现存唯一的秦代漆绘作品。

水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。狭义而言,水彩画是指用水彩颜料,以水为稀释媒介,在纸张上作画的绘画方式。通常有透明水彩(Transparent Watercolor)及不透明水彩(/Gouache)两大领域。随着科技的进步,新的绘画材料的生产,20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料,如Gesso、压克力、透明水彩液、水彩铅笔,都包含在水彩画的领域之中。

水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的。所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是,它没有水彩画透明。它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大。所以,它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象,而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。

工笔画在我国的传统绘画中,工笔画发展的历史非常悠久。从战国时期绘制的帛画,到唐宋艺术家的经典巨作,可以说,中国传统的工笔画,在上千年的时间里,从稚嫩逐渐走向成熟。元代以后,随着文入画的兴起,中国工笔画开始走向低谷,甚至被贬低为工匠的描摹之作,难登大雅之堂。直到20世纪80年代,工笔画在经历了几百年的沉寂后,开始逐渐复苏,并以前所未有的全新姿态迅猛发展。当代工笔画的复兴,体现了古代艺术传统的不断延续,同时也显示出了中国画艺术的新生和希望。

在中国画发展的历史长河中,工笔画以它刻画精细、传神,富有抒彩的艺术面貌而独树一帜。它的源头最早可上溯到战国时期的帛画。到了隋唐、两宋,大量画家、大批作品的涌现,使工笔画走入了发展的第一个高峰。然而此后不久,文人画逐步兴起,精描细写的工笔绘画,被看做是工匠的描摹之作,受到讥讽与贬斥。

中国工笔画随即走入了千年的沉寂。

装饰画装饰画是一种并不强调很高的艺术性,但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。装饰画以制作方法进行划分:印刷品装饰画、实物装裱装饰画、手绘作品装饰画等;以材质进行划分:油画装饰画、木制画、摄影画、丝绸画、编织画、烙画等。

拼贴画就是打乱时间序列,整体呈“心理结构”,局部仍用“传统写法”,巧妙剪辑、拼贴各个“画面”的一种新技法。它实际上是所谓“意识流”作品的一种“变体”,是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错,比较适宜于表现时间跨度大、空间变换多、思想容量丰富的题材。

.版画艺术版画是用刀子或化学药品等在木版、石版、麻胶版、铜版、锌版等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画分为四种;凸版、凹版、平版和孔版版画。

第4篇

1.推动经济市场的发展在社会主义社会不断发展的情况下，人们的生活水平也有所改善，经济发展的车轮也在不断的前行，人们的文化内涵、审美价值观、精神品味等需要也都有所提高，这也推动了艺术水平的提高，我国经济市场也逐渐成形，经济市场的存在是一种形式，而现代艺术才是推动经济市场发展的核心，因此说，现代艺术与与社会经济发展有着直接的联系，只有现代艺术的不断发展才能促进我国社会经济的不断发展。

2.推动社会实践的前行现代艺术的发展主要是为了满足消费者的需求，要结合消费者的兴趣来提升现代艺术水平。在前十年人们的需求与现在有着很大的不同，而在当时为了满足人们的需求，现代艺术也跟随着人们的兴趣进行发展。在当今人们的需求又与十年前的需求有着天壤之别，十年前人们所需求的产品，到当今可能已经下线，也可能已经更新换代。总之，会以另一种新颖的形式出现的世人面前，这就是现代艺术的发展，不仅是为了满足人们的需求，更是推动社会实践前行的动力。

3.推动社会科技的创新在现代艺术不断进步的同时，社会科技也在不断的创新，这是现代艺术一种外在的表现形式。只有人们对现代艺术的认识不断提高，才能在想象的基础上对社会科技进行不断的创新，尤其是电力行业的进步，这都是有目共睹的，在近些年电子产品的更新换代可谓是迅速，例如，从十年前的非智能手机到JAVA系统的手机，再几年前安卓系统的手机也逐渐流行，以前大家都用电脑上网，现在电脑能办到的手机也都能办到，这就是社会科技的创新，因此说，现代艺术的发展是推动社会科技创新的根本。

二、高校美术教学与现代艺术的结合策略

1.重视内在的审美性高校美术教学的发展不应将眼光局限在美术领域中，更应与现代艺术结合，重视高校美术教学的内在审美性。另外，高校美术教学在与现代艺术结合的过程中，不应完全依赖于现代艺术，要体现出美术的本质，尤其是现代艺术的造型和环境，在高校美术教学中，可以借鉴现代艺术的外在造型和环境，但是不能完全的效仿这些，可以将其融入到高校美术教学中，再结合美术的理论性知识，正确的培养学生的审美观，提高学生美术学习的个性化以及创作风格，要利用现代艺术对学生起到美术的引领作用，而并不是按部就班的教学，这样才能促进学生的综合素质得到提高。

2.追求新的发展趋势美术教学是培养学生情感，提高艺术修养的重要途径，传统的高校美术教学过度重视“美术教学”，而忽略了美术的内涵以及美术的特征，更缺乏与现代艺术的结合，大多都停留在传统的教学阶段，严重影响高校美术教学的发展。高校美术教育与现代艺术的结合应形成多学科的融合、交叉、渗透的教育方式，这是现今乃至未来高校美术教学的必然发展趋势。高校美术教学在与现代艺术结合的过程中，不应完全跟随着现代艺术的脚步发展，应有着一定的局限性，主要从美学研究的方向作为主要发展趋势，这样才能不失现代艺术的发展，不失美术的本质，形成美术理论与现代艺术创新的结合，对培养高校学生美术的创造性思维能力、想象力、多元化、多学科的发展有着极大的作用。

3.提高美术教学的创新意识任何一部优秀的美术作品，都是他人无法想到的，更是将艺术美表现的淋漓尽致，而且，作品中还带有丰富的内涵，任何一名成功的美术家都具有较高的创造能力，这样才能在美术行业中脱颖而出。高校美术教学通过与现代艺术的结合，以美学发展作为核心、以现代艺术作为一种衬托，对培养学生的创新意识、创造能力有着一定的作用，这也是当今高校美术教学发展的必然趋势。

三、总结

第5篇

（一）艺术素质对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义艺术素质源于人们对美的原始的冲动和追求，它并非抽象的美学概念，而是集整体性、稳定性和综合性于一身，贯穿于艺术活动的始终。美术与艺术设计生能达到什么样的艺术境界，在很大程度上与他们的艺术素质有关。艺术素质在每一个人的身上都有其具体的表现形式，它是艺术涵养和艺术能力的统一体。艺术素质的形成不是一朝一夕的，它植根于长期的知识积累和实践，来源于艺术实践、艺术欣赏和审美认知中。要从整体上提升美术与艺术设计生的能力，就必须注重艺术素质的培养，帮助他们实现生理和心理的健康成长。与其它的素质相比，艺术素质涵盖了更高层次的素质修养，它不仅是对美和客观规律的自发性的追求，更是实现个体价值和社会人文价值的必经阶段。

（二）创新能力对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义对于一个民族来说，创新是民族进步的不竭动力，是推动经济增长的有效助推器。对于个人而言，创新能力是其不断进步、不断超越的推动力。因此，培养美术与艺术设计生的创新能力是不可忽视的重要环节。

二、提高高校美术与艺术设计生艺术素质和创新能力的有效途径

(一）实现各类学术资源的优化整合，促进美术与艺术设计生综合素质的全面提升在具体的教学实践中，教师要充分发挥美术教育的基础性作用，加强人文艺术教育与学科之间的联系，实现资源的优化配置和组合，不断丰富大学艺术教学内容，切实增强学科的实用性和内涵性。在设置艺术教学内容时，要实现心理艺术学、艺术史、设计史、艺术鉴赏以及艺术美学等各学科的综合利用，强化学术交流和指导，将晦涩的艺术美学转变为通俗的白话，方便他们理解和掌握。随着社会的不断进步和发展，具有创新能力和开拓精神的复合型人才越来越受到社会的欢迎和重视，现代教育要求切实加强各学科之间的交流和资源的实时共享。由此可见，要让美术与艺术设计生更好地掌握和领悟知识，高校就要积极采取有效措施，加强各类学术资源的交流，不断对知识进行整合，从而提升艺术类学生的综合素质，不断适应社会对人才的需求，顺利实现就业。

（二）定期组织文化艺术沙龙活动，鼓励艺术生外出采风，开阔视野学校要定期组织专门的文化艺术沙龙活动，不断提高美术与艺术设计类学生的艺术修养，积极拓宽他们的知识面，使其丰富自身知识储备，学习到课本以外的知识。也可以组织高水平的文化讲座，因为讲座教师对艺术和美学都有着自己独特的感悟和理解，所以学生在听讲座的过程中可以得到有益的启发，从而积极开发自己的思维，形成自身独到的艺术见解。同时，学校要为美术与艺术设计生外出采风创造有利条件，不断拓宽他们的视野和知识面。在采风的过程中，他们会感受到课堂以外的风土和人情，从而转变世界观、人生观和价值观，不断丰富和提升自己的艺术造诣，激发创作欲望和热情，从而实现自身的成长和进步。高校在发展艺术教育的过程中要注重对美术与艺术设计生创新能力和艺术素质的培养，全方位提升他们的素质，从而满足社会对复合型人才的需求，为他们的就业创造条件。

第6篇

比如，一堂陶艺综合课，如何让学生更好地去感受陶艺几千年的历史？在这里，我们可以利用多媒体技术展示陶瓷艺术的美，或者走进陶艺馆，引导学生去欣赏陶土的魅力。让学生了解陶瓷的文化对学生的美术学习也有重要意义，再直接点请学生动手制作泥塑，亲自体验陶泥几千年的历史。民族艺术和美术学习相辅相成，对学生美术综合能力的培养和美感的有效提高来说可谓事半功倍。

二、采取灵活的教学方法积极引导学生

比如，在学习小学五年级的《水墨山水画》时，可以出示一幅山水图，先引导学生独立完成一幅水墨画，无论质量好坏，至少能让他们感受祖国的大好河山，能够提前体验我们中国的绘画国粹：浓淡干湿的变化，各种毛笔所表现出来的笔法等。

当然，在学生亲自动笔实践的过程中，教师可以播放一些古典音乐为学生创造绘画的意境，让学生身临其境地感受中国画的无限魅力和艺术成就，这样学生将会从心底自然萌发出对于民族美术的无限热爱和崇敬，这对学生的学习和进步有十分重要的现实意义。尝试后，老师再用画家表现的山河，以及自己的示范向学生讲解，充分发挥了课堂学生自主学习的作用。

三、要将小学美术民族艺术的渗透落实到生活实践中

生活中处处体现着中华民族伟大祖先的智慧和艺术，小学美术教学可以与具体的生活实践相结合，让学生无时无刻不体会到美术中所蕴含的民族艺术。例如，敦煌壁画、虎头鞋、窗花、中国结、剪纸、春联、年画等，我们都可以利用教师的示范或者是作业的形式让学生感受民族艺术的魅力所在，让他们深刻体会到生活中的美无处不在。这样学生对美术将会有全新的思考和认识。比如，三年级的《门窗墙》一课中，我们就可以将学生带入大观园，去欣赏我们故宫中的各种门窗墙。比较苏州园林里的门窗墙和故宫里的门窗墙的区别。用各种比较和欣赏的方式，让学生学有所得，学有所乐。

第7篇

一个伟大的时代，必然要产生属于这个时代的伟大艺术，而这一伟大的艺术也必然要带着浓厚的时代气息和独特的精神烙印呈现于时代的大舞台上。

当一个时期不能包容它的前一个时期，当它对传统既要继承又要反叛的时候，就要产生一个新的历史时期。如果说现代主义时期，文化艺术形态是垂直根状的，传播方向是单一的，科技体征是印刷术和纸张，符号是文字，话语权掌握在知识分子手里，那么后现代历史时期，文化艺术形态就是平面的，传播方向不再是单一的而是互动交流的，科技体征不仅是印刷术更是电子媒体，符号不仅是文字更是图像，话语权不仅掌握在知识分子手里而是受众手里。因此，当下文化艺术市场是在买方手里，而不是在卖方手里，这是一个大的变化。随着后现代主义精神的不断扩大，文化艺术领域形成了多元文化的相互融合，各艺术门类相互集结、互相促生。而包括杂技艺术在内的各艺术门类及艺术家们正处在这样一个现代主义与后现代主义的交叉时期。

在这个交叉时期，杂技具有强大的兼容性、通化力和最广泛的参与性，这成为推动杂技发展的根本动力。特别是在20世纪90年代以来杂技艺术发展的兴盛时期，受到世界杂技艺术发展的积极影响，

着力推进杂技艺术的理论建设。重视对国内外杂技著作及其他见诸于文字的研究成果的推介、翻译、引进、输出等交流工作，创建被业内普遍接受、取得共识的完整的专门理论话语体系（含翻译）。133229.coM在保持传统杂技术语的生动性、民族化、生活化的基础上，彻底改变专业术语使用上的一义多用和多义一用的无序状态，改变专业术语以口语、土语、俚语及感性经验为主体的芜杂繁复的话语方式，提倡一般性书面语表述方式，进而建立起以科学性、系统性、规范性、学理性为主要特征的，便于与其他人文学科交流的专业话语体系。这需要从我们这一代即开始着手来做，扎扎实实地、科学有效地当做基础来做。目前，有志于杂技研究、翻译以及演出形式以外的杂技文化建设的人士还不多。从工作机制上讲，我国至今还没有一个专门的杂技研究机构，甚至没有一个专业杂技研究人员编制。这种落后现状长时期得不到改变，导致了专业的杂技翻译作品奇缺，极大地制约了当代

第8篇

【关键词】形式 思想 古典 现实 现代

应该明确，艺术品的表现形式和思想内涵两者间无非是主次、渗透与融合的关系。这些关系独自存在、相互依存又逐渐演化，形成了无数的经典作品，表达了不同时期艺术家的深刻思想和探索、追求的勇气。

一、古典主义美术

在古典主义风格盛行的时期，各个民族和地区的艺术流派都呈现出独特的表现形式与精神意义。以古希腊、罗马神话、历史事件以及圣经故事为绘画题材，表现某种哲理观念和社会问题，宣扬一种理想化的崇高境界。

文艺复兴时代的画家形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。这一时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。列昂纳多·达·芬奇(leonardo di ser piero da vinci，1452－1519)的《岩间圣母》就是这种风格的代表。

同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，安基利訶（fra angelico 1400-1455）的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。wWW.133229.cOm

15世纪意大利大画家桑德罗·波提切利(sandro botticelli，1445－1510)的作品《春》，是意大利文艺复兴前期重要的代表作。它通过罗马神话故事中的人物表现了春天的美和典雅。代表春风的西风神从画面右端飘然而入，他的双手触及了大地的仙女，仙女的口中溢出了鲜艳的花朵，不知不觉地沾在了前面花神的身上，它象征着春天的来临。显然，诸神们是为春天的到来而欢歌。美的追求和爱的觉醒是这一作品的主题。它是一首讴歌维纳斯爱的胜利的赞歌，体现了文艺复兴时期对希腊、罗马古典文化的肯定和赞美。平面的装饰性的构图和生动细腻的人物描写，体现了波提切利独特的艺术风格。

1495年波提切利绘制了《诽谤》(calumny)——据说古希腊画家阿佩里斯(apelles)有一幅同题杰作，波提切利凭想象对它进行了复制。

早在 1435年，阿伯提(leon battista alberti，1404－1472)就在《论绘画》一书中称赞了阿佩里斯的《诽谤》。乍一看，波提切利的《诽谤》中的人物与阿伯提的描述完全相符。但究其实，这幅画非常有个性，充满了感情。画中被“诽谤”拖着头发的青年没有像异教徒那样把手伸向天空，而是像基督徒一样合什祷告。人们很容易想到，这幅画中隐藏着萨沃纳罗拉在那些不相信他能与上帝对话的批评者面前所作的辩解。波提切利的画具有强烈的感染力和美感，他的《诽谤》使美本身成了一种令人不安的威胁性力量，其中承载着深刻的个人恐惧……

二、现实主义美术

“现实主义”一词早在十九世纪初的哲学领域即已出现。现实主义要求正确、完全、忠实地描写当下生活的社会环境，譬如库尔贝等画家利用写实的技法，描绘当时不太被重视的农民和劳动者，所代表的理念恰巧与学院理念反其道而行，成为具有革命性的开创之举。

居斯塔夫·库尔贝（gustave courbet,1819－1877），生于法国南部小镇奥南，是19世纪法国现实主义的伟大艺术家，被称作“写实之父”。

库尔贝最欣赏17世纪西班牙画家委拉斯贵支的作品。在1846年间他创作了以自己为主题的《抽烟斗的人》。这幅画富有灵感，暗红色的背景，灰色的上衣，带有灰绿色阴影的白色衬衫，黑色的头发和胡子围笼着带有橄榄色阴影的微红脸部；这个脸画得犹如提香的手法那样有力，感觉柔和表现得极其雅致。这种雅致的感觉还带动了画面的深色调子，使得这个“得意而调皮、富有幻想的、似乎沉醉在熏污烟斗的烟雾之中的”脸，盖上了安逸而幸福的烙印。

可以说库尔贝的现实主义，是19世纪中叶法国垄断资本主义进一步发展的产物。社会上严重的两极分化、贫富不均和政治腐败的现象，使艺术家更自觉地认识到自己的责任；在思辨方式和认识方法上，他要求艺术家揭示事物的本质方面，而不仅仅停留在一成不变的形式模式上。因此，法国评论家认为：“没有库尔贝，就没有马奈；没有马奈，便没有印象主义。”所以说库尔贝在发现生活中平凡的美和朴实的外光技巧方面给予以后的青年画家们以重要影响。

三、现代派美术

快节奏的社会生活赋予了这些标新立异的现代派艺术家们以更多的褒贬和争论。印象主义(new impressionism)、表现主义(expressionism)、概念艺术(conceptual art)等等各个流派丰富多变。在这里传统的画面构成法则都被逐渐放弃，创造者的印象、感受成了主导画面一切的原动力。历史崇高感与现实生活的体会都不如当前生活即时赋予的感受来得更真实、鲜活！

所以我们看到，在十九世纪欧洲的艺术长廊里，独坐着一个保罗·塞尚(paul cezanne,1839-1906)，还在用他的静物进行着传统画面形式的拙劣模仿，几乎就再没有人对传统投入过多的精力。而前进的时间已经不由自主地为现代派艺术树立了独特的纪念碑。

文森特·梵高（vincent william van gogh,1853-1890）是继伦勃朗之后被认为是荷兰最伟大的画家。他和高更、塞尚并称为后印象派。他们吸收了印象派的精髓，却反对印象派纯客观理性的描绘，提倡事物的实质和象征意念，是现代艺术最重要的先驱。

梵高漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他着意于表现他对事物的感受，而不是所看到的视觉形象。梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。

虽然梵高的大部分色彩观念用来表达对于人物和自然的爱，及其表现过程中的愉快，但他对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的黄色地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索，但是没有一种探索，能有如此震撼人心的力量。

梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”

第9篇

近年来，上海杂技团在上级各有关部门的领导下，积极探索文艺院团体制改革和艺术创新，从创排《太级时空》、《时空之旅》到《雕刻时光》、《欢乐马戏》，努力实践一条符合杂技艺术发展规律的改革创新之路，取得了较明显的成效。特别是原创的《时空之旅》剧目2005年9月至今演出2070多场，演出收入超过2.2亿元，观众达216万人次。该剧荣获了2006－2007年度国家舞台艺术“十大精品剧目”、第二届文化部创新奖、国家文化产业示范基地、上海城市文化名片称号。现在上海杂技团《时空之旅》、《浦江情》、《雕刻时光》和《欢乐马戏》等四、五台晚会同时在上海驻场演出，一年演出场次超过1000场，大大提高了演出市场占有率。

一、

三、展望

第10篇

关键词：动画，计算机动画，多媒体，视觉设计

计算机动画产生于20世纪60年代初，至今已有40多年的历史，但目前人们对计算机动画还存在一些误解和偏见，如“计算机动画就是Flash”，“包含了高难度技术的计算机动画才是好的计算机动画”等。本文介绍了计算机动画及其分类，重点阐述了计算机动画中的技术与艺术及其间的关系。

一、计算机动画的定性

当人们看到一件物体时，即使它马上消失了，它在人的视觉中还会停留大约十分之一秒的时间，这就是“视觉暂留”现象。科技论文。也就是说，当图像序列中的一幅幅独立图像按照一定的速率连续播放时，人的眼睛会把每幅不同的画面连接起来，在我们脑中产生物体在“运动”的印象。所以，动画是利用视觉暂留现象，使图像序列中的一幅幅静态图像在人的眼前呈现出的连续运动的画面。科技论文。所谓计算机动画是指利用计算机产生图像序列中的一幅幅静态图像，并且用计算机控制动画的播放。

二、计算机动画的分类

计算机动画发展到今天，己经产生了多种类型，从不同的角度可对其进行不同的分类：从应用的角度，计算机动画可分为动画片、游戏动画、信息传播动画、教学动画、装饰动画等；从流通角度，计算机动画可以分为网络动画和非网络动画；从制作角度，计算机动画可以分为人机动画、机制动画、编程动画；从视觉角度，计算机动画可以分为平面动画(二维动画)和立体动画(三维动画)；从图像格式角度，计算机动画可以分为位图动画与矢量动画；从制作软件角度，可以分为FLASH动画、3DSMAX动画、MAYA动画等等。

三、计算机动画中的技术与艺术

计算机动画蕴含着极强的技术性和艺术性。科技论文。从技术层面上讲，它是计算机的应用技术，如：计算机建模技术、图形图像处理技术、音频视频处理技术、特效制作技术、后期合成技术、编程技术，等等。从艺术角度上讲，它可以是文字的艺术、绘画的艺术、动作的艺术、音乐的艺术、创作的艺术等等。

（一）计算机动画的技术性

无论是哪一种计算机动画的制作，都要有相当的技术作为基础。这种技术首先体现在对计算机动画设计软件和硬件的驾驭能力上。由于计算机动画制作所涉及的软件与硬件非常多，而且这些软硬件处于不断更新换代之中。企图轻轻松松很快熟练掌握这些技术是不容易的。

1、硬件上的难点

熟悉各种硬件的性能、找到不同硬件的最佳组合、熟知硬件间的兼容、熟练使用多种计算机硬件、了解不同硬件功能的差别、实现硬件之间的功能互补及资源共享等。要解决这些难题除了理论上的分析，更需要长时间的实践。

2、软件上的难点

就软件而言，其种类也非常繁多，有综合型的也有专业型的；有音频视频的，也有图像和动画的；有平面的也有立体的；有静态的也有动态的，有菜单命令控制的，也有脚本语句或编程实现的。要熟悉各种软件的操作和使用，需要长时间的练习，尤其对于利用脚本语句或编程实现的计算机动画，要经过对计算机语言方面进行专业地学习才能够掌握。

不仅如此，计算机动画制作除了必须具备丰富的形象思维能力外，还必须具备敏捷的理性思维能力，这种能力贯穿于计算机软硬件的操作及动画角色、场景设计的流程控制上。因此，只有熟练掌握计算机动画设计所需要的技术，才能保证计算机动画制作的质量和效率。

（二）计算机动画的艺术性

动画是一门艺术，正如动画大师宫崎骏曾这样评论动画艺术,他说:“我看到了动画的制作是何其慎重且值得珍惜的事业……动画是一个如此纯粹、素朴，又可让我们倾注想像力以表达的一门艺术……它的力量不会输给诗、小说或戏剧等其他艺术形式。”计算机动画是利用计算机技术进行视觉设计和听觉设计的艺术。视觉设计是针对眼睛官能的主观形式的表现手段和结果。计算机动画中有“画”、有“音”、有“动”，它是“画”的艺术、“音”的艺术、“动”的艺术。画面中的色彩、线条、形体、构图即是“画”的艺术；音乐中美妙的节奏、韵律即是“音”的艺术；正如英国动画大师诺曼·麦克拉伦(Norman Mclarlen)说:动画是“画出来的运动”的艺术，计算机动画中动作设计、镜头的变化、角色的安排、场景的布置及转换、动画物体变化的快慢速度的处理，即是“动”的艺术。计算机动画通过文字、图像、声音、动作等多媒体准确地传达信息，体现出计算机动画的艺术性，同时也展现出视觉设计和听觉设计的魅力。

在创作手法上，计算机动画也体现出它独特的艺术性。计算机动画经常运用夸张、幻想、变化、虚构、神似等手法来反映人们的生活、理想和愿望,并且能产生非常强烈、奇趣、出人意料的银幕视听效果,给人予的强烈的感染力和影响力。另外，计算机动画的风格也是其艺术性的体现。或细腻、或粗犷、或幽默、或严肃、或现代、或民族…不同的风格给人以不一样的艺术感受和回味。

（三）计算机动画技术和艺术的关系

技术和艺术是计算机动画不可或缺的两个方面，二者并非相互对立的而是相辅相成，贯穿于动画制作的始终。例如，计算机动画中出现什么样的画面构成是艺术的问题，如何出现这样的画面构成是技术的问题；计算机动画中应该出现什么样的动作是艺术的问题，如何出现这样的动作是技术的问题；技术是艺术表现的基础和前提，艺术是技术实施的目的。忽视计算机动画的技术，就不能实现预期效果；忽视计算机动画的艺术，便会遏制艺术的追求，削弱计算机动画的感染力和价值。所以，计算机动画中的技术和艺术应和谐互融、完美结合，才能充分展现计算机动画的无限魅力和价值。

四、计算机动画的鉴赏

计算机动画的鉴赏可分为：技术鉴赏、艺术鉴赏、功能鉴赏。所谓技术鉴赏，是指欣赏时主要着眼于动画的技术运用效果。如建模的精细程度、图像处理的品质、音频视频的同步性、程序控制的精确性与流畅性等；所谓艺术鉴赏，是指对动画的审美进行的鉴赏。如画面的美感、动作的表现、音乐的运用、镜头的变化、角色的安排、场景的布置及转换、情节的设计、创意的表现、艺术风格等；所谓功能鉴赏，是品评动画的功能是否完美。如动画的导航功能(按钮链接、鼠标跟踪、界面设计)、表现功能(演示效果)、表述功能(文本描述)、测试功能(学习效果的测试，常见于多媒体课件类动画)、多媒体控制功能(声音、动画的播放及交互性)等。

五、后记

计算机动画既是一门技术，也是一门艺术。计算机动画的制作技术是值得专业人士终身研究的，计算机动画的艺术魅力也是值得动画制作者毕生追求的。它是一个博大精深、丰富多彩的专业门类。只有精湛的技术和卓越的艺术完美结合，才能产生魅力无穷的计算机动画。

参考文献 ：

[1]王宏建,袁宝林.美术概论[M]. 北京:高等教育出版社,1994:1-65

[2]吴冠英.动画美术设计[M].北京:高等美术出版社,2001.4:13-25

[3]孙立军,李捷.现代动画设计大全[M].石家庄:河北美术出版社,2001.7:5-8

[4]吴起.3DSMAX4精彩范例制作[M].北京:北京希望电子出版社,2001.6:32-45

[5]李显,周进.数字影视后期制作高级教程[M].北京:中国青年出版社,2001.2:52-68

[6]赵子仁.Animato:Pr电脑动画的活动画面制作技术[M].北京:电子工业出版社,2000.6:8-12

[7]苑玉峰.分形几何与分形艺术.中国图像图形[J],2001.3:35

第11篇

1．艺术审美课程的研究，可以引领教师不断学习和深入领会有关幼儿美术、音乐教育方面的新理念，并用新的理念来重新审视我们的艺术教育，为教师树立正确的教育观念，掌握先进的教育教学方法，做出科学、有效的教育行为提供了很好的成长平台。为逐步培养一支有较先进的教育理念和实践经验的研究型的教师队伍奠定了基础。

2．艺术审美课程的研究，使得幼儿艺术教育的内容、形式、方法、材料都更加适应幼儿发展的需要，有效地促进了幼儿审美感受和创造能力的提高。

3．艺术审美活动的研究可以有效地改进幼儿艺术教学的内容，使其更加全面、系统、有效，内容的研究进一步完善了我园艺术特色课程的建构，为幼儿园幼儿艺术领域的研究提供丰富的实践研究经验。

二、激励教育理念课题研究的阶段进程

本课题的研究经历了以下几个阶段：

1．准备阶段（2011年1月至2011年6月）

课题负责人带领课题组成员进行相关理论学习，完善研究方案的主要构想，对课题组成员进行分工，明确子课题的研究内容，起动课题研究文献检索工作，学习课题相关的研究操作方法，对幼儿园教育的内容、形式、方法和材料等方面的现状进行回顾。

2．实施阶段（2012年7月至2015年6月）

有了明确的研究目标和清晰的研究思路，课题组成员就主题的选择、建构和实施三个阶段分别进行了充分的讨论。我们认为：

（1）主题的选择。既要细致分析主题内容所包含的丰富的审美教育价值，又要深入了解幼儿现阶段的审美需要。只有价值和需要相吻合，主题的选择才是合理而有效的。

（2）主题的构建。既要考虑到幼儿的审美认知经验（包括感受）的丰富，又要考虑幼儿审美表达（包括技能）能力的提高。

（3）主题的实施。既能关注预成计划的有效实施，又能充分关注幼儿的兴趣需要，自然、合理、有效地调整教育教学内容。经过多次的实践研究和不断地思考，我们对课程内容进行了大量的调整，使其更加全面、合理。随着研究的深入，参与研究的教师越来越多。课题组负责人组织课题组核心成员对主题的类型、构建的主要路径、实施的有效方法进行了分析、梳理和总结。并将结果分发到每一位教师的手中，有效地提高了全体教师构建和实施主题的能力。在此期间我园教师有四十多篇论文、教学案例在全国、省、市、区获奖。多次接待幼教同行来园进行教学实践观摩活动。还将我们的经典教学案例，如“美丽的螺旋画”、“猴子商店”、“面跳舞”等与幼教同行进行交流，受到大家的一致好评。这大大激发了我们研究的热情，使得我们更加精益求精，更加关注构建和实施过程中的每一个细节，力求幼儿在活动中获得更多的发展。

3．激励教育理念总结阶段（2015年7月至2015年12月）

本阶段主要是完善、提炼与总结课题研究成果。开展课题研究四年多以来，课题组积累了大量的鲜活的原始材料。课题组对照研究目标和预期成果要求，整理了适合小、中、大班开展的美术主题式课程、主题式音乐课程；整理了丰富而鲜活的过程性资料；整理了一节节成功的教学案例、一次次深入而有效的研讨记录，还有厚厚的获奖论文和案例、幼儿创作的生动的绘画、手工作品及再现的一个个精彩的音乐作品等。每一份资料都凝聚了课题组全体成员的汗水和喜悦。

经过课题组长期认真的研究，基本完成了原定的课题研究任务，取得了一系列研究成果，通过研究，本课题组得出以下一些基本的结论：

1．艺术审美课程内容，突出了学习内容的连贯性、系统性、审美性、层次性和有效性。

2．以审美认知（包括感受）经验为显性线索，审美表达（技能）能力为隐性线索的主题构建思路，很好地实现了审美认知、感受和表达的完美统一。

3．幼儿的审美创造绝不是无中生有，而是厚积薄发，因此，适宜而有层次的内容，能有效促进幼儿审美感受和创造能力的提高。

4．通过课题的研究，教师更加关注主题实施过程中幼儿的观察、思考和表达，为幼儿细致观察、积极思考、清楚而富有创造性的表达能力的提高提供了很好的发展平台。

5．艺术审美课程研究，不仅有效地促进幼儿园园本课程的建构，而且提高了艺术课程建构的水平和质量，对主题设计和实施的不断反思，促使教师持续地思考和改善自己的教育教学实践，初步形成美术教学活动的方式———欣赏+创作，音乐教学活动的方式———欣赏+表现，使幼儿获得更大的收益。

6．通过研究，我们发现在主题实施过程中有效利用具有审美价值的家长资源、社会资源，可以提高主题实施的效益，增进教师、孩子、家长之间的情感交流。本课题组的研究成果主要有：原教材比较重视内容的有机联系，多领域的整合，但对于幼儿创造性表达过程中的技能支撑有所忽视。在深入研究阶段有所改善，使得主题内容更加丰富，形式更加多样，层次更加分明。《幼儿园教师课题论文汇编》———课题研究的大量阶段性成果在这里得到呈现，此本汇编中，幼儿教师、幼儿保健教师、保育员、园长等各类人员都有自己的收获，尤其令人欣喜的是一批年轻教师和骨干教师们在课题研究中，教育观念、教育技能、教育行为方面的提升和转变。《课题研讨实录汇编》———这本汇编选取了课题组长期以来形成课题研究的实况记录。包括课题组核心成员关于主题建构的思考，课题实施过程中有关课例的观摩和研讨，课题组研究中期和结束后的交流，从中可以看到课题组是如何开展课题研究的，教师是如何建构主题、实施主题、反思和调整主题的。

三、激励教育理念课题研究的主要观点讨论

在四年多的研究中，我们反复学习《纲要》，并对照艺术领域的核心价值，审视我们的主题内容、核心价值、设计理念，并对我们课程中的内容进行调整。教育内容构建流程：我们分别在实施过程中对幼儿的观察能力、思维能力、表达能力进行深入的研究。

（1）幼儿的观察能力。观察是获取丰富审美经验的有效途径，也是理解作品丰富情感和创造性表达的基础。

（2）幼儿的思维能力。幼儿思维能力发展的主要方式包括想象、比较和归纳三个方面。想象是创造的基础，可以获得丰富的审美经验和情感体验。比较,可以加深幼儿对审美对象的认识和感受，了解不同的艺术表现方法，积累丰富的审美创作经验。归纳,可以将零散的审美经验按线索整理，为幼儿的创作提供思路。

（3）幼儿的表达能力。幼儿的表达分为两个阶段：审美认识感受阶段和审美创造阶段，审美认识感受阶段要关注的是幼儿的语言表达，审美创造阶段要关注的是幼儿的创造过程。课题研究的目标指向是教师的专业成长，而教师专业成长的标志是教师教育观念的更新、教育技能的熟练、教育行为的适宜以及不断发展丰富的如何教的知识和能力，如何把握幼儿学的能力。在四年多的时间里，我们的教师在参与课题研究的过程中都有了不同程度的提高，一支具有正确教育理念、较强实践能力的教师队伍正在逐渐形成。

四、激励教育理念课题研究问题的思考

开展课题研究是幼儿园科研兴园的极好途径，但是，对教育规律的探索和把握是一件十分复杂、十分精细的事情，需要十分严谨、十分科学的态度，在我们开展研究的过程中，还存在着需要进一步研究和思考的问题，我们认为这样才能把课题研究提高到一个新的水平和层次上来。

1.艺术课程的进一步研究

目前，我们的艺术活动内容虽然相对以前而言，无论内容还是形式都精彩得多，但是还不能涵盖所有的艺术教学内容，现在的状况是两者并存，教师自由把握。在下一个阶段的研究中，如何融合、全覆盖，是我们要深入研究、逐步合理解决的。

2.活动过程中教学有效性的研究

虽然我们一直在做，并对欣赏材料的选择、图片的呈现等相关问题也作了比较细致的研究。但是，教育是个相当复杂的过程，关于教学内容是否适宜、教学方法是否得当，问题指向是否明确，工具材料是否有利于幼儿的创作等等问题，都有待于我们进一步去研究，我们认为，只有细致而严谨的研究，才能带来高效的教学。

3.主题实施过程中幼儿的学习品质和社会性发展的研究

幼儿的学习品质和社会性发展是每个领域都必须关注的问题，而且针对现阶段的孩子而言，它显得尤为重要。现根据《指南》精神，我们把它提出来，去深入地研究为幼儿健康人格奠基。

4.主题环境的创设与幼儿发展的研究

第12篇

不同地域产生的文化艺术呈现不同的特征，本文结合东北剪纸艺术的审美意象进行研究，分享了东北剪纸艺术的审美价值，仅供参考。

【关键词】文化艺术;剪纸;东北;审美

剪纸艺术在我国拥有悠久的历史，流传广泛。东北的剪纸艺术具有鲜明的氏族社会大地崇拜、祖先崇拜的原始文化特征，与当地普遍信奉的萨满教关系密切，本文以东北剪纸艺术的审美意象为例，研究地域文化艺术中的美学理论。

一、审美与剪纸艺术

(一)审美。我国当代美学理论研究在学习西方美学的基础上，经历了一个多世纪的发展，目前形成了以实践美学为主流的美学理论体系，审美是一种实践活动形态，与人生实践紧密相关。相比古人，现代人更加需要审美。美学以审美活动为对象，通过审美这一特殊的实践活动，构建人类审美的价值体系。审美价值则是在审美主体与对象的精神互动过程中确立起来的。

(二)剪纸艺术。剪纸艺术包含着丰富的中国文化，东北剪纸艺术是我国民间剪纸艺术当中的一个类别。任何艺术品都是人们按照自身审美观念以及生活习俗创作出来的，将自身情感和信念融入其中，表达对生活的向往与追求。剪纸艺术有着广泛的群众基础，始终保持着旺盛的生命力，其独特的人文性和民族意蕴，见证和传承着深厚的中华文明。

二、东北剪纸艺术的审美意象

(一)东北剪纸艺术。东北剪纸艺术以吉林和黑龙江为代表，题材上有满族祭奉祖先的古俗之物，即旗装马靴的姥媳人(神)。萨满教中，萨满即为沟通人与神的巫，其所供奉的神即为姥妮人，也就是老太太神。东北剪纸艺术与民间信仰萨满教关系密切，满族祖先很早便用鱼皮、兽皮等剪刻成神偶用于祭祀，这只是东北剪纸当中的一类题材，此外还涉及婚丧嫁娶、衣食住行，常见龟、蛙、人参等，剪纸人物人神化，具有鲜明的地域文化特征和浓郁的生活气息。

(二)审美意象。审美意象，从中国古典美学的角度来说是处于核心地位的，也就是艺术的本体。如果从中国现代美学体系的角度看，它同样居于核心地位。艺术家用某种媒介物构建出意象，表达感情，就是艺术。也就是把情感融入某个符号化的意象，人物、动物等元素构成实物剪纸，而在审美当中，审的不是剪纸本身，而是其蕴含的意蕴，也就是象。东北剪纸中，娃娃、莲花、葫芦等象征着多子多福，家禽家畜等象征着吉祥幸福。每当重大节日，人们就会用剪纸来布置环境，操办喜事也惯用喜字剪纸等。这种方式将东北剪纸艺术的审美意象呈现出来，将人们心中的意象用实物传达给其他人。审美活动是一种价值活动，表现人的精神价值和精神需求。东北剪纸艺术内含丰富的历史文化因素，有着强烈的生活气息，无论是复杂还是简单的剪纸作品，都能使人产生联想和美感，并获得不同的身心感受。

(三)审美价值。首先是题材美。东北剪纸艺术可以说是东北老百姓自己的艺术。一般剪纸艺人多集中在农村，闲暇时，他们用灵巧的双手将生活的感受融入剪纸当中。剪纸作品通常歌颂正面和积极的情感，表现对生命的热爱。鸟兽虫鱼、花木、粮食、人物等元素构成有趣而精巧的剪纸造型，表达人们对美好生活的追求与向往。如图1所示，该作品蕴含多子多福、望子成龙之意。其次是寓意美。剪纸一般用于纳吉祝福、劝勉警诫、祛邪除恶。这些内涵表达着人们的感情和对生活的追求，体现一种内在精神品质。第三是构图美。一把剪刀就能剪出龙凤、剪出人物、剪出鸟兽虫鱼，具有鲜明的构图美感。第四是含蓄美。剪纸作品题材来源于生活，用简洁朴实的图案表现生活的点点滴滴，只要细细品味，就能够发现剪纸艺术巧妙的手法和表达方式。同时抽象且含而不露的形象，让人联想和思考，耐人寻味。第五是教化之美。剪纸中蕴含的意象有吉祥造型、神话传说等，丰富人们的精神生活，同时也是对黑土地文化的传承，教化了一代代的东北人。

三、结语

从当代中国美学理论体系来看，东北剪纸艺术蕴含着丰富的审美价值，值得人们细细品味鉴赏。其所表达的美学意蕴，深含当地的文化特性。剪纸来源于民间，映射着老百姓的精神世界，美学观念积淀于民族文化心理深处，灌注进剪纸艺术当中，发挥着强大的魅力与生命力。

参考文献：

[1]尚一墨.当代文化中的总体艺术观现象瓦格纳美学理论评析[J].美术观察，2016,(11):135-141.

第13篇

论文摘要：本文对如何构架现代传媒展览中的艺术性与现代性进行了分秒。

美术展览是指各类美术作品在一处精心设计空间内的展示，有时附有简略文宁性的解释：如今许多美术展览已成规模，以往我国传统的美术展览大致通过i种传媒方式：一类是官方的、体制文化的，如国家的各届美术作品展等；二类是学术的、々业的，如知名美术家个人展览等；一类是商业的、经济的，如美术作品拍卖展等这种传媒形式的展览构成为r艺术文化的传播平台，已成为r美术家传播艺术思想的盛会，同时也成为了商家的投资新选择但现代的美术展览已有lr很大的融合，大多以：类展览与网络相混合来进行的，体现了今天传媒中美术展览}i社会和市场的有机结合．展览文化也变得日益丰富繁荣一现今，美术作品展览中的艺术性和现代性作为展览的重辅，对美术展览的发展还承担着引导和指作用。

美术展览并．只足简单的美术作品陈列，若要最大限度的发挥美术作晶的魅力，除了美术作品自身具有很高的艺术性外，传媒展览的艺术性也会给美术作品增加传播作用美术展览作为一种传播艺术语言体系，在展览过程中体现的不仅只有运作方式和操作技巧．还包括选题视角、人文理念、艺术内涵，主爱就足展览的艺术性问题；许多的学术团体、展览机构或美术馆都研拟自己的策展决策模型，使展览信息的传播快速、广泛的送达到接受者，从而使展览的信息得到较好的传播，但，这种展览模式的套用仅是适应市场快速发展的一种需求，从展览的本质日的H{发，体现艺术魅力，展览还需要奉身艺术价值．规范的、科学的展览流程中加入丰富的艺术元素将使展览更可观、可研存现代传媒中美术展览中加入艺术元素主要有以下具体环节：

选择美术作品的艺术件，举办展览前期需要一份洋细的调查和预测，凋查预测；展览对象其可行性并提出．之后制定详细流程计划全面精心的前期策划至关重要．是美术展会成畋的第一步一前期准备完毕就是选择艺术品，如果是官方展览，这美术作品来A不同的机构；如果是学术展览．主要来自美术专业机构等；如果是商业展览．很多米自、厕廊和收藏机构，美术作品的选择足根据展览的日的而定，确定展览的主题．定位是什么性质的展览来选择所展览的美术作品，但是其中有个协调的过程，无论什么性质的展览，都需要分类进行，所以美术作品的选择就需要考虑到展览目的和作品分类问题，也就是整个展览主题的艺术性统一、和谐：没计展览空间的艺术性展览的具体展现内容包括美术作品、际签、l_F文镶板凳，有时也包括目录根据作品数量、作品风格、作品定位等对建筑环境进行与作品相协调的设计，包括展览柜台、展览框架、照明选择等。掌握展览室内总体设汁风格，设定总体环境色调，在此环节最为重要，除以上因素外，展览的氛同还需要环境的衬托和强调，涉及到色彩和诸方面，定位色彩元素对展览的艺术性有良好的调节视神经作用，所以色彩常被人视为精神上、感情上的重要语言是有道理的，它确实能激发人的各种感情表达。暖色传达给人以兴夼，冷色给人平静、清爽的感觉，而黑色白色则给人以严肃、素朴的感觉，灰色给人以安详、舒适的感觉=不同色彩的搭配、变幻、调和．更加显现风格迥异的感官映像，给人多种媒介汁感觉，它能更深刻的吸引人，达到传媒神经的最高境界，加强造型的效果，它直接地、更好地传递展览的情感，给人以深刻的影响。除色彩不仅给人以美的感觉，同时还会带来更多的联想和思考。

展览中色彩的运用在现代传媒中要有穿透力和时空感，要做到传递的感官丰富性、多样性，就不能仅停留在色彩的形式变化，展览空间色彩设计的真正灵魂其实来自于设计师的意设，没有意念的空问色彩传递，无异于一具空有漂亮的色彩躯壳，只有将创作意念配合色彩元素融人卒间设计中，设计才有灵魂，那些颜色就会向观众传情达意，发挥色彩对展览的配合、衬托灵动作用。传媒色彩的单纯、明确有很强的符号性，适合学术性的展览和宣传，这类的色彩设计相比展览在目的l：更加着重传媒本身的价值，它能有效地统一总体特征，突出个体面貌，对作品起到较强的衬托作用；强烈的色彩对比会刺激人的感官，引起某种情绪和心理的变化，这样的色彩应用于集体展览宣传上，可以融合作品的多样性，统一展室视觉；柔和微妙的色彩则含蓄内向，令人细细品味，对民族风格、乡土风格的展览而言是再合适不过的色彩设计：因此，美术展览的艺术性和现代性在当今的传媒视觉冲击中起着不可替代的作用；单纯的色彩使展览的个性明显，带给观众的视觉冲击力也强；丰富的色彩能极大满足视觉审美，带给观众更加全面的视觉享受一色彩是展览艺术的完善和补充，通过色与色之问的合理配置．以及色与色之间相互关系的安排，达到色彩的和谐，构建统一的展览，延伸空间影响例如，补色是视觉对立中最具有对抗性的，而在媒体补色中一旦得到调和而形成更加完美统一，并通过今日的上具：相机、电脑、电视电影等来实践三类展览媒体激荡人心的和谐的力体日的。色彩具有不稳定性，色彩的各要素之间又相互依赖。在展览空问色彩设计中，在灵活运用各种形式法则的过程中，必须进行整体效果的把握，注重理论与实践相结合．才能设计出丰富多彩的色彩审美形态。设计者运用色彩艺术知识与应用表现相结合，完成色彩语意，不管是哪种形式，色彩理论是有章可循，可以把握的，恰恰相反，激发全新的想象，找到突出的个性(潜能的独特的特征)，结合色彩表现的创意，将全新的演变转化成展览的个性色彩。前者是凭直觉，后者是熟练掌握了知识后赋予的展览空间色彩的主观表现，即精神的前者是直观的观察和表现色彩。所以，在当今设计思想的进步下，我们要努力打破常规的传统色彩设计方式，从模仿的技术导致的程式化中的转换成创新思维的设计，也是目前的理念j就空间艺术性设计还需要细致到作品位置的摆放，充分考虑到展览参观者实地的参观路线，让作品尽收眼底也是美术展览艺术性的一方面。总之，经过周密考虑而将展览空间设计得富有艺术性，让美术作品在富有吸引力的建筑环境中展出，能够给参观者提供激动人心的环境，激发他们对作品互动的兴趣。宣传展览的艺术性。利用媒体是当代艺术活动的特色之一，媒体与美术展览便成为不可分的孪生～对，构成美术活动的一体。诸如办展览前的新闻，展览前后的媒体报道和刊登作品，就成为一种必然的行为和追求的目标，所以媒体的宣传作用不可忽视，尤其在现代传媒如此发达的阶段，很好的运用传媒这个媒介，美术展览的影响力将极大的提高，因此有效地利用媒体发动广告攻势，是抢占宣传策略高起点的必然手段。艺术与媒体的关系在各种社会关系中得到展开的，又在各种社会关系中显现出媒体的影响力，如何有效地选择媒体，就需要把握传媒特点，选择恰当的操作方式，根据展览性质、地点、观众的层次有的放矢。作品是基石，传媒是外衣，现代艺术的发展是在许多不同层面上展开的，一者属于消闲类艺术，在众多人群的支持下，表现出一种主流性的态势，它所反映出的是艺术本体上的问题，对于艺术未来发展的贡献确有限，但是，它已经成为媒体主要服务的对象。另一方面，属于少数人群体的艺术另类和新兴艺术，如动画，以其实验性的新奇和感官的刺激，又成为媒体猎奇的目标，艺术成为媒体娱乐大众的素材，是媒体的造势，推进了这一潮流的前进。所以说展览是美术作品借助媒体走向社会的平台，它与媒体的宣传存在着相互依存的关系。具体到美术展览的宣传不可或缺的需要准备是展览相关资料，例如目录、画册、光盘、视频等，方便参观者的快速了解和收藏。同时，展览之余，整理美术作品出版画集，能够进行学术研究、·收藏和延伸扩大展览的影响和典藏。

提高展览的艺术性应注意到的是：制定科学的展览模式，融人艺术的创新。展览的艺术性首先在策展环节中就应提倡，中国美术展览的现代格局已经明显，但是在体制上尚缺一个基本的模型，展览决策带有很大的随意性和主观性，很少形成严格的决策模型，由于决策失误的可能也比较大。

因此，要提高美术展览水平和其艺术性进而能与国际同行接轨，加强展览决策的系统性和科学性，必须有一个切实可行的、科学的决策艺术媒介做衬托。从目前情况来看，美术展览策展决策模型应基于科学的专业学术理论和深入的调查研究，必须做到不仅要充分了解展示与宣传的内容，而且要充分了解国内外专业学术团体和展览机构与之相关的动态和艺术市场状况。在科学展览模式的应用中，需要根据各个展览的特点，融人创新元素，配合作品内容。进行品味艺术新颖形式的布展，吸引更多人的关注。观众看到作品后，所得到的传媒作用，媒介的影响何等的深入人心并一望可知。

色彩是展览艺术性表现的最直接工具。色彩是装扮展览空间、衬托作品表达、提升展览艺术品味的重要工具。美术展览中色彩的艺术性，最起码要让色彩符合展览的层次定位，表现到作品的特质，这就是说展览在空间色彩上注重了情感，也是以理念为根本、色彩为方式完美体现展览空间设计的表达。

请进展览参观者奉献艺术大餐。作为国家美术机构、学术团体或是美术馆，是最大的传媒传播机构，其所策划或举办的美术展览是面向广大群众的，无论是主题性展览还是实验性展览，都必须考虑将观众的理解与参与放在首位，调动一切手段、尽一切可能地吸引最多的观众来观看展览，作为学术性的展览，使观者更有理解性的互动，不仅是层面上的观赏，还要切实的理解。另外，展览作品的风格、形式、内容、材料有不同的样式，展览还必须就此考虑作品与观众的交流问题。从美术展览的组成部分说，举办作品展览首先要考虑的是参观者。在分析并确定了参观者数量最多的那类后，按照其身份和分析参观目的进行布展，不仅仅是符合参观者的欣赏口味，应该是对参观者对展览受欢迎程度上将有很大提高体现以人为本，为艺术而展。欣赏美术展览的另一种目的是在休闲享受的同时，媒介的艺术性深人人心，让参观者陶冶在艺术的氛围中。体现以人为本，就要在某些情况下，对观众进行引导和演讲，会给人们了一顿艺术盛宴，也是增加了展览的艺术性的又一窗口，体现媒介中的新的理念。

现代传媒中美术展览的时空是它的现代性，主要是指现代技术在美术展览中的应用，如计算机虚拟展览、影像动态展等。由于现代美术展览是集科学性、艺术性、思想性于一体的多学科类的综合性艺术，随着科学技术的飞速发展，人们对展览形式与艺术性的设计的审美要求也趋于综合更高的境界。所以，较好的运用现念与现代科技作为媒介手段，使展览呈现更加富有魅力的展示艺术形式是必要的。

第14篇

（一）师资现状

20世纪90年代初，随着工艺美术高职教育需求的不断上升，再加上国家政策的大力扶持，国内约80%的大专院校开设了工艺美术类专业课程，甚至有部分还将其独立出来，成立设计学院。一方面，高职工艺美术类专业一拥而上，另一方面，部分院校并没有相应的师资储备。这就导致市场需求与教育供应不成比例的问题，也间接致使高职院校工艺美术类专业教学人才匮乏。有的一半以上的工艺美术从业人员都来自于中文、哲学等一些与工业美术专业不太相关的专业，在这种局面下，工艺美术类专业师资供应不足的现象屡见不鲜。

（二）教学设备

现状工艺美术教学和其他教学一样，既有教学原则的一般性，又有其独特性，应将理论和基本技能相结合。高职工艺美术教师教学的最终目标是引导学生拓展思维、挖掘学生创作的潜力，工艺美术高职教师除了讲授理论知识，还要教授艺术形式的表达方式及熟练使用特殊的材料技能等，达到此效果，是需要一定的过程。因此，在教学中会使用到多媒体及特殊设备向学生展示、实践与工艺美术相关的信息，以此进行更好的创作。在高职院校中，教学设备是科研必不可少的，高职院校工艺美术专业的教学也同样离不开先进的教学设备。目前，高校基本都使用多媒体设备。在工艺美术高职教师教学中，多媒体设备同样应用广泛。但是，对于高等院校的工艺美术专业，多媒体设备存在一定的局限约束性，如在传递信息上单一、硬件受限制、设备及材料受限、资源不能共享，不利于交流等原因。由此可见，多媒体设备越来越不适应工艺美术高职教师教学的要求，不适合当前工艺美术高职教师教学向现代化过渡的需求。调究数据显示：造成高职工艺美术师资培养硬件匮乏与落后的原因，有58.3％的教师认为是培养培训场地条件限制，17.6％的教师认为是物质条件限制，还有13.7％的教师认为是统筹规划不够。因此，如何提高工艺美术教学设备、仪器设备与特殊设备的使用率是工艺美术高职教师思考的问题。大部分工艺美术高职院校教学设备在管理研究方面起步较晚，一方面对工艺美术教学设备管理没有进行系统研究，在观念、管理体方面也存在着制约因素。另一方面保障机制与管理体系不够完善，贵重教学设备没有得到充分的应用和与各高校资源共享的机会。因此，根据工艺美术高职院校的实际情况，构建工艺美术高职教学设备高效且科学的管理、使用以及共享机制，是当前工艺美术高职院校急需解决的问题。

（三）教师专业综合素质

高等职业教育是直接面向市场的一种教育。在当前的大环境下，高职工艺美术教师首先要以社会的实际需求为出发点，以就业为导向，以搞好市场调研、教学定位、教学改革等一系列工作为目的，不断提高学生的职业素质和综合素养，培养出应用型、全能型、实用型的工艺美术设计专业领域的卓越人才，使他们在未来的社会就业中获得更好的竞争力。为了更好地了解高职工艺美术类教师专业综合素质的情况，课题组作了一次问卷调查。本次问卷调查选取了江西本地一些有代表性学校的工艺美术教师作为调查对象，如江西交通职业技术学院、江西现代学院、江西工贸职业技术学院等等。共发放了300份问卷（含网络试卷），其中有效问卷287份，有效率达到95.7%。本次问卷主要涉及教学效果、教学过程、教学资源、教师培训等几个方面。经过对调查问卷的分析显示，其中参加过工艺美术培训的教师有15.4%；乐意参加工艺美术培训的教师有36.8%：认为课程安排合理的教师有11.7%；另有12.6%的教师对工艺美术创作技巧不熟悉、23.5%的工艺美术教师认为教学和时代有所脱节。通过对调查数据进行统计与分析，对工艺美术高职教师进行培训是很有必有的，以此来增强工艺美术高职教师的专业综合素质。

1.教师专业知识分析。

工艺美术高职教师专业知识，是指在工艺美术范围内相对稳定的系统化的工艺美术知识。通过调研数据显示，大部分高职院校对工艺美术专业教学方式不重视，教师缺乏创新意识。例如平面设计专业的教师，教学时注重学生简单基础的平面设计制作软件，没有从更深的专业角度去教学与引导学生，这样使学生局限在机械的制图领域，无法具有创新意识与更深层次的专业素养。从图2中可看出，学科背景知识、专业教学知识在整个金字塔里占的比重较大，但是我国工艺美术类高职学校教师在这两方面都有所欠缺。因此，提高学科背景和专业教学知识是高职工艺美术教师刻不容缓的任务，作为工艺美术类教师应具备的最基础知识，也值得各大高职院校倍加重视。

2.教师专业能力分析。

工艺美术高职教师专业能力是指在工艺美术教师在教学过程中应用工艺美术专业知识与经验达到教学目的的一种方式。从工艺美术高职教师专业指导的定位来分析：一方面，作为一个合格的工艺美术教师应时刻关注市场走向以及学生专业素养适应市场要求的变化，在不断提高自身理论知识的同时将理论与实践相结合，更好的服务与学生，将书本上的知识与市场的变化节奏相匹配，内容上体现出最新成果的可靠性方向。另一方面，在专业师资的配备方面，加大师资力量的协同发展，既要拥有高学历的人才，也要引进一批具有企业实践能力的技术型教师来丰富教学实践队伍，保障教学质量的高效、优质。

3.教学计划和课程设置状况。

审视以往的工艺美术教育模式，可以清晰的了解到现代的工艺美术教育模式在不断的变更，教育思想观念也随着模式的变化而在一直的更新，创建出一种符合新一代工艺美术教育的新方向。但是当前我国绝大多数的高职院校工艺美术教学都存在着诸如教学管理体系薄弱、教学机制不明确等问题。另外，由于高职工艺美术教师上课缺乏完整的教学体系且随意性大，导致学生接受面狭窄，应用能力和市场需求不一致现象，进一步造成人才浪费。这种现象产生的原因则是企业急需应用型人才，而学校却无法培养出与企业相匹配的具有相应技术水平的学生。当前这种现象的改变就需要加强企业和学校的交流与沟通，培养出应用能力强并可以与技术理论相融合的复合型学生，这才是高职工艺美术的人才培养与市场需求接轨的重要环节。

4.教学内容与教学方法。

教师的教学内容对学生的学习兴趣、积极性、创新能力和创意思维有着直接的影响。高职学校工艺美术类课程过于模式化，教学内容与市场需求脱节，顺应市场科学发展的能力不足，掌握国际工艺美术设计流行趋势的方向感不够，这些也是影响教学内容的最为直接因素。教学方法墨守陈规，缺少大胆创新，理论与实践不协调。另外，高职工艺美术院校培养的学生理论水平较高，但缺乏实践经验，往往在实践教学过程中更偏重理论知识的学习，缺乏实际动手操作的过程。学生在遇到相对复杂的工艺美术市场运作等实践操作问题上容易产生迷茫与退缩的情绪，因此，各高职院校在培养毕业生时至少要增加一年以上的专业实践的能力培训课程，从而增强学生适应社会就业需求的竞争力。各高职工艺美术教师也应该加强自身的实践能力，更好的将学生从理论型转变为实践型。

二、高职工艺美术类教师存在的问题

（一）职业能力中缺乏全面性与科学性教师针对“您认为学校的专业设施能否达到提高学生职业能力的要求”这一问题的调查中，有41.3％的教师选择了“完全能够满足”，28.7%的教师认为能够满足。但在走访中，却发觉不少工艺美术高职教师在人才培养目的的理解中把综合职业能力与技能相混淆，觉得培养学生的工艺美术操作技能就是培养学生的工艺美术综合能力，由此在人才培养过程中，常常侧重于学生专业能力的培养，反而忽视了专业技能与实践操作能力的发展。

（二）教学与作业的评价方式不合理在我国大部分的工艺美术类高职院校中，教学效果以及学生课业成绩的评定大多都以“作品是否好看、获奖是否多”为标准，很少以“市场需求”与“一幅作品是否能够促进经济消费”为评定标准。其实，能否满足市场需求才是检验设计教育是否成功的关键。因此，各高职院校应从自身入手，降低对教师教学和学生成绩的硬性评价要求，客观辩证的对待。

三、高职工艺美术类专业教学的职业指导性定位

（一）强化教学方法的方向性和科学性在新世纪阶段，各高职院校工艺美术类专业课程设置主要存在以下两个方面的问题：一是人才培养跟不上社会的需求，而现实情况则是众多高职工艺美术类院校没有自己的办学特色，基本成“跟风”状态，并且出现学生在学校学习的知识在社会实践中不吻合现象。二是传统思想观念严重，基础课程的设计只以美术课程和手工画为重点，缺乏完整的体系。因此，各高职院校专业教学要以市场需求为导向，以转变传统思想为主线，大力提高教师的教学能力，不断强化教学方法的方向性和科学性，完善专业课程体系，改革教学内容，培养学生的实践操作能力，加强学生选修课的学习，体现教学机制的综合性、实践性、可操作性。

（二）以就业为导向定位工艺美术类专业的教学内容以及课程体系的改革，既是工艺美术教育改革的核心，又是能否保证教学质量和培养适应新世纪变革人才的关键所在。课程体系的改革应该以就业为导向，面向社会和市场，要在质量和特色上下功夫，使学生具备精湛的专业能力，把目标定位在适合一线岗位需求的要求来培养应用型人才。因此，针对不同的专业，课程内容不仅要精选，而且要抓住重点，多设置专业重点课程取代一些非重点的课程。充分发挥本地区多学科交叉的优势，从长远发展的角度来制订办学方针，培养出适合国情、具有创新能力、适应市场需求的复合型人才。

（三）大力提高实践操作能力首先，高职工艺美术类专业实践课程，必须把教师引导学生了解市场、企业，作为重点来安排。实践应该是多角度和多层次的，实现企业、学校、学生的互赢，使实践教学的各环节得到落实和保障，发展和延续，把学校、企业、设计用人单位的合作放在首要位置。其次，在进行教学时，可以先组织学生到企业参观、学习，当企业或单位提出方案以后，专业教师可以先给学生提供一些思路，然后组织学生以小组的形式进行思考和分析，向企业以及专业教师阐述，最后再由几方共同决定使用哪个方案。这种教学方法不仅可以提升学生的合作能力与交际能力，还可对他们的表达能力和分析解决问题的能力产生积极影响，让他们及时掌握社会及企业所需的设计趋势动态。最后，学习不能闭门造车，只有不断的接触社会、企业、客户，才能提升自主创新意识，加强自身综合素质，以此来适应不断变化的设计潮流。一是采取多样性的教学方式。教师在教学时的教学材料要具有可选择性，同时引导学生尝试新的创作技巧，提升学生创新能力。二是采取多样性的实践变量。一个具体的科学问题，就是一个教学量的改变，它往往与其他多个要素有关联，因此，教学研究常见的对策是掌握变量法。学生的认知水平程度有高有低，教学进展程度与课堂上有限的时间等因素的限制，在教学中，不可能同时解决所有问题，这时，教师就需有重点、目的来组织学生的教学活动。三是传送信息的多样性。在探索式的工艺美术教学过程中，学生可采用不同的方式获取知识，多与学生交流、沟通，采纳学生的意见与建议，这也是一种改进我国高职院校工艺美术教学的有效途径。

四、提高高职工艺美术教师能力的策略

（一）调整高职教师师资结构及建设标准工艺美术高职教师可持续发展的重要内容之一就是不断更新观念。教师的继续教育除了学历上的提高，还应该注重专业知识的提高，并争取在专业技能上能够有所突破。此外，也可以学习国外的相关经验来优化师资结构。合理的师资结构应该是全职教师、社会行业专家与客座教师各占编制数的1/3。高职院校只有不断地调整师资结构，让其趋于合理，才能有利于资源的优化和积极性的调动。对教师的授课要求和评价必须以职业指导作为相应的标准。从市场需求和可持续发展的角度出发，培养学生的设计思维和创造能力，使学生不仅能了解设计市场的运作环境，还能具有较高的创意能力和工艺美术水平，这是工艺美术教学的关键所在。

（二）根据市场的需要有意识拓展专业创新能力教师只对教材和学生有深入的了解是远远不够的，必须时刻关注市场的动态、教材与市场对接的状况以及市场对学生需求的变化。在课堂上要将市场的最新动向、流行趋势传达给学生，丰富教学内容，努力使教学内容迎合市场。另外，教材不要与现实生产活动脱节，出现滞后性，加强教材的应用性研究，将教学工作与市场需求对接，不断拓展教师的专业能力，从而更好的根据市场需要挖掘学生在工艺美术专业上的创新力与竞争力。

（三）提高高职教师的实践经验应对市场竞争与挑战竞争意识也是市场观念的一个重要组成部分。正所谓有竞争才有进步，因此高职教师们首先要敢于竞争，并积极主动投入竞争，在竞争中寻求进步，而不是被动地陷入竞争、躲避竞争，只有主动抓住一切机会，丰富自己的社会实践经验，才能促进自身教学和科研能力的提高。其次应该努力让企业走进课堂，让教师与学生走进企业，在这个过程中提高学生的动手能力，增加他们对市场的了解。同时，提升教师了解、引导、培养学生的能力，增长高职教师个人的发展空间，丰富学生与教师的社会实践能力。通过这些方式间接地提高了学校的竞争能力，形成教师与学校“双赢”的局面，或者是教师、学校、学生、社会“共赢”的局面。

（四）提升教师课程创新能力，终身学习，达到“知行思”融合知、行、思（学习、实践、思考）是人类提升能力的独有方式，是一名工艺美术教师需具备的基本技能与知识。因此作为工艺美术教师，要熟悉工艺美术的职业能力，就需要定期接受培训，拓展知识与技能，了解理论、技术、设备等发展趋势，这样有利于提升工艺美术教师教学动手能力及科研能力。另外，教师在教学期间的学习与实践是分析、反思、提高的认知思维活动。工艺美术教师只有把自己的课程创新成果付诸执行，在执行过程中有所思考、改善，并将“知行思”三者相互交融、密切联系，才能更好地提高工艺美术教师创新精神和综合实践能力。

五、总结

本文所研究的工艺美术高职教师专业的问题是结合实际调研中所发现的问题提出的相应对策，因此具有较强的现实价值与需要，对工艺美术类专业来说，学校与教师都需要积极提升自己来适应市场的不断变化，将理论与实践相结合，不断培养实践创新能力，研究实践性教学的新方法，培养高素质的、高水平、一专多能的工艺美术类专业的学生。通过学校、教师、学生的努力来适应市场的变化，紧跟时代步伐去调整自己的教育教学工作方向。只有这样，工艺美术类专业的高职教师教学与社会需求之间的差距就会逐渐缩小，并逐渐形成稳固的、良性循环的互动关系。

第15篇

（一）简捷便利的教学设施开设陶泥课所需的教学资源有限，普通的高中有了教室、桌椅、陶泥、简易的制作工具和作品陈设架便可以运行，这门课无需繁琐、华丽，越自然、朴实，越能接近古人制陶的真实境界，重现先民艰苦劳作的情景，越能唤醒学生潜在的表现欲望、激发学生自身的创作热情，从而达到减缓压力、休养生息、发现自我、融入生活、树立信心、寻求发展的目的。有条件的普通高中以及职业学校可以增设拉坯机、施釉、窑炉等设备，让学生体会到机械制作的便捷，欣赏到作品经历窑变后神奇的绚丽色彩，对没有条件的普通高中以及职业学校则可运用各种颜料（水粉、油彩、油画棒等）和油漆、鞋油等多种材料的涂绘，完成作品的最后创作，使学生通过亲手制作真正体会经典作品创作的精妙和不易，在充分实践的基础上达到审美技艺的提高。

（二）愉悦宽松的教学理念陶泥课一改以前教者讲、学者听的传统教学模式，而是倡导一种玩的最高境界：即让学生在一种玩耍的气氛中开始揉泥感知泥性，继而泥条盘筑、泥板塑型、捏塑成形，或成器、或成像、或成形，在宽松的氛围里塑造直观的、立体的多维空间形象，潜移默化地培养了学生动手创作能力、立体造型能力、多角度观察能力、全面思考分析能力，让学生的综合技能和整体素质在不知不觉中得到了从量到质的提高。在玩中乐、乐中学、学中进，这就是我们陶泥课所要营造的娱悦宽松的教学理念。这种理念需要教师从教者变身为玩伴，在玩中不断吸引学生的眼球，调动他们的积极性、培养他们的自信心、激发他们的创作欲。所以，我们教师不仅要加强知识的储备，还得拓展见识的空间，运用多种教学技巧、多种教学材料，形成教与学之间的互动、教与学相长的良性效应。

（三）多项激励的发展空间作品陈列架是第一项激励机制，每节课下来，对新颖的造型和别致的创意要及时加以肯定，并将作品陈列上架，达到肯定成绩、培养自信、激发创作的目的；对有缺陷的作品，则指出如何修改才能达到上架的要求，给学生留下一线希望，让其在下级课更加努力地去完善。学校艺术节的展台是另一项有效的激励方法，当优秀的作品被家长、校友、教师惊叹赞美时，作者所得到的动力是无量、空前的。对艺术造型能力突出，有一定天赋的学生，要适当增加课程难度，激发他们的学习热情，同时鼓励并指导他们进行艺术创作的尝试，将相对成熟的作品进行投稿、参赛等活动，让其得到社会的认同。在可能的情况下，我们还可以引导他们走向艺术探索之路，做到人尽其才。对热衷陶艺制作的同学，可以推进他们报考相应的艺术院校，从事自己热爱的事业是一个求职者最幸福的事。

二、总结