美术艺术设计论文范文

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第1篇

中国民间美术博大精深，从汉字、中医、武术这样的“国粹”到各地的代表性文化，再到各地各乡的习俗、风俗。“艺术设计以其特有的表现方式传达着某一个地区的人们的文化价值观，同时也展现着该地区的文化特质及民族精神。”中华民族的民间美术博大精深，其中很多生动的设计元素，能够给予设计师巨大的灵感和启发，使得极具风情的民间美术在艺术设计中得以呈现和传播。我们所处的内蒙古有着独特的地域优势，可以十分便捷地从本地获得艺术设计教学所需的各种条件：人文地理、历史典故、遗迹古籍、文艺项目、博物馆、各种校内外实训基地、民间艺术家和学者、专家等这些都是只有内蒙古才具备的特色教学条件和资源。我们地方院校应该充分利用这些资源，有针对性地为学生增加各种民间美术课程，如历史典故、风土人情、传统工艺等内容，并且根据今后的职业需要，向学生传授具有民间美术特色的设计理念和设计技能。在地方院校艺术设计教学中结合具有区域特色的民间美术，是针对本地教学模式单一的格局而提出的一种有益尝试，也是针对地方人才市场的需要而对民间美术资源的深层次开发和利用。

二、将蒙古族民间美术审美教育的共同性引入艺术设计教学

我区丰富、灿烂的民间美术资源是一座巨大的艺术宝库，但大多数原生态形式并不适合被直接利用，必须经过筛选、解构，再用现代设计的理念对其中的元素进行重构。笔者认为应以民间美术的典型性为教学重点，唯有这样才能做出兼具民间美术特色和现代审美要求、兼具实用性和技术性的设计。所谓典型性即所选择的教育资源应具有审美教育的典型性。草原民族在漫长的草原游牧生活中，形成了蒙古族独特的审美：他们产生了“对天神的崇拜，对蓝色和绿色的钟爱，对辽阔景象的憧憬，对动物灵性的感悟等”情感，也形成了独特的思维，“追求与苍天的呼应，思维境界自然率真，艺术格调自然质朴，群体性、参与性、应对性及宗教神秘性融入其中。”因此，在艺术设计教学中，教师不仅要让学生理解地域特色文化中的造型观念，还要分类去看、参照着看。比如从艺术形式分类角度，建筑类、服装类等等；从造型特征角度，单单是马就有多种形态。还有最关键的一项就是“临摹”，在临摹的过程中学生们熟悉了基本绘制过程，加强了形象的记忆力、理解力，为获得多方面的想象创造了条件。将蒙古族民间美术审美教育引入艺术设计，不是简单的继承传统，而是“取其精华，弃其糟粕”，用发展的眼光审视民间美术。引入过程可以概括为如下两个步骤：一是“知其然，亦要知其所以然”，深入了解内蒙古民间美术的精华和其蕴含的思想内涵；二是找到民间美术和艺术设计二者相互转化的通道，从民间美术中精炼代表元素，再将代表元素用现代艺术设计的理念转化为全新元素。这一全新元素既能体现现代设计理念，又能表达传统民间美术思想；既开拓了艺术设计取材的眼界，又满足了现代人们返璞归真、崇尚本源的心理需求。

三、艺术设计教学中对内蒙古民间美术的传承与创新

1.转变思想，对民间美术科学地传承与创新

黑格尔说，艺术的要务不是收集，是创造。因此，艺术设计学习的终极目的便是创作。艺术设计在走向世界的同时保持民族风格是目前艺术设计的发展趋势所在。这是一种超越和升华——民间美术通过艺术设计的形式得以继续流传和发展，艺术设计则因融入了民间美术而增强历史感和厚重感，两者相得益彰。在教学中，教学双方都要对艺术设计和民间美术有清醒的认识，二者的本质是相通的，仅存在表现形式的差异。我们要将民间美术最本质的、最本源的东西挖掘出来，再将其应用于艺术设计之中，依照这样的思路才能既继承了民族特色，又通过艺术设计表现把民间美术文化精髓传承下去。民间美术是本源，是地下水；艺术设计是地表水，通过利用二者共同性的方法，是把地下水抽取到地表上来，让地下水不断补充地表水，这样地表水可以不断的有新鲜的内容推动其向前发展。依据本源的特点选择不同的方法进行研究则事半功倍；若是本末倒置必会误入歧途。

2.采用多种教学方法，吸取内蒙古民间美术精髓

第2篇

首先，现代艺术设计的民族化可以增强人们的民族自豪感。我国近现代艺术很大一部分都在盲目的跟随西方抽象主义和形式主义艺术风格，而在发展的历程中淡化了民间艺术的重要价值性，这在一定程度上影响着国民的审美价值观，崇尚西方文明的观念也在不断滋生和蔓延。只有深入研究民族民间文化，使其融入到现代艺术设计中，发挥民间文化在经济、文化建设中的独有艺术魅力，才能使得我国的艺术发展道路走的更为长远，最重要的它能唤醒人们对我国传统民族文化的认同感，了解我国民间文化的发展渊源，这是一个民族的发展之本、立足之本，是现代艺术设计工作者应深刻认知的一点。其次，现代艺术设计的民族化发展可以弘扬我国优秀的民族工艺文化精神。将现代设计艺术史和民间工艺美术发展史相比较，可以发现两者之间在本源上是极其一致的。我国民间艺术文化的发展遵循着从艺术构思到创造实践，再到完整艺术设计理论形成这一科学的艺术发展模式，重拾民间工艺文化设计精神，实践由“艺”到“物”而重于“用”的创造理念，才能发扬富有东方艺术哲学的现代工艺美术体系，使富有中国传统文化特色的艺术设计自立、自强。再次，现代艺术设计的民族化发展可以丰富现代艺术设计元素。将民间美术元素融入现代艺术设计中，能使现代艺术设计更有内涵、更有生命线性和可对话性。现代艺术设计语言逐渐趋于单调、重复，艺术作品的生命力不足。将民间美术艺术的表现形式进行创新和再造，挖掘民族美术艺术的宝藏，为现代艺术设计提供取之不尽的资源，为现代艺术设计作品注入“灵魂”与“思想”。

二、民间美术对现代艺术设计的启示

1、造型设计启示

中国民间美术在历史的演变过程中,广大劳动群众以最简单的工具和最朴素的思想创造了中国特有的造型艺术体系。这个体系是中华民族几千年智慧的结晶,它传承了中华民族特有的艺术精神。我们对民间美术“形”的继承并非拘泥于完整的形式沿袭而是着眼于再创造,将民间美术“形”的深厚内涵和完美形式与现代设计理念结合起来,赋子传统民间美术新的内涵,或者将传统造型的造型方法与表现形式运用到现代设计中来表达设计理念。现代艺术设计在造型上可以充分借鉴民间美术的造型。第一，在设计思想上，充分借鉴民间美术“不拘一格”的造型风格，生活中的种种事物都可看作形象设计的源泉，并借助主观审美对其进行再创造，以形成独特的风格。第二，在造型的取材上，可以充分汲取民间美术中寓意深刻的意象造型，为稍显冷硬的现代艺术设计添加人文情怀和生活气息。譬如现在艺术设计中龙凤纹饰的运用，将这些带有民族寓意的纹饰运用到现代感极强的现代艺术设计中，会增添更多独特的民族韵味，散发出独特的艺术幽香。

2、色彩运用启示：配色鲜艳

色彩是艺术设计的灵魂所在，现代艺术设计在色彩运用上亦借鉴民间美术的色彩精髓。民间美术起源于民间生活，而民间生活在岁月的洗礼下形成了民族性的色彩观。如我国的木版年画、剪纸、皮影、木偶、风筝、彩印花布、刺绣、面具等，无不呈现出五彩缤纷的赋色体系和丰富的文化底蕴。首先是五色观的运用。这种五色观源于中国传统的五行观念，将“东、西、南、北、中”的空间观念搭配五色，形成了东方主青色、西方主白色、南方主赤色、北方主黑色、中央主黄色的独特五行色彩组合。其次，中国传统观念中对“吉祥如意”的追求可以延伸到色彩上，由文化观念导致的色彩审美取向在对“吉祥如意”的表达上可见一斑。民间美术多用鲜艳的颜色，诸如“红红绿绿”来表现“吉祥”。譬如装饰节日的民间年画作品，多以红色作为主调、黄色作为辅调，用以突出吉祥喜庆、红火热闹的气氛。这种将世俗愿望与艺术形式相交叠的形式，在感受吉祥喜庆的氛围之时，也带来了浓郁的艺术气息。民间色彩本身的现代化色彩倾向也为现代艺术设计提供了创作材料。在现代艺术设计中，这些色调鲜艳的配色得到了广泛的运用。譬如，在春节等中国传统节日中，红色等鲜明喜庆的色彩最适宜表达欢庆之情。因为纯度较高的红黄色调，与民间色彩的色彩特征——明快响亮、鲜艳绚丽等有着艺术上的相同点。这种主观性的色彩调配蕴涵着传统色彩观念对大众的精神需求，可以将现代艺术设计的独特艺术性提升到一个更高的境界。

3、民族之魂的传承

第3篇

一、民间美术

在我国传统文化中，民间美术是指百姓在日常生活所创造出来的一种美术形式，经由口传身授将当时的审美意识传承延续的艺术，其具有生活适用性、民俗文化性以及艺术审美性的特点，并将自身的审美观、价值观融入艺术创作，这也是民间艺术最主要的特色。此外，民间美术在基层人民中诞生，其出现的目的就是为了进一步使人们的精神生活得以丰富，包含着各式各样的民间美术形态。即使它是建立在物质基础上，以物质的形态出现，但其本质依然是一种精神象征。

二、现代艺术设计

随着社会经济的发展，现代艺术在设计过程中逐渐摆脱物质实体的限制，成为一个国家或地区重要的文化体现，反映出不同地域的审美风格。现代艺术作为当代文化与美学的综合性表达手段，在人们的工作、生活的各个领域中逐步渗透，所以，对于现代艺术设计的认识应该是全方位与多角度的。对于现代艺术设计来说，其主要以体现社会意识而存在，能够将当代社会的审美意识反映出来。现代艺术和民间美术的主要差异在于现代艺术在设计中受到科技发展的影响，并以科技的发展为基础。因此，科技的发展不仅对现代艺术设计的设计对象、设计方法具有重要的影响，还拓展了现代艺术的设计思维。

三、民间美术和现代艺术设计的融合探讨

1.现代艺术设计源泉来自民间美术

优质的艺术素材常常源于人们的日常工作和生活，生活经过艺术家的提炼、筛选及润色后就具有了浓厚的艺术气息。民间美术是民间文化传承的重要手段，其在现代艺术中以源头的形式存在，并主要表现在物质和精神两个方面。物质作为民间美术的重要载体，是民间美术中不可或缺的重要组成部分；精神则反映出当代人的审美意识与审美追求，是民间美术的思想结晶。中国拥有悠久的历史文化与民族文化，现代艺术设计中重要的设计灵感来源就是丰富的民间美术。因此，设计者要不断采纳与吸收民间美术的精髓，从而创造出独具一格的艺术作品，进而在推动现代艺术发展的同时将中国辉煌灿烂的民间文化传承下去。

2.民间美术深化现代艺术设计创造力

民间美术对于现代艺术设计的影响是多角度、多方面的，其创作视角所具有的独特性以及设计方式所具有的开放性给现代艺术设计提供了无限的创造力与想象力。民间美术主要通过想象力与创造力的结合，充分表达出创作者的思想感情。在现代艺术设计中应用民间美术，不但可以培养设计者的想象力，还能探索与发现素材所具有的规律性，从不同的视角观察和思考事物，促进思维的发散性。

3.现代艺术设计借鉴与应用民间美术

随着各种现代艺术活动的开展，更多的中国艺术品逐渐走上了国际化道路。可以发现，走上国际化道路的艺术品其成功之处就在于立足本土文化，借助中国传统文化丰富作品的内涵与意义。这在现代艺术对民间美术的借鉴应用中得以体现，这对于创作出更好的现代艺术具有重要的启示。

4.两者之间的文化内涵共通

在创造民间美术的过程中，必须坚持艺术理想与人生理想的价值观念，将这些因素融入创作主题，将人民生活的情感接通，融入自身对于生活的热爱和美好的心愿。伴随民间美术的广泛应用与现代艺术的设计实践，不论是时间上或是空间上都要做出相应的改变，民间美术中所具有的人文精神也是现代艺术在设计中需要汲取的重要精华。此外，民间美术的设计主题还能充分激发现代艺术在设计选材中的灵感，让民间美术成为现代艺术设计的创作灵感来源，从而促进两者之间文化内涵的共通。

结语

第4篇

我国传统工艺美术源远流长，具有较高的历史价值和文化内涵。不同时期不同地区的制品风格样式千变万化，呈现出各自的意蕴。随着产业结构转型和生活方式的变迁，近年来被长期疏离于日常生活的传统工艺美术逐渐回归本体，如无锡地区传统工艺美术惠山泥人、锡绣、宜兴紫砂、纸马、竹刻等善于发挥自身的优势，功能与材料、技术与美感相互兼容，它们顺应自然、就地取材、因材施艺的技术思想，把原材料和技术所具备的特质充分发挥出来而形成个性和特色。这些利用不同原材料和技术手段所制成的工艺美术品，由于创意理念和施艺方式各有特色而构成了自成一格的风骨和与自身审美取向相适应的本土形式语言。这种本土形式语言的探求和形成受大自然的启示，以朴素而纯真的思想去创作，表现出活跃性和自律性共存的特征。无锡传统工艺美术在形成自己本土语言的过程中，还吸收了江南地区吴文化和其他艺术如青铜、玉器、漆器、编织工艺、中国绘画与书法的表现手法，以新的形式转化融入，丰富了自身形式语言的表现力。如宜兴紫砂陶制作技艺与人们日常生活紧密相关，不仅要具有良好的实用功能，还具有鲜明的审美特征，为了使功能效用和形式美感相结合并体现在具体的造型中，必须按照创意去运用原材料和制作技术，以不同的方式“顺其自然”地本着因地制宜、因势利导、顺天应人、顺地应技的原则加以整合与思考，才能创造出既实用又美观的作品。无锡惠山泥人造型风格受本土纸马艺术和苏州桃花坞年画影响,大阿福的头部、身体、四肢都统一在圆的造型之中和传统吉祥图案塑造上，不仅丰富了其内涵更与中国民间传统观念相吻合。无锡传统工艺美术中的色彩观念更是独具江南水乡特色，如惠山泥人绘彩工艺运用其传统彩绘七法“拓、涂、勾、点、掸、晕、刷”，构成一个完整的色彩观念，色彩对比富有激情而注重法度,彩绘笔法轻灵而不放纵,造型生动传神而不呆板乏味；体现出“简易而意全,巧密而精细”的特点,彩绘纹饰以江南水乡所特有的花草为表现对象,绘质方法独到,形成了一批技艺绝招。无锡惠山泥人绘彩工艺在长期的实践中形成的独特行话，如：“落笔如飞，厚薄均匀”、“直线要直曲线要活”、“亮而不艳,雅而不俗”等。在教学中将这些传统本土语言与观念进行渗透与融入，可引导学生正确认识传统工艺美术的艺术价值，有助于学生审美意识、民族素养、创新精神的提升，有助于装饰艺术设计本土化进程和文化内涵提升。同时也有助于传统工艺美术融入当代生活，促进传统工艺美术文化的传承。

二、装饰艺术设计教学对传统工艺美术吸收与借鉴的路径

高校装饰艺术设计专业培养目标明确要求学生具有现代审美意识和掌握扎实的艺术造型能力和设计能力的同时要对祖国传统工艺美术艺术知识有深入了解。对此装饰艺术设计专业课程体系应当加强对传统工艺美术元素的研究，寻找现代装饰艺术设计与传统工艺美术审美趋向的融合点，提炼其内涵并运用到教学实践中。传统工艺美术与现代装饰艺术在形态语言方面保留了较多的相似点，可结合装饰艺术设计专业核心课程《设计初步》、《设计色彩》、《图形创意》、《装饰工艺》、《软装饰品设计》、《装饰材料与工艺》、《项目模拟训练》、《项目综合训练》等进行形式多样的专业教学。在此基础上经过加工逐步在形态语言方面寻找新的结合点。在装饰艺术设计专业具体课堂教学的第一阶段教师可采取案例教学法，通过分析优秀案例，讲解这些案例是如何借鉴传统工艺美术形成独特风格，通过对案例设计过程的剖析，使学生知道如何吸收传统工艺美术元素中的精髓，借鉴其中的造型元素，使学生能够了解整个传统工艺美术制作流程，学习并掌握其中的方法。在《设计素描》、《图形创意》、《装饰工艺》等课程中，安排课堂练习绘制设计草图，特别是针对典型人物、器皿进行造型元素提炼，研究其人物的神情表达和器皿的构成特点，吸取传统工艺美术适度夸张的表现手法，利用嫁接、移植、拼合等设计元素与手段，表现具有象征意义和夸张的造型效果。在装饰艺术设计专业具体课堂教学的第二阶段可采取项目模拟训练法，引入工艺美术企业真实的实践项目，在真实的“工作情境”中按照项目需要，将学生分成若干个项目小组，每组完成一个项目。明确组员的分工，要求学生首先通过实地调研中国泥人博物馆、中国宜兴紫砂博物馆、无锡非遗传承与创新中心，借鉴其造型设计手法，提出创作方案和构想，最终确定创作方案。在《软装饰品设计》、《装饰材料与工艺》、《项目模拟训练》、《项目综合实习》、《毕业设计》等课程中，鼓励学生探索和尝试多种不同的表现风格，指导学生设计出符合现代人审美趣味，有市场需求、有地方特色和有文化内涵的作品，改变当下本土装饰艺术设计作品模仿外国、缺乏本土特色的局面。

三、装饰艺术设计对传统工艺美术本土语言吸收与借鉴的实践与思考

目前装饰艺术设计专业传统的岗位分工已被灵活、整体化和以解决问题为导向的综合任务所替代，对学生的职业能力提出了更高的要求，特别是工作中解决复杂问题的综合能力，只能在真实的“工作情境”和整体化的“工作过程”中获得，纯学校教育模式无法独立承担，当下各地高校普遍采用的校企合作和现代学徒制的培养方法，对装饰艺术设计专业人才培养目标的实现有极大帮助。2012年起无锡商业职业技术学院装饰艺术设计专业在地方政府的支持下，依托“两基地一中心”：省级“创意设计技术实训基地”和“无锡传统工艺美术人才培养基地”、“无锡市非遗传承与创新中心”，针对传统工艺美术与装饰艺术设计教学体系相互融合共同开展现代学徒制人才培养研究。在学校中选拔一批学生组建“现代学徒制非遗班”，聘请国家级和省级工艺美术大师担任客座教授与本校专业教师共同组建研究和教学团队，让他们有目标、有计划、手把手地传授核心技艺。学校建设有专门用于传统工艺美术研究和项目作品展示的大师工作室、惠山泥人技艺传习所，配备了先进的多媒体演示和制作设备，同时与学校创意设计技术实训基地实现设备共享，将《惠山泥人》和《锡绣工艺》等课程纳入专业人才培养课程体系，完善专业技能教学指导大纲、考核标准、监控与保障体系，强化教学过程管理，使学生专业技能训练的课时数、工位数、耗材数得到充分保证，提高专业教学内涵质量和实施效果。由于操作路径清楚，可操作性强，学生在真实的“工作情境”和整体化的“工作过程”中获得知识与技能，教学效果良好，受到社会关注与好评。事实证明高校装饰艺术设计教学体系对传统工艺美术本土语言的吸收与借鉴既能保证人才培养目标的实现又能够对国家相关传统工艺美术保护与传承政策起到促进作用。但是由于传统工艺美术产生的时代局限性，在社会结构、视觉文化以及生活习惯的改变与冲击下，如何处理好与高校装饰艺术设计专业教学体系深度融合、如何妥善处理好传承与保护的关系、如何探究工艺美术的“再生产”还缺乏系统理论研究。因此探讨装饰艺术设计专业对传统工艺美术本体语言吸收与借鉴的路径，其核心是在吸收与借鉴过程中及时发现所面临的问题及采取的解决问题的方法与途径。高等院校装饰艺术设计专业应不断实践和完善现代学徒制的培养方法，课程体系应以传承、创新为教学原则，以立体、平面材料课程为教学重点，以综合材料、工艺媒介在特定空间环境载体中的整合运用为发展方向，重视地区民间传统工艺美术技术的传承与创新。

第5篇

（一）培养目标

首先要求具有较宽的人文社会科学基础，掌握扎实的设计创作技法和相关技术工具，具备将设计与数字化技术等其他相关学科的技术进行交叉与整合运用的能力；其次了解专业发展动态并能结合于实践应用，具备相应的外语阅读能力和适当的听说交际能力；再者要培养策略、创意及传达平衡发展的营销传播策略企划与创意设计人才，达到教学与实践、教学与国际行业通行标准的无缝接轨，适应文化创意产业发展的能策划、会设计、有创意、会管理、擅销售的高端技能型复合型人才。

（二）培养规格掌握三个领域的基础知识，并能在实践中应用经过强化训练的专业技能：

1.在市场营销领域，对定性定量的市场调研、趋势分析、消费者研究、品牌定位、产品／渠道／价格／促销等营销组合、产品开发、生命周期管理等营销理论与实务有完整的了解，掌握应用方法。

2.在整合传播领域，对心理学、传播学、基础人文、数字营销科技、广告管理、公共关系、渠道促销等基本理论与实践有一般认知，并能通过实践得到切身感悟。

3.在创意概念发想领域，成为具有原创精神的概想发想者，能将庞杂的营销与调研数据进行梳理，对核心信息进行评估,预测消费者的理解度与好感度，能独立进行创意设计与艺术加工。

二、高端应用型艺术设计人才培养的主要措施

（一）人才培养定位与顶级企业需求对接

实行双主体办学。校企双方在顶层设计、组织架构、办学理念、办学标准、人才培养方案、课程内容的制定方面共同负责，共同实施教学管理、师资团队建设、实训与评估、实习就业辅导。高职高专院校当前应从培养单纯掌握专业技法的工具型人才向培养熟悉完整的艺术设计流程的综合职业人才转变，把教学培养的重点放在学生的实训经验，实战能力，艺术素养与审美能力、科学素质与逻辑思维的能力上，共同培养出品格与能力并重，认同企业文化，具有行业实践经验，掌握营销策略、创意思考、数码设计、人际沟通等核心能力的高端职业人才。

（二）改造传统课程体系

培养基于产业全流程的职业素养。当前创意产业的显著特点是艺术设计必须与产业的前端和后端紧密结合，线上与线下综合运用。上海工艺美术职业学院据此改造了传统课程体系，在产业全流程及互联网技术之上，重新整合设计类教学内容，将学生创意设计能力（Design）延及到市场分析（Marketing）、策略思考（Strategy）、售后服务（Service）三方面，增强营销传播、创意思考、数码技术、团队合作（人际沟通）的能力培养。为应对数字媒体对传统媒体的冲击，学院取消了理论陈旧、技术过时的《广告概论》、《书籍装帧》等7门课程，前瞻性地新增了《营销与传播》、《移动媒体创意制作》、《社交媒体创意制作》等11门课程；从企业实际应用出发，重塑了《三大构成》、《字体设计》等5门课程；为提高学生人文素养和专业品味，优化了6门人文基础课程。同时已引入WPP集团及水晶石公司的高端培训资源，编制了43本校本教材。这些都使我学院学生的职业综合能力得到全面提升。

（三）改革人才培养模式

实现三年教育培养一流人才的高职梦想。渗透“一天教学等同一天执业”的理念，专业的物理形态与企业的现实产业环境接轨，教学空间从装修、桌椅摆设到环境气氛，都和学生今后将加入的公司类似。用国际企业通行的MBTI性格测试设计学生的个性化教学方案，依据现代广告企业工作模式，实施以团队为单位的学习和考核方式；专业课程60%由跨国广告企业创意总监担任主讲，引进产业前沿真实项目，形成与业态同步更新的校本教材。学生在校期间通过产学合作参与行业高端项目，每年暑期赴集团全球各子公司带薪实习。

（四）对接国际惯例

创新学生评价体系。依据艺术设计人才培养规律，对学生开展性格特质和就业潜力评估，因材施教，打破以分数与技能考证评价学生职业能力的传统做法。每学期召开全体教师会议，逐一甄别学生品行和成绩，规划学生未来的发展方向；执行院长应每天与一个学生共进午餐，通过沟通谈心，解决学生学习和生活中的问题。培养学生适应未来企业的团队工作流程，将学生编组，通过小组协同完成项目，以此强化学生的团队协作能力。训练学生的表达能力，作业与考评均以提案方式进行。以国际通用的推荐函惯例，依据6个学期对学生的甄别评价记录和集团人事总监的面试审核，对合格学生颁发院长签名的学院推荐证书，获证学生可进入4A公司就业。

（五）组建一支具有引领作用的双师型教学团队

使教学的专业水准符合业界最新要求。水晶石学院的专业教师全部来自公司一线；WPP学院的策略企划、创意设计、数字创意等5位教学总监都是业界的资深创意总监，全职驻校授课并带领教学团队；23位专职教师中，7位是境外人士，6位曾任广告公司高管。企业认养课程由一线高管授课，平均每学年约20人次，使得学院具有浓厚的企业气质，专业来养得到迅速提升。

（六）创新合作办学体制

保障高端人才培养。通过校企双方共同决策的理事会和校企联席会议，探索利益相关方参与学院建设的机制与途径。实行相对独立的人才聘用制度和财务运行模式，以保障办学与改革的顺利进行。由具有丰富企业管理经验的职业经理人负责学院管理，用企业视角考虑专业发展路径，在人才聘用、团队管理、经费使用等方面渗透企业经营理念和管理手段。延请国际一流业界专家组成学术委员会，主持试点学院的教学体系构建和教学资源调配，调动企业的海内外专业人才资源、案例经验及培训网络用于教学，使合作办学融合职业教育规律与企业核心要素，确保合作办学培养的人才规格符合企业高端人才标准。通过上述举措，主要解决了高职高专院校的培养目标及课程设置与顶级企业用人标准和工作岗位要求不相适应，教学内容滞后于行业企业的发展，以单一成绩为主的评价体系和在人才培养过程缺乏有效的管理等问题。确定了设计类高端职业人的培养目标；构建了培养品格与能力并重的课程体系；拓展了以国际、国家级各类竞赛项目为载体的多样化综合素质及职业能力训练的培养途径；施行了具有跨国企业特征的教学方法和学生评价方法；创新了对高端设计人才资质的认证方式。

三、高端应用型艺术设计人才培养的实际成效

（一）探索出一条高端职业人才的培养模式

随着越来越多的一线企业用人目标的不断提升，学生的综合职业能力成为决定专业建设水准和毕业生就业层次的关键。我院实践证明，只要人才培养定位与顶级企业需求对接；创意设计培养与整个工作流程兼顾；业界精英师资与产业实践平台保障；个性化教育与团队培养并举；真做项目与国内外赛事联动，高职院校同样能为业界培养出高端技能型人才。

（二）培养出符合创意产业特殊需求的高端人才

我院高职毕业生已经被顶级企业大量录用。WPP学院50%的毕业生已被WPP大中华区各公司人事总监预订，实现了进入4A公司的职业理想。学生收获高端项目体验，积累了丰富的行业人脉资源。学生去往WPP集团位于伦敦、香港、台湾的公司带薪实习。公司用世界一流的内部培训经验指导学生，学生实习期间的一些设计作品已被一些世界500强客户采用，于市场流通渠道。改革不仅使个别学生受益，而且能带动全体学生整体水平的提升。我院学生在2013、2014年连续2年参加英国D&AD比赛，荣获国际最有影响的D&AD（黄铅笔）学生创意奖，取得了中国大学生在此赛事的最好成绩，为全国高校仅有。与此同时，我院学生连续2年荣获教育部主办的全国大学生广告赛金奖，2013年在20余万件参赛作品中获得2个一等奖，2014年，获得1个一等奖；在2014年的40个毕业生中，27人进入跨国广告公司（4A公司）就业，22人取得WPP集团全球CEO苏铭天爵士（他是上海市市长国际企业家咨询会议副主席）签发的推荐函。

四、结语

第6篇

论文摘要:高子艺术设计教育要顺应经济全球化的大趋势，突出专业特色、提高应用能力，着重培养学生的创新思维能力、视觉艺术感受力及表现能力。强调设计文化的重要性，挖掘优秀的民族文化资源;密切关注国际国内最新设计动态，把握装演设计未来的发展趋势;树立为市场服务、为商业服务的意识;明确培养方向，制定学习目标，激发学习热情，加强实践，不断提高。欧美等发达国家艺术设计教育，在很多方面对于我国高等艺术设计教育的改革与发展及教育体制与国际化进一步接机，都具有很好的参照和借鉴作用。

装演设计专业是一门实践性很强的学科，对于懂理论能实践的同仁来说体会更深。高等院校艺术设计装演专业，是培养包装设计人才，必须有很强的动手能力、创新思维能力及敏锐的视觉感受和开拓市场的能力，符合知识经济时代的需求。这就要求我们在授课过程中不能按传统的教学方式进行，仅仅依靠教科书进行课堂教学及课后作业练习。随着我国加人世贸组织以及全球经济一体化的不断推进，商品经济高速发展，商家及消费者对包装的各方面要求越来越高，培养的学生走出校门就可能与发达国家或地区的学生面对面竞争，如果不按国际性人才标准来培养学生，不具备国际文化视野，又没有深厚的民族文化根底，将成为竞争的弱势群体被淘汰出局。

我在高等艺术院校搞教学工作，从学生时期就与广告、装演、印刷设计等行业密切接触，课余时间一直为当地一些知名企业服务，深谙包装、设计、印刷的各个环节与操作流程，加之长期的学习和积累，摸索了一点切实可行的教学方法。WWw.133229.coM有关装满设计的许多方面更新特快，往往我们刚接触到一种新的设计理念、新的制作方法、或新材料、新工艺等，却同时已经被更发达更超前的国家或地区淘汰或视为落伍，因此，我们更应该多交流经验，多沟通信息，为提高我们的高等艺术设计教育共同努力。以下是我对装演设计教学的一点感受和探索，分别从三个方面来谈。

1树立明确的学习目标、激发强烈的学习热情

据悉，国家经贸委批准在我国筹建亚洲包装中心，加强国内外包装企业的合资与合作，促进中国包装业加快整合，增强竞争力，为我国包装业走向国际市场，获得国际信息，参与国际竞争，融人世界经济搭建平台。在这种大环境之下，我们的装演设计教学也要顺应经济全球化的趋势，突出专业技术特色、提高应用能力、加强设计文化的积累。教师首先有明确的培养方向，才能给学生指明学习目标。让学生明确，装演设计行业可为我国商品经济的可持续发展及生态环境保护提供强大的精神动力和智力支持。我国经济的发展需要装演设计贡献一份力量。设计师，越来越受到人们的尊敬。这是一个令人自豪、让人羡慕的行业，充满了挑战性和创造性。包装设计已经为我们的生活带来很多便捷和舒适。那些贴近消费者和市场的优秀设计，为人民生活和国家经济建设做出很大的贡献。为了提高我们的装演设计整体实力，为赶超发达国家的包装设计水平而学习，为广大消费者的需求和欲望而设计，创造新的消费概念，引导社会消费方向，提高大众的消费水平，是物质文明和精神文明的建设者之一。

通过激发自豪感和责任感，学生明确了学习目的和肩负的重任，学习的积极性和主动性会更强，创意的灵感会不断涌现。有了远大的目标、再给予科学的指导，教学目的能够达到，教学质量显著提高。

2理论结合实践.培养创新型实用人才

目前，国内设计院校装演专业所设置的课程，都能结合实践进行学习，许多优秀设计作品都是由最基础的构成演变而成。基础课结合实案例扎扎实实系统学习，在课堂上，运用各种教学媒体充分展示优秀作品，分析画面设计构成、解剖包装结构、研究印刷工艺和制作方法，进行量化生产的效率如何?包装材料的选择搭配、再生材料的使用率、对环保的影响、消费者接受程度、销售的目标对象，以及包装、宣传所能达到的效果等，都要综合考虑以培养学生整合优势资源的能力;启发学生从不同角度观察事物，尝试传统包装材料在新领域的应用，明确绿色环保设计、健康设计及人性化设计的概念，不断寻求创新和突破，加强原创能力的培养，着重提高学生的创新思维能力。良好的职业习惯也不容忽视，克服艺术设计专业的学生自由、散漫的特点。利用课余时间带领学生与当地企业接触，发动学生积极主动与周边企业联系，鼓励他们树立自信心和服务意识，热情、真诚地与客户合作，不怕退稿、改稿、不要斤斤计较，亲身参与到商业之中，在服务商业和市场的过程中学习、提高，了解专业性质特点及理论和实践的差距，强化动手能力，感受商业竞争的激烈和残酷。当有些学生的设计作品被商家采纳、被媒体公开发表，会对其他学生很大促进;形成良好的学风，提高学院的社会声誉，提升学生就业质量。所以，我们不能停留在教学、研究阶段，甚至对商业性太强的设计作品持否定态度。许多没有深人生活的作品，设计者自己感觉非常满意，投放市场后效果并不理想，甚至被客户否决。这就要求我们必须先了解市场，了解企业文化，熟悉产品的性能，关注商业发展的状况，掌握市场潮流与消费者的接受程度。其实，多数学生也想与深人生活参与项目设计，老师的引导十分重要，直接关系到学生应用所学知识与市场链接的成功与否。

为此，我在授课过程中穿插很多开展业务的细节问题，分析成功的经验和失败的教训，使理论与实践自然结合起来。真实、生动、有趣，让学生体验从寻找信息、联系谈判、市场调研、创意构思、确定设计方案、发排打样、印刷加工全过程。以及如何通过法律手段保护自己的知识产权，讨回自己的劳动所得，以免掉进不规范的市场陷阱等等。以专业的工作模式规范学生，发现不足及时调整。通过多次强化训练，学生的应用能力快速提高，自信心倍增。平时强调除专业能力外，高度的责任心、合作能力、沟通能力、诚实礼貌、吃苦耐劳等等，都是设计师必须具备的素质和能力，只有经过实践才切身感受到它们的重要性。几本教科书无法给学生提供全面、实用的知识和技能，要带给学生经过市场检验的、被商家认可的、受消费者喜爱的好设计。在德、英、美、日等高等设计教育发达的国家，设计院校专业老师必须有二年在企业的工作经验，很多教师长年为企业、机构组织服务，社会实践经验丰富，教学水平高，深受学生爱戴、甚至长期追随。早在1919年德国包豪斯就已经在教学方法和课程设置中强调，它之所以能影响全世界的设计教育，就因为他们不脱离社会，并要求学生参加社会实践活动，这种双轨制教学，使培养的学生既有艺术素养，又有科学技术和实用头脑。在解决实际问题中学习、成长。欧美等发达国家艺术设计教育，在很多方面都值得我们参照和借鉴。

3与时俱进，做学生真正的导师

第7篇

中国画的工具和材料基本上是由笔、墨、纸、砚来构成的,人们通常把它们称为“文房四宝”,大致是说它们是文人书房中必备的四件宝贝。因为中国古代文人基本上都是或能书,或能画,或既能书又能画的,离不开笔、墨、纸、砚这“文房四宝”。

一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。

最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。

现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”

等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。

一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。

在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭

记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。

从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。

中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。

我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。

说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。

中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。

三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。

纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。

一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。

从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。

中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变 化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。

除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。

四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。

不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。

在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》

中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:

笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。

臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。

诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。

笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。

笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。

笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。

墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。

墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。

镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。

水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。

砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。

砚匣:又称砚盒,安置砚台之用。以紫檀、乌木、豆瓣摘及漆制者为佳。

第8篇

随着科技的发展，大量信息元素运用于现代工艺美术设计中也成为工艺美术的一大特征，并且为了工艺美术的进一步推广和传播，现代信息科技越来越受到强调。目前，使用十分广泛的Photoshop就是其中的代表，它大大简化了设计人员的操作流程，可以让他们把精力投入工艺美术的创新工作。另一方面，工艺美术信息化也是其一大趋势，所以，要想实现现代工艺美术作品的进一步创造，必须熟练掌握计算机技术，大量采用信息材料和资源。

二、现代工艺美术设计的主要着力点

1.创造性的艺术构思是现代工艺美术设计的首要环节

创造性的艺术构思是实现工艺美术设计的指导思想，一个形象的孕育必须在艺术构思中进行，这就对设计师提出了很多要求：第一，必须对思想文化的新方向给予关注，这样才能萌发新的思想观念，创造出更具创新性的作品；第二，充分利用网络信息技术创新理念，注重各事物之间的内在联系，充分利用隐喻、联想、暗示等手法，提高自身的艺术修养和知识积累；第三，设计作品要向民族性、时代性方向发展，并且以时代性为主轴，与民族性紧密结合，满足现代人们的审美需求；第四，突破对传统的模仿，注重自身对世界的独特领悟，向更加多元化的审美思想、价值取向方向前进。创造性的艺术构思强调在设计中要关注各种风格，避免过多的修饰，充分显示艺术作品的简洁性和概括性，体现时代和科技的发展。设计师的观念也要具备动态发展的特征，从而提高艺术作品的生命力和表现力。艺术世界包括微观和宏观，这都需要设计师对其进行捕捉，将美学和艺术完美结合。

2.双重性是现代工艺美术设计的发展方向

现代工艺美术设计除了要具备观赏性之外，实用性也是其主要要求。如，在市场中的家具或者工艺装饰品可能具备比较高的观赏价值，但是如果其没有具备较高的实用性，同样会遭到冷遇。因此，双重性成为现代工艺美术设计的发展方向。双重性是指工艺美术设计既要体现设计师的个性，又要满足使用者的要求，必须从二者的共性出发进行考虑，达到协调一致的效果。随着人们审美和使用要求的提高，设计师在设计中不仅要充分展示自己的艺术个性，而且要充分考虑人们的需求，对工艺进行创新。上文提到的以主动性管理为中心、注重发散性思维、注重创造性思维的发展变化、强调现代信息科技的运用等工艺美术设计创造特征，就是现代工艺美术设计双重性的具体表现，也是双重性得以实现的基本要求。

三、结语

第9篇

随着社会的发展，为了满足人们的审美和情感表达的需要，艺术设计也随之而产生。除此之外，艺术设计不仅要满足人们审美的要求，还要满足人们心理和生理方面的要求，要充分的表达出人们所有表达的感情思想。具体来说，艺术设计是人们情感外在表现形式的一种，人们将自己的情感需求与具体的事物进行了创造性的结合，从不同角度来表达自己的感情需求，再设计的同时，力求将情感表达和科技融为一体，使其相对平衡，使得艺术设计产品在今后的销售当中既满足人们的审美需求又满足商家的利益需求。例如，手机作为一款大众化的产品，正逐渐从功能的追求向艺术设计需要转型。所以，手机市场上出现了很多具有丰富内涵的产品。例如LG的巧克力手机就受到了恋爱中的客户的青睐，究其原因，主要是因为设计中包含了情感，是情感和科技完美融合的一种体现。

2、实际应用中的形式美与功能美

2.1艺术设计中形式美的表现

在艺术设计中，相对于功能美来说，形式美更为抽象，功能美表现在外在形体中，而形式美却是对具体设计产品抽象美的创造，主要表现为在创造产品过程中，物体自然属性随机组合或者有机组合产生规律的集中反映，这种美的表现不仅是体现在实际物体上的，还要从实体产品上感受其观念的形成。从根本上来讲，形式美的审美观念超出了一般意义上的设计内容，除了需要保留设计产品本身的性格特点外，还要反映超越产品本身的审美含义。形式美的具体内容不仅包括了构图形式，还包括了色彩、造型以及艺术技巧这三个方面，这三者可以说你中有我，我中有你，是不可分割的整体，由他们共同组成了艺术设计中的形式美。产品要想脱颖而出，那么对形式美的要求也就应该越高。艺术设计产品的本质属性决定着形式美的高低，首先人们观察到的形式美表现为自然美，这种美属于人们对形式美的初级认识，通过艺术技巧将自然美升级，表现为更为高层次的美，这种艺术技巧就是产品的设计与审美统一，通过特殊的艺术表现形式来展现所要设计的内容，是功能美展现的艺术表现方式。

2.2艺术设计功能美的表现

功能美主要指的是人们在日常生活中产生的审美感受，任何物体之所以产生都具有一定的实际意义，从最初的简单造物到现在的科技造物，这不仅是设计产品功能应用的提升，更是产品设计产生功能美的过程。从一开始的应用造物，到现在结合艺术美进行的创造行为，无一不是对功能美的加工和提炼，这是一个漫长而悠久的发展历程。一般人们对功能美的定义为产品完成人们对预定功能的需求即可，只要艺术设计与功能完美的结合，人们就会认为产品具有功能美。因此当人们在运用设计产品的时候就可以既满足对产品功能的需求，又达到人们对产品审美的体验。所以，在艺术设计当中功能美相比形式美要更具有功利性的特点，具体表现在人们使用设计产品的过程当中，使其感到满足和快乐。从本质上理解，功能美其实就是人们在进行产品设计时目的性与规律性的有机结合，从而创造或者改造某些物品。

3、结语

第10篇

【摘要题】网络文学

【英文摘要】Networkarthasbeenbecomingapost-aestheticmodel,i.e.,subjunctivesymbolicaesthetics,joininglivingaestheticsandhappygame-playingaesthetics.Thechangesoftheseaestheticstylesareanaturalextensionofpost-modernistculturallogicinthetimesofnetwork.

【关键词】网络艺术/后审美范式/文化逻辑

networkart/post-aestheticmodel/culturallogic

【正文】

随着互连网的迅速普及，网络艺术日渐形成自己的艺术方式——基于网络技术的后审美范式。“后审美”是与现实主义审美、特别是现代主义审美相区分的概念，是网络时代新兴的艺术审美范式，它是后现代主义文化逻辑的必然延伸。

一、虚拟现实的符号审美

网络化的艺术审美是机械复制的“类像”(simmulacrum)符号审美，它运用数字技术“虚拟现实”(virtualreality)以拼合实在，形成可复制的无穷摹本，使艺术和自然的原初关系被数字化技术制作所取代，从而导致艺术创作从个性风格的表达向类像的机械复制转变。这便是法国后现代主义思想家波德里亚所揭示的“后审美主义”图景：模拟威胁着“真实”与“虚假”、“现实”与“想象”之间的差别，对象世界以技术逻辑控制主体，“数字化的冷酷宇宙吞噬了隐喻和转喻的世界，模拟原则既战胜了现实原则，也战胜了快乐原则。”[1]经典意义上的艺术审美惯例消失了，我们所拥有的符号远远多于其所指涉的涵义，拥有的影像也远远多于其可以阐释的价值。传播的体制所传播的不过是这个体制自身，影像所指涉的就是影像符号。于是，“文化”就成了并不指涉现实的影像的无限生产和增值。

互联网打造的艺术作品就是这样一种虚拟现实的视觉消费品。网络艺术犹如一种艺术的生物工程，它把一切实在之物拆解为断片式代码，再用数字化技术将这些代码组合成表面真实的虚拟物像，然后将其作为实在的代码来替代物像的真实，使组合拼贴而成的审美符号替代艺术审美本身。如果说过往的平面设计、工业设计、服饰设计、建筑设计、商业摄影、广告招贴等是源于实在的物像仿拟(Simulation)的话，互联网上的“界面影像”，如Flash制作、卡通化的LOGO（标识语）、角色扮演(RPG)的影视剧和MTV、艺术贺卡，以及花样翻新的网络游戏等，则将“真实的虚拟”拼合成了“虚拟的真实”，它类似于转基因生物，表面看来与实在无异，真实得近乎完美，但本质上仍然是人工技术的产物，如法国FredForest所揭示的：“它的基质来自无法触摸的信息技术资料。”[2]如：

虚拟偶像1995年日本就研制出网络虚拟偶像伊达杏子(KyokoDate)，她拥有自己的星座、嗜好、三围与血型，上过杂志封面，并灌制过激光唱片《爱之交流》，许多崇拜者还在世界各地为她设立网上歌迷俱乐部。好莱坞的电影《古墓丽影》走红影坛后，女主角劳拉立即被一系列电子游戏打造成了大名鼎鼎的世界头号偶像，她美貌出众，智慧超群，武艺高强，酷爱冒险，常常孤身一人闯荡江湖。号称“中国第一位虚拟偶像”青娜是耗资近300万元人民币，动用200台电脑和京、沪、粤近百名业界精英历经3个月的工作打造出来的数码电影短片中的人物。她的名字是China的谐音，她身上综合了东方美女的优点，有着大而明亮的眼睛、精致而美妙的五官，合乎黄金分割比例的身材，给人以清纯而略带倔强的感觉。她身着飘逸白色纱衣载歌载舞，在北京中华世纪坛数字艺术馆展映百天后，又拓展她的星路历程：短片进电影院做加影片；在电视文娱频道播映；电影音乐在电台播放；开通青娜个人网站；电影音乐和青娜唱的歌出版唱片；开展“寻找生活中的青娜”活动（“青娜”模仿秀），并且还要出版“青娜写真集”！

虚拟主持1999年4月，英国一家网络公司建立了一个庞大的新闻主播系统，2000年4月，他们拼合出了一个因特网首位虚拟新闻主播Ananova。她不仅脸蛋俊俏，而且能说会道，身手敏捷，富有亲和力。她全天24小时报道最新消息，从不休息却永不疲倦；她开辟了自己的档案A-file，向全球观众介绍她的大小轶事；她的面孔出现在海报、鼠标垫、T恤、帽子等产品上，几乎无处不在；她的影迷遍布全球，他们为她设立了许多网站，倾诉对她的爱慕之情。我国的虚拟电视主持人出现于2001年。这年的5月13日天津电视台在晚间黄金时间播出的《科技周刊》节目里，虚拟主持人“言东方”首次与观众见面。她在自我介绍后还诙谐地说：“我的形象和名字是在听取了大量网友的意见后，经过多次‘整容’和‘易名’才确定下来，我的出现不得不使我感叹高科技的神奇力量。”[3]

虚拟乐队世界第一支网络虚拟乐队是崛起于世界的Gorillaz，其幕后总舵手是Blur（布勒合唱团），主唱DamonAlbarn、鼓手Russel等。乐队由4位虚拟艺人组成，他们都有自己的生活空间，并且会不断生成新的刺激，依靠纯粹的音乐和个人性格魅力而成为人们新的音乐偶像。Gorillaz充满未来感的动画形象，以及主唱2D散漫、慵懒的嗓音，吸引了不少世界各地歌迷的注意力。这4名虚拟的艺人只生活在虚拟空间的2D+3D世界里，但他们都有自己的年龄、国籍、肤色、性格，乃至个人成长史、不良嗜好、医疗记录、犯罪案底和教育背景等。2001年9月26日，欧洲音乐盛会“2001MTV欧洲音乐大奖”入围名单中，Gorillaz以6项提名而成为大赢家。在Gorillaz网站，你不但可以欣赏到Gorillaz制作精致的电脑动画音乐录影，还可以玩到最酷的Gorillaz游戏。

随着数字化技术水平的不断提高，类似的符号仿像在电子媒体中还会越来越多、越来越逼真。已经在美国出现的“文学机器”（即专门用于文学创作的电脑），还有不断改进的诗歌创作软件、小说故事程序、剧本程序写作等，可以说是另一种虚拟实在，因为它们是未经大脑加工和心灵体验的文学创造，是自动拼合的虚拟和程序设计的“实在”。

这种计算机网络的虚拟现实不同于复制。复制是一对一的搬用，虚拟现实是“无中生有”；虚拟现实也不同于原子主义的写实，它没有先在的或外在的模拟对象，而是“比特化”的自出机杼；虚拟现实的网络艺术形象与立体主义的造型也大相径庭，因为它在外貌上并不超越实在，甚至看上去还非常真实。不过虚拟现实说到底仍然是一种超现实的符号类像，是数字化虚拟方式和符号代码规则造成的超现实的结果。

今天的计算机网络技术已经进一步将虚拟现实发展为实时交互，用户可以对模拟环境内的物体进行操作，并从环境中得到反馈。用户对虚拟环境的感知除了一般多媒体计算机所具有的视觉感知、听觉感知外，还包括力觉感知、触觉感知、运动感知，甚至包括味觉感知、嗅觉感知等。交互虚拟的物体具有自主性，会依据现实的物体所遵循的规律进行运动（如受重力影响而下落等），同时又可以随着用户的、视野的变动而变动，从而产生真实感。如用户可以用手去直接抓取模拟环境中的物体，这时手里有握着东西的感觉（其实手中并无实物），而且，现场被抓的物体可以随着手的移动而移动。[4]当前的交互式虚拟现实系统可分三类：一是桌面虚拟现实系统，使用时设定一个虚拟观察者的位置，可利用三维立体眼镜增强效果，并通过六自由度鼠标或三维操纵杆进行交互，两个身处不同地点的用户可以用自然的手势进行信息交流；二是临境虚拟现实系统，利用头盔显示器把用户的感觉封闭起来，以产生一种身在虚拟环境中的感觉，通过数据手套和头部跟踪器进行交互；三是分布式虚拟现实系统，它以临境虚拟现实系统为基础，将不同的用户连结在一起，让他们共享一个虚拟空间，使该系统局域网中的人可以在这里进行虚拟交往。[5]

网络以符号代码虚拟现实的后审美异变在于：内容非语境化的“灵韵”(aura)散失。任何艺术的审美意蕴都是依托于特定语境、并在特定语境中生成的，离不开孟子所说的“以意逆志”和陆机强调的“物、意、文”协同与互渗的本体建构，而虚拟现实的符号类像从内容本体上失去了它们作为具有特定指涉的文化符号所应有的价值皈依，其审美的语象(icon)被虚拟的视觉仿拟非语境化(decontextualized)了，不仅仿拟的物像本身失去灵韵，也无从品味其原初的本体意义。直观替代体验，符号解构意境，祛魅消除韵味，技术拼合驱逐了“诗意的栖居”，这便是网络时代虚拟现实打造的后审美范式。

二、在线交互的活性审美

互联网结束了艺术审美的私密空间，却创造了大众参与、交互共享的行动美学；网络文学终止了文学传统认同过去的时间美学，而开辟出在线空间的“活性”诗学。严格来说，网络艺术只“活”在网上，只有在线空间里被网民浏览或参与它才是存在的，甚至是生机四溢、魅力无限的，否则它什么都没有、什么都不是，这与传统艺术原子化的“硬载体”存在方式大相径庭。

弗·杰姆逊曾说，现代主义本质上是一种时间性的模式，而后现代主义则是一种空间性的模式，从时间向空间的转变使得时间的历史感被挤压到平面中，导致历史深度感的消失。[6]这种后现代时空观的变化在网络文学中得到最鲜明的印证。网络文学没有时间的概念，它将时间化为空间，用在线空间改变或延伸时间，将物理的时间挤压在赛伯空间里；网络文学没有终止的概念，因为作者失去了终止自己作品的权力，而把这种权力交给了在线空间的广大网民，除非你的作品让文学网民失去分享的兴致和参与的热情。网络消解了艺术的深度模式，却创造了新的“活性”审美模式，因为网络作品的空间留存性和无可终止性，决定了它是一种“活性”的艺术存在。一部《红楼梦》在传统文学圈里高山仰止、不可移易，续写者不过是“狗尾续貂”，而网络小说《第一次的亲密接触》如果不是下载出版，它将如沧海一粟或过眼云烟，并且其他网民完全可以用“第二次”、“第N次”亲密接触来替代它而不会被指责为挤兑起哄。可以说，传统文学属于时间，网络作品只与空间共舞；传统文学是“死”的，不可更改的，网络文学是“活”的，可以更改和参与续写的。尼葛洛庞帝早就指出过电子艺术的这一特性：

数字化高速公路将使“已经完成、不可更改的艺术作品”的说法成为过去时。给蒙娜·丽莎(MonaLisa)脸上画胡子只不过是孩童的游戏罢了。在互联网络上，我们将能看到许多人在“据说已经完成”的各种作品上，进行各种数字化操作，将作品改头换面，而且，这不尽然是坏事。……我们已经进入了一个艺术表现方式得以更生动和更具参与性的新时代，我们将有机会以截然不同的方式，来传播和体验丰富的感官信号。……数字化使我们得以传达艺术形成的过程，而不只是展现最后的成品。这一过程可能是单一心灵的迷狂幻想、许多人的集体想象或是革命团体的共同梦想。[7]

无论是展示孤独者的迷狂还是表现集体的共同梦想，都是在一种参与互动的“活性”状态下完成审美建构的，在线空间里的文艺作品就像一个被众人呵护的孩子，它永远不会走向成熟，永远不会被时间定格为经典，但就在这不确定性的无限延伸中，它也许能流溢出生机四溢的艺术活力。

网络艺术的活性审美基于数字化网络技术背景，呈现为两种特有的型态：超文本召唤结构和人机互动的角色表演。

超文本召唤结构“召唤结构”这一概念原本是康士坦茨学派接受美学代表人物伊瑟尔提出的，伊瑟尔所指的是文学作品中包涵了许多“意义不确定性”和“意义空白”，要靠读者的想象和具体化能力予以确定和填充，从而将作品内容转换为读者心目中的内容，实现对文学意义的成功接受。网络的超文本召唤结构与之不同的地方，不仅在于一个指传统印刷品文学，一个是针对电子文本，更在于网络超文本不是“意义的不确定性”，而是文本的不确定性和作品结构的多线性造成的审美活性；它不是寻求对“意义空白”的填充，而是刺激网民对叙事文本的多向选择和能动介入。

超文本作品是“活”的，在线空间的网民正是被活性的文本所激活，而且只有超文本能使欣赏者与文本之间物理上的互动成为可能，并同时为读者向作者转化创造了空前的便利。任何一部传统作品都不像网上交互作品那样有许多分叉，由分布式的诸多作者承担同一的创作任务，只要网民还在非线性或多线性的文本迷宫中漫游，作品就将永远是“活”的，永远是“动”的，一部超文本作品完全可以在不断交互中存活、生长数十年甚至更长时间，作品的终结存在于参与者永无止境的审美召唤之中。在这里，固定的作品结构被读者瓦解、或重新构造了，意义也被新链接的文本得到了不同的阐释。创造性的阅读使静止的结构被召唤式结构所替代，结构成了一种在“运动”中不断发展的东西。

一般来说，超文本作品分为两类，一类是运用计算机网络链接技术设定的多线性阅读作品，这时候读者的活性审美获得的是被动中的主动、制约中的能动，因为他只能选择“怎样读”，而不能选择“读什么”，原创者巧置的“叙事圈套”像一只无形的手在暗中预设了读者阅读选择的可能，文本的结构形态只是一个过程，而不是一种结果。另一类超文本作品是交互式创作的合作文学，这也是一种活性结构的动态文本，创作者是在线参与的、不确定的，作品结构是树状的、网状的，更是未定的、无限生成和延展的。国外网站上引人瞩目的“长青树交互小说”，就曾吸纳众多网民参与接龙。在我国，站点上的交互小说《活着，爱着》自1997年开篇以来，曾吸引了许多少男少女前来续写。他们中的佼佼者，还有幸得到“网络文曲星”的称号。交互式小说有多种类型，一类是“人—人非实时交互”型，有点像传统的“接龙”，用户看好了网上所开列的选题，根据选题所规定的情境，参照前人已写的部分，将自己的续作接上去，这就成了共同创造的作品。真正代表网络化交互式文学水平的是“人—人实时交互”型，那些BBS公告板、聊天室和讨论区中具有文学色彩的话语，体现的就是这种交互，人民文学出版社出版的《风中玫瑰》即属此类。无论是链接式作品，还是交互式接龙，其文本的都是“有始无终”、穿越界面的，但对于创作和欣赏来说，却是富有召唤性和挑战性的，对文学价值构建也是结构生成、动态演绎、活性生长的，这正是后审美主义的重要艺术表征。

超文本召唤结构是一种拆解时序的活性审美。如果说传统文学是过去时间的再现审美，网络常规书写属于当下时间的在场审美，那么，超文本召唤结构则形成了时序拆解的活性审美。它消解过去、现在、未来的秩序性，把时间拆解为永恒碎片的瞬间，用时间的自由编码营造审美迷宫，以可选择性的叙事空间寻找生活经验与文化内涵的关联，以实现解释的循环，激活主体被遗忘的生存体验。这种时序坍塌的活性审美，一方面是对“时间终结”和“差异性”的强调，另一方面则将时间转换为在线空间，将深度体验转换为感性直观，将瞬间碎片转换为召唤结构，结果便是：“现代性与后现代性时间观之间出现了裂痕和鸿沟，出现了时间链条的拆解，因此，后现代的时间是一种非时间化的拼接，是时间的终结即空间化和同态化。这一结果使得‘所指’的内在时间深度消失，而无穷并置的空间碎片即‘能指’在话语链中漂浮，这就是后现作的状态。”[8]可以说，这也就是网络文学的写作状态。

人机互动的角色表演这在网络文学创作上表现为面具表演和随机写作，在网络艺术上表现为超媒体操作的角色扮演。

网络文学的面具表演基于在线空间的匿名性。“在网上没有人知道你是一条狗”，同样，在网上也没人理会你是不是英雄。由于网络形象与生活角色的剥离和隔绝，又由于网络自身的虚拟性、平等性、兼容性，以及它非中心化、非英雄化和渎圣化的价值取向，上网者在排除了社会角色的“面具焦虑”以后，尽可以扮演自己想扮演的任何角色，实现平日里实现不了的愿望，说自己想说的任何话语，而不必顾及自己的公众形象、文学的“载道”功能和作品的艺术承担。如聊天室和BBS上的人际交流，网民一般都会匿名或化名登录，即时而又实时地交流个人的观点、感受、情感，其特点是流动性大，话题广泛，基本上不存在制约，这里只有“大师”级网虫与“蔡鸟”级网虫的区别，而没有任何等级划分。那些上网寻求情感交流的网民，往往是看谁的网名有MM的气息，就千方百计跟谁套磁，有时甚至裸、酸溜溜，文绉绉，说什么的都有。因为是虚拟空间的“面具表演”，不具现实社会的破坏性，网民在面具背后尽可以放言无忌，平等对话。

文学的随机写作是电子化角色表演的活性审美，更是对传统创作体制的彻底颠覆：它不仅绕开了文学主体在创作前的生活体察、创作中的心灵震撼和作品中的真情蕴涵，而且绕开了主体本身，让“作家”失去了饭碗，任机器和技术把创作推向了非主体化和非人化的危途。罗兰·巴特所说的“作家死了”似乎被数字化技术印证成了谶语箴言，因为没有作家同样能写作，甚至写得更快，抑或更好。计算机作画、谱曲、写诗，运用计算机机器语言、汇编语言和高级语言编制文学程序创作小说、剧本，都早已被人付诸实施。1984年，在我国首次青少年计算机程序设计竞赛中，上海育才中学年仅14岁的学生梁建章，就曾以“计算机诗词创作”获得初中组四等奖。他设计的这个诗词创作软件，收录诗词常用词汇500多个，在程序运行时，以“山、水、云、松”为题，平均不到30秒即可创作一首五言绝句，曾连续运行出诗400多首，无一重复。如其中一首名为《云松》的诗是这样的：

銮仙玉骨寒，松虬雪友繁。

大千收眼底，斯调不同凡。[9]

谁能说这不是诗呢？其绘景寓情、仙风道骨之态与诗人之诗相比亦足可乱真。

电脑程序或文学机器自动产生的“作品”，甚或艺术机器人完成的“作品”，将人机互动的活性审美推进到本体论层面，它要求我们将自己的艺术视野扩大到电脑化的人类、人工智能和机器人的创造性活动。人类所要做的便是：“把计算机所不具备的直觉、综合、机敏，甚至文艺家的灵感留给人，由人来创造性地开发各种所需的算法、模型、方法；由人来创造性享有计算机所提供的种种数据、信息和素材，帮助人克服机械记忆量有限，数字计算能力低下，空间色彩精密定位能力较弱的不足，让计算机忠实地进行着数以亿次的计算，求解繁复的微分方程和方程组，模拟无法实现或耗资巨大的过程等等。这样，人和机器就都找到了自己的位置。”[10]

超媒体操作的角色扮演是人机互动的最常见形态，在线空间的活性审美也在这里得到最生动的表现。不过这里的“角色扮演”是真正的“扮演”一个“角色”，即利用特定的应用软件，以信息转换、信息融合和信息交互为目标，将文本、图形、图像、动画、音频和视频等多种信息媒体结合起来，组成超文本和多媒体的复合体，由静态到动态、由二维到三维、由延时到实时，创造一个人机互动、声色谐和的虚拟世界。网络艺术创作的角色扮演就是基于这样的数字化平台实现艺术交互和审美互动的。如我国首部宽频网络剧《见光的爱》，剧情是讲述一个网络三角爱情故事：一对未婚男女David与Grace首先相恋，但Grace不满于David的庸俗，于是在网上爱上了青蛙王子——黑郁金香……。全片约40分钟，分4个层次、9个片断，体现了多路径、多选择、多结局的网络剧特点，可供观众自由地选择、组合剧情的发展。此外，系统播出平台还为观众提供了参与创作的接口，观众既可以对原片重新剪接或重新配音以改变剧情，也可以将自己的创作传送给播出平台以置换原有的片断。北京音像网还策划了我国第一部互动式网络电影《天使的翅膀》，网站先将故事情节在网上公布，动员网友参与从修改剧本到影片创作的每个环节，网友可以自荐当演员，影片边拍摄边播放，互联网使观众成了编剧、导演和演员。还有在成都开拍的网络原创电视剧《幸福女孩》，也采用了同样的网民参与和角色表演的方式。这种把编、导、演的主动权交给网民的做法，体现的不仅是网络活性审美艺术范式，更有后现代文化权力的变迁。

三、游戏世界的快乐审美

网络艺术的后审美范式还表现为零散化的快乐审美。杰姆逊说过，现代主义是关于焦虑的艺术，包含了各种剧烈的感情，如焦虑、孤独、无法言语的绝望等等。因为现代主义文化中的主体和自我是完整的、中心化的，具有强烈的自我意识和历史感，焦虑和孤独就是主体中心化的反应。荷尔德林、尼采的精神失常，凡·高等人的自杀，是这种反应的悲剧结果。在后现代主义条件下，主体已经非中心化和零散化了，失去了孤独和焦虑的主体本原，因而只有零散的、非中心的主体快乐的活动、快乐的审美。网络创作就是这样一种后现代的审美方式。

如果说网络的人性化体现为游戏，网络的本质属性是自由，而网络艺术的审美特征便是快乐——快乐的创作产生创作的快乐，快乐的漫游形成参与的快乐，一句话，在一个自由的世界里快乐地嬉戏，你快乐，所以我快乐，在快乐中走向艺术、走进审美，这便是网络版的后审美主义文化图景。

网上的快乐审美有这样一些常见方式：

打造时尚网络是技术的时尚，网络艺术则是数字化技术打造的文化时尚。与传统创作相比，网络创作本身就是一种时尚行为，而要想使作品成为流行的时尚，作者常常要以灵敏的感觉追逐时尚品味，引领时尚潮流，涵容时尚的新奇，在创造和品味时尚中实现快乐审美。如2001年，网上网下正流行《东北人都是活雷锋》，时值中国申办奥运成功，举国上下一片欢腾，网上立即出现《东北人都是活雷锋》的奥运版：《俺那旮旯都是奥运人》。2002年6月第17届韩日世界杯期间，足球成为最大的时尚，大小网站遍布足球“酷评”。当中国队冲击16强出线未果时，网上立即出现了戏仿任贤齐《心太软》的球评：

你总是腿太软，腿太软，／独自一个人带球到被抢，／你无缘无故地推倒那个人，／我知道你根本没好的下场。／你总是腿太软，腿太软，／把所有好球都射不进网，／头脑总是简单，配合太难，／不能出线，就别勉强。

时尚的东西流行而前卫，容易使人目迷五色、追星逐浪，但时尚追求的是热点和卖点，而不是深度和意义；它溅起的可能是时代激流的一团飞沫，而未必是能够长留青史的永恒价值。一些网络成名之迅速与流芳之短暂成正比，不能不说是追逐时尚之过。

对眼跟贴跟贴在网上一直非常流行，在聊天室、BBS、讨论区、论坛、新闻组、留言薄等，都有跟贴。跟贴的前提是“对眼”，即对话题或观点产生共鸣，能调动起与之交流的兴趣，能让网友从跟贴中找到快乐。小说《风中玫瑰》所演绎的柏拉图式的爱情故事，就是由风中玫瑰主讲、众多网友跟贴完成的。跟贴属于应和性文本，有人依据不同跟贴者的风格将其区分为“小资一族”、“板砖一族”、“白雪一族”、“洋文一族”、“阿谀一族”、“灌水一族”等。下面这种跟贴大抵就属于“小资一族”：

原贴：走自己的路，让别人说去吧！

跟贴一：走别人的路，让自己说去吧！

跟贴二：码自己的字，让别人去做CEO吧！

跟贴三：说别人的话，让自己流行吧！

跟贴文字是一种抖机灵儿文体，它能酿造某种特定氛围激活语言灵感，激发幻想空间，诱使网友多角度开掘话题，共同打造出快乐文本。

以“名”惊人这在网络文学上表现最为明显，网络文学是“眼球文学”、“注意力文学”，所以上网闯荡首先要取个好名字。网络邢育森在《网络文学攻关秘籍》中曾把“起名功”摆在第一位，他说：“好的名字可以一鸣惊人，可以艳惊四座，也可以让人呕吐不止，在注意力年代，这就是你最大的财富。随随便便起个猫三狗四的平庸名字是很不负责任的，你对自己的要求一定要严格些。你可以找两本形象设计的书来读读，或者找本武侠名著把自己套进某一个人物模式，或者玩酷，或者装傻，或者痴情，或者暴烈，总之定位要准确，形象要鲜明。你要考虑到面向的潜在读者群，你要想那些少男少女们需要什么样的口号和代言人，你不妨就用自己的名字给他们以安慰和满足。你切不可以羞羞答答、遮遮掩掩，有什么好的创意策划你就使劲地往网上扔，诸如血腥玛丽、狂野情人、傻大帽、来吻斯鸡等名字都是值得考虑的。”[11]除了登录上网的网名外，还需要有一个诱人的作品题目。题目的新、奇、怪常常会产生魅惑力和想象力，调起网民的口味和兴趣，增加作品的点击率。如《劝儿子当野兽》、《苍蝇的爱情》、《蚊子的遗书》、《聊天室泡妞不完全手册》、《性感时代的小饭馆》等作品不仅点击率高，而且都成为网络获奖之作，与它们有特色的名字不无关系。邢育森就曾说，他把原名为《我的故乡》的作品更名为《那个使我第一次失去了初吻的地方》，将《春天的故事》改成《美丽母猫在屋顶叫春的时候》，使作品以“名”惊人，夺人魂魄，刺人心扉，不看都不行。这正是由于网络世界的消费式阅读和快乐审美决定的。

戏弄经典嘲讽神圣、戏弄经典、调侃崇高，是网上作品特别是网络文学平民姿态的必然反应，也是网络快乐审美的主要手段和价值取向。拿经典开涮，在名人身上找乐，或戏仿历史典故，在网上作品中占了相当大的比例。今何在的《悟空传》一炮走红后，众多古代文学名著及其名著中的人物都在网络原创文学中被改写、被戏仿；老谷的《我爱上那个坐怀不乱的女子》获首届网络原创文学奖后，网上马上出现了《CEO李煜的悲惨世界》、《蒋干盗书》、《新编〈蒋干过江请凤雏〉》、《鼓曲版〈俞白牙摔琴谢知音〉》等众多戏弄经典的作品。

总之，虚拟实在的符号审美，在线空间的活性审美，以及游戏世界的快乐审美，就是网络艺术基于后现代话语逻辑，向我们不断演绎的数字化时代的后审美主义艺术图景，也是在后现代文化背景中形成的日渐显露出的网络审美范式。

【参考文献】

[1]Poster,M.,(ed),JeanBaudrillard.SelectedWritings,Stanford[M].StanfordUniversityPress,1988.147.

[2]（法）马可·第亚尼.非物质社会——后工业世界的设计、文化与技术[M].成都：四川人民出版社，1998.161.

[3]虚拟明星——奇兵突降娱乐圈[N].中国电影报，2001-11-29.

[4]曾建超，徐光佑.虚拟现实技术的发展现状与趋势[J].PCWORLDCHINA,1995,(12).

[5]黄鸣奋.电脑艺术学[M].上海：学林出版社，1998.218.

[6]（美）弗·杰姆逊.后现代主义和文化理论[M].西安：陕西师范大学出版社，1986.187.

[7]（美）尼葛洛庞帝.数字化生存[M].海口：海南出版社，1997.261.

[8]王岳川.后现代语境中的中国文艺问题反思[J].复印报刊资料：文艺理论，2001,(7).

[9]张寿萱，等.中文信息的计算机处理[M].北京：宇航出版社，1984.264.

第11篇

1.注重发散性思维

注重发散性思维是艺术创作应当具备的特征之一，因为艺术创造不是工业产品，不能局限在固定模式中，没有可以套用的思维模式，这也为艺术创造提供了足够的空间，而发散性思维是利用这一空间的重要方法。发散性思维要求设计师不受传统管理方式或模式的束缚，从不同角度和途径进行创新，将以往那种单一的管理模式转变为多元化的方式，从而让自己的工作兴趣得到激发，创造出更加具有艺术感的作品。

2.注重创造性思维的发展变化

注重创造性思维的发展变化强调现代工艺美术设计是动态发展的，而不是静止不变的东西。工艺美术设计的作品会因为设计师的不同而不同，这是因为他们个性的不同而形成的。工艺美术设计的多元化也反映了艺术作品的丰富，这对艺术发展而言极为有利。创造性思维的发展变化强调设计师创造性和发散性思维的利用，对思维定势持否定态度，所以设计师要注重对自身思维变化规律的把握，从动态发展中利用自己的思维能力，实现自身创新能力的发挥。

3.强调现代信息科技的运用

随着科技的发展，大量信息元素运用于现代工艺美术设计中也成为工艺美术的一大特征，并且为了工艺美术的进一步推广和传播，现代信息科技越来越受到强调。目前，使用十分广泛的Photoshop就是其中的代表，它大大简化了设计人员的操作流程，可以让他们把精力投入工艺美术的创新工作。另一方面，工艺美术信息化也是其一大趋势，所以，要想实现现代工艺美术作品的进一步创造，必须熟练掌握计算机技术，大量采用信息材料和资源。

二、现代工艺美术设计的主要着力点

1.创造性的艺术构思是现代工艺美术设计的首要环节

创造性的艺术构思是实现工艺美术设计的指导思想，一个形象的孕育必须在艺术构思中进行，这就对设计师提出了很多要求：第一，必须对思想文化的新方向给予关注，这样才能萌发新的思想观念，创造出更具创新性的作品；第二，充分利用网络信息技术创新理念，注重各事物之间的内在联系，充分利用隐喻、联想、暗示等手法，提高自身的艺术修养和知识积累；第三，设计作品要向民族性、时代性方向发展，并且以时代性为主轴，与民族性紧密结合，满足现代人们的审美需求；第四，突破对传统的模仿，注重自身对世界的独特领悟，向更加多元化的审美思想、价值取向方向前进。创造性的艺术构思强调在设计中要关注各种风格，避免过多的修饰，充分显示艺术作品的简洁性和概括性，体现时代和科技的发展。设计师的观念也要具备动态发展的特征，从而提高艺术作品的生命力和表现力。艺术世界包括微观和宏观，这都需要设计师对其进行捕捉，将美学和艺术完美结合。

2.双重性是现代工艺美术设计的发展方向

现代工艺美术设计除了要具备观赏性之外，实用性也是其主要要求。如，在市场中的家具或者工艺装饰品可能具备比较高的观赏价值，但是如果其没有具备较高的实用性，同样会遭到冷遇。因此，双重性成为现代工艺美术设计的发展方向。双重性是指工艺美术设计既要体现设计师的个性，又要满足使用者的要求，必须从二者的共性出发进行考虑，达到协调一致的效果。随着人们审美和使用要求的提高，设计师在设计中不仅要充分展示自己的艺术个性，而且要充分考虑人们的需求，对工艺进行创新。上文提到的以主动性管理为中心、注重发散性思维、注重创造性思维的发展变化、强调现代信息科技的运用等工艺美术设计创造特征，就是现代工艺美术设计双重性的具体表现，也是双重性得以实现的基本要求。

三、结语

第12篇

关键词：电影，美术，色彩设计

一、引言

随着数字化时代的到来，数字视觉开始越来越多地应用到影视制作当中，传统电影美术的制作方式和创作观念受到前所未有的冲击，并且，随着视觉类型电影制作方式的日益完善，传统电影美术与数字化电影美术的历史性跨越日益显著。电影美术作为电影主创之一，就其本质而言是造型艺术的一种，但从时空角度来看，电影美术不是瞬间摄取的静态造型艺术，而是运动着的立体造型艺术。

二、电影美术的内涵

电影美术是指在文学剧本的基础上，对影片的可视化形象进行创作的造型艺术。电影美术主要是通过影片总体造型设计、场景空间设计、人物造型设计等方面来表达逻辑思维进而实现形象思维，它直接决定了一部影视作品的美学表达与艺术内涵，对影视作品的造型起着决定性作用与影响。虽然，电影美术是与自己的母体美术是紧密联系在一起的，但是美术和电影在本质上是完全不同的艺术，具有不同的艺术形态。美术的艺术形态特征是物质媒介的二维或三维的空间性，电影则是时空艺术，它的形态特征是既有空间维上的造型性，又有时间维上的运动过程。美术不受物质世界的时间性约束，电影则兼有空间的二维性和时间的一维性。

三．电影美术的创作要素

电影美术是专门为影片造型进行设计和制作的一种美术创作，直接影响影片的艺术水准的成功与否。wWW.133229.coM电影美术不同于一般绘画创作，美术一进入电影就改变了它原来那种独立创作的特点，而使自己成为电影这一综合艺术的重要部门。电影美术创作的过程涵盖场景设计、环境与个性的设置、气氛的营造和影调及色调的确定。

首先，电影美术师应该与摄影、演员等共同合作在电影导演的总体构思下，完成影片的造型表现。在设计构思阶段，电影美术师要寻求一种途径，一种方法和形式，最完美地将剧本中的抽象文字和导演的意念化的构思，转化为具体的形象表现出来的人，并且与导演、摄影等创作人员共同完成最终银幕空间形象化的影象。其次，电影美术师应该设计和制作出符合电影主题，具有生活气息、有时代特征的景、物和人，以使电影艺术产生情景交融的艺术效果。电影美术设计为人物的行为提供“典型环境”，交代故事发生的年代、地点、时间，也能在一定程度上体现人物的身份、职业、性格和思想，显示一定的个性、习惯和爱好。当然，电影的美术造型是必不可缺的，影片中景物的个性源于两个条件：人物个性和所处的规定情境及创作者的选景态度，即怎样使它以最有力的影像浮现在银幕上去感知于观众。再次，电影美术师应该营造良好的氛围来凸显电影的主题。氛围是特定生活中弥漫于人们周围特定的空气状态，在表现银幕气氛中起着重要的作用。气氛相对环境而言是更重要的，环境只能客观地表示剧中人的所在地，却不能表现当时剧中人的心情变化，而气氛则尤能反映和烘托人物心情的变化。最后，光和色是电影造型中极重要的元素和手段。光与色是在影片的时空流动中展现其生命，并以个性显示影片造型所表达的情绪、意境和风格。影调和色调和影片的样式是密切相关的，是其具体造型的体现，当美术师出于对未来影片样式的理解，试图寻求影片造型的整体基调时，他必然思考这两方面的问题，也必须对这两方面作出艺术的安排。

四、以《英雄》为例探讨电影美术的色彩设计

随着数字时代的到来，视觉型影视越来越受到观众的喜欢，在未来的影片中，美术师首先接触到的就是色彩和色调问题，他要从影片整体造型角度处置色彩使其整体上和谐统一。影片的基本色调本身就具有意义，影片的色彩也就是贯串全片的线索，下面以张艺谋导演深入人心的《英雄》来侧重探讨电影美术的色彩设计。

《英雄》影片中人物服装色彩设置上就独具匠心。秦王在影片中自始至终是单一的深重黑色，与秦王宫殿铁黑色调浑然一体。无名穿着黑装依照秦国律例至秦宫殿受封奖，与秦王“十步”之距对饮，秦王、无名、长空、秦剑客等服色在黑色纯度和亮度的设计上则依次由深重至浅淡，这种构成符合秦尚黑，并寓意黑的权威和政治影响，也暗示一种对秦政的不满与反抗。残剑、飞雪、如月的衣装色彩纯度高、色泽鲜亮，质体轻薄，虽靓丽飘逸却敌不过黑奋的威重力量。除了黑色，《英雄》中还有其他多种色彩表现。在《英雄》中，无名给秦王编造的残剑飞雪故事的基调是红色的，反映出无名潜意识中刺秦的激情，他那冷静的外表下掩盖着报仇的血性和血气，想象中即将出现的刺秦场面使无名眼中的世界充满了鲜红的像血一样浓烈的色彩，此时秦王眼中和无名看到的色调是一样的，充满了血红的仇恨和杀气。而当秦王发现了无名的真实意图时，他想象中的一切都笼盖上了寂静的蓝色，因为他所面临的绝境使他不得不极力使自己镇静下来，用理性和智慧来超越对死亡的恐惧。残剑给无名讲述的故事时，柔和的绿色成为叙述的基调，一方面它展示了残剑给无名讲述时那种超脱仇恨，回归到宁静、博爱、真朴的心境，另一方面也反映了无名向秦王转述时悟出的那种渴望和平，不要战争的心态。

总之，电影《英雄》是一部由红、蓝、白、绿、黑等多种色调来讲述的故事，它的情节的感人之处不在于故事的大起大落，而在其细节的精致和典丽，色彩和画面的视觉统一在《英雄》中得到了淋漓尽致的表现。

五、结语

总之，色彩在影片中，不仅是纯粹电影化的造型手段，而且还要构成电影的视觉语言形态，只有当色彩融合在影片剧作之中，形成电影剧作的色彩结构，并且本身成为剧作内容，色彩与影片的关系才达到了“化”的境界，电影色彩的意义也才能真正得以体现，色彩在影片中的生命品质才能得以存在。一直以来，影视艺术都是人们生活中不可缺少的艺术形式，随着科技的发展，影视艺术逐渐成为一道亮丽的艺术风景，当然影视在我国的迅速发展离不开影视美术的重要贡献，更离不开众多的幕后影视美术工作人员，影视和美术的紧密结合必将带动影视产业和美术艺术形式的绚烂盛开。

参考文献：

[1] 金海靖.论中国新武侠电影的美术设计[j].北京电影学院学报.2005,(04)

[2] 宋军.浅谈电影美术[j].电影评价.2006,(10)

第13篇

目前，固有的艺术教学体系已经无法适应现代高校教学的要求，阻碍了高校艺术设计教育的发展。具体表现在以下几个方面：一是缺乏科学的专业论证。一些高校盲目跟风，在没有经过科学论证的情况下盲目扩大招生规模，忽视了高校自身办学条件等因素。二是缺乏高水平的配套教材。当前，高校艺术设计教材内容主要集中在软件应用方面，内容讲解不具体，缺乏针对性。多学科交叉的学科性质对艺术设计教学提出了更高的要求，再加上多媒体技术的快速发展，电脑软件更新频繁，不少高校缺乏配套教材，影响了高校艺术设计的教学效率。三是缺乏灵活的教学方法。在当前高校艺术设计教学中，由于受固有教育教学方式的影响较深，一些教师仍然采用说教式教学方法，无法取得良好的课堂教学效果，影响了学生的学习质量。

二、数字媒体时代艺术设计教育水平提升策略

教师应该全面分析数字媒体时代下的艺术设计教育，以培养高校学生的创造力为主，注重创新教学方法，从而构建与就业方向相适应的艺术设计课程教学体系。

1.采用互动式教学方法，充分调动学生的学习热情

在数字时代下，艺术设计教育的明显特征在于能够将文字、图片和文字有效组合在一起，使用良好的表现形式展现一些特定的艺术设计教学内容。这样不仅能够丰富高校艺术设计课堂的教学方法，而且有利于教师将教学内容与学生的实际情况结合起来，采用最合理的课堂教学方法，从而有效提高课堂艺术设计的教学水平。在数字媒体时代，视听合理结合在一起，图文并茂、视听兼备，艺术设计的整个课堂教学结构将会更加清晰，课堂教学氛围将会更加活跃。这能改变学生被动学习的局面，体现出学生课堂学习的主体性，从而充分调动学生的学习热情。同时，利用数字网络进行教学，教师可以将课堂教学活动延伸到互联网上，在一定程度上延伸和扩展艺术设计专业学生的学习空间。这样不仅能够改变艺术设计专业学生知识学习被动接受的局面，充分体现学生课堂学习的主体性，而且有利于充分调动学生的学习热情。

2.建立与就业方向结合的课程体系，提高艺术设计专业学生的就业适应性

艺术设计具有跨学科属性。因此，针对一些院校艺术设计专业课程学时少、内容多、生源差的情况，可以让学生选择一些艺术设计通识课程，要求学生全面掌握艺术设计专业的基础知识。这样做的主要原因包括：一是要求艺术设计专业学生掌握通识知识，能够为之后的艺术设计专业课程奠定良好的基础；二是能够引导学生进一步明确专业学习方向，这样有利于学生根据自己的兴趣爱好选择喜欢从事的工作。因此，针对艺术设计专业高年级的学生，教师可以根据本校的实际情况，合理设置艺术设计系列课程，方便不同兴趣爱好的学生根据自己的就业取向进行选修。其中，针对艺术设计专业课程的具体设置，应该根据市场需求和艺术产业发展的要求，结合学校专业课程的拓展，设置一些相应的选修课程，如平面设计选修模块、三维设计选修模块等。同时，由于在不断变化的社会环境中，市场对艺术设计职业的需求量并不确定，再加上数字媒体时代信息技术水平的不断提高，各个企业的用人标准不断提高，所以各个学校还应该根据实际情况合理调整艺术设计教育的教学方法。此外，各个院校应最大限度地扩大艺术设计专业的覆盖面，满足不同岗位的要求，尽可能地设置更具深度和广度的专业课程，有效提高艺术设计专业学生的就业适应性，以便更好地应对当前社会环境下的就业压力。

3.建立校企合作下的实践教学体系，培养更多应用型人才

在数字媒体时代，艺术设计专业教学要重视实践课程，注重培养应用型高技能人才。为了避免艺术设计专业毕业生在工作岗位上出现被动应付的局面，还应该加强与企业之间的合作交流，将企业的需求合理纳入院校实践教学体系。其中，通过开展商业项目设计，为学生提供更多的锻炼机会，能够让学生更好地将自己所学到的知识点融入工作。在条件允许的情况下，通过开展校企合作，实施一系列富有特色的实践活动，有效提高艺术设计专业学生的专业素养和创新实践能力，为学生更好地适应工作岗位要求打下坚实的基础。

三、结语

第14篇

（一）数字媒体环境下，艺术设计的一个重要特征是互动性

互动指的一种相互使彼此发生作用或者变化的过程。传统艺术设计互动指的是艺术设计者和制造者以及使用者之间的互动，媒体主要是两者互动的一个中介，只是传输信息，所以制造者或者使用者被动接受艺术设计作品，此种互动带来的相互作用和变化很小。可是在数字媒体环境下，数字技术以及数字媒体自身就具备交互性，拓展了人与人之间的互动，发展成为人-机-人、人-物-人等不同形式的互动。多种互动方式突破了传统媒体下的互动方式，促使艺术设计者和制造者或者使用者之间的互动转变为“艺术设计者-作品-制造者或者使用者“之间的互动，制造者和使用者不再被动的接受艺术作品，而是主动参与到艺术作品创作中，主要是通过反馈的形式参与作品的创作。此种互动转变了制造者或者使用者的角色，他们的参与也增加了艺术设计者的灵感，促使艺术作品更加完美，更具实用性和艺术性。

（二）数字媒体环境下视觉传达的艺术设计形式和内容更加广泛

视觉传达设计是利用视觉媒体表现并传达给观众的设计，在艺术设计中占有重要位置。因为视觉传达主要是传达信息，因此媒体和视觉传达设计之间是互动的，媒体可以体现出设计，也限制了设计；设计受限于媒体，也推动了新媒体的产生。数字媒体和传统媒体是不同的，转变了传统媒体的视觉传达形式，拓展了视觉传达设计的内容，由单一媒体的视觉传达转变为多媒体的视觉传达，由静态化的视觉传达转变为动态化的视觉传达，由二维平面的视觉传达转变为三位视觉传达，甚至四维视觉传达，由印刷设计产品转变为虚拟平台的产品。数字媒体和传统媒体相比获得了很大的发展，促使艺术设计发展到超越时空的创作思考领域，新媒体的数字化特点可以简便改写或者决定新的表达方式。此外，多样性的数字媒体更加完整的传达和呈现了创作者的观念想法以及情感。

（三）数字媒体环境下，多样化的艺术设计手段提供了新的艺术设计思维

艺术设计的出发点是艺术，可是艺术设计也会接触到技术问题。传统艺术设计主要以手工书写或者绘制的方式完成艺术设计，此项工程是巨大的，需要长期完成。在进行设计时，各种设计工具和繁琐的创作程序，此外手工书写速度较慢等都会限制艺术设计者的创作思维。可是在数字媒体环境下，各种新技术不断出现，例如虚拟技术等，这些技术都广泛应用于艺术设计，促使艺术设计得到了跨越式发展，也解放了艺术设计者的思维。”所见即所得”的方式促使艺术设计人员的思维任意游历于各种和创作主题有关的虚拟情景中，然后找准创作点进行创作，创作出具有创新性和个性的艺术作品。数字媒体大大提高了艺术设计的手段，也为艺术设计人员提供了新的创作思维。

二、数字媒体环境下艺术设计的思考

第15篇

1.1互动式设计

新媒体时代下，人与人之间的信息交流更为便捷，每一天，人们都在用自己的感官体验同身边的事物进行互动交流.交互设计是近些年在设计界提出的较热门的设计理念，它多用于产品设计，以人与产品的互动为主，旨在让顾客有效而愉悦的使用产品.目前，互动式设计在新媒体领域的运用越来越广泛，如网页界面的图标设计、网页广告互动等，在街头也有很多广告融入各种媒体技术，集声、像、互动于一体，表现出其震撼的广告效果，加多宝自动售货机，只要路人在其机器前大喊一声“过年来罐加多宝！”声音的分贝数达到售货机的标准，加多宝售货机就会自动掉下一罐加多宝.这种通过互动就能得到奖励的广告吸引了围观的路人，一罐饮料可以换来那么多行人的关注，其广告效果成几何倍数增长.得到很多群众的赞叹：竟然有如此有创意的宣传方法.这个有趣诙谐的创意来自于澳大利亚的“人体实验自动贩卖机”，在参与者按照机器的指示操作之后，就可以获得薯片.自然的将广告融入生活，吸引顾客与其互动，在引起顾客兴趣的同时起到了宣传的作用，这就是互动式设计的魅力所在.

1.2数字媒体互动式海报设计

互动式设计追求视觉表现和传播方式上与人的互动关系，这种“互动”将成为当代海报吸引人群的关键.而传统海报主要是以平面的二维方式展示，大众看来，传统海报是静态的、简单的、二维平面的，不易联想到其动态效果.因此如何将二维静态的平面海报转化为能和观众互动的动态形式，是设计者首要解决的问题.互动式海报不是“呆板”的陈列品，它不仅仅是单方面的去陈述，而是通过从图形、文字、色彩等编排，将原来二维转向三维甚至四维，再结合不同的材质及人的听觉、嗅觉、触觉等，使人和海报产出互动和交流.而传统的艺术设计平面海报作品是运用图形设计元素来传达信息，这种信息是从一个方向传达出的，由图形本身来告诉给观众，观众只会被动的接受这些信息.这种平面的展示效果，不能同观众互动交流，其传达效果就会弱化很多.海报仅仅贴在墙上所获得的注意度不高，很难吸引观众；平面型海报单方面的去表达情感信息，不一定能引起观众共鸣，容易被人遗忘；平面海报只能对某一地点某些受众有作用，在发展上有局限性.这种单一的海报作品已跟不上时代的需求和人的感官体验.由巴西声乐公司制作的《互动声音海报》，海报中心图标表示此款海报能发出的声音.其海报材质就是电影后期特殊配音材质.普通人也许不了解电影电视音效的制作，这一系列海报让观众了解到部分音乐制作过程.使观众在触碰的同时把听觉也融入其中，打破传统平面广告单一靠视觉传达的局限性，使海报的信息传递手段由生理感受上的被动接收转向满足心理感知的主动获取的层面.

2互动式海报设计的特点

2.1感官性

现代社会人们在无形中已接受了各种形形的信息，因此，一般的传统平面海报已不能给受众带来感官上的刺激以留下深刻印象.平面海报主要通过对作品的空间认知、材料运用、造型肌理等元素实现对观众感官上的刺激，达到其表现的主题.国产惊悚悬疑电影《林妹妹》，首次使用了互动式电影海报，开创了国内运用互动式海报设计的先例.画面中出现的是男主角，毫无表情的脸隐藏在黑暗当中，背景音乐若有若无，搭配上时而一闪而过的光效，当参与者使用鼠标翻转拼图，拼图下若隐若现一张女人的脸孔，整张海报惊悚恐怖的气氛让人不寒而栗.海报通过恐怖的音效和诡异的气氛体现出影片中人与人之间的复杂关系.英国广播公司（BBC）的年度海报设计，其巧妙地将海报一分为二，贴在墙面的拐角处，人们在墙的一边只能看到海报的一部分，一眼看上去并不能看清楚整张海报，也就无法得知海报上全部信息，观众会用一种疑问的眼光来审视它，而当人们转过路口后心中的疑问便豁然开朗：“SEEBOTHSIDESOFTHESTORY”，译为片面的看待事物会影响人们正确的判断与理解，BBC的责任就是为观众提供全面的报道，这种展示是通过这个转角完美的表达出来.

2.2参与性

观众与作品互动产生的情趣表现也反映出人们的爱好、需求和价值观等.互动式海报站在观众角度，将感受、互动过程作为设计表现方式,它满足了参与者在接收信息的过程中选择与参与的互动愿望.看重与观众的情感交流，在引导参与者的过程中发挥感染力和影响力，然后引起参与者的共鸣.《接吻互动海报》由日本某大学的设计团队制作，当你亲吻海报上的女主角时，女生就会做出例如脸红的反应.事实上的，海报是通过探测参与者头部与海报距离的感应机器来实现互动，当参与者与海报非常接近时，海报就会将预先设置的图片切换过来.这种简单的设置，引导参与者去理解“爱”的主题，从一个良好的互动沟通，达到海报传播某种信息的目的，比平面海报更打动人.麦当劳户外拼图游戏海报，参与者要通过拼图才能复原海报原貌，激发路人的参与感，从而注意到海报宣传的产品.《解码》互动海报实验，来自荷兰设计师Trapped.原有的海报内容隐藏在白纸之下，由行人自己去撕开上面的障碍，才能品味到下面的秘密.

2.3娱乐性

互动式海报的娱乐性是通过设计师的设计指引，实现观众与海报互动，旨在过程的有趣体验，使观众的大脑在体验中保存了这段记忆，达到了更好的传播效果.互动式海报以游戏的方式出现在海报中，参与者有选择的进行观看和互动，通过诙谐的娱乐效果对受众产生吸引力.《生肖鼠》使海报与包装融为一体.这个作品展开为海报，按要求折叠后变为生肖玩具形象的复合形态.通过有趣味性的折叠过程，实现了二维与三维形态的转换.大众在折叠过程中品味到了中国传统的“年”文化的乐趣.该组海报还设计了包装的延伸产品，如把海报拆成贺卡、说明书等.折叠，拆分等手法体现出后现代设计的游戏心理，更贴近时代.趣味瑜伽互动式海报体现了以柔韧性为主的瑜伽运动.在这一系列广告海报中，当路人将海报抚平时出现的是运动中的人们，接着以海报的垂坠感顺势通过瑜伽动作来体现瑜伽过程中人体惊人的柔韧性.无独有偶，海报按照人们平常运动时手指在各种不同的运动身器材上的位置留出了圆孔，受众出于好奇而在不自觉中完成了健身的动作，也理解了海报中的巧妙构思———“健身其实十分轻松”.这种互动式的海报更符合新媒体时代下人们的心理需求，参与者在与海报互动的过程中感受到乐趣，并轻松接收海报中的信息.

2.4主动性

互动式海报与周边路人主动互动交流，人也能成为海报的一部分，从而在过程中诠释海报的真正意图.《灵感来了》是一系列表达灵感类主题的路牌招贴，独特之处在于海报中装置了电灯泡，每当电灯泡下有路人经过就会被感应到.当路人行走到灯泡下面时灯泡就会发光.用诙谐可爱的方法主动与路人互动并使其领悟到海报中的信息.是某音乐网站的车站海报，海报中有一个黑色的圆形图案，当等车的路人坐在海报前，就会在无意中与海报融为一体，黑色的图形很快使某个路人成为有着“爆炸头”型的潮人，显示出海报中黑人音乐的主题.

3数字媒体互动式海报设计的发展

新媒体时代数字化交互的性质是互动式海报发展的前提.当代互动式海报设计虽然处于萌芽状态，但随着我国互动式产品设计的推广，互动式海报的感官性、参与性、娱乐性和主动性将在海报广告设计中得到充分的利用.数字媒体时代下互动式海报的优势就在于交互性，摆脱单方面的传递信息，用新颖的表现形式吸引参与者的注意力，在参与过程中加深受众对相关信息的理解.随着新媒体时代数字化的发展，互动式海报设计将加快与传统平面海报的融合，成为海报设计的主流.

4结语