钢琴艺术论文范文
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第1篇
加强学生音乐素养的培养，不断的增强演奏者的音乐感染力和表现欲望
教学实践中，我们会发现就算是一些演奏者自身的演奏技法存在着一些问题，哪怕是背谱方面的一些问题，仍然不影响演奏者充满信心的完成整个演奏过程。这主要和和演奏者音乐感染力和音乐表现力有着很大的关系。
演奏者在进行演奏的过程中比较喜欢自己的音乐，往往会被自己的音乐所打动，所以在进行演奏的过程中演奏者有信心去打动别人，所以不管是演奏者在技术上出现了什么问题都可以很好的给予应对。这种心理对于演奏者自身的鼓舞是十分巨大的，这足够使得演奏者可以克服很多困难，从而全神贯注的进行演奏，获得很好的演奏效果。
另外，老师在教学的过程中也要对演奏者的音乐素养进行一定的培养。对学生在进行演奏前的音乐情绪进行指导，指导学生在演奏之前深刻的领悟和体会音乐所创造的时代背景，让学生能够在对音乐的背景进行把握的前提下，注重在不同场地发声进行必要的调整。所以对于演奏者而言要多听一些音乐会，多去体会发声问题在不同场合的调整，进而让自己能够得到很好的提升。
培养学生在进行演奏过程中的心理素质，特别是演奏者临场的素质
学生良好的心理素质是建立在自身思维技巧的基础之上的。学生在进行演奏的时候有时会受到思想懒散的影响，因此会出现手指和大脑经常协调不一致的情况，此时的弹奏往往就成了仅仅依靠机械动作进行的弹奏，所以作为演奏者应当尽力的做到让思想走在动作的前面，这样才能演奏出发自内心的钢琴歌曲。
同时老师要帮助学生临床自我暗示的习惯。在学生进行练琴的时候老师就应当要求学生认真的背诵乐谱，增强对于音乐的准备程度，这可以在很大程度上增强学生的演奏自信。
在演奏的过程中，让学生保持放松的心态也十分的重要。比如学生在进行快速乐曲的弹奏过程中，应当让自己的呼吸尽力的放松和平稳，这是一种比较重要的心理暗示，能够帮助学生放缓自己的心态。另外，音乐的强弱本身也起着一种重要的调解作用，即使是同一首音乐也有欢快和平缓的时候，这可以给予演奏者内心起到一定的调解作用，从而做到松弛有度，这同样是一种十分重要的调解方式。
小结
第2篇
关键词：钢琴艺术论文
舒曼钢琴曲《蝴蝶》的浪漫主义特征
引 言：舒曼的浪漫主义在其一生的作品中体现的淋漓尽致，人生丰富的阅历使得舒曼对当时音乐界腐朽、狭隘的世俗风气非常愤慨，舒曼生活经验及情绪化性格直接影响了他的音乐创作。舒曼的钢琴作品，使用了快速和弦节奏、非比寻常的踏板节奏、切分及交汇节奏、多重变化的伴奏音等。因此，舒曼的钢琴作品演绎起来是有难度的。
本次以代表作之一《蝴蝶》来进行研究分析，作品表现出的音乐特点及包含的情感，以及可以帮助演奏者技术提高的方法。
一、舒曼和他的《蝴蝶》
罗伯特·舒曼出生于1810年，在十九世纪成为以浪漫主义为特色的杰出钢
琴家代表之一。从小受到家庭氛围的熏陶，舒曼对文艺有着相当浓厚的兴趣，并是个天赋异禀的孩子。到了少年，因为家庭的变故，使他一度不愿接触外界，封闭自己，在后来的作品中，也能体现出这方面的情感。由于母亲让他专攻法律，大学期的舒曼痛苦不堪，一心只想着音乐道路的舒曼，毅然的放弃了法律这条道路，因为疯狂的练习指法，最后使得右手手指受到严重损伤，无法继续演奏，但这并没有磨灭掉他的音乐梦想，他继续在作曲的道路上前行着。
早年，舒曼不断专研、独立创新了弹奏手法，形成了钢琴套曲的新型指法。
舒曼在20岁时，为了《年少气盛》的最后篇章的假面舞会，创造了《蝴蝶》，它旋律生动，标题性强，给人们带来一种特定的意境，更好的去理解作品。将作品和舒曼的经历相结合可以发现，蝴蝶不仅代表假面舞会中的蝴蝶面具，还代表着舞会结束后，在黑暗中消失的蝴蝶。全曲由一个6小节序曲和12段小曲构成，每个标题都运用其特有的含义进行诠释，展现了假面舞会炫目的场景及不同人物的不同性格及心理表现。
二、《蝴蝶》演奏特征和技巧分析
引子。乐曲开始部分为我们描绘了舞会即将开始的画面，舞会准备就绪，这部分内容由疑问方式开始，上行琶音一气呵成。利用每个音符吊起人们的好奇心。
化装舞会。第一部分的形式是以D大调为音调隐性诠释，它融会贯通了整首音乐。旋律优美而轻柔，是非常具有特点的圆舞曲风格。八度音的连绵不绝，灵动的表现了一个宫廷舞会的繁华氛围。
瓦尔特。第二部分的形式主要采取2/4拍。演奏以E大调为主，演奏者双手并列扬起快速弹奏琶音，此处应当留心的是重量要放在指尖，然后将指尖贴键演奏，让手指可以更好的触碰键盘，双手往下替换八度进行演奏，表现出豪迈、自由的音乐理念，这时，应当运用肘部和手腕的力量，让指尖力量集中在一点，迅速按键，达到集中且透明的音质效果。
乌尔特。第三部分形式是十九世纪欧洲宫廷的木鞋舞蹈，演奏者在弹奏时应当使用对位法，双手进行交替八度演奏，再现乌尔特成熟稳重的气质。首先演奏者的低音处理时，整个手臂、手腕和指尖都要成为一个整体，同时垂直落键，应有弹性，不可以僵硬，这样才可使旋律保持流畅。
假面。第四部分形式是再现三部曲风格，描述了带着假面的两兄弟另一面的性格，音律轻柔羞涩，还显柔和。所以演奏者演奏时应当将整个手臂动作放轻松，柔缓的进行弹奏，保持指尖与键盘的亲密接触，这样才可使音色更为柔和。
维娜。第五部分形式依旧沿用再现三部曲风格，展现维娜出现时惊艳四座的形象，维娜和瓦尔特一见钟情，音律中采用了柔情蜜意的风格进行描绘，使人充满遐想，和弦和抒情性的音律营造出明显对比，这段曲调在弹奏时一但不注意声音的层次，就控制不好演奏时的爆发力和反弹力。
乌尔特之舞。第六部分形式采用了回旋曲曲风。主音调是F大调，是一首具有阳刚之气的曲风，刻画了乌尔特勇敢、正直的形象。所以演奏者在联奏前7小节两个和弦时，要一气呵成，到第一个和弦后，手指要沿着键盘顺下来，紧连第二个和弦，踏板处应落在重音处，到低音部放开，弹奏八分音符时要利用臂膀力量，用身体带动，将力量快速传递到下一个音符上。
交换假面。第七部分形式采用弱音控制，描述了瓦尔特接受了乌尔特的拜托，与之交换面具。展现出迷蒙且美妙的音色。
招认。第八部分形式采用了玛祖卡节奏的特色，描述了乌尔特和维娜共舞后的矛盾心理，因为维娜爱着的是瓦尔特。曲风在此时浑厚且有爆发力，这时手臂力量要将腕和指尖固定好，使两端的高低音适量。
匆忙。第九部分形式采用了降B小调，描述了两兄弟快速互换假面及服装的场景。音调在各音节中行走，所以，演奏者要弹奏出音乐的呼应感，这时可以利用腕部力量，使音律具有爆发力。
卸妆。第十部分形式采用了C大调。描述了假面舞会结束后大家以真实面目示人的场景。此处运用了激昂和婉转的两种情绪冲突。
回家。第十一部分形式采用了D大调，描述了夜幕降临后的人们相继离场的情景。此处演奏者可以运用无声换指连接，有层次的、幽默诙谐的将情景表现出来。
第3篇
舒伯特艺术歌曲的创作，经历了三个不同的阶段，但是每一个阶段都是以不同阶段所在时期的背景作为创作的基础，创作的角度也是多种多样的。无论是描绘爱情的作品还是描绘大自然风光的作品，都体现出千变万化的特点，所以也就导致了歌曲的伴奏曲创作是不能一簇而就的。要针对每一首歌曲的整体特点，创作出适合歌曲的伴奏曲，所以在伴奏曲的创作上，首先是对歌曲的整体把握，深入的了解歌曲所表现的情感以及表达的思想，才能创作出好的伴奏曲，帮助演唱者理解歌曲。从舒伯特的艺术歌曲中能够看到，它的整体的创作风格是全面的。从声音的形象来说，非常具有歌唱性，能够让歌唱者更快的融入到歌曲中。在曲调色彩的比较上比较明显，具有旋律性的意义多是体现在低音上面。另外，舒伯特歌曲的曲风比较淳朴，跟民间情感非常的融合，并且也极具诗意。舒伯特创作的作品特点很多，虽然都是出自一人之手，但是在每个作品会存在着差异，所以这就要求我们对不同曲调的深入理解。在对一个作品的解析时，先是熟悉作品的创作时期，创作的背景都是歌曲的底蕴，每个时期有着不同的背景，所表现出来的曲调的情感和内容都是不同的，也只有在特定的背景下，我们才能更好地理解曲调所表现出的情感。
二、舒伯特艺术歌曲钢琴伴奏研究
1．艺术歌曲整体速度的把握
在所有歌曲面前，适当的演奏速度是好作品的标记，所以，演奏的速度是演奏的关键。歌曲是缓慢的，演奏的速度就必须是缓慢的，只有在速度和旋律上高度统一才能展现作品的情感。演奏者找到合适的速度对歌曲进行处理，但是也要充分发挥作品的内容，不能破坏作品的节奏感，在演奏中要尽量地展现作品的整体风格。
2．艺术歌曲作品的句法和呼吸
演唱者对歌曲的理解首先是对歌词的理解，在歌曲的句法特点上进行呼吸。演唱者根据句法和歌词的内容来决定歌曲演唱过程中的停顿或者是呼吸，只有这样才能更好地展现歌曲的情感和内容。例如舒伯特的《从塔塔罗斯来的人》，整个曲目一共被分为四个部分，在第一部分的第二十一小节一直到第二部分第二十二小节的转折的地方，是用来抒感，钢琴伴奏的重音就是新的乐句开始的提示。伴奏部分的音域不断地开始提升，就会带动更多的情绪。
3．艺术歌曲作品中的休止的运用
休止的手法在钢琴伴奏曲中式非常重要的手法之一，是情绪产生变化的原因。舒伯特在他的艺术歌曲中使用了大量的休止的符号，很多时候，为了能够让歌曲中的情感更加自然的发生转变，休止符在适当的时候出现。
4．艺术歌曲作品中独奏声部的认识
在钢琴伴奏曲中，独奏声部是指除了歌唱部分以外的钢琴演奏的部分。这些独奏的部分一般都是情感转换的过度部分，演奏者需要对这些独奏部分的内容进行深入的理解，把握情感的变化，才能在钢琴演奏的过程中展现出饱满的情感。所以在音乐作品的演奏过程中，作品分析的过程非常的重要，也是钢琴演奏之前必须掌握的一项技能，在钢琴演奏曲的过程中，只有从以上几个方面深入理解，才能更好地对歌曲进行演奏。
5．钢琴演奏中人声和伴奏的结合
在舒伯特的艺术歌曲中，钢琴伴奏具有非常独特的感染力，在整个演唱中发挥着重要的作用。舒伯特艺术歌曲中都有人声和伴奏的结合。伴奏声部对歌曲的演唱会有着重要的补充作用，很多时候，歌词和人声都无法将歌曲的情感全面的表达出来，在钢琴演奏的过程中，无词胜有词，能够更加衬托出歌曲的情感。另外在歌曲中，伴奏声部对歌唱具有烘托的作用，演奏声部将情感渲染到一定程度再由歌唱声部展现歌词的情感，这样更加能够将歌曲的情感全面的表现出来。伴奏声部跟歌唱声部要展现出和谐统一的状态。要想表现出情感丰富的歌曲，就一定要让伴奏部分的情感跟歌唱部分的情感保持高度的统一，无论是曲调还是在情感上，都要具有一致性，才能让整个歌曲表现出强烈的情感，开创自己的风格。
三、总结
第4篇
（一）影片《为了霍洛维茨》选曲巧妙
《为了霍洛维茨》中的选曲十分的巧妙，细致的设计和安排与影片的故事情节相得益彰。钢琴作品浩如烟海，可以在电影中应用的作品比比旨是，但是《为了霍洛维茨》中钢琴音乐的应用，不仅为观众带来耳目一新的感觉，同时钢琴与电影各自的功能、作用在这里也得到了充分的展示。影片中小京民幼小的心灵受到冲击，金智秀弹奏了一曲《梦幻曲》来安抚他恐惧无助的心灵，如果仅以这个片断考虑，选用李思特的《安慰曲》非常的恰当，不过《梦幻曲》是《童年情景》套曲中的一曲，京民学成之后在演奏会上为金智秀再次演奏了这首小曲，非常精妙入神地表达出了他对童年的追忆和对金智秀的思念与感恩，这首曲目的选择恰到好处。此外，金智秀为婚礼演奏的片断中，她所弹奏的《婚礼进行曲》也能体现出影片非常精心的设计。瓦格纳的版本节奏比较缓慢，洋溢着欢乐与幸福的气氛；而门德尔松的版本比较欢快，一开始就非常的激烈、气势雄伟。这种强节奏感的旋律非常恰当地宣泄了金智秀当时沉郁的情绪。
（二）影片《为了霍洛维茨》选曲
广泛影片选取了大量经典的钢琴曲，内容浪漫绚丽，带给观众丰富的听觉享受。首先，电影《为了霍洛维茨》中的钢琴曲的表现风格姿态万千。有充满宣泄情绪的《革命练习曲》，表达了金智秀对社会的反感；有《梦幻曲》，温暖了尹京民和金智秀；有令尹京民感到十分乏味的慢板《第二部创意曲》《C大调奏鸣曲》，也有另他感到有趣、生动的《土耳其进行曲》《野蜂飞舞》；最后还有证实尹京民的确是个钢琴天才的《降E大调第五钢琴协奏曲》。其次，影片钢琴曲的选曲时间、空间范围跨度大。在24首钢琴音乐中，有多个时期的作品。如巴洛克时期德国作曲家巴赫的《小步舞曲》《创意曲》；古典派时期代表人物德国音乐家贝多芬的《献给爱丽丝》、乐圣莫扎特的《小星星》；浪漫主义时期德国作曲家舒曼的《梦幻曲》、钢琴诗人肖邦的《革命》；印象派时期德彪西的《阿拉伯风》等。最后，多种体裁与难易结合也体现了选曲的跨度大。在《为了霍洛维茨》中的钢琴曲不仅有练习曲，也有复调曲目，还有一些小型的乐曲，更出现了多首奏鸣曲大型乐曲。在这二十多首曲目中，从简单到复杂，不同技术程度的转换赋予了这部电影多种层次的艺术效果。
（三）影片《为了霍洛维茨》选曲具有合情性
影片《为了霍洛维茨》可以说是同时具备通俗、优美，可以为多层次文化水平的观众所欣赏。因为这部影片被归类于生活片，不同于以往一些钢琴题材是为部分群体喜爱的如战争、伦理等类型，它面向更为广泛的大众，尤其是关注钢琴音乐的儿童与家庭观众，所以在这部影片中多为大众所熟悉的钢琴曲。金智秀对社会充满了反感与不满的场景中弹奏的是《革命练习曲》，不过这首曲目是肖邦为了表达祖国革命没有取得成功后悲伤愤怒的心情，与她当时的反感与不满并不能完全契合，假若单考虑与情节完美的契合度，那么拉赫玛尼诺夫的《前奏曲》是再好不过了。不过《革命练习曲》也有着爆发式愤恨感慨、气愤不平的表达，而且重要的一点是这首曲子更被人们所了解、耳熟能详，所以在影片中发挥了极大的感染作用。同样，在尹京民学成后的音乐会中，演奏了具有很大难度的拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴协奏曲》。而实际上《第三钢琴协奏曲》要比《第二钢琴协奏曲》的难度高，如果单从需要表现京民的技艺的话，那么《第三钢琴协奏曲》会更贴切一些，但是从大众的角度出发，影片选择了观众更为熟悉的《第二钢琴协奏曲》，增加了影片的欣赏性。另外影片中还有很多被大众所能理解的曲目，同时为影片平添了几份亲和力。
二、结语
第5篇
关键词钢琴演奏钢琴艺术钢琴产业
钢琴自其诞生之日起，已历时三百年。钢琴历史三百年，就是人类文化所经历的三百年。钢琴几乎无处不在，哪里有音乐，哪里就需要钢琴。当谈论钢琴时，我们也许不只是谈论一件乐器，而是在谈论与之有关的千头万绪。它涉及了我们生活的方方面面：物质的和精神的，世俗的和宗教的，有形的和无形的，具体的和抽象的，以及个别的和一般的。
从古钢琴到钢琴的发明，钢琴从最初的名不见经传到风靡全球。钢琴的诞生，给人类的音乐和生活带来了无与伦比的精神享受。其文化内涵博大精深，涵盖了与之有关的时代精神与流行元素。它曾经担任过西方文明东征的使者，从而在东方社会成为了西方文化的代表。随着社会的发展，钢琴如今已经不只是乐器，它是一种文化，同时又是一种商品，或者更确切地说是一种产业。与之有关的钢琴厂，琴行在市场上不断地得到需求，进而增多和发展，专职钢琴教师的出现和与日俱增的学生人数，成为一个新型音乐文化市场的推动者。加上行政因素，官方考级等使钢琴市场的含金量日益剧增。而与此同时，钢琴琴谱和教材及钢琴唱片的大量使用也使得出版商分得了一杯羹。钢琴俨然成为了一个超级的百变明星活跃在现代化社会的流行文化之中。
一、钢琴的演变
通常人们认为钢琴有近300年的历史，即1709年由意大利制琴大师巴尔托洛奥·克里斯托福里所创制的现代钢琴为前身。在以后的200年，又不断改进完善，方成为我们看到的现代钢琴。
然而，事实上，钢琴的整个演变过程可以追溯到600多年前，即现代钢琴出现之前，毕业论文钢琴已存在了300多年，我们称这一阶段的钢琴为古钢琴。现代钢琴的前身只是1709年古钢琴的发展与飞跃。若没有古钢琴发展的“量”的积累，也就不会产生1709年古钢琴“质”的飞跃。
钢琴的起源最早可追溯到古埃及与古希腊的弦什，将弦什的琴弦不断增加，逐渐形成了多弦乐器，进而多弦乐器又演变成两种演奏形式的乐器。一是以手指拨动琴弦发音的多弦乐器，后与键盘结合成为拨弦古钢琴。另一种是以手指拨动琴键，装置于键尾的小缒击弦发音的钢琴。这两种乐器都是现代化钢琴的鼻祖，故统称为古钢琴。
随着现代化钢琴的不断完善，社会生活的快节奏而出现的爵士乐，摇滚乐的需要，古钢琴一似柔弱纤细而又羞涩的贵妇人——也只能归隐于现代社会舞台的大幕之后了。
钢琴的发明者是巴尔托洛奥·克里斯托福里，他是意大利佛洛伦萨美第奇家庭的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出了一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”。钢琴的英文名字叫做piano，piano是意大利文，原义为“弱”，与之相对的是forte，也是意大利文，意为“强”。“可以演奏强弱的新发明的羽管琴键”(arpicembalodinuovainvention，chelapianoeilforte)这个长长的名字后来缩写为“pianoforte”，一直过了大约有一个世纪，才完全简化为今天的钢琴(piano)。克利斯托福里在钢琴上以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管拨动琴弦发音的机械装置，从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键或直接控制声音的变化。德国管风琴师，制作师戈特弗里德希尔伯曼，在1730年根据一份绘制极不准确的意大利钢琴草图，借鉴克里斯托福里的发明，制造出德国第一架钢琴。接着，在英国也制造了钢琴。后人对克里斯托福里的钢琴进行了一些改进。1783年，也就是在第一架钢琴诞生83年后，英国人布罗德·伍德发明了踏板获得了专利权。
钢琴在它诞生的头一个世纪中经历了多次改良。虽然开始被形容为锅炉工制造出的粗糙机械，但随着音乐由巴罗克风格向古典主义演变，音响丰富，细腻，洪亮的钢琴在19世纪已经登上了“乐器之王”的宝座。
1732年，在佛罗伦萨，洛多维克·朱斯蒂尼发表了第一首钢琴作品《奏鸣曲》，钢琴已经传播到了一些国家，专门为钢琴而作的音乐已经出现。十八世纪60年代以后，钢琴的命运发生了戏剧性的变化。钢琴走出了私家音乐沙龙，进入了大众音乐厅，许多作曲家开始投人钢琴曲的制作。
从十九世纪末至今的一个多世纪以来，人们除了对现代钢琴的音质不断进行探索和改进外，并未对乐器本身做出重大的改革。20世纪初曾风靡一时的自动钢琴也很快被唱机、录音机所淘汰。
二、钢琴艺术的发展
“世无钢琴，我们也就没有莫扎特的几十部钢琴协奏曲了，也就没有贝多芬的奏鸣曲了，硕士论文没有肖邦的钢琴诗了，没有德彪西的钢琴画了，也就不能得而赏之了。”
钢琴之所以成为乐器家族中的王者，是人类精神文明及科技文明的发展赋予它的。钢琴作为乐器的出现是人类社会生活的需求，钢琴的发展从一个侧面反映出人类精神生活不断发展的状态。
(一)巴洛克时期的钢琴音乐
随着社会经济的发展，除宫廷、教堂内的音乐活动之外，社会上的活动也很普遍，还有很多专业和业余的音乐家组成的各类音乐团体，广泛开展音乐活动。在这一时期，在器乐领域获得重大发展的就包括古钢琴音乐，故钢琴音乐所用的主要题材就是变奏曲和组曲。
这一时期的钢琴音乐构思巨大，结构严谨，感情表现单一而强烈，具有震撼的效力。巴赫是巴洛克时期钢琴的奠基人，他的钢琴音乐可分为五类：舞曲、前奏曲、赋格、即兴曲、协奏曲。
(二)18世纪下半叶的古典音乐
18世纪下半叶，在歌剧艺术发展的同时，也确立了古典交响乐和奏鸣曲的体裁，把音乐推向高峰的是维也纳的古典音乐派，其中也包括钢琴的发展。
这一时期的钢琴乐是明朗的、乐观的，充满诗意和温暖的情调，其代表人物是海顿和莫扎特。
(三)19世纪上半叶的浪漫主义音乐
这一时期的钢琴音乐风格优雅，手法上追求和谐与均衡，音乐色彩细腻，趣味高雅，富有幽默感，代表人物是肖邦。
钢琴的创造者不愧是万物之灵!演奏家们也是值得人们倾倒的。钢筋铁骨的一架五生命的机器，在他们的指尖下一金色的声音歌唱了。我们赞美钢琴，是因为这架机器样的物件能够用各种曲调、风格表达以及传达人们的心声，这才是钢琴文化的起始和终结。钢琴是为了钢琴音乐，也因为有了钢琴音乐而存在的。
20世纪下半叶，钢琴遇到了键盘乐器的劲敌——电子琴，电子琴开阔了广阔的音乐空间，职称论文但这一切都是由机器装置操纵人，而不是由演奏者的指触来变化。虽然演奏者的劳动被大大解放，但乐器和人类处于最间接的状态下，人类难以直接通过电子琴直接表达内心的情感。电子琴的出现如同变异了的钢琴文化的怪胎，就向现代社会的快餐文化，简单却乏味。对于真正音乐耳朵而言，那不是真正意义上的钢琴音乐，那里没有心灵、感情、人气。而钢琴依旧以其“音乐之王”的高姿态站在钢琴文化的前端，带给我们钢琴音乐的盛宴。
无论哪一时期，那种风格的钢琴音乐，都让人们享受了钢琴文化的内涵，且与其所在的时代紧密相连，具有一定民族色彩和时代精神。钢琴音乐的发展史也可看作是一个世界时代的变迁过程。爱因斯坦曾说；“现实世界只有一个，想象力可以创造千百个世界。”钢琴音乐可以创造千百种音乐I界。这种暗示性的色彩指引人们进入一个音乐更高层次的境界。
三、钢琴产业
钢琴在18世纪还只是手工业的产品，工匠们尽力在那里发挥他们对音乐的想象力，在那里体现他们对手工艺作品的完美化。可到了十九世纪，钢琴已经成为大工业和大商业了。1827年，巴黎的普莱耶尔雇用了30名工人，生产100架钢琴，有过了几年，生产量的增长率已经达到了百分之九百。也就是说，十九世纪中叶，钢琴制造业已经发展成为一个巨大的商业行为，从而这一行业也出现了激烈的竞争。
十九世纪70年代，钢琴市场不断扩展，尤其是在美国，购买钢琴的人几乎像汹涌的洪水滚滚而来。威伯钢琴的销售量如同税收的增长率，以百分之三百六十八的速度递增。钢琴成为巨大的工业后，各类钢琴制造厂风起云涌。当时著名的钢琴品牌包括：Baldwin、Bechstein、Bosendorfer、Brodwood、Chickering等，这些品牌商家和市场上的其他行业一样，为争取更多的买者而相互竞争。而其制造的钢琴也各具特色，各有优点。
从钢琴的产生到1850年之问，钢琴还只是高档奢侈品，那时的产量并不大，但利润却不小，那时的价格，一个熟练的工人需要付出相当于他一年的所得，才买得起。而到十九世纪中叶后。钢琴产量大增，一定程度上反映了文化市场的需求，1894年，琴价只抵1850年的一半。那时，便是西方钢琴消费的黄金时期，同时期的产量也在很高的一个点上(如图2)而在20世纪20年代。由于自动钢琴留声机的冲击，钢琴的占粮一落干丈。从1927年到1932年之间，美国从年产二十五万台跌到了两万五千，英国此时也减产了三分之二。但此时的钢琴厂商不会闲着，“乡村女人弹奏钢琴”成为刺激美国钢琴生产的一个动力，如同现代社会中出现的各种广告一样来做产品销售。而这样，我们也可以将李斯特等钢琴大师看作是“钢琴促销员”。
钢琴制造业在市场浪潮中蓬勃发展，其间伴有价格与产量的涨涨落落，但在当今社会其依旧“欣欣向荣”。而伴随着钢琴制造，钢琴市场的发展，也带动了与之相关的一些行业的发展比如出版商，由于越来越多的学琴者和大量的钢琴教材的出现，一批批的钢琴教学书籍的出版，而这样又必然带动劳动印刷产业的发展，钢琴教师也是与日俱增，当然也包括钢琴调音师的出现。
如今社会中演奏钢琴，从根本上说是娱乐(指大众概念中的钢琴活动)，英语论文它是一种集教育投资、社会风尚及经济价值的复杂现象。
虽然在这样的活动中非常缺乏智慧，想象和个性，但它的确成为了巨大的产业和市场，一个具有强烈娱乐性的活动是“双钢琴之战”，最早的“双钢琴之战”可以追溯到16世纪末。1836年，李斯特和塔尔贝格的“对抗赛”，二者都想通过“竞赛”来获得自己欧洲最强的钢琴手称号。现代社会的钢琴考级和各种钢琴比赛也是这种形式的帆板和延续，大有愈演愈烈之势，下表是2006上半年国际钢琴比赛的赛事。
这仅是2006上半年的国际性钢琴比赛，而在全国各地国内的钢琴比赛更是多如牛毛。
钢琴在现代社会中，已经不再是纯粹古典的形象。在流动文化中扮演着多重角色，好莱坞导演将钢琴作为浪漫的道具。留学生论文在大量的现代电影中，钢琴扮演着举足轻重的角色，许多浪漫爱情场面中导演都安置了钢琴作为必要的道具。钢琴也曾担任过西方文明东征的使者，正如20世纪70年代的中国乒乓一样。
钢琴及其钢琴音乐带给人类一个不一样的音乐世界，带给人类一个色彩缤纷的精神享受。钢琴就像个超级明星一样，一直活跃在人类社会的舞台上彰显其华丽的绚烂!
参考文献：
[1]钢琴艺术(合订本下半期)[M]北京：人民音乐出版社，2006．
[2]辛丰年，钢琴文化三百年[M]．西安：陕西师范大学出版社，1995．
第6篇
从音乐调式来看，四音音列构成了西方调式体系，且由于音程的多变组合又产生了各种不同的调式，即常被人们称作“中古调式”或“教会调式”。文艺复兴之后，调式不断发展，我们熟知的自然大调和自然小调也分别由爱奥尼亚调式、利底亚调式和混合利底亚调式以及伊奥利亚调式、佛里吉亚调式和多利亚调式逐渐演变而成，它们之间互相融合、渗透，进而形成了现在的和声大、小调以及旋律大、小调。而中国音乐的调式则采用五声性结构，通过演绎构成宫、商、角、徵、羽五种五声调式。在内在的构成上，西方的音乐比较复杂、精致，更加适用于表现华丽、细腻的音乐情感，而中国音乐形式比较简洁、质朴，可用来表现粗线条的音乐风格。从音乐织体来看，以主调音乐为主的西方音乐体系中，主调贯彻整个音乐织体表现音乐的主体旋律或完整旋律的意义，和声和音列均对围绕主调起到了衬托的作用，音乐的织体思维是以纵向和声为主的网状立体结构思维。而中国音乐的音乐织体注重各声部旋律横向性的线性展开，思维方式属于单纯的横线性织体思维，即使是多声部音乐的织体也是以西方音乐织体的复调音乐来构成而非主调音乐。究其背后的文化原因，则主要在于中西文化传统与美学传统的不同，西方音响的立体化体现了西方音乐文化将时间过程空间化的倾向，使得西方音乐多呈现奔放之态。而中国的音乐文化特点是时间型的，在流动中建立审美文化方式，追求温婉绵延的单线延伸的横线性织体思维，将空间形态时间化的倾向，使音乐呈现出了内涵含蓄深邃的音响效果以及游动的音乐线性轨迹。从音乐节奏看，西方音乐节奏多为“功能性均分律动”型，即在这个节奏体系中，强弱拍规则均匀地交替进行，强弱幅度明显，且具有第一拍为强拍、其余为弱拍的固定模式，节奏感较为强烈。中国音乐节奏虽然也有与西方音乐节奏相同的“功能性均分律动”及规则均匀的强弱拍安排，但在此基础上又加入了变化性节奏，乐曲节奏更加自由，在音乐中并没有按照“首拍强”的规律进行创作，强拍在小节中的位置是不断变化的。中西节奏的区别究其原因在于“西方人的思维常规是数学式的，中国人思维常规是逻辑式的”。西方的文化模式注重理性的分析与知识的精准，追求科学知识的内在结构以及人为的改造世界观念，这与他们的哲学发展史有着密不可分的关联，是机械自然观的产物；而中国文化注重人的自然发展以及无为而为的哲学观，这使得音乐节奏呈现出随意的特点，由创作者自主决定，而没有一定的规律去遵循。
二、钢琴音乐艺术创作在我国的发展
通过以上差异的分析，我国钢琴音乐的创作和发展，在追求西方音乐复杂、精致的音乐情感的同时，也融入了我国音乐的民族风格。中国早期从事钢琴音乐创作的作曲家打破了以传统的线性思维单音体系为主的创作模式，转而较多地去尝试西方音乐作曲技法来进行创作，并开始对作品中的和声、旋律、调性布局和曲式结构安排等加以重视，这为当时我国的音乐创作注入了新鲜的血液，转变了音乐研究者的思想意识，用西方音乐的缜密思维丰富了我国民族音乐的形式和内容，使音乐呈现出了内涵含蓄深邃的音响效果以及游动的音乐线性轨迹。我国最早出版的钢琴音乐作品是作曲家赵元任先生的《和平进行曲》（1915年），该曲表达了热爱和平的心声，从这部作品的创作可以看出赵元任先生有意识地将功能和声与中国民族音调进行结合，为创作出更多的中国钢琴作品确定了方向、奠定了基础。20世纪30-40年代，中国处于和的特殊时期，反映时代精神成为当时音乐创作的主题，此时钢琴创作中的传统音调与民族和声被运用得愈加成熟，作曲家们也更加注重使用中国音乐思维和音律来创作钢琴作品，使之具有浓郁的民族韵味。作为这一时期最具代表性的钢琴音乐作品，贺绿汀的《牧童短笛》正是通过简洁的创作手法使旋律及节奏变得更加紧密，所使用的民族化的和声与复调手法，使音乐织体与旋律互相衬托，另外，其所创作的富于歌唱性的旋律也使中国特有的含蓄优雅的艺术内涵得以充分的展现。而在民族音乐与钢琴艺术融合的过程中，桑桐所创作的《在那遥远的地方》更是将自由无调性的创作原则加入其中，为了拓宽调性布局与和声结构变化的可能性而将多声部的作曲技法与民族音调相结合来使用。改革开放以来，随着文化的频繁交流，更多的创作思维和技法传入到中国，这使得钢琴音乐的创作进入了多元化的时代，如储望华的《新疆随想曲》、朱践耳的《云南民族五首》、王建中的《樱花》和《彩云追月》等，这些钢琴作品或是以声乐曲的旋律、民族音乐的音调为基础而改变的钢琴曲，或是根据作曲家自创的作曲技法而写成的实验性钢琴曲，或是运用无调性、十二音技法等现代作曲技术而创作的钢琴曲，而不论是哪种钢琴曲，创作者均意识到了东西方音乐结构以及音乐文化的差异，并在此基础上，以中华民族音乐的神韵为基础进行着钢琴音乐创作。
三、我国钢琴艺术的发展必须立足于中国传统的音乐文化
从音乐技法来看，纵观中国钢琴艺术的发展历程，我国钢琴音乐作品均是围绕中西音乐形式的融合而进行创作的，其创作手法经历了从初期探索到成熟发展的一个过程。早期作品的曲式结构与和声构思一直有着欧洲古典乐派的烙印，而现如今的钢琴音乐不仅没有了欧洲古典乐派创作手法的印记，还融入了现代创作技法，注重中西方音乐结构的融合，用西方音响的立体化来体现中国音乐文化线性化的特点，使得音乐的形式更加立体、饱满，丰富了音乐的纵向结构，更好地体现了我们的民族韵味。从中西音乐形式的文化差异和审美共识的角度看，钢琴艺术的发展不能过分地强调音乐民族元素、强调差异，这样西方音乐有价值的东西极有可能被摈弃，不利于我国的钢琴艺术发展。但也不能一味地强调共性，没有创新，我们的民族音乐极有可能逐渐地萎缩。在机械论和唯理论文化背景下，西方的音乐文化呈现出了注重理性的分析与知识的精准，追求科学知识的内在结构以及人为改造世界的观念，而中国的自然观和无为的哲学观却使得音乐文化形式自由奔放。如果能够找到一个突破点使得二者进行融合，通过中西音乐形态的文化差异分析钢琴音乐，并立足于我们的民族文化，借鉴西方优秀的技法和文化价值为我们所用，就一定有助于我们更好地弘扬民族音乐文化。从文化传承角度看，纵观整个钢琴音乐的发展史，优秀的钢琴作品的产生无一不是植根于自身的民族文化，钢琴艺术在我国的发展如果只是一味依赖于西方的音乐创作技法，那么钢琴的发展也就只是发展了他国的文化，而我国的音乐文化仍然处于被忽视的地位，难以得到良性的发展。因此，钢琴艺术从业者需要从我国的民族民间音乐技法和文化入手，结合西方钢琴艺术发展的文脉，将西方钢琴艺术的大气磅礴之势巧妙地融入到我国的音乐艺术中，进行钢琴艺术的创作和表演。目前我们已经朝着这个方向发展钢琴音乐艺术，在钢琴音乐创作中已经不是简单地采用民歌旋律与和声织体的手法，而是深入到了民族精神和时代内涵，并在传承的基础上大胆革新了西方钢琴音乐创作技法，将其与中国民族五声音阶相结合来表现作品的意境和韵味，丰富了钢琴的民族语汇。由此可见，钢琴艺术的灵魂就是民族音乐文化，中国钢琴艺术必须植根于中华民族的音乐文化之中，立足于我国的民族音乐文化之中。否则，如果一味地采用欧洲的音乐体系进行创作和训练，那民族音乐文化以及传统的美学思维和民族思维则会在我们的心中不自觉地丧失。
四、结语
第7篇
1.教师思想观念比较传统
教师的思想观念指导自己教学行为开展，高校的钢琴教师应该不断学习研究，坚持最先进的理念武装自己，把实用的思想意识融入到教学中来，培养出更多专业素质过硬的优秀学生，不断提高教学质量。教师要及时更新教学理念，使用实效的教学方法，在丰富自己专业知识的前提下，将专业知识传授给学生，对钢琴有一个全面概括的认识。钢琴艺术可以陶养一个人的情操，在艺术院校中的钢琴教学则可以很好的提高学生的整体素质，籍于此可以激发一个人的创造力，钢琴教师在做好本职工作的同时，不断提高学生们的艺术素养，提高教学效果，使每一个学生都更加有兴趣的学习钢琴知识。从长远来看，艺术院校钢琴专业学生参加社会之后很大一部分会加入到钢琴教学之中，传递的是一种理念以及基本的知识，提高国民钢琴素养。在现实的教学实践中，每位教师都应该改变自己思想中的不利因素，及时采用先进的工作方法，提高教学质量。
2.钢琴教学不系统
钢琴课主要目的是帮助学生熟练的掌握钢琴演奏技巧，初步的了解有关琴键的基本理论，知道演奏方法，要能鉴赏钢琴作品，把握不同的曲调风格。钢琴教学还承担着培养文艺接班人的任务，教学过程中应该重视讲解基本的技能技巧，保证教学顺利的开展。
3.钢琴教学不规范
钢琴教学在实践上可以有比较大的自由度，这导致教学过程的不规范，影响了教学效果的实现。音乐理论知识比较枯燥，不过这是学生艺术之花盛开的源泉，熟练的演奏钢琴曲既需要有高超的技艺，更需要有过来人从旁指点，一个优秀教师可以起到极大的积极作用。教师将专业的知识以及技巧进行演绎，让每一个学生熟练的掌握钢琴演奏技巧，不断提高钢琴教学的规范性。
二、艺术类院校钢琴教学存在的问题
1．学生的钢琴水平参次不齐
随着艺术类院校不断增多，音乐专业的招生规模也不断扩大，有一些学生的专业素质不高，从整体上降低了音乐学院的音乐水平，同时人数的增多，专业教师的匮乏，降低了教育质量，这又进一步遏制了学生专业素质的提高。
2.教与用分离
钢琴教学应该将书本知识与演奏实践结合起来，现实中经常存在这样的现象，有些人不能熟练的弹奏钢琴，即便是毕业之后这种现象也会存在，所以，钢琴教学应该注意实际的演奏技巧教学，将教与用有效的结合起来。
3.教学体系不够系统
钢琴教师的职责是提高学生的音乐素养，这也是艺术类院校课程设置的基本目的，一个系统的教学体系可以很好的解决这些问题。在现在的钢琴教学中，存在一定的局限性，教学活动只是一种孤立存在的现象，缺乏学科间的关联，没有系统的教学体系。
4.过分追求高难度作品
艺术院校学生已经有了自己成熟的价值观，对于如何进行弹奏有自己的看法，对自己熟悉的曲目都有自己的理解，有时候为了证明自己而执迷于追求高难度作品。这样不能很好的表现音乐作品的艺术特点，也无益于演奏技能的提高，更不利于提高自己的艺术素养。
5.无法合理使用教材
目前，艺术院校的钢琴教学依然存在很大的不规范，教材不统一，一些甚至根本就不适合学生的自身学习实际，这不利于学生提高自己的音乐水平。教材的不合理还会造成学生学习兴趣的丧失，合理选用教材是一件重要的事情。
三、当前形势下艺术类院校钢琴教学改革的要点
1.集体课和分组教学结合的教学方式
钢琴教学质量的提高需要教师的大力配合，提高的方法要依据学生音乐素质的高低，对钢琴掌握情况进行教学分组，分成小组之后，用集体课和分组教学的方法授课。根据每个小组具体情况讲授知识，练习演奏内容。钢琴教师与学生应该及时的进行交流，帮助同学们有效的解决学习过程中的困惑以及所遇到的难题，这样可以更好的帮助学生提高理论水平以及演奏技术，对教学效率提升也有很大帮助。不同教学形式的使用可以有效的拓展教学渠道，这有利于每一个学生综合能力的提升，最终必将使学生从中受益。
2.制定目标并合理的选择教材
艺术类院校的音乐专业学生具体的钢琴知识基础不同，个人能力也不一样，选用合适的教材对于提高整体的教学水平很有帮助。钢琴教师要仔细的了解每一个学生，在此基础上正确引导学生确定适合自己的学习目标，提高自身素质。对于素质较低，音乐基础较差的学生，教师要有针对性的进行辅导，根据学生的自身情况合理使用教材，帮助学生饶有兴趣的去学习，使之明确学习目标，掌握丰富的理论知识。对于素质较高的学生，要采用恰当的方法来教学，提出合理的要求修正学习中存在的问题，提升艺术感悟力。一个合适的教材可以帮助学生们提高学习效率，使他们更好的掌握钢琴演奏的水平，在选用什么样的教材问题上要认真研究。教材内容要全面系统，要准确的传授演奏技巧，合理的选择要演奏的曲目，要依据学生具体的特点以及认知特点为学生挑选作品，选取那些曲调高雅、技术适中、全面的作品。
3.加大对钢琴作品的赏析
对于艺术类院校的钢琴教学，一定要注意从不同角度进行着手，不仅要让学生仔细的学习钢琴演奏技巧，注意提高教学效果，还应该注意提高对于钢琴作品的欣赏水平。学习方法上的交流轮替会让学生失去学习兴趣，没有积极性学习将会影响学习效率的提高。音乐可以塑造一个人的灵魂，这种相对抽象的艺术对人们心灵的关怀不是其它方式所比拟的。艺术类院校应充分利用现代科学技术优势，利用便利的互联网让学生更好的了解钢琴知识及更多的艺术作品，熟悉钢琴文化以及相关的名曲，激发自己学习钢琴知识的兴趣。学生在了解演奏曲目的时候，要注意对于质量的选择，这些作品必须内容健康、风格独特、多元化。积极向上的音乐内容能够带给学生高级的愉悦感，充分发掘他们潜在的音乐想象力与创造力，提高学习音乐的兴趣。
4.提高即兴表演的技能
即兴伴奏是在熟练掌握音乐知识，熟悉使用音乐器具的基础上开展的，这也是音乐教师以及从业者在工作中应该掌握的主要技能，课堂教学过程中，同样不可缺少它的参与，这是艺术与现实实践生活相结合的组成部分。即兴演奏作为一个最基本的评判标准，是艺术类学校的一个重要教学目标之一，艺术类院校学生应该认真学习即兴伴奏。即兴伴奏实用价值非常高，作为一种基本技能，每位钢琴教师都应该加强对学生相关技能的教授。在钢琴教学中要根据教学需要加入进行即兴伴奏的基础知识训练，强化学生快速识谱能力，能根据演奏进程进行及时调整。
5.优化教学设备
大多数艺术类院校的钢琴教学主要使用小琴房，当进行分组授课或者是合奏以及、重奏教学的优化改善教学环境，满足钢琴教学所需要的各种不同需求，为灵活的开展教学提供必要的支持。
6.加强合作性训练和学习
对每个社会人而言，能够与周围人融洽的合作是一种能力，这对于学习提高自己是十分重要的。钢琴的独奏性很强，作为一种比较有艺术感的乐器，艺术院校在具体的教学实践中，应该更加注重对学生素质能力进行培养，这时候适度的技巧是必须的，要培养学生参与钢琴协奏、伴奏的能力，提高学生与别人合作的意识，帮助他们更好的掌握钢琴演奏的奥妙之所在。
四、结束语
第8篇
在电影《莫扎特》中，钢琴音乐艺术是一个十分明显的创作特色，音乐不仅推动了故事情景的发展，也营造了另一种十分感人的氛围，对于故事情节的发展有十分重要的推动作用，对于影片中人物形象的塑造也有十分重要的作用，还深化了电影的主题。这部电影中的钢琴音乐艺术可以使整部作品的视觉效果得到深化，钢琴音乐的应用也可以促进情节发展，音乐的艺术表现力很强，对于电影的剧情发展有十分重要的作用，在这部电影中，音乐的出现不仅渲染了气氛，也设置了悬念，对于故事情节的发展有十分重要的意义。此外，音乐在很多时候可以代表人的语言，音乐本身就是一种很有表现力和感染力的因素，在电影作品中巧妙地应用音乐语言，可以使一些不必要的对话得到避免，从而利用音乐语言的张力以及韵味将故事情节推向一个更高的高度。最后，钢琴音乐最关键的一个作用就是对主题进行深化，将音乐用于电影作品中，能够对电影的核心内容进行表达和概况，也能对故事想要表达的主题进行揭示，对于影片想要传递和表达的意思进行有效地传递。这部电影所描述的是莫扎特的一生，莫扎特一生的成就就是钢琴艺术，因此影片中自然少不了钢琴音乐。
(一)莫扎特的钢琴作品与电影情节的融合
影片的背景是18世纪80年代，当时只有26岁的莫扎特到维也纳，由于他的音乐才华使得整个奥地利宫廷都为之倾倒，正是由于这样，使得宫廷乐师萨里埃利对他产生了怨恨，同时也嫉妒他的才华。萨里埃利是一个心胸狭窄的人，于是想尽办法要除去这个对手，年轻的莫扎特是一个不谙世事的人，在生活中不拘小节，在萨里埃利的调唆之下，维也纳音乐界中那些保守、古板的人开始为难他，开始对他发难，莫扎特的乐谱开始遭到修改，最终由于萨里埃利从中作祟，莫扎特在宫廷演奏的机会也没有了，生活一下子就失去了经济来源，并且由于其他的事情出现，使得他的生活变得十分糟糕。在这样的环境中，他的父亲去世，莫扎特的心里受到了更大的打击，身体状况也变得越来越糟，这个时候的萨里埃利竟然找到了莫扎特，要他谱写一首《安魂曲》。受到恐惧以及疾病的折磨，莫扎特谱写了《安魂曲》，终于在曲子完成之后气绝身亡。尽管莫扎特已经被折磨死去，但是萨里埃利却终日活在莫扎特的冤魂纠缠中，被送进了精神病院。萨里埃利渐渐被人遗忘，但是莫扎特一生创作的经典作品渐渐被人们重拾起来，成为了永久流传的佳作。这部电影除了对莫扎特的一生进行了描述，另一个亮点就是电影中的音乐，这部电影中的音乐全部都是莫扎特自己的音乐作品，影片的发展是以莫扎特的人生轨迹为线索的，因此音乐的安排也有一定的顺序。电影中一共引用了54个音乐片段，有很多种形式，比如歌剧音乐、歌剧唱段、钢琴协奏曲、小夜曲、交响乐等，音乐的出现与剧情的发展相辅相成，莫扎特在音乐创作上最大的贡献就是协奏曲，在莫扎特的协奏曲中，钢琴协奏曲占有突出的地位。影片中的54个音乐片段，有6个是钢琴音乐，5个都选用了莫扎特的钢琴协奏曲。在影片中，莫扎特的妻子康斯坦茨为了帮丈夫寻求一份工作，她带着莫扎特的音乐手稿来找萨里埃利帮忙，这本来就是一个错误的决定，由于萨里埃利对莫扎特怀恨在心，因此当莫扎特的妻子来找他的时候，他的心里洋洋得意。剧中的萨里埃利在翻看音乐手稿的时候，背景音乐就是这些音乐手稿的片段，他在翻看这些音乐片段的时候，就被这些音乐作品震撼到了，比如《降E大调第十双钢琴协奏曲》的第三乐章，就是其中的一个。再比如，在电影中，由于萨里埃利的陷害，莫扎特并没有能够当得上宫廷乐师，生活上十分潦倒，但是当时的莫扎特十分单纯，还认为所有人都是好人，对萨里埃利也没有防备心，甚至还请求他帮忙，当莫扎特到萨里埃利介绍的学生家中的时候，他发现这家的主人更热衷于莫扎特弹琴给他的狗听，于是只好离开，当莫扎特离开的时候影片中响起的音乐是《降B大调钢琴协奏曲》的第三乐章，其很好地展示出了莫扎特当时比较落寞的心情。再比如，莫扎特为奥地利皇帝举办的露天音乐会中，背景音乐是《降E大调钢琴协奏曲》的第三乐章，这个音乐片段展现出莫扎特的慷慨激昂，当时的莫扎特不仅在弹奏钢琴，还指挥乐队，正是意气风发的时候。这个背景音乐的开朗奔放产生的热烈气氛正好可以对当时莫扎特的形象进行展示。
(二)莫扎特钢琴作品的音乐特色
在电影中的作用莫扎特是古典主义的杰出音乐大师，在音乐的创作过程中涉及很多领域，在莫扎特的音乐作品中，莫扎特确立了18世纪古典主义协奏曲的结构。在莫扎特的协奏曲中，钢琴占有十分重要的地位，莫扎特的钢琴协奏曲不仅具有歌剧和交响乐的特点，而且对钢琴的个性进行了有效的展示。在欣赏莫扎特的协奏曲的时候，往往可以从比较欢乐的音符中看到一个真挚的、对生活总是充满了乐观情绪的人。比如在电影中，引用了莫扎特《d小调钢琴协奏曲》的两个乐章，这部作品是莫扎特第一部用小调写成的协奏曲，其中又充满了矛盾冲突的戏剧性，而且蕴涵的感情十分丰富。比如第一乐章体现出来的阴暗的悲剧色彩，对于莫扎特的心情是一种很好的展示，电影中父亲的去世对莫扎特是十分沉重的打击，这样的背景音乐就可以很好地展示了莫扎特的内心世界。萨里埃利利用莫扎特对父亲的缅怀，要求莫扎特创作《安魂曲》的时候，对于莫扎特而言又是一种更加沉重的打击，对于他的精神和心灵都是严重的摧残，促使莫扎特最终离开了人世，因此，这是电影的一个转折点，在这个转折点中使用的音乐尤其重要，在这里，电影使用了比较悲怆的音乐，对于莫扎特被打击之后所表现出来的一种伤心欲绝以及绝望的心态是一种很好的体现，这里的音乐很好地顺应了故事情节的需要，乐曲与影片的情节很好地结合在一起。第一个乐章是一种比较轻慢的音乐，这一乐章的音乐明亮而又忧郁，所体现出来的主题质朴而且简单，这种简单中又含有一种美的力量，在电影的最后，当萨里埃利被推出房间的时候，采用的背景音乐是《d小调钢琴协奏曲》的第二乐章。一开始的主乐器就是钢琴，使得观众在听后可以有一种十分真实的感情流露，伤感的旋律在人们的心中久久不能散去，钢琴之后的音乐有管弦乐队出场，并且与钢琴部分进行交替，形成了比较强烈的对比。在影片结束的时候《浪漫曲》的应用，使得情调变化和明暗对比更加丰富，更加传神，对观众的吸引力更大。
二、结语
第9篇
从中西方艺术歌曲的创作题材上看，西方艺术歌曲主要取材于欧洲经典的诗篇，而中国艺术歌曲的创作大多以中国诗词、文赋为对象。由于西方与中国的文学作品在艺术风格上具有较大的差异，前者比较直接，注重典型，后者比较含蓄，讲求意境，从而造成了西方艺术歌曲更偏重写实，中国艺术歌曲更偏重写意的差别。例如：在舒伯特的艺术歌曲《魔王》和中国艺术歌曲《大江东去》中都有对人物的刻画。《魔王》的钢琴伴奏直接塑造了三个性格特征鲜明的人物形象，通过旋律线条与和声织体的变化表现了父亲的关爱与焦虑、孩子的恐惧与无助、魔王的狡黠与阴险，充分体现了西方艺术歌曲重典型、尚写实的特点。《大江东去》的钢琴伴奏部分并未直接表现人物性格，而是通过起伏跌宕的旋律，描绘出如诗如画的历史长卷，间接烘托了羽扇纶巾、雄姿英发的英雄形象，抒发作者抚今追昔的精神情怀，体现了中国艺术歌曲情景交融，挥洒写意的艺术风格。
从中西方艺术歌曲的审美观上看，西方传统美学思想强调美与真的统一，注重艺术的认识价值，艺术歌曲更注重于对艺术形象的模仿和再现，钢琴伴奏对艺术形象的刻画较为直接、具体。中国艺术歌曲的审美观源于儒、道两家提出的美学思想，强调美与善的统一，注重艺术的伦理价值，追求人性与自然的和谐。所以中国音乐的审美标准是含蓄内敛、乐以寄情、歌以载道。传统的美学思想对中国艺术歌曲的创作影响深远，中国艺术歌曲的钢琴伴奏追求遐思朦胧、意蕴深长的境界，对艺术形象的表现往往去实就虚，讲求传神和会意。从钢琴伴奏在艺术歌曲中的地位上看，西方艺术歌曲的钢琴伴奏紧跟演唱，对演唱所表现的艺术形象起到加深和强化的作用，这种写实的伴奏风格在《魔王》、《鳟鱼》、《让我痛苦吧》、《恒河上阳光灿烂》、《多么幸福能赞美你》等西方艺术歌曲中都有充分体现。中国艺术歌曲的钢琴伴奏更多地加入了独立于演唱部分的“潜台词”，对演唱主要起烘托、渲染与补充的作用。例如：在《大江东去》中，演唱部分描绘了赤壁风光与周瑜的英雄气概，而钢琴伴奏的渲染，则让烽火狼烟的古战场与作者的思绪情感交相辉映。正是由于钢琴伴奏部分的渲染，填补了演唱部分所不能表达的诗词意蕴，《大江东去》这部音乐作品才能以穿越时空、浪漫豪放的艺术风骨震撼人的心灵。除《大江东去》之外，写意的伴奏风格还呈现于《我住长江头》、《枫桥夜泊》、《长相知》、《教我如何不想他》等中国艺术歌曲中。
二、中西方艺术歌曲钢琴伴奏的技术风格特点
如前所述，西方艺术歌曲偏重于写实风格，钢琴伴奏忠实于歌唱部分所塑造的音乐形象与性格特征，演奏技术特点是规范、传统，注重与歌唱融为一体，音色要求圆润优美，力度层次控制细微，节奏把握严谨而流畅。在舒伯特的艺术歌曲《鳟鱼》中，快速滑动的六连音，活灵活现地描绘出鳟鱼在水中游动的姿态（例10）。进入演唱后，左手伴奏音型稳健地打出拍机点，变换的和声根音准确而富有弹性地拉出节奏，为演唱的节拍稳定保驾护航（例11）。乐曲中段，密集的六连音跟走，以及层层紧逼的十六分音符推送，凸显出鱼儿遇险的紧张氛围（例12）。快速滑动六连音的和声配置贯穿全曲，前奏、间奏和尾奏的钢琴部分要灵巧轻盈地用指尖勾出悦动而富有弹性的音色，配合滑动六连音音区的变化，形象地表现出鱼儿在不同水层活泼可爱、自由嬉戏的场景（例10）。《我亲爱的》是一首脍炙人口的意大利艺术歌曲，钢琴伴奏织体用四部和声的形式来表达，庄重肃穆，具有浓厚的宗教色彩（例13）。在伴奏特点上，要求严格控制触键的力度层次，上线旋律音要勾勒清晰，手指走音要“跟唱”与连贯，音色圆润柔美，同演唱的音色融合交织。同时分句需明确，节奏把握要庄重严谨，全曲钢琴伴奏完全配合演唱的旋律和情感，以强化神圣、纯洁的爱情主题（例14）。同西方艺术歌曲相比，中国艺术歌曲更偏重于写意风格，钢琴伴奏重视对演唱外“潜台词”和“画外音”的补充与扩展，演奏特点主要是在音乐节奏的把握上形散而神不散，触键上多元化处理，音色变化丰富，并有较多对其他乐器的模仿。
在中国艺术歌曲《枫桥夜泊》中，前三小节钟声的响起由远及近，要求控制手指力度由弱渐强。从第三小节开始贯穿至终的滑音，要弹得轻薄、灵巧，指尖快速地站在长音上，以表达江面渔火上升起的袅袅青烟，借此抒发作者内心的乡愁与孤寂（例1）。第四小节出现的装饰加九连音，手指要轻快、飘逸地滑过，模仿长袖拂过古琴的音色，与钟声此起彼伏，遥相呼应（例1）。第十二、十三小节的处理尤为重要，快速掠过九连音后紧接重复的六连音，触键要求由慢推快，深而悠远，音色脆亮，好似深夜敲打在心坎上的钟声，引起内心共鸣，随后三次重复的“4”音，要奏得绵长纠结，触键上拉宽处理有控制的下音，以表达内心的矛盾与挣扎（例2）。末尾三小节钟声由近渐远，与曲首钟声遥相映衬，留下人们无尽的遐想与回味（例3）。在中国艺术歌曲《桥》中，前奏由下至上的波音，延绵不断地推动，展开一幅河面波光粼粼，石桥水中倒映的美妙画面。波音要快速推送站在主线旋律音上，琶音走动时由慢至快，触键要轻盈柔和，宛若蜻蜓点水、浮光掠影（例4）。演唱进入后，伴奏填补的回声要如影随形，更为立体地展现出小桥流水的江南风情（例5）。间奏部分琶音飘逸地送出，引出左手奏响的旋律主线，同时右手在高音区奏出云淡风轻的回声，以表达游子对故土的思念与回忆（例6）。随后音画转入实景，左手以二分音符八度音程的衬托，配合右手的琶音流动，映衬游子近乡情更切的心境（例7）。全曲处钢琴八度旋律音的递进，烘托了游子思乡情切，重归故里的心潮澎湃（谱例8）。曲尾峰回路转，轻拂的琶音，左手渐行走远的单音旋律线条和右手高音区空灵的回声，再现了一幅唯美的江南水墨画卷（例9）。
三、结语
第10篇
关键词：钢琴艺术 音乐文化 作用
随着改革开放政策的实施，中西方音乐文化交流更加频繁，这就使得在中国近现代音乐历史发展进程中，钢琴这个西方乐器不断融入中国音乐文化，成为其中不可或缺的一部分，产生了大量经典的专属音乐作品，尤其是近年来，不断发展创新的钢琴艺术更是取得了伟大的成就，极大地推动了我国音乐文化发展。
一、中国钢琴音乐艺术发展概述
纵观中国音乐发展历史可以发现，钢琴艺术在我国的发展已经有百余年，其源头最早可以追溯到明末清初时期。最早的钢琴键盘乐器是随着爆发后外国侵掠者打开中国国门而被带入的。在那之后一度兴起西洋教堂和新式学堂的钢琴教学热潮，钢琴艺术逐渐在宗教、音乐教育、音乐创作等领域实现了不断的发展和运用。但是这一时期的钢琴音乐家并不是特别追求钢琴艺术的研究，而是仅仅将其作为从事音乐教学的一种方式。直到20世纪30年代以后，中国才开始出现一批自己创作的钢琴曲，开始探讨钢琴艺术，如贺绿汀的《牧童短笛》、《摇篮曲》，刘雪庵的《中国组曲》，江定仙的《摇篮曲》等，其艺术风格都包含着明显的民族特色和生活气息，并渗透着作者自身独特的个性。在中国音乐文化全面发展的50年代，钢琴创作已不再满足于单调的形式，中国音乐家开始追求新的音乐织体的钢琴化，在作曲技巧以及民族化的多声技法上开创出新的形式。如马思聪的《舞曲三首》，江文也钢琴套曲《乡士节令诗》，丁善德的儿童组曲《快乐的节日》、《第二新疆舞曲》，殷承宗等人集体创作的钢琴协奏曲《黄河》更是这一时期作曲家和钢琴家对大型体裁但额钢琴协奏曲创作的试探。一直到70年代，中国钢琴音乐艺术实现了更为广阔的发展。首先是钢琴改编曲的产生，这是以我国传统民族器乐作品为基础的，代表作有黎英海由《浔阳琵琶》改编成的《夕阳萧鼓》，王建中由同名笙曲改编成的《百鸟朝凤》以及由古琴曲改编的《梅花三弄》等。其次是作曲家在自己的钢琴创作中不断吸收和融入西方先进的创作技法经验。如汪立三《梦天》中十二音序列手法的运用等。
二、中国钢琴音乐创作发展特点
虽然我国的钢琴音乐发展起步较晚，但经过长时间的研究和创作，我国钢琴艺术仍是取得了不小的成就。
首先，多声思维。纵观中国大部分音乐作品，可以发现，和声在其中占据主要地位。但是近年来，随着中国经济的不断发展，钢琴音乐也取得了较大的进步，开创出一种新的和声方法，即以“4+2或5+2”度相叠和“4、5”音程相叠的形式来改变和弦的音程结构。其次，结构特点。由于我国对于钢琴接受的独特形式使得大多数曲式结构是传承了西方的单乐章及多乐章协奏曲的结构特点。为此，我国作曲家开始探索一种新的结构方式，以更好地将具有中国民族特色的审美意渗透进了钢琴音乐的曲式结构中。比如改编而成的钢琴协奏曲《黄河》就开拓性的将原来的七段乐曲转换为四乐章的套曲结构。
三、中国钢琴音乐艺术在音乐发展中的作用
（一）对“传统与创新”的融合促进了中国音乐文化的发展。作曲家和演奏家深知中国传统音乐文化对钢琴艺术发展所起的作用，即继承传统音乐文化以开创出新的钢琴音乐艺术。而且两者在不断融合的过程中中国民族传统音乐文化也实现了自身在发扬、进化上的需要。中国传统音乐文化与钢琴艺术的有机结合促成了一种新的音乐文化内容的诞生，并开创出了中国钢琴作品中真正意义上的“中国风格”，为中国音乐发展不断提供新的音乐审美视角。
（二）对“中西文化”的结合促进了中国音乐文化的发展。随着钢琴音乐在我国的发展，作曲家和演奏家们在创作和演奏方面不断的尝试和磨合，使得钢琴艺术在中国的发展日显成熟。经过几代作曲家、钢琴家的不断探索和追求，逐步建立起中国特色的钢琴音乐体系。他们在钢琴音乐创作领域内表现出个性化、独创技法的突出倾向，并在钢琴音乐的结构、音乐表现意蕴、文化内涵等诸方面逐步形成了独特的中国钢琴音乐风格。完成了东西方文化灵魂的碰撞和结合，促进了两者的共同繁荣，更为音乐发展的方向提供了种种新的思路和途径。
（三）对“民族性与世界性”的创新促进了中国音乐文化的发展。现阶段，随着经济全球化的发展步伐，东西方文化的不断融合与发展使得中国的钢琴艺术日益呈现出民族化、国际化的发展特点，在中国钢琴艺术发展中极大的融入了不同民族独特的艺术思维方式、艺术形式、艺术手法来使作品具有民族气派和民族风格，并充分吸收世界音乐文化的精髓，并在此基础上不断地丰富和扩充自己的内容和表现形式。
参考文献：
[1]陈锐.呼和浩特地区钢琴艺术的本土化研究[D].呼和浩特：内蒙古大学，2013年.
[2]代百生.中国钢琴音乐的“中国风格”[J].黄钟（武汉音乐学院学报），2013，（02）.
[3]王浩.倪洪进钢琴艺术研究[D].南京：南京艺术学院，2013年.
第11篇
【关键词】：钢琴教学音乐知识作品欣赏
在教学现状上,“非师范性”现象在高师钢琴教学中仍然没有得到很好的解决,虽然也承认一般钢琴专业训练与师范钢琴专业训练有所区别,但在教学实践中,自觉或不自觉地倾向一般钢琴专业训练,在课程设置和教学方法上没有把知识、技能技巧的学习和教学能力的培养有机地融合起来，贯穿在学习过程中，而且，在时间安排上将课程学习和教学实践分开，学生在大部分学习时间里很少主动意识到自己的未来角色及其与现在学习的关系，从而模糊了培养中等学校音乐师资的总体目标,后果是所培养的师资质量下降和人才的流失。因此,在高师音乐教育总体改革的形势下,钢琴教学改革也必须跟上。为此我们结合在教学中的实际经验从以下几个方面的分析，为喜爱钢琴音乐的学生提供一点思路和参考。
一、首先认真进行各种基本练习
学习弹琴不止是学习弹奏技术,更重要的是学习如何理解音乐,表现音乐,需学会在钢琴上通过自己的弹奏来表达一定的情景,感情以及思想。要做到这些具体说来就是要让钢琴发出圆润、饱满、结实的声音，要能弹出连、断、挑等不同性质的音。高师学生多为成年人,通常认为成年人的手臂僵硬,不管用什么弹奏方法,弹出来的声音听起来总有些僵硬,缺乏美感,因此,只要能弹出声音就行了。我认为虽然高师生年龄确实偏大,但这并不意味着在钢琴学习上没有进一步提高的可能和希望,正因为成年人的手臂比较僵硬,更应当学会放松,这可以减少其因年龄偏大而带来学琴上的不便。学会放松是“重量弹奏法”的关键,要掌握这种正确的弹奏方法,首先要学会手臂、手腕和身体的放松,弹奏时动作要协调,避免一切多余的动作。要充分发挥生理上的自然重量,节约用力,在放松的前提下,进行积极的手指训练。对年龄偏大的学员来讲,不要对学琴缺乏信心,良好的“重量弹奏法”将会帮助你走上钢琴演奏之路。它的音色应该丰满而富于弹性的,可参考下面方法进行练习：先从断奏入手。掌握断奏的关键是手臂自然垂落与手指支撑的相互结合。
二、加强学生了解钢琴的表现力
欣赏钢琴音乐作品，首先是听的问题。音乐作品是靠演唱、演奏进行传播的。传播手段都有一个“演”字,所以音乐是表演的艺术、表现的艺术。谈到表演、表现,我们就应该了解什么是表演?其实,钢琴的表演和其他舞台艺术一样,都是一种艺术创作。而这种艺术创作是靠情感和乐器来进行艺术生产的。也可以说,它是靠技术和表现力来进行艺术创作的。解决了技术之后,就必须具备优秀的表现力。艺术产品是精神产品,产品的优劣就要看表现力(艺术的再创造)如何了。有了优秀的表现力,在表演过程中才能有激情洋溢的创作热情与理智,以及自我控制结合起来,才能在演奏中做到真与美的交融。许多从事艺术的人都知道,艺术审美的第一位就是感觉,艺术生产的第一位也是感觉。钢琴演奏表现力的第一位,我认为还是对音乐的感觉。 因此,具备优秀表现力的人,一定有非常好的乐感。音乐艺术是感情的艺术,这种艺术也靠情感升华。钢琴就是通过旋律来表现人世间的喜、怒、哀、乐。音乐是一切艺术中最抒情的。既然音乐是表现情感,创造情感的艺术,那么作为演奏主体的人,有了浓烈的情感,才能和演奏的客体钢琴合成一体,进行生动的演绎,艺术的再创作。除此之外,人对艺术的情感和对作品的情感都能引发持续的、高昂的竞技状态。欣赏者只有通过理性的认识、理智的分析,从更广阔的视野,在更高层次上去理解和把握音乐作品,才能使感受到钢琴表现力的魅力。
钢琴作为一种乐器，自有其独特的魅力。它时而雄浑，时而柔美的音色，即可表现小溪流水潺潺，也可表现波涛汹涌。它蕴涵着无限的戏剧表现力，无论是花前月下，情意绵绵，还是慷慨激昂，威武雄壮，它都可以以自己不断变换的音色来体现。
三、循序渐进地欣赏钢琴音乐作品
欣赏著名钢琴曲应该不仅是觉得旋律优美,还要听出特别之处。欣赏著名钢琴曲应该也像欣赏诗歌一样要讲究方法，做到循序渐进地欣赏。
我们在欣赏钢琴音乐作品时，可从一些小的作品开始。如中国作品《牧童短笛》、《北风吹》。外国作品《土耳其进行曲》、《快乐的农夫》、《四小天鹅》等。这些小曲子音乐主体突出、形象鲜明、旋律性强，使人们极容易产生兴趣。然后再去欣赏一些较大的钢琴作品。如：贝多芬的奏鸣曲、肖邦即兴幻想曲、叙事曲、协奏曲，中国作品黄河协奏等等。我们欣赏作品时，要善于捕捉音乐的主题、副题；横向、纵向的旋律和声；敢于想象音乐的意境，并去感受、体会、听辩不同作品的风格特点，感悟音乐不同音响的内涵。欣赏钢琴音乐作品是知识与想象的积累，是审美的提高。音乐是积聚灵感，催感，激活想象的艺术，它作为素质教育的重要内容和实施美育教育的重要途径。不仅能陶冶情操，提高素养。而且有助于开发智力。特别是在激活学生创新潜能方面有着十分重要的作用。
