西方音乐史论文范文

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第1篇

【关键词】音乐史论 教学改革 教学目标

音乐史课是高师音乐学专业的必修课程之一。如今，随着我国音乐教育事业的发展和现代化多媒体技术的应用以及网络资源的极大丰富，无论从音乐史课程的教材的编写、教学资源的利用等方面都非昔日可比。然而发人深思的是，在各大高校的本专科音乐学专业的课程中，音乐史论课正陷入一个尴尬的境地。

在目前高师音乐诸多课程的设置中，技能课是首先受到重视的，因其在学生未来的职业生涯中，将是大部分学生用以谋业的工具；其次是和声、曲式等技术理论课程，一方面学生在学习技能课的过程中必须掌握相关理论知识，另一方面对于有深造要求的学生，这些课程乃是晋级的阶梯；相比之下，音乐史类课程则备受冷遇。学生普遍感到上课形式大于内容，考试以背记题目大纲或拼凑论文从容应对。此种现状与音乐史课开设的诉求已是南辕北辙，与新课程标准所体现的课改精神更是相去甚远。因此，在多数音乐史课已成为摆设的今天，反思音乐史课程开设的功能，以新课改精神为参照重新审视音乐是课程的意义，成为高师音乐史论教师刻不容缓的要务。

一、音乐史课程设置现状及开设目标

高师音乐史论课程一般分为西方音乐史、世界民族音乐史、中国古代音乐史及中国近现代音乐史。课程的开设时间多为一学期或一学年。应当说，要在短短一两个学期、几十个学时内将这些门类的音乐史论做完整全面的理论阐述，又要包含相应的音乐欣赏，是较为艰巨的任务。以西方音乐史为例，即使最简明的教材也涉及七个历史阶段、百余位音乐家的数百首作品。在这种情况下，高度的概括、填鸭式的灌输是很难避免的。对学生来说，最有成效的学习方法是配合教师，将音乐发展史作走马观花式的观照。在这个过程中，教与学的双方都陷于史实的铺陈而无暇旁顾。人人都不满于此种现状，但要做根本性的改观却又很难实现。

如何使史论课成为人们理想中的史论课，思考这个问题之前，我们首先应当清晰界定的是，怎样的音乐史论课是理想的史论课。国家颁布的艺术课程标准中有这样的描述：艺术课程应当具有人文性、综合性、创造性、愉悦性和经典性；艺术课程要具有创造价值、鉴赏价值、情感价值、智能价值和文化价值。

如果上述标准仍不能给人以具体而切实的印象，或许借助来自异国冷静的审视目光有助于更加澄清思路。《音乐教育的哲学》一书的作者，来自美国的音乐教育课程理论学家贝内特・雷莫在对中国的音乐教育体系进行研究后指出，“中国传统的学校音乐教学几乎完全重在培养一套狭隘的表演、听力和记谱技能……但是，在美国，理想的教师是鼓励对音乐以尽可能多的方式进行开放自由的探索的人，以广泛、深刻、音乐性的理解为首要目标……换言之，在美国，理想的境界是提供一种音乐性的教育而不是音乐培训。”

比较上述两种标准不难看出，在中西文化交流如此频繁的今天，各国艺术教育的观念已经越来越倾向一致，我国的改革思路是符合国际艺术教育发展趋势的，人文性、综合性、愉悦性和探索性是收到如今世界教育界普遍任可的衡量标准。面对这样的标准，作为音乐史论课的教授者或许应当庆幸――音乐史论课比技能课或者其它基础理论课有着天然的优势，没有一门课程比音乐史论更容易实现上述准则的统一。

二、近年来音乐史课堂教学改革的尝试

潮头所趋，近年来音乐史论课堂教学改革的尝试已经不是鲜见之举，阐述改革探索经验的学术成果也常见诸报端。如何改变现状，使音乐史论课堂摆脱沉闷乏味的课堂氛围、引起学生的共鸣，增强趣味性与创造性，将音乐史论课的优势真正发挥出来，经过一线从教者们的思索与总结，大致显现了如下几种改革思路：

第一，教学内容的优化选择。将内容进行优化和重现组合，突出教学重点，使学生在学习中对音乐史上最有影响的作曲家和作品得以深入的了解。对重点之外的知识点则做一般性的介绍，或放在课余由学生自学完成。这一做法的好处是，避免了走马观花式的课堂灌输，学生对于课堂知识有充足的时间进行细致的学习、思考和消化，而不是蜻蜓点水式的简单了解。与传统的照搬教材内容的做法相比，这有助于启发学生对知识深层探索的兴趣。

第二，教学手段的更新。将多媒体应用于教学的做法如今已经在高校课堂上普及，而网络技术的飞速发展为史论课堂注入了更多的新鲜活力。与十年前的音乐史论课堂相比，如今我们有了更优越的教学条件，借助网络搜集与课题相关的图片、文字、乐谱、影像是一项并不困难的工作，教材上抽象的文字转变成鲜活的画面和音响，对于学生来说更乐于接受、容易理解。

第三，教学思路的拓展。在音乐史论课中打破按照历史时期排序的、单一线条的讲解模式，按照一定规律将同一层次的内容做联系和比较以增强学生对音乐发展史多维的、立体的了解。在此类论作中，较常见的观点是将传统的音乐时期模块改为以时间顺序为基础、按照音乐作品的体裁风格的转变为教学线索进行讲授，以引起学生对音乐本体发展变化的兴趣，并有利于他们结合自己的专业有选择的进行深入钻研。

蔡良玉先生的《对西方音乐史教学中中西音乐比较视野的思考》一文则在这方面提供了更为宏阔的思路。文中将古希腊《荷马史诗》与我国的《诗经》、古希腊的音乐哲学和我国早期儒家音乐思想等五项音乐现象进行了对比研究，从而提出了打破学科内割裂的现象、尝试跨学科教学与研究的价值所在。

同样值得关注的还有逸兵的《作为文化现场的“西方音乐”――对西方音乐史教学的一点思考》。文章提出，音乐是一个国家和民族文明的外在表现样式之一，离开了对当时民族文化内涵（文中称为“文化现场”）的基本了解，是无法达到完整捕捉音乐载体信息的目的的。这一观点对音乐史论课深度的开掘提示了有效的途径。

三、高师音乐史论课堂将走向何方

拨开纷繁复杂的观点，音乐史论课开设功能与意义的实现依然离不开对一堂音乐史课的具体环节的思考与勾勒。一堂音乐史课应当帮助学生了解和掌握些什么？在有限的几十个学时中该侧重基础知识的传输还是听赏？从学生的学习收获的角度也许更容易探索这些问题的答案。

（一）基础知识

基础知识的累积是每门学科的学习的前提和必要条件。在音乐史论课程中，关于音乐时期、音乐体裁的基本涵义、每个时期代表作曲家的创作领域和代表作品甚至重要作品的主题等常识型内容皆属于基础知识的范畴。虽然将史论课等同于把这些知识点进行简单灌输是不可取的，但离开了学生对这些知识的认知和记忆，达到更深层的教学目标就是一句空话，犹如离开了文字却要探讨文学。所以，对于基础知识的强制性记忆是必不可少的。那么，基础知识的获取应当依靠什么方法完成呢？按照普通的高师学生的学习能力，通过参照教科书和查阅资料完全可以达到对这部分知识的了解。音乐史教师完全可以放手将这部分内容变为学生的自学内容，并通过制做词条等方式将学生被动的、机械的抄写记忆过程变成学生主动查资料、做笔记的创造性过程。这一方面避免了教师在课堂上照本宣科给学生造成厌倦心理，另一方面大大加速了学生对知识的理解和记忆。

（二）赏析训练

音乐史课必然包含音乐材料的赏析，但课堂上匆匆的听赏通常犹如走马观花，教师的分析和讲述也多流于空泛――“蕴含了丰富的哲学思想”、“旋律性极强”、“擅长对气氛的渲染”等语句很难令人留下深刻的印象。大量的欣赏内容需要充足的时间作为保证；对于很多篇幅长大的作品，如西方音乐史中的交响乐作品，需要大量的时间和反复的聆听才能使人有比较完整的印象。这样耗时的功课放在课上进行会占据太多时间、影响教学进程，在课下又很难监督学生的完成情况。因此，赏析训练适宜将课下的赏与课上的“析”结合进行。教师在课堂上以“析”为主，从作品的背景、主题、结构、和声、曲式等方面带领学生剖析音乐，并以之作为学生课后听赏的指导，引起学生探索与印证的兴趣；课后学生则可以从容的进行反复听赏，并将所想所得在下次课上反馈、讨论。这样既大大节省了课堂上时间、保证了进度，又使欣赏的效果得到保证，同时还能调动学生主动学习和课堂互动的积极性，可谓一举三得。

（三）音乐史论之“论”

在基础知识得以巩固、赏析材料充分熟悉后，音乐史课最重要的部分，“史论”之“论”就有了实践的基础。回顾上文，音乐史课所要达到的目标――人文性和创造性之所以有得以实现的可能，并非因为音乐史课是简单的基础知识和欣赏内容的叠加，而是因为在课堂上能给学生提供一方思辨的天空。

音乐史作为人文学科，其阐述必然与各种学术观点息息相关，教材的选用、教师的知识结构和主观视角都会影响对一段历史、一首作品或一个音乐家的印象与评价。将观点与史实区别开来，这是史论课上极易被忽视的。尤其在音乐本体赏析的环节，每个人对于作品所产生的高度个人化的感受是千差万别的，在这一基础上产生的观点自然会有差异。不同观点的显现与交流则是学生思辨的最佳启蒙方式。

以论文的形式进行考核是音乐史教师经常采用的方法，也是有效的促进学生深入学习研究的途径。但学生对于这样的功常常是一抄了之，论文变成史实的陈述，无论点可言。因此，论文写作之初，教师对学生立论的引导就显得十分关键。

乘着新课改的春风，音乐史论课程的教学改革方兴未艾。但不可否认，教学改革措施从理论成果到课堂实践再到成功地系统化与定型推广，仍然是前路漫漫。更新教育理念、不断探索更加有效的教学方法，应当是音乐史论教师贯穿于教育实践的不懈追求，只有这样，音乐史论课才能够向着真正的素质教育的方向顺利发展前行。

参考文献：

[1]音乐史论问题研究，于润洋，中央音乐学院出版社，2004年1月第一版.

[2]作为“文化现场”的西方音乐――对西方音乐史教学的一点思考，逸兵，艺术百家2006年第四期.

第2篇

关键词：音乐新课程；《西方音乐史与名作赏析》；教学改革

随着国家教育部《基础教育课程改革纲要（试行）》的颁布，标志着我国基础教育进入一个崭新的时代――课程改革时代。音乐课程作为基础教育课程的组成部分，正在经历着这场变革，并以令人瞩目的速度向前推进。它以新的理念、新的教材、新的内容、新的目标、新的评价等强烈冲击着现有的师范教育体系，使高等师范（以下简称高师）音乐教育课程改革势在必行。

《西方音乐史与名作赏析》作为高师音乐学学科的核心课程、基础必修课程，它在培养合格中小学音乐师资中发挥着举足轻重的作用。然而，由于几十年来，我国承袭原苏联的教学体制结构，一直采取教师讲授为主，学生听记为载体的被动教学形式。加上又存在该课程与其它音乐理论课、人文类课程以及社会生活联系贫乏的状况，难以使该课程的教学在培养音乐新课程所要求的新型师资中发挥应有的作用。为此，笔者试图依据音乐新课标的基本理念、总目标以及教学领域的整合与拓展，结合《西方音乐史与名作赏析》的课程性质与目标，对该课程的教学改革提出几点个人观点和看法，为教学实践提供有益参照。

一、更新教学观念

高师音乐教育专业是培养中小学音乐师资的摇篮，作为主干课程、核心课程的《西方音乐史与名作赏析》在丰富学生的音乐文化知识、提高学生的音乐审美能力与鉴赏水平以及音乐理论素养等方面扮演着重要的角色。因此，笔者认为不断更新教学观念是发挥该课程教学效力的前提条件。

第一，确立“高师音乐教育专业的课程改革与中小学音乐课程标准有机联系”的观念。目前我国高师音乐教育专业的课程改革普遍滞后于轰轰烈烈的基础教育音乐课程改革，尤其是缺乏与中小学音乐课程标准的有机联系。这就导致很多课程的教学脱离中小学音乐教学的实际，影响到人才培养的规格大小与质量高低，音乐新课程的有效实施与素质教育的顺利推进也受到一定程度的阻碍。

第二、确立“以学生为主体，营造师生互动促进教学”的观念。传统教学过分强调教师的主导功能，学生的主体地位丧失了，成为知识的“接收器”，抹杀了学生多方面的才能。而教学是一个双边活动，不能只注重教师的教，应充分尊重学生的主体地位，努力营造和扩展学生参与、思考、交流的空间，使学生在课堂上处于主动思维、积极探讨的活跃状态。这样的师生互动局面必定能使西方音乐史这样的“史”课活起来，教学效果也相应得到提高。

第三，树立“教学方法多样化”的观念。以往西方音乐史的教学方法单一，教师“一支粉笔一张嘴，四十五分钟独角戏”的现象普遍存在。而今，教师们意识到音乐史论课程的教学也需要灵活多样的方式、方法，单一的教学方法只会造成教学效果的衰落。为此，笔者建议应根据教学内容的不同选择相应的教学方法，如综合、灵活地运用聆听法、多媒体教学法、实践体验法、欣赏法、阅读法、讨论法、发现法、多学科、多视域交融法等。只要学生欢迎又能提高教学效果的就该大胆采用。

二、扩展教学思路与教学视域

长期以来很多高师音乐系科在西方音乐史的教学中，要么仅仅局限于作曲家和音乐作品的介绍；要么囿于传统思维模式，把《西方音乐史》教学限定于西方音乐历史本身的领域与范畴之内，教学呈线性模式，割裂与其他边缘学科以及社会生活的联系。显然，这种单一的课程教学模式无法达到《西方音乐史与名作赏析》的课程目标，也不能培养出胜任音乐新课程教学的教师。因此，笔者认为应在《西方音乐史与名作赏析》的课堂上扩展教学思路与教学视域。

殊不知，一部音乐史既是音乐形态发展史，更是人类社会的情感史；既要研究音乐艺术的社会意义，也要研究音乐艺术审美价值的意义。因此，在西方音乐史的教学中就应在文化史、艺术史的大背景下审视音乐风格的演变，认识各个音乐流派，领略音乐艺术的美学特征。也就是说，在讲授西方音乐历史发展的过程中，不能仅仅局限于音乐自身形态的发展变化，而要把这种变化放在其生长的历史文化背景、艺术的大环境中来考察，把各种影响音乐发展的思潮、事件、观念等因素融入到教学中，使学生学会运用历史的和辩证的眼光看待西方音乐历史发展的全貌。

此外，西方音乐史的教师应跳出单纯以“史”论“史”的局限，做到多种相关学科的融合。如将美术、文学、哲学、风俗学以及社会学等内容适当引入西方音乐史的教学，扩展学生的知识面。鼓励学生充分利用丰富的社会资源，如聆听现场音乐会，参观各种艺术展览活动、名人故居、历史博物馆等，开拓学生的艺术视野。

三、深化教学内容改革

高师音乐教育专业不是培养音乐家，而是培养音乐教育人才，应以基础教育音乐新课程对教师所提出的更新、更高的要求作为出发点和最终目标。《西方音乐史与名作赏析》是高师音乐院系音乐学专业的基础必修课程，其在教学中必须体现“师范性”，即重全面、厚基础而不求其精，重素质、厚创新而不求其深。因此，笔者作为一名教授《西方音乐史与名作赏析》课程的教师，认为该课程的教学应在教学内容上做出一些切实可行的改革，即既要符合大部分高师音乐专业学生基础较为薄弱的现状，又要有利于他们将来能自如应对音乐新课程的教学。

（一）教学内容要以音乐审美为核心

在《全日制义务教育音乐课程标准(试验稿)》中明确指出“音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。”《西方音乐史与名作赏析》是一门博大精深的音乐理论课，涵盖了从古希腊至二十世纪西方音乐文化发展的历史，赫赫有名的作曲家层出不穷，经久不衰的音乐名作浩如烟海，各时期、各流派的音乐风格精彩纷呈。可见，如此卷轶浩繁的西方音乐历史、浩瀚无际的音乐作品、纷繁复杂的历史背景都为教师挑选出让学生做出审美观察和反映的音乐作品提供了巨大空间。然而，在西方音乐历史的长河中某些作曲家或作品具有重要的价值和意义，但由于时代久远以及和声、曲式、复调、配器等诸多音乐表现手段复杂多变等原因，很难让初次接触他们的学生立刻产生审美反映。此时，教师可以通过讲解该作曲家所处的历史时代、社会背景、人文环境，并借助相关的姊妹艺术（如美术、建筑、雕塑、诗歌等）帮助学生了解该时代的风格特征，进而使学生产生对该作曲家及其作品的审美体验。例如：当讲到巴赫的赋格曲时，可以先让学生感受同时代建筑和美术的风格特征，以此加强他们对复调音乐的感知能力，在此基础上产生对复调音乐的审美体验，领略巴赫作为复调音乐大师的独特魅力。

此外，还可以通过给学生播放运用现代手法表现古典音乐的录像帮助学生获得审美理解，提高审美体验能力。例如：迪斯尼制作的一张《幻想曲2000》，其中将巴赫的《d小调托卡塔与赋格》配上色彩斑斓的线条，使得原本高深莫测的复调音乐在流动的线条中变得异常形象、生动。此时的学生在充分感受音乐音响的形态时，也逐步体验到其中丰富的内涵，并从音乐形式与内涵的完美结合、高度统一中品味音乐，产生审美愉悦，获得全新的音乐审美体验。

（二）从符合学生审美心理的角度出发调整教学内容的先后顺序

大部分教师在西方音乐史的教学中以时间线索为脉搏，从古希腊、古罗马时期一直讲到20世纪现代音乐。在此过程中会碰到大量的音乐作品，这些作品不仅内容、形式、体裁、题材都非常广泛，而且又具有高度专业化的作曲技巧，如和声、复调、配器、曲式结构等。由于高师音乐教育专业的学生普遍存在基础较为薄弱、音乐涵养不深以及音乐分析能力不强的缺陷，在接触到海顿、莫扎特和贝多芬的大型奏鸣曲、歌剧和交响曲时，必然会出现听不懂的现象。为此，我们提倡从符合学生审美心理的角度出发，先给学生讲解十九世纪浪漫主义时期短小抒情的钢琴小品、艺术歌曲，再到大型套曲、奏鸣曲、赋格曲、交响曲等，由浅入深、步步深入。之后再回溯到18世纪古典主义时期甚至更久远的时期，最后进入到20世纪的音乐。这样由简到繁的安排教学内容，有利于学生理解音乐的能力逐步得到增强。与此同时，学生的音乐鉴赏能力、审美品味、艺术修养以及理论素养都会得到大幅度的提高，而这些正是作为一名合格中小学音乐教师所应具备的素质与能力。

四、积极推进教学方法改革

《西方音乐史与名作赏析》的课程目标要求该课程的教学不仅要使学生获得大量西方音乐文化知识，还必须培养学生的音乐分析能力、知识的综合运用能力以及论文写作等多方面的能力。然而，令人遗憾的是相当一部分西方音乐史的教师在教学中只会运用“ 填鸭式” 的讲解方法向学生灌输音乐史的知识点，这种“满堂灌”的教学模式不仅不能激发学生的学习兴趣，而且也不利于学生发现问题、分析问题与解决问题的能力的培养与提高，最终导致培养出来的人才不适应音乐新课程的教学。因此，改进传统的教学方法已成为当务之急。

（一）采用多学科、多视域交融法

多学科、多视域交融是将西方音乐史与相关的文化、艺术领域结合，例如音乐与文学、诗歌、舞蹈、宗教、美术、电影等，借助这些相关文化、艺术等领域不仅开阔了学生的视野，便于学生从多方位了解作曲家、作品，领悟作品的深刻内涵，而且让繁复艰深的音乐史这样的“史”课更为生动、鲜活，易于学生接受。这样的教学使“提倡学科综合，理解多元音乐文化”的基本理念更加深入人心，以至于将来能把它贯穿到音乐新课程的教学中。

（二）灵活使用多媒体教学法

西方音乐史的教学内容和范围既庞大又复杂，包括数不胜数的作曲家、不胜枚举的音乐珍品、悠远漫长的历史跨度以及纷繁多变的风格流派等。教师在讲解过程中若能灵活使用多媒体课件辅助教学，围绕特定内容展示丰富的文献资料、图片信息、乐谱和音响等材料对提高教学效果是大有裨益的。例如，在讲授“中世纪音乐”时，可以通过多媒体课件向学生展示此时期代表性的教堂建筑图片，如巴黎圣母院、圣斯提凡大教堂、圣马可大教堂、比萨大教堂、科隆大教堂、米兰大教堂等建筑。这些壮观神圣、凝重深邃的建筑带给学生强烈的视觉震撼。与此同时，配合播放中世纪的奥尔加农、经文歌等。学生在多种感官参与的过程中获得对中世纪音乐的立体的风格印象，从而充分感受到中世纪基督教音乐文化的灿烂辉煌。

（三）尝试实践体验式方法

《西方音乐史与名作赏析》的教学离不开音乐作品，在强化学生对音乐作品听赏的同时，还应鼓励学生尝试演唱或演奏作品。例如，为了加深学生对早期复音音乐的认识，除了给学生聆听奥尔加农、第斯康特及经文歌等多声部音乐外，还可以组织学生分声部演唱。通过亲自参与演唱的方式加深对早期复音音乐的印象、认识与理解。在接触到各种音乐体裁时，如艺术歌曲、歌剧咏叹调都可以让学生通过学唱的方式感受它们的风格特征、思想内涵等；像钢琴小品、小奏鸣曲这样的器乐体裁也是音乐专业大部分学生容易把握的，可以鼓励学生演奏作品获得对该作品及其创作者的深刻认识。这与音乐新课标提倡的“重视音乐实践”的教学理念是相符的。

（四）多采用讨论式、互动式方法

讲授法是音乐史课最常用、最广泛的教学方法之一，但单纯的讲授法会使课堂气氛沉闷，学生处于被动接受的状态，倍感枯燥乏味，教学效果可想而知。为此，教师在讲解的同时应注重启发学生的思维和想象，挖掘学生的创造性思维潜能，善于采用讨论式、互动式方法充分调动学生的积极性，激起学生参与课堂的欲望，发挥学生的主体作用，建立平等的师生关系，营造自由、民主、开放的学习氛围，让学生在谐和的氛围中享受学习的乐趣，大大提高教学效果。这种以学生为本、以学生自主、积极参与学习的教学方法的使用，不仅让学生学会如何学习，提高发现问题、研究问题的能力，更重要的是以后会自觉地将这些教学方法运用到中小学音乐新课程的教学中。

结语

在基础教育音乐课程改革已走过十多个年头的今天，高师音乐教育课程改革也在不断向纵深发展。《西方音乐史与名作赏析》是高师音乐教育专业一门重要的史论课程，作为教授该课程的教师应充分挖掘其培养人才的内在功效，不断探索教学方法的改革，促进人才培养质量的提高。这不仅体现了音乐新课标的课改精神, 也是当前高师音乐教育课程改革的大势所趋。

参考文献：

[1]金亚文主编.小学音乐新课程教学法[M].北京：高等教育

出版社，2003：23―113.

[2].高师西方音乐史教学的优化途径［J］.中国音乐，

2007（3）：96―98.

[3]李晶.西方音乐史多媒体课件教学的探索与思考［J］.音

乐探索，2007（4）：107―109.

[4]周炜娟.重新审视高师音乐教育中的史论课――《西方音

乐史与欣赏》课程教学改革［J］.艺术百家，2006

第3篇

关键词：互联网时代；西方音乐史；教学方式；E时代―微生活特征

0 前言

二十一世纪已经过去的十三年，正是互联网飞速发展，人们生活的方方面面均为之而发生巨大变革的十三年。在这一时期内，互联网经过了二十世纪九十年代中后期的前期酝酿与技术储备，现正体现出前所未有的蓬勃发展之势。这种急速上扬（所谓“E时代”、“微生活”）的趋势已然成为现而今世界各国所无法回避的时代主旋，中国网民的数量已经毫无悬念地稳居世界第一。互联网在信息娱乐、通讯、电子商务、网络化办公以及多媒体教学等领域对传统的生活、工作及学习方式均提出了严峻的挑战。

如果说以70后高校学子（二十世纪九十年代高等教育中最先接触互联网的一代年轻人――以286、386、DS系统、五笔输入法为代表）的主流群体是中国互联网成长的第一代亲历与见证者的话，作为现当下中国网民的分界点，80后、90后群体已然成为网络化生活的时尚风向标与主导力量。特别值得注意的是，00后的青少年群体对于以iphone、ipaid为主流的触屏网络新潮流所表现出的带有天然本能化的接受、应用与创新，更加加深了得我们对于互联网在青少年成长过程中不可或缺作用的深层次的思索。

作为当下高等教育中本科阶段的主流人群，90后自有其带有鲜明时代烙印的群体性特点――E时代―微生活特征。笔者在此不揣冒昧，试将之定义为：个人生活中对于网络终端及全时在线的极度依赖，以及以微博、微信为代表的各种新兴的网络化生活方式的全面应用为主的个体行为特征。上述特征已然成了90后非常重要的一种群体化属性，主要表现在网上购物、支付、网络下载（音视频、游戏、小说、文档――包括各种相关论文等）、交友、通讯联络、虚拟社会体验等方面。

这一新的情况的出现，必然在社会生活的方方面面发生和正在发生着不同寻常的影响。对于高等教育来说，这种影响对以传统方式为主的课程教学模式必然产生巨大的冲击，对于西方音乐史课程教学来讲，这种影响已经体现得较为突出，并将继续持续下去。

1 课程教学所面临的相关问题

在目前的高等院校音乐表演及音乐学专业西方音乐史课程教学中所存在的教师敷衍塞责，无心恋战（间或虽有主观热情），但学生普遍厌学情绪较为严重的情况并不罕见。除掉极为少数的教师在较深的专业理论素养，同合理化并富于个人魅力的教学手段的共同作用之下所出现的较好的课堂秩序和教学效果以外，则上述笔者所提出的问题不仅在西方音乐史教学领域表现得较为明显，即便在音乐学其他的相关基础理论学科中作为一种常态化的客观存在已经是一个不争的事实。不同的时代有不同问题，学生对于课程的厌学情绪是复杂的，是由多方面的因素综合促成的。并不能一味地将学生的厌学简单地归纳为独生子女、娇生惯养，迁罪于社会风气的影响。关于其他方面因素的影响自然并非本文所能涵盖，也并非本文所关注的要点。对于当下西方音乐史课程教学来讲，与2000年以前的教学情况相比较，受到互联网（正负面）影响的情况主要体现在以下几点：

（1）学生的兴趣更为多元，对于音乐学基础理论课程的关注度更低。（2）学生获取知识的渠道更广，以百度百科（文库）、维基百科、360百科、知网、万方数据等为代表的互联网搜索引擎几乎可以满足所有西方音乐史领域问题的解答。同时，使用优酷、土豆等网站下载西方音乐名作音视频，在线或下载观看国家级、省级各级网上精品视频课等等愈发成为普遍的现象。这一现象的直接影响，也是大家心照不宣，但均对此集体失语的就是西方音乐史课程辅助教学资源的前所未有的共享性，即以往教师所视若珍宝的文献以及音视频资料，教师与学生的获取方式是同样的，瓦解了以往教师对于资料的独家占有。这一现象颇类似于欧洲文艺复兴时期以后，科技的进步与纸张与印刷术的出现，使得《圣经》成了识字的人人尽可读的普通读物，传统意义上的由教士解读的时代则一去不返。（3）由此而带来前所未有的对教师个人教学能力与权威普遍的信任危机，这也是所有从事西方音乐史教学的教师所不得不面对的尴尬问题。上述问题的综合，自然导致了课程教学进行所带来的教与学两方面的积极性不高，课程在学生培养方案及专业学习过程中作用下降等亟待破解的难题。

2 应对办法

作为一名70中，曾经在二十世纪九十年代中期接受过高等艺术类教育中西方音乐史课程学习的一名的大学生来说，对于授课教师在黑板上勤于板书，学生伏案奋笔疾书的视觉画面，笔者至今回想起来恍若昨天。对于教材重视、对于主讲教师的尊重与当下的大学生是不可同日而语的。在今天的西方音乐史课堂上我们绝不可能要求学生再像从前一样。那么我们的教学培养目标该如何修订？教学重难点应该体现在哪里？教学方式以及手段的运用又该出现哪些新的变化？师道的尊严又在何方？――这些均是我们每一位从事西方音乐史教学的教师所不能回避又亟待解答的问题。

古语有云：读史使人明志，以史为鉴，使人知得失。任何一门专业，一门学科只有上升到历史概括的高度才能够获得真正地发展。因此，从该课程在西方音乐学习过程中的地位来讲，主要的作用是为学习者介绍西方音乐的发展变迁过程，同时在纷纭复杂的音乐现象背后剥茧抽丝，寻找出内在的音乐与历史的逻辑规律，并对现当代的音乐创作、表演、欣赏提供有价值的借鉴。但是，面对如此繁多琐碎的历史资料，永远不可能穷尽的音乐音响，教师个人终其一生所能够掌握的只能是沧海一粟。

但荀子《劝学》篇中所言“君子生非异也，善假于物也”；两千多年以前古希腊苏格拉底的启发辩难式教学，“我平生只知道一件事就是我一无所知”，对学生“认识你自己”充分的人格与能力信任与主体性地位的尊重，都为我们在新时期西方音乐史课程教学带来了新的启示，提供了新的思路。

（1）在这样一种新的学科背景与时代背景下，笔者认为教学过程中应该对于西方音乐史教学的切入点进行重新地解读与研判。教师个体的学缘结构及个体差异性的不同，决定了其在教学方式手段上必然应该有所不同。可以选择的教学切入较多点，例如偏重于历史人文关怀、音乐技法变迁、风格流变过程等等均无不可。

（2）教师的作用及角色转换：在传统的“一言堂”、“满堂灌”的基础上向原始教学方式回归。在保证教师有效驾驭课堂前提下，如何最充分地发挥学生的主观能动性，积极利用互联网为我们带来的教学方面的教学辅助作用。在加强网络学科最新前沿知识了解与学习的同时，更加突出西方音乐史的纵向脉络梳理、在纷纭复杂的音乐现象背后的历史逻辑与规律的总结与归纳，开放性地突出学生主体地位，个性化地（教师本人与鼓励学生）解读西方音乐历史。

历史与时代要求我们，必须正视互联网这一把双刃剑。应该说互联网技术的发展所带来的海量媒介资讯与新的生活方式乃至与思维观念的变化对于教师与学生是完全平等的。教学指导思想转变在于教师在业务上必须要自觉能动地独立思考并学以致用，而非传统意义上低层次之记问之学；网络上音视频下载能够极大丰富音响听辨，活化书本上枯燥单调的文字历史记录。网上精品视频课程的收看在接受名师指点的同时更加深了我们对于问题的思索。教师充分利用，合理引导，互动式、启发式、专项课题分工合作式等等的多种方法的综合运用将会极大地盘活我们的课程教学。

3 具体举措

教学方法从来不是单一的，教学手段必然也应该是多样的。正所谓“世易时移，变法宜矣”。笔者认为：术业有专攻，方向有不同。教师首先应该在尽可能全面的同时，扬长避短，充分发挥自己的专业优势。例如笔者专业主攻方向在于西方音乐史中音乐风格、音乐表演美学的流变研究领域。在实际的教学过程中着力突出以此为主线，辅以哲学、人文、历史、人物、作品。将时间――地点――人物――事件（作品）――影响有效贯穿，恰当地利用互联网这一优势平台，充分整合教学资源，力争做到多视域融合，具体举措如下：

（1）通过建立个性化的教师个人博客主页，在博客中提前给出新授课程主要内容，纲要、重难点，课堂上所要互动探讨的问题，课程进行所涉及的音响资料片段，相关章节精品视频课网上链接等。（2）通过建立QQ群以及微信群，实时参与解答学生所提出的问题，通过启发、鼓励，积极调动学生对于课程学习的热情和积极性，同时对于临时突发性的情况，例如：调换课，教师、学生请假通知等等也可以做到第一时间和广而告之。（3）学年小论文、专题课程研讨PPT以及创意大纲等可以通过网上邮箱、离线文件等及时传输，以方便学生与授课教师之间及时交换意见，提出解决方案。

4 结语

严格意义上来讲，上述文中笔者所阐述的观点已经具有了泛专业的意义。如果泛而论之，音乐学基础理论课程或多或少均存在着上述笔者所提出的问题。无视其存在，依然固我的沿用传统教学模式显然并不是与时俱进，符合唯物辩证法的做法，教学效果差强人意也在情理之中。

面对新的历史条件下所出现的新问题，笔者所提出的西方音乐史课程教学方式以及手段的革新只是顺应问题所提出的一种理论构想，其可行性与现实操作性必然会引起本专业及相关同行及专家的热议。但笔者的整体教学思路并没有受到这种方式的形式化的影响。西方音乐史课程的音乐学基础理论课程的性质是不会改变的，同时，教师作为传统教学模式课堂上的主导因素也是不会改变的。最终目标是要达到通过形式的革新，方法手段的丰富能够使学生更好地学会独立思考、自主创新、对于西方音乐的历史脉络能够在头脑中形成较为清晰的网状结构，对于专业的学习提供较为扎实的理论支撑这一根本任务。

参考文献：

[1] 于润洋.音乐史论问题研究[M].中央音乐学院出版社，2006.

[2] 于润洋.音乐史论新稿[M].人民音乐出版社，2003.

[3] 于润洋.现代西方音乐哲学导论[M].人民音乐出版社，2012.

[4] 杰弗里・斯蒂伯.我们改变了互联网，还是互联网改变了我们？[M].李昕，译.中信出版社，2010.

[5] 詹姆斯・E・凯茨，罗纳德・E・莱斯.互联网使用的社会影响[M].郝芳，刘长江，译.商务印书馆，2007.

[6] 张前，于润洋.音乐的意义与表现[M].湖南文艺出版社，2007.

第4篇

一、引遵国外音乐学研究的新成果，为中国的音乐学学科建设提供借鉴

由于近现代意义上的中国的音乐学学科建设是在“西学东渐”的历史背景下开始的，其学科建设的理念、理论基础、架构模式、研究方法、研究成果及其分支学科的设置和建构等都需要从欧美地区的音乐学学科建设中引进范式、经验，以资借鉴，所以在上世纪前半叶，中国音乐界或者是有大量的留学生赴欧美留学，学成归国，在实际研究、教学工作中传播欧美各国的音乐学学科理论，或者是大量译介欧美学者的音乐学研究成果，运用在教学、研究工作之中。人民音乐出版社于1954年成立以来，在译介欧美学者音乐学研究成果方面的贡献是显著的。

建国初期，在“一边倒”的政治背景下，人民音乐出版社主要译介的是苏联和欧洲社会主义国家如：波兰、匈牙利、捷克斯洛伐克、东德等国的音乐学理论著作，如苏联的A.康津斯基等《西洋音乐通史（第一、二册）》、IO.凯尔第什《俄罗斯音乐史》、克列姆疗夫《音乐美学问题概论》、玛采尔《论旋律》、加拉茨卡娅等《外国音乐名作（1-4）》、斯波索宾等《和声学》、《曲式学》、斯克勃列科夫《复调音乐》、瓦西连科《交响配器法》、阿拉波夫《音乐作品分析》和匈牙利的B.萨波奇《旋律史》、波兰的丽莎《音乐美学问题》等。为对西方音乐史学、音乐美学、作曲技法理论、旋律学的研究提供了参照系，起到重要的促进作用i为音乐史和作曲技法理论的教学提供了相关的课程教材，有利于专业音乐学校和普通学校音乐教育教学质量水平的提高。

改革开放以来，随着国际交流的扩大和频繁，人民音乐出版社对国外音乐学名著的译介不仅地区、国家增多，而且领域、品种也日趋丰富。出版了美国的H.朗格《十九世纪西方音乐文化》、P.汉森《二十世纪音乐概论》、E・索森《美国黑人音乐史》、N.斯洛尼姆斯基《拉丁美洲的音乐》、D.柯克《音乐语言》、萨姆・摩根斯坦《作曲家论音乐》、佩尔西凯蒂《二十世纪和声――音乐创作的理论与实践》、莫・卡纳《当代和声――二十世纪和声研究》，米盖等《理解后调性音乐》、艾伦・帕・梅利亚姆《音乐人类学》、约翰・布莱金《人的音乐性》、贝内特・雷然《音乐教育的哲学》及《音乐教育的哲学：推进愿景》，克尔曼《沉思音乐――挑战音乐学》、格劳特・帕利斯卡《西方音乐史》（第六版）；奥地利的E.汉斯立克《论音乐的美》、E.托赫《旋律学》；法国的郎多尔美《西方音乐史》、R.罗兰《贝多芬传》、查・柯克兰《对位法概要》、TH.杜勃瓦《赋格与对位教程》、维多尔《现代乐器学》、科尔托《钢琴技术的合理原则》：德国的H.迈耶尔《音乐美学若干问题》、F.魏因伽特纳《论贝多芬交响乐的演出》；英国的D.F.托维《交响音乐分析》、温奈斯特朗《二十世纪音乐精萃》、布克《音乐家心理学》；匈牙利的Z.柯达伊《论匈牙利民间音乐》、魏纳・莱奥《器乐曲式学》；日本的岸边成雄《古代丝绸之路的音乐》、星旭《日本音乐简史》、属启成《音乐史话》、林谦三《东亚乐器考》；加纳的J.H.克瓦本纳・恩凯蒂亚《非洲音乐》；朝鲜的文河渊《朝鲜音乐》；埃及的哈菲兹《阿拉伯音乐史》等。这些译著从不同视角介绍了音乐学的学科理论、作曲技法理论、各相关国家的音乐发展历史，为中国的音乐学研究者开拓了思路，提供了有益的借鉴。其中，《音乐人类学》和《音乐教育的哲学》的翻译出版，对中国音乐学术界了解、理解和研究该两门学科及其理论、方法起了重要的促进作用，并推动了该两门学科在中国的发展和进步：对西方现当代作曲技法理论的译介，开阔了我国音乐创作界的视野，引起了音乐界的普遍关注，有利于音乐创作界打破思维定势，追求在继承传统基础上的不断创新。

二、大量出版高质量的中国学者写作的音乐学专著，大力支持中国的音乐学学科建设

在中国音乐学的学科建设过程中，许多有识之士从一开始就立足于中华民族音乐的基础，借鉴国外的科学方法，致力于中国人的音乐学术研究工作，已经和正在出现一批优秀的成果。在这60年来，人民音乐出版社对这些成果是十分珍惜、爱护和支持的。

首先，对有突出贡献的老一辈音乐研究家的研究成果高度重视，从保护和传承非物质文化遗产的高度来认识，以出版物的形式对他们的研究成果和研究方法予以继承，既出版他们自身的研究成果，又出版对他们的研究历史、研究方法、研究贡献的研究成果。如：出版韩立文、毕兴编的《王光祈年谱》、王光祈《东方民族之音乐、东西乐制之研究（二种）》、本社编《中国近现代音乐家的故事》，陈伯吹、沈家英编著《中国古代音乐家故事》、育辉《刘天华音乐生涯》、杨荫浏《中国古代音乐史稿》《河北定县管乐曲集》，杨荫浏、阴法鲁《宋・姜白石创作歌曲研究》、廖辅叔《中国古代音乐简史》、查阜西编篡《存见古琴曲谱辑览》、缪天瑞《律学》《缪天瑞音乐文存》、傅惜华编《古典声乐论著丛编》、邱琼荪《白石道人歌曲通考》、吕骥《吕骥文选（上、下）》、李焕之《音乐创作散论》、李凌《音乐漫谈》、吉联抗译注《古代音乐论著译注小丛书――孔子、孟子、荀子、墨子等论音乐》、李纯一《先秦音乐史》、[明]朱载口撰，冯文慈点注《律学新说・中国古代音乐文献丛刊》、中国艺术研究院音乐研究所编《中国古代乐论选辑》、黄翔鹏《传统是一条河流》《溯流探源――中国传统音乐研究》等，对以上这些为我国的音乐学学科建设做出重要贡献的前辈音乐家和他们的著作进行出版具有音乐文化传承保存的意义，为后代留下了宝贵的音乐文化财富，成为我国音乐学学科建设的奠基之作和后人继续推进相关研究的重要的基础性经典性参照。

第二，及时关注各历史时期各研究者的优秀研究成果，通过出版给予支持，使之得以传播、推广，产生最大的社会效益。例如：在音乐美学、音乐批评学、音乐史学方面，出版了于润洋《音乐美学史学论稿》《现代西方音乐哲学导论》、何乾三选编《西方哲学家、文学家、音乐家论音乐》、张前《音乐欣赏心理分析》、蔡仲德《中国音乐美学史》《中国音乐美学史论》、许健《琴史初编》，吴钊、刘东升《中国音乐史论》、刘再生《中国古代音乐史简述》《中国近代音乐史简述》、明言《20世纪中国音乐批评导论》、中国音乐家协会《中国交响音乐博览》、中国当代音乐学课题组《中国当代音乐学》、汪毓和《中国近现代音乐史》《音乐史学研究与音乐史学批评》，刘东升、袁荃猷《中国音乐史图鉴》：在民族音乐学和中国传统音乐理论方面，出版了中国艺术研究院音乐研究所《民族音乐概论》、伍国栋《民族音乐学概论》、杜亚雄《民族音乐学》、周青青《中国民间音乐概论》、曾遂今《中国乐器志――气鸣卷》，王同、丁同俊、温和《汉魏乐府新考一汉乐府相和大曲及魏晋清商三调研究》、易存国《中国古琴艺术》、庄裙华《音乐文学概论》、郭树群《中国乐律学百年文论综录》、王耀华《音乐中的中国人》，王耀华、郭小利《文明古国的历史回响》，王耀华、王州、刘富琳《中华民族的心声》等。其中的《音乐美学史学论稿》《现代西方音乐哲学导论》《中国音乐美学史》等，代表了当代中国音乐学相关学术领域研究的最高水平，起了树立研究标杆的样板作用，无论是在研究视野或者是研究方法方面都给读者予以深刻的启示，引领着音乐学学科建设的前进方向。

第三，以深邃的历史、文化眼光，组织编撰多部音乐学系列丛书，进行文化积累。其中，比较重要的系列丛书有：1.祖振声、袁静芳、王耀华总主编《20世纪中国音乐史论研究文献综录系列》，含田青《佛教、基督教、少数民族宗教音乐》、史新民《道教音乐》、王耀华《20世纪新兴学科卷（上、下）》、袁静芳《传统器乐与乐种论著》、肖学俊《传统器乐与乐种论文综录（1901-1969）》、吴晓萍《传统器乐与乐种论文综录》（1970-1989），张伯瑜、谷雅《传统器乐与乐种论文综录》（1990-2000），李诗原、齐柏平《音乐表演艺术与作曲理论》，汪毓和、胡天虹《中国近现代音乐史（1901-1949）》、梁茂春《中国近现代音乐史（1950-2000）》、伍国栋《中国少数民族音乐》、樊祖荫《中国民间歌曲（上、下）》、姚艺君《中国戏曲音乐》、杨民康《民间歌舞》，冯光钰、李明正、周来达《曲艺音乐》等，从对中国传统音乐的各种体裁形式、各个历史时期音乐发展状况的研究角度，来总结20世纪中国音乐史、论研究的成果，留下了一份宝贵的综合性历史记录。2.戏曲音乐研究丛书，含：刘吉典《京剧音乐概论》、武俊达《昆曲唱腔研究》、《京剧唱腔研究》、广东省戏剧研究室《粤剧唱腔音乐概论》、武兆鹏《晋北道情音乐研究》、路应昆《高腔与川剧音乐》、黎建明《湘剧音乐概论》，张九、石生潮《湘剧高腔音乐研究》、王基笑《豫剧唱腔音乐概论》、时白林《黄梅戏音乐概论》，刘荣德、石玉琢《乐亭影戏音乐概论》、何为主编《评剧音乐概论》、高鼎铸《山东戏曲音乐概论》、韩溪《唐剧音乐创论》等，各书分别对各剧种音乐、唱腔的渊源、流变、发展、音乐结构、旋律特点及其唱腔创腔规律进行了比较全面、系统、深入的论述。此外，还有《21世纪中国音乐学文库系列》《音乐文集、传记系列》《西方音乐经典译著文库》、建国10周年纪念《音乐建设文集（上、下集）》等，均对相关领域的音乐文化积累起了重要的推动和促进作用。

三、创办和办好各种音乐期刊，及时发表音乐学学术研究成果，促进音乐学术研究水平的不断提高

人民音乐出版社在经过“”的停办于1977年恢复后，共出版7种由中国音乐家协会主办的期刊，包括：《人民音乐》《音乐研究》《音乐译文》《音乐创作》《歌曲》《儿童音乐》和1980年创办的《词刊》。其中，除《音乐译文》于1983年停刊之外，其余6种期刊一直由人民音乐出版社出版到1986年底，1987年初转交中国音乐家协会杂志社出版。至1987年9月，《音乐研究》又再次由人民音乐出版社编辑出版，1988年10月人民音乐出版社创办了《中国音乐教育》，1996年2月创办《钢琴艺术》，2011年1月更名为《歌曲艺术》并于2014年1月改为《歌曲世界》，现在人民音乐出版社共有四种期刊，分别在综合性音乐学术研究、音乐教育研究、钢琴艺术研究与声乐艺术研究等方面发挥着重要的推动促进作用。尤其是《音乐研究》以其所刊载学术论文的高质量水平，审稿、编辑、出版的严谨规范，社会影响的深度和广度，获得了学术界的高度赞誉和业界的崇高评价，现已成为国家社会科学基金资助期刊、中国人文社会科学核心期刊、CSSCI来源期刊、中文核心期刊，成为国内外音乐学术期刊的佼佼者，对音乐学学术研究的发展起着重要的引领和促进作用。

四、重视教材和工具书的编辑、出版，为学校音乐教育和社会音乐基础理论建设作出重要贡献

人民音乐出版社从成立开始，就重视对音乐教材的编辑、出版，如：上世纪五六十年代出版的李重光的《简谱乐理知识》《基本乐理简明教程》《五线谱入门》等乐理、识谱教材，几经修订、数10次重印，已经被几代人使用了几十年，成为一致公认基础音乐教材；吴祖强《曲式与作品分析》、汪毓和《中国近现代音乐史》、廖辅叔《中国古代音乐简史》、张洪岛《欧洲音乐史》等，已经成为专业音乐院校的基本教材，在音乐教育实践中发挥着巨大的作用。尤其是中国艺术研究院音乐研究所在上世纪60年代集全国民族音乐教育界之力编撰的《民族音乐概论》，成为我国音乐教育中的第一部有关民族音乐理论的教材，具有重要的民族音乐理论学科建设的开拓性意义，几十年来，被全国各音乐学院、师范院校音乐系（科）采用为大学本科、研究生教材，它所创用的中国民族民间音乐五大类分类法，至今仍然被民族音乐界广泛使用，对民族音乐理论的学科建设起了开拓促进作用。此外，还出版了一系列教学用书，如：[苏]斯波索宾《和声学教程》，茅原、庄曜《曲式与作品分析》，姚恒璐《作曲的基础训练》、杨儒怀《音乐的分析与创作》、段平泰《复调音乐》、陈铭道《复调音乐写作基础教程》、施咏康《管弦乐队乐器法》、樊祖荫《歌曲写作教程》等。另有：《音乐自学丛书》19册、“音乐赏析”系列丛书、《伟大的音乐》10套、《国韵华章》10套、《罗沃尔特音乐家传记丛书》53册、《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业教材》20册等。

人民音乐出版社对中小学音乐教材的重视是从上世纪80年代开始的，并且逐渐往数量多、种类丰富的方向发展，至上世纪90年代，已包括：地方性音乐教材6种、统编的全国通用音乐教材4种、中小学音乐教师用书12册，《全日制初级中学教育小学五六年级课本・音乐》（简谱、五线谱版）及相关配套的教师用书若干册，以及中小学音乐教学卡片、音乐教学挂图等。进入21世纪以来，人民音乐出版社组织团队主持、参与《义务教育音乐课程标准》的研制、修订和《“课标”解读》的编写，出版《义务教育音乐课程标准教材》（简谱、五线谱版各18册），并且以居于前列的编撰、出版质量拥有较大的市场占有率，受到广大师生的欢迎和喜爱，对提高基础教育音乐课程教学的质量水平起着重要的促进作用。

第5篇

一、音乐史论课程致用意义提炼的提出

（一）高校扩招与传统培养模式的矛盾是艺术教育无奈的现实

音乐艺术高等专业教育有其特殊性。比如，在人才选拔上，要求学生入学前，在生理、智力上具备一定的艺术天赋，不同专业方向有所侧重，但基本都要具备一定的声音、音响的辨析能力、模仿能力，一定的文学、文化的理解能力，形象思维能力以及艺术创造能力等。这些是应具备的入学基本条件，常称为先天条件。虽然历来的教育观都有意识地强调后天勤奋，但在艺术教育中，先天条件对艺术能力的培养有非常大的决定意义。并且，教学过程中，先天条件的不同也拉出很大差距，给学生的学习带来各种难题。比如学习效果的显著与否，获得进步的快慢与否，对一些学生来说，不是勤奋学习能够克服得了的。况且“闻鸡起舞”，并不是现代学生的金科玉律，甚至先天条件越不好的学生越不愿意笨鸟先飞，或是逃避现实，破罐破摔。与此同时，教育市场化与扩大招生，让艺术高考的门槛降低，生源的整体水平也不容乐观。这是高校扩招与传统培养模式的一个主要矛盾，也是下述症结的根本，并作为解决问题的切入点。

（二）为业不为艺的求学目的与艺术雕琢的矛盾应如何解决

无论学生选择音乐艺术作为专业的初衷是什么，但终归到底所有学生最具体最明确的目标就是获得一份工作。然而这个强烈的愿望并没有成为促进学生积极进取的动力，反而成为学生们焦虑浮躁的诱因，许多学生尚未掌握足够的学识就试图获得更多的机遇和财富，这其中不乏基础不好又不愿意刻苦求进的孩子。即便不能要求每个学生都能成为艺术家，但基本的知识结构和专业素养，都需要在勤学苦练中完成和获得，因此，浮躁的情性是音乐艺术学生求学阶段的大忌。那么，教学改革的基本点，就是要有效化解青年学生浮躁的心态，有效配合课程的教学。就业压力是社会现实给予学生沉重的负荷，学校在传道授业的同时，也在不断引导学生将就业压力转换为积极而正面的动力。体现在教学改革上，就是如何将课堂知识与实践操作更好地结合，这并非加大实践课程的比例就能解决，对于更多学生来说，知识应用更重要的是拓宽理念，做到举一反三，培养新思维。这与课堂知识直接用于实践不同，这里更强调应如何梳理自己知识储备，根据不同的实践要求，进行不同的整合，再输出于应用。这便是本文将要论述的致用意义提炼。在音乐类本科教育所设置的各个专业中，音乐学是相对较纯粹的理论性专业，理论转换成实践而带来的致用意义提炼，对纯理论性专业来说，尤为重要。在广西艺术学院音乐学院，纯理论性音乐学专业的人才培养由音乐学系承担，开设音乐史论、民族音乐学、音乐文化传播三个专业方向。相对来说，音乐史论方向在学科领域及传统学术体系上，让学生们更需要致用意义的提炼。为此，本文阐述的致用意义提炼所“试点”的专业为音乐学专业音乐史论方向。音乐史论方向的主干课程为《中国古代音乐史》、《中国近现代音乐史》、《中国当代音乐史》、《西方音乐史》、《音乐史料研读》；论类课程以《中国传统音乐概论》的民歌、说唱、戏曲、器乐单立四门，以及《音乐学概论》、《民族音乐学概论》、《音乐美学》、《音乐鉴赏》、《音乐评论》等。①音乐史论课程的教学模式，有集体授课和专业小组课、毕业论文个别课三种。集体授课贯穿一至四年级，小组课和个别课分别在三、四年级开设。因此，将致用意义提炼的重点放在比重较大、授课时间没有这么机动的集体课，最具现实意义。

二、致用意义提炼：寻找到理论与现实应用中的结合点

（一）从教学内容中提炼：解决学习方法并给予学生立志启示

教学内容因配置有相应教材的课程，从中提炼其致用意义，既对学生阅读教材起到引导作用，也培养了学生课后复习、思考、领悟知识点等方面的能力。较好转换其致用意义的教学内容，应在学生的知识储备中具有一定的熟识程度，且具有典型意义，并有大量的学科研究成果作为教材的补充阅读、听赏材料。鉴于此前提，可选《中国近现代音乐史》课程中的第三章《中国近代新音乐文化的初期建设》中的第四节“新型的歌曲创作及萧友梅、赵元任、黎锦晖、刘天华”②为致用意义提炼的教学内容（下文称举例1）。此课程在音乐学系二年级上学年开设，该部分内容中所涉四位音乐家，均为学生所熟知并有大量的学科研究成果作为辅助材料供课外深入自习所用。举例1所提炼出来的致用意义为：通过分析音乐家的艺术人生，了解其获得成功的基本因素；启发今人如何选择奋斗目标并坚持不懈、不畏艰难地去实现。音乐家艺术经历作为较难掌握的知识点，重点进行课程梳理。选择举例1是要取得多方面致用效果：

1.对于加强课程知识点的核心脉络理解来说，《中国近现代音乐史》需要从历史中揭示的答案，就是音乐家如何立足于本国文化，吸收西方观念和技法，融会贯通出代表时代风貌的中国新式音乐。萧、赵、黎、刘四人，在争论着应如何建设中国新式音乐文化的多种声音和观念中，结合自己的所见所学所思，选择了各自的探索途径，从不同的角度，开辟出了应用西方文明重整我国文明的先锋之路，代表了那个时代最为大胆的举动。可以说，了解这个过程的细节，再照应“音乐文化的转型探索”这条主线，才能真正观察到中国“近现代”这个历史阶段文化发展的特别所在，及其对今天文化形态形成的渊源伏笔。

2.对于解决学生学习音乐史的难点来说，音乐家的艺术经历是学生最难抓住的重点段落，因为这对于知识点记忆来说显得毫无重点，常常被学生忽略对待。然而无论对音乐学学科还是音乐史论各研究方向来说，音乐史的学习如果仅仅是能记忆音乐家及其作品，这种前无根源后无发展的知识点“静态”集合式学习很难达到教学目的。如何解决“音乐家艺术经历”这类“老大难”问题，在内容讲授中，教师不能简单略过四位音乐家的艺术经历，应该向学生下发辅助阅读材料，如《中国近现代音乐家》中收录的四位音乐家的传记。教师边带领学生阅读边进行分析，特别注意对应教材中呈现的主要作品、著述等。在这个过程中，教师的引导非常关键。如萧友梅作为中国近现代专业音乐教育的奠基人，教材因篇幅和范式所限，只能将这个知识点体现为：萧氏有哪些音乐教育活动，建立国立音乐院及“中西结合、兼容并包”的学制，萧氏对国立音乐院的行政及教务管理，为中国音乐教育所进行的理论研究及学校歌曲写作，等等。如果从艺术经历这个角度去关联上述问题的话，教师要找到一个关联点，即其艺术经历的致用角度。方法为在学生进行阅读前预设思考题，在讲授过程中适时照应思考题的设问来逐层解答。教学内容提炼过程如下：选择《中国近现代音乐教育的宗师———音乐教育家萧友梅》③（下文称“萧友梅传”）作为辅助阅读材料。该传将萧友梅的艺术人生分为“青少年时代、留日、任大总统秘书、德国留学、北京执教、国立音2乐院、国立音乐专科学校”七个阶段。

赴“德国留学”是一个承前启后的关键点。德国7年，萧友梅构建中国新式音乐教育的思想已渐见雏形，开始有针对性地进行多门课程的修习和知识补充，广泛参与德国的艺术音乐生活，为后来的“北京执教”阶段蓄积了能量。同时在德国时，萧友梅刚好是28至35岁，这是一个人思想和心理的成熟时期，这个时期的思想构建是比较实际的，细致阅读材料中对德国时期的描述，再对照其人生后来的轨迹，可见根源。萧友梅留日、留德都“亲密接触”了西方音乐、哲学、美学等成果，这两个时期都有一个特点。萧友梅同时在两所以上学校修课，匆匆往来于各个课堂之间，如苦行僧般简单清淡生活，如饥似渴吸收多种知识。尽管课程排得紧密，时间却安排得井井有条，这可见萧友梅有很强的时间分配能力，也具有德国哲学那种严谨和细致气质。这个能力，更大程度地发挥在北京时期身兼数职却能一一理顺、毫不错乱，在国立音专时期为节省经费一人包揽行政及教务，细致到排课、教师课酬等琐事都管，每一次萧友梅都能游刃有余，并且成果不辍。教师在引导过程中，注意将萧友梅在留学期间培养出来的能力联系到回国后的拓荒型事业中，这样勾连，学生就不觉得毫无重点。虽然后辈们都膜拜萧先生作为中国近现代专业音乐之父所取得的成就，但阅读这些材料之后，方知每一步的艰辛，从而知道成功无非就是踏实笃行，世间之事难在坚持而且是长久坚持。有了“萧友梅传”这个过程的梳理，萧友梅的作品特色、历史评价等，就顺势“链接”了。依此类推，赵元任、黎锦晖、刘天华三位音乐家艺术人生的材料阅读和致用意义提炼，也要对应他们的主要历史贡献进行。四位音乐家的经历，也可以进行比照，同是以融合中西为出发点，却选择了不同的角度，这可当作一种开阔思路的范例。四个最具知名度的音乐家个案，便是启发学生对“时代与个人、理想与现实、艺术与人生、挫折与信念”等价值观进行思考的钥匙，达到观察历史，联系时代，结合自我的知识启蒙作用。这个过程，不仅仅是知识点的梳理，也是精神的熏染，更是人性的关怀、情感的升华以及对社会、历史和先辈们的重新认识。

（二）其他可以提炼致用意义的教学应用

从基本功训练中提炼学识、思维、操作、意志力的综合练习及再整合应用。音乐艺术专业的人才培养最注重基本功的打造。以音乐史论方向为专业课主修的学生，其专业基本技能之一是对音乐历史资料，即音乐史料，进行寻找和搜集，准确地说是根据论证专题进行相关史料的搜集。可称为历史资料的事物很多，一般分为图画、文字、口头传说、遗迹等，音乐史料还有乐谱（符号）、音响、影像等；音乐历史资料，如乐谱，以某种曲集等形式面世。对于史料的查找和搜集取舍甚至是真伪考证，需要搜集者具备以下能力：对史料所存之地有一定的熟悉程度———学识；熟练应用图书馆的目录归类查找功能———操作；敏锐的史料识别能力———专业素质；耐心细致的搜集态度———意志力。历史研究的基本方法，就是史料为论证依据，这就要求历史研究者每获得一个结论，就必须要立足于充分的史料论证之上，也就意味着，上述的搜集史料过程及必备的搜集能力，是每一个专业学生都要经历的。这个学习的过程是比较枯燥难耐的，特别是对音乐艺术专业的学生来说，理性的思辨及复杂寻觅证据的过程，让年轻人活泼跳脱的心性倍感压抑，即便是文静的孩子，也不易融入。因此，明确基本功训练的重要性不仅仅是专业学习的自觉意识，也是专业学习得以致用的前提。

致用意义的提炼更确切地说，是教师在教学的过程中，有意识地强调、引导哪些因素。对史料搜集来说，教师要把握住三个方面：史料搜集可以训练哪些能力；这些能力还可以应用于哪些方面；练习过程中需坚持不懈以应对困难。这三个方面的核心在于：学识、操作、专业素质、意志力。将史料收集看做是需要解决的任何一个问题，史料收集的过程就是解决问题的过程。史料也囊括了任何种类的信息数据，梳理海量数据，需要冷静细致地比较、分析、思考，不放过蛛丝马迹地顺藤摸瓜，不厌其烦地反复论证、多方互证，从谨慎中获取最佳答案，在客观评述中认识世界。教师的这些强调和引导是非常重要的，学生普遍缺少将专业训练转换到实践应用的思辨高度，往往总是停留在一些事物的现象表面，他们常常会长时间停留在“学会音乐史料搜集能找到什么工作”这样问题中，愈思愈殆。虽然这也有择业观简单化的原因，但如果通过教师的引导，使学生能明白，进行任何的专业技能或者是基本功训练，都是通过某一种途径去获得服务社会的能力，而不是简单化地将这个途径对应到将来的工作岗位中。尽管这个致用意义的提出和强调，并不能完全解决学生的思想结症，但还是有效转移学生的心理压力，在一定程度上抚平焦躁心态，提高学习主动性。如同基本功训练的致用意义提炼，还可以从调研过程中提炼致用意义。即从专业学生的史料阅读中提炼出信息处理能力的重要性；从专业技能培养中提炼致用意义：如在音乐评论的论辩训练中培养口头应变能力；从成果呈现方式中提炼致用意义：如在论文写作中获得多学科知识（多种能力）的再整合。应该说，音乐史论类的课程，无论是集体授课形式的基础知识科目，如史类的《中国音乐史》、《西方音乐史》，论类的《中国传统音乐概论》等若干门；还是专业个别课中的音乐史学研究各方向、各专题的调研和学位论文撰写，教师都能强调其致用性，因为这些理论研究及研究能力培养，其实就是更突出理性化的艺术实践。演唱演奏是实践，调研、写作也是实践。演唱演奏这样的音乐表演需要熟能生巧，进而达到“艺术”的高度；调研、写作也同样要不断地重复着思考、动手、提炼、整合的每一个步骤，才能把握好理论思辨的角度。

三、加大致用意义提炼的力度与教学改革应用

（一）用被普罗化的教育格局培养不亚于精英的可用之才

传统的高等艺术教育可谓培养精英的教育。现今的高等专业教育，要顾及教育市场化带来的连锁反映。生多师少达到一定的数值，必须加大集体化授课比重才能维持艺术教育的稳健发展。但艺术教育需要细细雕琢，需要长时间沉淀，需要日积月累熟能生巧的过程，方能称之为艺术，因此传统的艺术教育、艺术传承都以一对一的指导模式为传道途径，这就形成了教学资源配置与传统教学模式的矛盾。如何消减矛盾的对立性，在教学资源配置不能完全满足传统一对一教学模式的现阶段，需要加强学生的主动性、提高其自学能力。明确致用意义，学生明确学习目的，有针对性地自我调节逐渐加强，主动学习的要求也随之提出；教师也能提高自信，增强教学研究与实践的参与度和创新创造能力；而师生的良好配合也能发挥理论性课程对人才的培养效用。

（二）协调好艺术教育与社会功用的矛盾

艺术教育的人才培养与社会功用的矛盾在于人才的专业能力与多种技能的矛盾。这个矛盾的成立在于：专在一定程度上不能泛，泛就难以专。基于事物都有两面性，泛能统一到专，专可以应用得更泛。即可以寻找各门课程之间的衔接点，将其安放知识构架中的相应部分，融会贯通，泛而为专；将知识点进行历史、美学、民俗、宗教、文学、教育、语言等多角度剖析，可以生发多样的时代意义和致用意义转换，专以泛解。因此，明确致用性，可以缕顺这两者之间的关系，合理分配好学习时间，分清主次，立足自身所长，照顾个人兴趣所在，有选择性地修研若干针对性课程，甚至在毕业论文的选题中也可以体现。另外，对于本文初始提到的学生入学先天条件不甚突出带来的消极心态，更需要以致用意义来刺激他们的进取意识。

第6篇

太原师范学院系国家教育部批准，以本科师范教育和硕士研究生教育为主的全日制普通高等师范院校。

学校位于山西省会太原，学院占地面积1233695平方米，(其中旧校区361252平方米，新校区占地面积872443平方米)。学校拥有先进的语音室、电教室、计算机室、实验室和先进的教学仪器设备，纸质藏书125万余册，电子图书6057GB。学院师资力量雄厚：现有专职教师821人，其中正高级92人，副高级317人，教师中具有博士、硕士学历的有524人。办学规模不断扩大：普通本专科在校生17951人，专业门类齐全：设有文、史、哲、法、理、工、管、教育门类54个师范和非师范本科专业和专业方向，6个研究生专业，涵盖了基础教育的所有课程。

太原师范学院热忱欢迎广大莘莘学子来这里深造成才!

音乐系

1、音乐学专业(本科、非师范类)

培养目标：培养具有一定的音乐基本理论素养和系统的专业基本知识，具备一定的音乐实践技能和教学能力，能在中、小学校特别是基层、中等师范学校、幼儿师范学校和艺术馆(所)从事教学研究工作，也能在群众和文化团体从事管理和宣传方面工作的高级人才。

主要课程：民族音乐学概论、中国传统音乐理论、世界民族民间音乐、中国古代音乐史、中国近现代音乐史、西方音乐史、音乐美学、艺术概论、田野采风技能、音乐学论文写作、视唱练耳、基础和声学、曲式与作品分析、复调音乐基础、配器法、歌曲写作与改编、钢琴或其他乐器演奏、山西民歌。

2、音乐表演专业(本科、非师范类)

培养目标：培养掌握音乐学科基本理论、基础知识与基本技能，能在各级各类学校、教学研究机构和文艺团体从事教学、科研和演出工作能力的高级专门人才。

主要课程：声乐演唱、键盘演奏、民族乐器演奏、管弦乐器演奏、合唱与指挥、钢琴即兴伴奏、基训与身韵、基本乐理、视唱练耳、基础和声学、曲式与作品分析、复调音乐基础、配器法、歌曲写作与改编、中国音乐史与名作欣赏、西方音乐史与名作欣赏、中国民族音乐、外国民族音乐、山西民歌赏析、艺术概论、朗诵与正音、意大利语音拼读。

3、作曲与作曲技术理论专业(本科、非师范类)

培养目标：培养掌握音乐学科理论、作曲与作曲技术理论，以及电子、电子计算机音乐理论、实践和创作方面的知识与技能，可在艺术传媒、新闻媒体、影视制作等企事业单位从事艺术创作工作，也可在高等和中等学校从事音乐教学和教学研究等工作。

主要课程：作曲与电脑音乐制作、视唱练耳、和声学、曲式与作品分析、复调、配器、合唱与指挥、钢琴或其他乐器演奏、山西民歌、中国音乐史与名作欣赏、西方音乐史与名作欣赏、中国民族音乐、外国民族音乐、音乐美学基础、艺术概论、音乐文献检索与论文写作。

美术系

美术系设有美术学、绘画、动画三个本科专业，自1986年美术系筹建、招生，至今已培养二十余届毕业生。2011年，获山西省重点扶持学科。2013年，获山西省的省级特色专业。

美术系教学设施完善，拥有良好的教学条件，建有多媒体教室、机房、工作室、图书资料室及美术展厅。美术系现有教职工38人，其中教授7人，副教授7人，博士1人，硕士14人。学生报考研究生的升学率已达到近20%。

1、美术学专业(本科、师范)

主要课程：素描、色彩、构成、装饰画、艺术概论、中国美术史、外国美术史、美术鉴赏与批评、美学、设计与制作、文化艺术名著导读、多媒体教学设计与制作、中国画、油画、雕塑、摄影、陶艺、水彩画、水粉画、多媒体艺术、大学语文、大学英语、教育学、心理学、中小学美术教学论等。

2、动画专业(本科、非师范)

主要课程：素描、色彩、设计基础、人体速写、动画基础、动画概论、人物造型、视听语言、动作设计、摄影基础、Photoshop、Flash制作、剧作、Maya、表演、动画前期、动画后期、动画创作、大学语文、大学英语、计算机基础等。

3、绘画专业(本科、非师范)

本专业有油画、中国画、版画三个专业方向，主要课程：素描、色彩、艺术概论、美学、中国美术史、外国美术史、油画材料与技法、油画创作、中国画基础、山水画技法解析、山水画创作、工笔人物画技法、工笔人物画创作、版画技法、版画创作、PS基础、大学语文、大学英语、计算机基础等。

设计系

设计系拥有一支结构合理、充满活力、富有经验的师资队伍，现有教职人员25人，其中教授1人，副教授7人;博士1人，硕士21人;学科带头人1人，学术骨干2人。全日制在校生七百余人。开设有视觉传达设计、环境设计、产品设计、服装与服饰设计四个本科专业。新建成设计系教学大楼近六千平方米，配备有图书资料室、计算机实验室、专业实验室及独立专业教室等。

1、视觉传达设计专业(本科、非师范类)

主要课程：设计素描、设计色彩、平面构成、立体构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、设计学概论、插图艺术、桌面出版与印刷、界面视觉设计、VI设计、书籍整体设计、数字动画设计、交互设计、包装设计、广告设计、数字媒体概论等。

2、环境设计专业(本科、非师范类)

主要课程：设计素描、设计色彩、立体构成、空间构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、设计人体工程学、效果图表现技法、建筑与室内设计制图、中外建筑史、模型制作、建筑设计、室内设计(陈设艺术)、室内设计(商业空间)、景观设计(住宅小区)、景观设计(公园街道)、景观施工设计、展示设计、效果图表现技法、装饰构造材料与施工、计算机辅助设计等。

3、产品设计专业(本科、非师范类)

主要课程：设计素描、设计色彩、平面构成、色彩构成、立体构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、人机工程学、产品设计效果图技法、模型制作工艺、材料与加工工艺、产品设计程序与方法、用户研究与市场分析、计算机辅助设计、制图、现代家具设计、传统家具创新设计、灯具设计、包装设计、设计心理学等。

4、服装与服饰设计专业(本科、非师范类)

主要课程：设计素描、设计色彩、平面构成、色彩构成、立体构成、世界现代设计史、中国工艺美术史、服装设计基础、服装手绘效果图、服装工艺基础、服装设计元素整合、立体裁剪、中国服装史、西洋服装史、时尚网站设计、女装结构与纸样、服装材料学、服装设计与橱窗展示、服装商品企划等。

舞蹈系

1、舞蹈编导专业(本科、非师范类)

培养目标：培养从事中国舞、现代舞、芭蕾舞等舞蹈编导以及教学与研究工作的高级专门人才。

主要课程：舞蹈编导、舞蹈基本功训练、现代舞专业基础课程、舞蹈素材组合训练、舞蹈剧目分析、舞蹈创作实习、中外舞蹈史、艺术概论等。

2、舞蹈编导(舞蹈教育方向)(本科、师范类)

培养目标：具备能从事中外舞蹈史、舞蹈理论的研究、舞蹈教学以及编辑等工作的高等专门人才。

主要课程：舞蹈解剖学、 舞蹈心理学、中外舞蹈史论、中外美学史中外文学、芭蕾舞基础训练 、舞蹈编导基础、中国民族民间舞训练、舞蹈教育学、中国古典舞训练、现代舞基础训练、舞蹈剧目。

3、舞蹈表演(本科、非师范类)

培养目标：本专业主要培养舞蹈表演方面基本知识、基本理论和基本技能，掌握舞蹈表演学科的基本理论、基本知识，具有舞蹈表演及评论的基本能力。

主要课程：舞蹈、戏剧、影视表演原理与技能技巧 舞蹈基础训练。

书法系

太原师范学院书法专业，成立于1995年，在山西省内属首家，在全国也比较早。专业教师中，教授3人，副教授3人，中国书法家协会会员7名，中国书法家协会专业委员会委员2名，省书协副主席3名，省书协专业委员会委员5名。

1、美术学(书法方向)专业(本科、非师范)

主要课程：书法(真、草、隶、篆、行)、篆刻、书法史、古代书论、文字学、古典诗词、古代汉语、美学、中国画等。

影视艺术系

1、戏剧影视文学专业

培养目标：本专业旨在培养戏剧影视文学方面的高级专门人才。通过四年的本科专业教育，使学生熟知并掌握戏剧、广播、电影、电视方面的基础知识、基本理论，以及剧本创作、影视评论、摄影摄像、影视前后期制作等基本应用能力，能够胜任广播电台、电视台、影视公司、戏剧院团等制作机构的生产实践需要，同时能够从事大众传媒、教学科研、文化艺术管理机构、企事业单位和政府部门的策划、宣传、教学等综合性的工作需求。

主要课程：中国电影史、世界电影史、视听语言、电影美学、中国电视史、影视批评、电影作品读解、影视剧本创作、影视摄影与摄像、电视节目策划、影视批评写作、电视编辑、传播学等。

太原师范学院2015年艺术类各专业招生计划表

(具体分省计划以各省招办公布计划为准)

科类

专业名称

层次

学制

学费

（元/年）

计划数（人）

招生范围

测试科目

备注

艺术类（文理兼招）

美术学

本科

四年

7800

700

河北、江西、江苏、河南、甘肃、黑龙江

（山西使用省统考成绩）

素描、色彩

除山西以外使用省统考成绩的省份以当地招办公布的计划为准

视觉传达设计

本科

四年

7800

产品设计

本科

四年

7800

服装与服饰设计

本科

四年

7800

环境设计

本科

四年

7800

绘画

本科

四年

7800

动画

本科

四年

7800

音乐学

本科

五年

7800

230

山东、河北、河南、甘肃、湖南

（山西使用省统考成绩）

歌曲或乐曲一首

音乐表演

本科

四年

7800

作曲与作曲技术理论

本科

四年

7800

舞蹈编导

本科

四年

7800

200

山东、河北、湖南、河南、甘肃

（山西使用统考成绩）

舞蹈基本功（40%）、舞蹈片段（30%）、音乐即兴（30%）

舞蹈编导（舞蹈教育方向）

本科

四年

7800

舞蹈表演

本科

四年

7800

戏剧影视文学

本科

四年

7800

100

山东、河南、湖南（山西使用统考成绩）

笔试80%、面试（即兴评述）20%

美术学（书法方向）

本科

四年

7800

200

山东、湖南、河南、甘肃、江苏

（山西使用省统考成绩）

第7篇

关键词 音乐学；综合艺术；实践教学；文化产业

中图分类号 G640

文献标识码 A

文章编号 1004-4434（2013）01-0220-04

前言

2005年，教育部颁发了《关于进一步加强高等学校本科教学工作的若干意见》，明确要求“进一步加强实践教学，注重学生创新精神和实践能力的培养”，提出“合理制定实践教学方案，完善实践教学体系”。可见，实践教学作为高等教育教学的重要组成部分，它对于培养学生实践和创新能力的重要作用愈益凸显。

建立实践教学体系的目标在于培养专业人才的综合实践能力，它包括相关学科、专业所要求的技术能力；运用知识、技能解决实际问题的应用能力，以及更高层次的创新能力。因此，构建艺术实践教学体系，需要在学科理论、专业技能的基础上。根据人才培养目标的要求，结合文化市场的特点，整合各艺术实践的教学环节，把培养学生综合实践能力的教学作为主要目标。

近年来，音乐学专业教学领域对实践课程的体系建设，越来越注重将音乐学理论与实际联系起来，融专业技能培养与综合素质教育于一体。具体在实践课程的开展中，该专业已逐步从教材的选择、教学方法的综合应用，课程内容设计等多方面进行了补充与完善，旨在提高教学的整体质量及学生的专业水准。总体而言，合理、科学地构建实践教学体系，并通过教学来使学生建立起多元化的思维模式及全方位的知识架构，是该教学体系建设与实施的意义所在。

一、发挥区域优势 整合教学资源

在我国，文化产业属于第三产业，具有文化与经济的双重属性，是文化性与商品性的集合体。新世纪以来，随着我国国民经济的发展壮大，国内的文化产业已踏入了快速发展的轨道。音乐文化产业作为文化产业中的一个重要组成部分，同时作为带动我国文化发展必不可少的因素之一，它也已进入了前所未有的繁荣时期。音乐文化产业的发展载体通常包括音乐生产的管理机构、音乐研究教育培养部门、音乐人和社团、生产发行购销部门、宣传咨询部门、售卖部门等。管当前我国的文化市场空前繁荣，音乐产业也随之得到了快速的发展，但这其中依然还存在着不少问题，如缺乏自由和创新的空间、缺乏高素质的音乐文化产业人才、缺乏完善的法律体系和保护机制等。而如何使我国的音乐文化产业得到更良好的发展，这就需要我们积极地去寻求解决问题的对策。

以北京、上海、广东等经济较发达地区目前已获批的国家级音乐文化产业基地为参照比较，这些地区的产业发展，不论是产业链条的构建方面，还是文化资源的高度集成化，它们在全国均具有一定的领先地位。因此其音乐文化产业的发展在全国范围内也较为成熟。而像广西等边疆少数民族地区，虽然地方经济欠发达，但因其有着丰富的民族音乐资源，而实存十分巨大的发展潜力。正如在广西这片美丽的八桂之地，居住着壮、汉、瑶、苗、侗、仫佬、毛南等多个民族，其悠久的历史文化和极富特色的民族音乐资源都将成为广西音乐文化产业发展中重要的原动力。除此之外，广西所拥有的独特的地理区位优势也使其近几年来作为中国与东盟国家文化交往的重要“接口”，开拓着国际与国内两个市场，壮大着艺术演出业、文化信息业、电影音像业、文化娱乐业、文化节庆会展业5个产业集群，并在全力做大做强以《八桂大歌》为代表的广西民族歌舞品牌，以《印象·刘三姐》为代表的刘三姐文化品牌，以南宁国际民歌艺术节为代表的节庆文化品牌等文化事业。

目前，广西的音乐文化产业发展虽已获得了一些成果，但是它在产业规模、产业质量、市场竞争力等方面还是与发达地区存在着较大的差距，其中制约广西音乐文化产业发展的主要因素即体现为专业人才的缺乏。音乐文化产业人才应具备有较高的文化艺术素养和创新能力，其不仅要掌握音乐文化产业经营管理的基本理论，同时还要有一般产业管理的综合应用素质。而现今，广西从事音乐文化产业工作的人员尚缺乏一定的创新能力、策划能力及战略眼光，这在一定程度上制约了广西音乐文化产业的推进。因此，为促进广西音乐文化产业的建设与深化，我们必须积极地去培养一批具有开拓精神的复合型音乐人才。

广西艺术学院作为我国华南地区省属综合性艺术院校以及广西艺术教育的最高学府和历史最悠久的艺术人才培养基地。建校至今已有70余年。学科下设音乐学院、美术学院、设计学院、中国画学院、舞蹈学院、人文学院和影视学院等多个专业教学实体。除此之外，在教学设施的硬件方面，学院不仅拥有各类专业工作室、多媒体教室、计算机音乐制作室等多种教学实验室，还拥有技术条件较先进的音乐厅、汇演中心及美术作品展览馆等公共展演厅和教学实践平台。合理运用广西艺术学院的综合教学资源，培养音乐学专业学生将多元化的艺术理论融入到文化产业建设的实践学习中去，不仅可以使其综合能力成为今后个人就业的竞争优势，而且其本人也可能成为未来服务于文化产业发展的建设者。

二、实施市场调研 确立培养目标

立足于学科专业属性，提高实践教学质量，直接关系到高等教育人才全面培养目标的实现。广西艺术类高校的综合实践教学建设，将对培养广西本土高等艺术人才和建设具有广西特色的艺术文化具有战略性的意义，同时对服务于泛北部湾区域及东盟各国与我国的经济、文化交流起到积极的促进作用。因此，注重分析、研究国家关于西部、北部湾区域、东盟经济圈、少数民族地区相关文化、教育、就业、经济等方面的政策；结合广西文化市场及相关经济模式的特殊性，充分考虑音乐学专业的学科特点，分析区内相关高校历年艺术人才培养方案及就业数据、市场分析报告等，对形成系统性、实用性、指导性的实践教学体系具有重要的作用。

自2004年始，广西艺术学院于音乐学院开设了“民族音乐学、音乐史论、音乐传播学”及人文学院开设了“文化艺术管理、艺术商务、媒体创意”等各音乐学专业方向。虽然这些专业开设的时间不长，但广西艺术学院所拥有的软硬件资源优势和深厚的办学传统均成为培养实践、复合型音乐人才的有利支持。

2009年，即广西艺术学院第一届音乐学专业学生毕业之后，音乐学院、人文学院就该专业毕业生的就业情况及相关人才需求进行了较为详尽的社会调查。调查内容包括：一、“艺术类人才整体素质要求”，项目涉及艺术修养、专业技能、组织策划能力；二、“艺术类人才理论修养要求”，项目涉及中国传统文化、艺术鉴赏与评论、中外现当代文化、政治理论修养；三、“艺术管理类人才专业技能要求”，项目涉及声乐、器乐、设计、美术、影视制作、网页设计；四、“艺术管理类人才综合能力要求”，项目涉及文案写作、营销管理、人际公关、市场分析等能力。

通过统计、分析反馈信息得出以下数据显示：人才整体素质方面，用人单位要求具有组织策划能力的占40%，艺术专业技能的占35%，学术修养的占20%；理论修养程度方面，用人单位对学生掌握中国传统文化、中外现当代文化、艺术作品鉴赏与评论、政治理论修养的要求基本持平于20%以上；专业技能的掌握方面，用人单位尤其需要学生掌握平面设计或音乐工程操控技能的占28%，有音乐（MIDI）、影视制作技能的占22%，网页平台设计的占18%；综合能力要求方面，用人单位对各项能力的要求也是基本趋于平衡，按关注程度依次排序为人际公关能力、文案写作能力和营销管理能力等。（以上数据材料整理自广西艺术学院音乐学院、人文学院2009年人才需求情况抽样调查报告）

综上所述，音乐学专业是以培养具有较高的艺术理论修养和音乐综合素质，应用能力突出，富有创新精神的复合型人才为主要目标。具体而言，一方面体现于能进行独立研究和写作，适应艺术科研机构和文化、教育等部门的工作要求，是从事艺术评论、写作、教学、科研等工作的复合型音乐艺术人才。另一方面体现于熟悉艺术事业及文化产业的基本特点和发展规律，有较全面的音乐理论知识和较高的艺术鉴赏素养。能紧扣当今媒体时代的发展要求，具备有管理、策划、经营能力，能在各级政府文化艺术管理部门、广播电视报刊出版部门，艺术活动团体，群众文化、企业文化、旅游产业等部门从事工作的高层次专门人才。

三、构建课程体系 完善科目设置

鉴于以上分析，音乐学院和人文学院在进行相关课程设置时，根据音乐学的专业特性及其教学规律，在结合文化市场人才需求和广西地方经济发展的同时，学习借鉴区外高校同类专业的教学经验，进行了科学分析和合理规划，分别设置了以下两套课程科目。

（一）“民族音乐学、音乐史论、音乐传播学”方向

1、专业理论课

《中国音乐史》、《西方音乐史》、《中国传统音乐》、《音乐评论》、《音乐美学史》、《音乐名作欣赏》、《民族音乐学概论》、《音乐文化传播学》等。

2、专业选修课

《流行音乐概论》、《音乐社会学》、《20世纪音乐概论》、《世界民族音乐概论》、《音乐市场营销》、《音乐史料研读》、《中外歌曲赏析》、《音乐源流学》等。

3、综合技能课

《演讲与口才》、《专业论文写作》、《钢琴基础》、《键盘和声与即兴伴奏》、《旋律写作》、《电子琴演奏基础》、《计算机音乐制作》、《合唱指挥》等。

4、音乐理论课

《乐理》、《视唱练耳》、《曲式与作品分析》、《和声》等。

5、专业实践课

《田野调查》、《艺术展演》、《教学实习》、《文案策划》、《毕业论文》等。

（二）“文化艺术管理、艺术商务、媒体创意”方向

1、专业理论课

《文化艺术项目策划与管理》、《财务管理基础》、《文化艺术市场营销》、《文化产业概论》、《艺术批评导论》、《广告学》、《传播学概论》等。

2、人文通识课

《非物质文化遗产概论》、《艺术批评（音乐、戏剧、影视鉴赏与评论）》、《文化艺术政策与法规》等。

3、综合技能课

《写作基础训练》、《演讲与口才》、《网页设计制作》、《商务礼仪》、《公共关系学》、《非线性编辑》、《论文写作》等。

4、音乐必修课

《中外音乐史》、《乐理》、《视唱练耳》、《合唱训练》等。

5、应用任选课

《播音主持》、《广播电视节目制作》、《摄影基础》、《出版策划》、《戏剧表演》、《国际商法》、《影视制片管理》、《组织行为学》等。

可见，以上课程的设置目的，一是通过专业理论课程的教学，使学生能够将音乐理论知识与艺术专业基础相结合，在掌握好音乐学、传播学、营销学等学科理论的同时，进一步掌握文化艺术项目创意策划的基本原理及方法运用；二是通过综合技能课程群的教学，使学生能具备有较强的逻辑思辨能力、文字功底以及良好的交际沟通能力和较高的素质修养，培养学生独立策划、经营管理文化艺术项目的综合能力；三是通过对人文通识课程群的教学，使学生能够对我国传统文化有较系统全面的认识，并兼具一定的艺术鉴赏与评论能力；四是通过对音乐技能课程的教学，使学生能够具备一定的专业技术及表演水平。

四、搭建实践平台 拓展创意空间

如何合理、有效地实施音乐学专业的综合实践教学并构建学科体系，“拓展实践平台。打造创意基地”是其中重要的建设环节。

广西艺术学院自2004年设置音乐学专业以来，以紧密贯穿对“艺术价值、社会价值与市场价值”最大化的追求为培养文化建设人才的教学目的及核心理念。在艺术实践方面，一是学院积极搭建平台，组织举办形式多样的创意比赛。多年来，在广西区内高校成功打造了“艺苑杯”——专业技能比赛的校园文化品牌。创意比赛不仅活跃了校园的学术氛围，同时也提升了学生们的实践意识。二是学院大力支持学生参加全国性的大学生创意策划赛事及专业性学术活动。近年来，实践教学的显著成效促使学生参赛频获佳绩，并逐步在业内领域崭露头角。总之，通过参加比赛及互动交流，学生们的综合实践能力在不断提高，且历练出一批又一批艺术领域里具有策划制作与经营管理能力的后备人才。三是努力打造大学生校外实践基地以拓展创意空间，将概念走向实践。学院致力于为怀揣“艺术之梦”的大学生提供艺术成材的社会项目，特别是在他们走出校门后能得到更好的发展，获得就业或创业的机会。校外基地的实践优势首先体现于信息共享，使创意商品化，形成创意活力。实践基地同时兼具一定的产业功能，它既是创意生产的核心区域，同时又是艺术产品的集散中心，并通过辐射作用带动区域内文化产业的市场发展。

总之，“实践平台”和“创意空间”的构建应基于深厚的学术理论支撑，使学生在系统地掌握专业知识及较全面了解文化市场发展规律的同时，能通过对专业知识的转换应用来参与和践行文化事业的新发展。此外“构建”也为广西高校培养服务于文化产业建设的专门人才进行有效地探索。

第8篇

论文内容提要本文从音乐理论课程设置的改革以及教学方式的特色两大方面，概要阐述了该校音乐系老师在成功素质教育模式下对音乐理论课程的研究与探索。

成功素质教育是一种“以促进大学生的成功为根本目的，专业素质教育与非专业素质教育同步推进，通过全面培养学生的5大体系素质和学生个性的充分开发，培养学生的成功素质，消除失败因子，促使学生学业成功与就业成功，并为其今后的创业成功和事业成功奠定素质基础的教育理念和教育模式”。根据这种教学理念，我校在课程管理上采取的是一种素质学分制：即根据每门课程的学习时间制定相应的学分，在大学4年中如果提前修满学分可以提前毕业，未修满者直到修完相应学分的课程为止才能毕业。这种方式既提高了学生的学习兴趣，为好学、优秀的学生节省了时间，又避免了学生在大学学习中混日子问题的存在。在这种教育模式的号召与课程管理影响下，我们音乐系的理论老师大到从音乐理论课程的设置，小到教学方式、方法的改革这些方面，也进行了一系列的探索和研究，通过这几年的教学实践，我们逐渐取得了一些经验，也获得了一点成效。

一、音乐理论课程设置的改革

1.把原来所有学生都统一上大课的音乐理论课程分成了必修音乐理论课和选修的音乐理论课两大块。其中必修音乐理论课程又包括必修音乐基础理论课程和必修音乐专业理论课程两大类。在必修音乐基础理论课程设置上，我们本着“少而精”、“够用”的原则，科学精选、合理安排。凡与专业需要相关联的专业基础课，必须保证开出；凡可开可不开的专业基础课，尽量少开；凡与专业课没有直接联系，又不影响“三用原则”的专业基础课，一律不开。这类课程包括有：中国音乐史与作品赏析、西方音乐史与作品赏析、曲式分析、视唱练耳、合唱与指挥等。而必修音乐专业理论课程则根据不同的学生专业来制定相应的必修课程，例如钢琴专业的学生除了主修钢琴课程以外，钢琴艺术史则是他们的必修专业理论课程，声乐专业的学生除了主修声乐以外，意大利语、德语则是他们的必修专业课程。

2.在原有课程的基础上，根据不同专业学生的教学需要，又新增开了许多新的课程。这些课程的内容设置主要是根据不同音乐专业的学生在掌握专业技能的基础上进行的理论延伸，一方面能让他们在学习专业技能的同时让理论指导实践；另一方面更为学生将来走人社会，从事相关职业打下夯实的理论基础。而对于跨专业的学生，如果也想学习这些课程，则可以作为他们本专业的音乐选修课来完成。即：从一年级下学期开始：学生每学期都进行一次音乐选修课程的选择，每次限选两门课程，成绩合格者则有相应课程的学分，成绩不合格者则没有学分。通过这种将专业素质教育和非专业素质教育同步推进，以及必修和选修课程方式的改革，不仅极大地调动了学生学习的积极性与主动性，将以前的“要我学”变成“我要学”，培养了学生的专业素质与非专业素质，而且丰富了他们的知识视野，也避免了教学资源的浪费。

二、教学方式的特色

一个音乐理论老师除了为学生教授相关音乐知识，更应满足学生音乐美育需求服务。但一直以来由于许多学生并不懂得学习音乐理论对指导音乐实践的重要性，所以不愿意学，另一方面还因为它和音乐专业小课相比：缺乏互动性和实践l生，并用“满堂灌”的教学方式扼杀了学生学习的兴趣。因此各大音乐高校的音乐理论课程，几乎成了学生中“枯燥无味，‘没意思课程’的代名词”。

对于学生的这种学习状态，我们音乐理论基础的几个教师就“如何提高音乐理论课程在学生心目中的地位”以及“如何提高和调动学生学习音乐理论课程的兴趣与积极性”两个议题专门召开了几次教研活动来讨论。

针对第一个议题，我们除了在课堂上举出大量的音乐家通过系统的刻苦学习音乐理论以后，才创作出优秀的音乐作品的事例以外，另一方面则是分析和赏析大量的各种音乐作品(尤其是学生在学习专业时会碰到的一些作品)，让音乐理论能够联系实际专业，让他们能真正认识到理论对于实践的指导作用。

兴趣是学生学习最好的引导老师，在上课的学生中虽然都是音乐的爱好者，可因为性格和经历不同，他们对音乐种类喜好的程度也各不相同。因此提高他们对音乐理论课程的兴趣和调动每一个学生学习音乐理论的积极性，让学生个性得到充分的开发，从而培养学生的成功素质，是我们需要解决的第二个问题。对此我们决定从以下两个方面人手：

1.我们应该了解自己的学生，关注学生的兴趣究竟在哪儿?是否能将需要学习的音乐理论知识与他们感兴趣的关注点相结合?

为了找寻这一系列问题的答案，我们采取了让学生自我介绍的方式，大致了解了学生对于各种音乐的喜好程度。以一个班35人为例，其中50％的学生主要喜欢通俗音乐，40％学生热衷民族、古典音乐，10％的学生偏爱摇滚和爵士音乐。对于这种现状，我们在乐理、和声课堂中适当引入一些经典的通俗歌曲、乐曲为例进行分析；在音乐史及作品赏析的课堂上，给出一定的时间让一些热衷民族、古典音乐的同学向大家介绍自己喜爱的音乐家及音乐作品；在西方现代音乐的课堂上，让对偏爱摇滚和爵士音乐的学生说出自己对不同爵士摇滚风格流派的艺术家音乐的感受和看法。通过这种教学改革，我们不仅提高和调动了学生学习音乐理论的积极性，更获得了良好的互动教学效果。

2.我们需要正确引导，培养学生对音乐理论的兴趣，我们采取了以下几种教学方法：

①理论知识与音响、音像资料教学方式相结合

例如：在对音乐史论的这部分内容的课程讲解中，我们首先将每个时期的音乐历史脉络作一个简单的介绍，然后根据每次课的课程，重点介绍每个时期的代表作曲家生平以及作品和风格。其中作曲家生平介绍我们采取的是音像资料和课程讲解相结合的方式，这样既能让学生在看到音像后有身历其境的感受，还能系统地了解一个作曲家的生平经历对于创作的影响，从而让学生在学习专业的过程中能更准确地把握作品的风格特点。而对于作曲家相关的音乐作品的介绍则主要用音响的播放，让学生从听觉上感受音乐本身。

②在教学中用学生耳熟能详的作品来举例说明。

例如：在对于中国民族五声调式的讲解上，选择学生最为熟悉的江苏民歌《茉莉花》为例，告诉学生：“在这首歌曲里从头至尾的音阶排列只有5个音，即首调的：12356(即宫、商、角、徵、羽)5个音，与西洋大、小调相比，它的独到之处是：没有半音，也不包含增减音程；它相邻的两个音级是大二度或小三度；五声调式只有一个大三度，因此说这个大三度是五声调式的特征音程。并且在西方，人们最早听到的中国音乐就是这首《茉莉花》。它曾被意大利作曲家普契尼写入歌剧代表作品《图兰多》中，因此在众多的国际场合中(例如香港1997年回归中英两国的交接仪式

上、2004年希腊奥林匹克运动会的闭幕式上)，都选用了这首音乐。

③用对比的教学方法来加深学生对音乐的理解及感性上的认识。

如在区别新音乐和中国传统音乐的音乐形态特征时，运用贺绿汀先生的作品——钢琴独奏曲《牧童短笛》和阿炳先生的作品——二胡独奏曲《二泉映月》进行对比。两者虽然都是中国音乐作品，但从表演形式上和写作手法上都有明显的区别，前者的音乐形态更多是从西方音乐中借鉴而来的，故已不是中国传统音乐，而后者因为他的形式是本民族固有的，其音乐形态也具有本民族固有的特征，所以属于中国传统音乐。

在讲到中国民歌这一章节时，为了让学生能更深刻地体会中国民歌的民族及地域特点：我们通过播放不同地方和民族的民歌进行对比(如江苏民歌和陕北民歌的对比，西藏民歌和河北民歌的对比)；通过对旋律、节奏和风格上对比，及这些地方的地域特点和风土人情的对比，让学生不仅从感觉上体会到不同地方的民歌特点，更从理论上找到了形成民歌风格的原因。

④利用计算机课鉴的优势将图片、和文字以及实物相结合。

在讲到中国民族乐器概论这一课程时，为了让学生能够更广泛、清楚地了解到中国历史悠久的乐器文化，我们不仅简单介绍了民族乐器的产生，还通过各种渠道找到了古代乐器八音中每类乐器的代表乐器图片。其中对钟类乐器的介绍时，还重点介绍了产生于战国时期，1978年挖掘于湖北随州的曾候乙编钟，并让学生亲自去湖北省博物馆去参观实物。通过这些图片和文字介绍，我发现学生不仅对这些古乐器产生了浓厚的兴趣，同时更为祖国有如此辉煌灿烂的乐器文化感到振奋和自豪。

⑤从音乐作品本身人手，介绍与作品相关的历史背景和音乐故事。

这样一方面能提高学生听音乐的积极性，另一方面还有助于学生更好地理解作品内容。例如：在讲到中国民族乐器笛子时，为了让学生了解到在中国，虽然有很多的贫困学校因为贫穷买不起音响设备和键盘乐器，但老师们仍然想法设法为学生们创造各种音乐教育条件，我给他们讲了一个真实的事情：“在湖北省的京山县曹武镇朱岭小学里有700多名学生，全校没有一位专门的音乐老师，上音乐课就是教唱流行歌曲。”按说这样的音乐教学在农村是很普遍的，但是该校校长没有放弃音乐教学，他也想让孩子们能够会一两种乐器，但是学校里学生们的家庭都比较穷，一般的键盘乐器学校买不起，也不好普及，当他打听到在当地最好普及的乐器是笛子时，(因为它价格便宜，也就三五块钱)而且在当地有位老艺人会吹，于是他就找到这位老艺人学吹笛子，然后再教给高年级的学生，高年级的再带徒弟，负责教低年级学生，就这样一个带一个，就都会了。‘星星之火，可以燎原’，第一批学会吹笛子的学生已经都读高中了，但他们却把笛子的吹奏技巧教给了低年级的同学，依此类推，每届相传，自然生生不息。每到周一早上升旗，在这个学校响起的不是音响设备里放出的国歌，而是全体学生用笛子吹奏的国歌……”这件真实的故事不仅告诉同学们应该珍惜自己的大学生活，更重要的是我想让他们知道在这样一个贫困的乡村，音乐是如何在一点一点地改变孩子们的生活。音乐自有音乐的力量，它会带给生活很多改变。

在讲到音乐作品阿炳先生创作的二胡曲《二泉映月》时，不仅介绍了阿炳先生苦难的人生经历，还重点介绍了这首作品之所以能保留下来的曲折经历。以此告诉他们：中国的传统音乐正是由于有这些千千万万类似于阿炳先生的民间音乐家的存在，才得以发展和传承下来。

参考文献：

[1]《大学成功素质教育理论与实践》，赵作斌著。

第9篇

人文学科 教师素养 知识技能 职业道德

1、音乐学科之人文教育本质

科尔伯特曾说(冒号)：“1个国家是否伟大，并不取决于它的疆域大小，而是取决于它的人民的品格。”人民的品格如何获得？学校教育是主要渠道。那么，学校教育之品格获得又通过何种途径实现？当然是各学科课程。其中人文学科对人品格的获得应该承担几乎全部的任务，“因为人文学科的贡献主要在于‘以独特的方式提高人的价值判断意识’，在于‘以1种知识和教育领域所没有的真诚态度’来接纳价值观念。”①而科学学科从整体上很少谈论人生的目的、情感、意义等与人的品格紧密相关的东西，因此，以审美为基础的人文学科之艺术学科在其中必应扮演至关重要的角色。而音乐学科必定成为人文教育中坚，为国人品格的获得与培养发挥其独特效用。

笔者从人文学科角度、通过对人文学科教育本质的论述，意在阐释音乐学科的人文学科的概念内核和音乐教育的人文教育本质，强调音乐学科的重要性。

2、音乐教师素养构成

如上所述，音乐教学实施者——音乐教师的素养就显得尤为突出与重要，因为首先教师的职业就是以人格再造人格，教师是人的品格的直接影响者、塑造者。正所谓(冒号)：教，上所施，下所效也。其次，因为音乐教师是整个音乐教学活动的直接策划者、实施者、参与者，因此音乐教师素质高低直接关乎音乐教育质量好坏。音乐教育的成败关键在音乐教师，音乐教师优劣关键在教师素养。

（1）知识技能素养

1.音乐专业素养

音乐专业素养是指音乐教师必须具有的直接服务于音乐教学的音乐专业技能、理论及音乐文化知识。笔者称之为基础素养。

教师音乐专业素养包含(冒号)：歌唱教学技能、钢琴弹奏技能、合唱指挥技能、作曲技法技能、音乐理论知识、音乐史论类知识。歌唱教学技能是指音乐演唱能力和水平，基本要求包括(冒号)：良好的乐感、恰当的情感表达、科学的歌唱方法等。钢琴弹奏技能指教师的钢琴演奏和伴奏能力，基本要求(冒号)：正确的触键、恰当的情感处理、1定的手指技巧。合唱指挥技能是指音乐教师的专业合唱与指挥能力，包括(冒号)：正确的合唱声音概念、作品的正确把握处理、基本指挥技术以及组织排练能力等。作曲技能指音乐创作方法与作曲理论知识。音乐专业技能理论知识指音乐专业知识，包括(冒号)：曲式与和声、基本乐理、视唱和练耳、乐器知识（除通用乐器外，还要了解其他民族乐器，以及电子乐器）。音乐史论类知识指基本音乐历史知识和相关文化知识，包括(冒号)：中西方音乐史、音乐美学、中外民族民间音乐、通俗音乐等。

上述诸多音乐素养集中体现为音乐教师最基本和最重要的能力——音乐听力，即音乐辨别或鉴别能力。这种能力既是音乐教师综合音乐能力的反映，也是具体教学过程所必不可少的。无论是学生的演奏、演唱，还是为学生进行各种演示，向学生提出要求，做出指导，以及逐渐让学生形成良好的声音概念和自学能力，包括音乐欣赏，无1不与音乐听力密切相关。因此，音乐听力是衡量音乐教师音乐素质高低的1个重要标志。

2.艺术知识技能与其他学科知识素养

艺术技能知识与其他学科知识素养是音乐教师完成音乐教学应该掌握的除音乐专业素养之外的其他艺术门类，其他学科技能知识等。笔者称之为必要素养。 “美国学校艺术教育第1套在政府干预下，包括有4门艺术课程的纲领性文件——《艺术教育国家标准》这样表述(冒号)：艺术教育是1个有序的包括音乐、视觉艺术、舞蹈、戏剧4门艺术学科的教育”，②由此我们可以清楚地看到艺术教育结构与内容。这就要求音乐教师素质的复合型，要求音乐教师知识文化的多元性。依据《艺术教育国家标准》，音乐教师的艺术素养应包含(冒号)：基本舞蹈技能与其相关舞蹈知识及1定舞蹈编导能力，简单美术技法（素描、色彩等）与相关美术知识，简单戏剧表演能力与相关戏剧知识。

除此之外，音乐教师还应具有1些其他学科知识素养。如1定文学知识与良好的文辞能力、基础哲学、美学及历史知识等。

3.教育教学知识与技能

教育教学知识与技能是音乐教师完成音乐课程教学必须具备的教学技能。笔者称之为工具素养。包括3方面内容(冒号)： “美国DBME以学科为基础的音乐教育模式，倡导从创作、美学、历史、评论的角度来学习音乐。其中创作包括即兴表演、作曲和表演。”④由此可见，音乐教师在创造性音乐教学能力方面至少应具备表演（包括即兴表演）与作曲两项素质。

2.1般教育教学技能。内容为(冒号)：分析教材组织教材的能力，准确生动的语言表达能力，组织教学活动的能力，准确判断问题和解决问题的能力，教导学生的能力，现代化教学技能。

3.普通教育教学知识。包括(冒号)：心理学知识，教育学知识，教学法与教学论知识。教育学、心理学知识还包括学生身心发展、学生个体差异及对学生学习客观正确评价方面的知识。教学法知识包括普通教学法和音乐教学法知识。教学论知识包含教育、教学论、音乐教学论知识等。

4.治学与研究能力

治学与研究能力内容广泛，包括音乐教师在教育教学方面自我学习研究能力、经验交流观摩能力以及教师教育合作能力等。教师治学研究能力非常重要，它间接影响音乐教师教育教学的质量和水平，直接影响到音乐教师知识技能的提高和完善。比如建立科学的音乐教育理念，树立正确的学生观，学习新的音乐教育模式，学习先进的音乐教学手段等，都依靠于治学与研究能力。

加里宁指出(冒号)：教师1方面要贡献自己的东西，另1方面又要像海绵1样，从人民中、生活中和科学中吸收1切优秀的东西，然后再把这些优秀的东西献给学生。其朴素的言语揭示了深刻的道理。中国近代伟大的教育家陶行知先生提倡(冒号)：“以教人者教己”“教学做合1”。前辈的教育思想今天仍然适用。 当前，教师要做研究型教育者（笔者称之为教师学者化），已是中国教育大势之趋，这势必要求教师学习研究能力的提高。所以，治学与研究能力是音乐教师必须努力之处。同时，音乐教师要明确终身学习的意识，因为我们身处在1个知识时代、信息时代，知识的淘汰与更新日新月异。

（2）职业道德修养

道德是什么？许慎在《说文解字》中解释(冒号)：道者，路；德者，得也；惪（德）外得于人，内得于己。在道与德的关系上，古人称(冒号)：“行道，有得于心，谓之德”。行“道”，“内得于己，外得于人”，称为“德”。可见，“‘道’具有客观性，是外在对人的客观要求。‘德’则具有主观性，是人内心获得的信念、意识和品质等。‘道’是‘德’的前提，‘德’是‘道 ’的内化。”⑤

可见，道德应是外在行为规范与内在意识、品性的统1。因此对于教师职业道德修养（简称师德），我们应注重教师“内化”的道德，而不是客观的规范、原则。我们不能把师德仅仅诉诸于条例与规定。对师德的重视由来已久，汉代教育思想家董仲舒强调(冒号)：“兴太学，置明师，以养天下之士”。他提出(冒号)：“善为师者，既美其道，有（又）慎其行……吾取之”。他明确指出(冒号)：“善为师”的必要条件首先是“既美其道，有慎其行”的师德。这“美道慎行”充分表明董仲舒对教师道德的高度重视并要求以身作则的意义。师德的内涵主要包括(冒号)：

1.敬业与奉献

国际21世纪教育委员会向联合国教科文组织提交的报告《教师——财富蕴藏其中》中指出(冒号)：“人们要求教师既要有技能，又要有职业精神和献身精神。”笔者认为，敬业与奉献是师德之首。要做到这1点，教师必须心中有爱。这是因为学校教育作为培养人的活动，其活动基础是爱，爱是成功教育的基础。所以爱心是教师敬业奉献精神之基础，是最重要的师德素质之内因。这种爱表现为对教学工作的爱和对教育对象的爱。教师内心的爱外化为爱岗敬业之实际体现，乐教勤业之实践行为。卢梭曾说(冒号)：“有些职业是这样的高尚，以致1个人如果只为了金钱而从事这些职业的话，就不能不说它是不配这些职业的；军人从事的就是这样的职业，教师从事的，就是这样的职业。”

笔者认为，当代教师真的需要1点“捧着1颗心来，不带半根草去”的精神追求。再则说，教育本身追根溯源就是无名无利、清白之事。

2.修养与言行

笔者认为修养与言行是教师“道行”之表现，是教育者知识水准、人格修为、思想水平、文化素养之融合。而如是之修养综合外化为教师言行，教师个人之范行，言行是修养的体现和反映。两者既独立又联系。教师修养与言行以潜移默化的方式影响着学生，而这种影响对学生内心影响更深入、更久远。

孔子曰(冒号)：“其身正，不令而行，其身不正，虽令不从。”教师之修行对学生的影响十分深远。乌申斯基说(冒号)：教师个人的范例，对于青年人的心灵，是任何东西都不可能代替的最有用的阳光。所以音乐教师应努力在修养、言行方面多做文章，努力实现自身修为的提升。当然，人的修养需要1生来完成。音乐教师的个人修养也不是1朝1夕能完成的，需要音乐教师用1生来谱写。但关键是我们要去做，因为(冒号)：“请你记住，你不仅是自己学科的教员，而且是学生的教育者、生活的导师和道德的引路人。”前苏联现代教育家苏霍姆林斯基这样告诫教师。

总之，师德是教育之车轮，教师之羽翼；师德是教育教学之保障。陶行知先生说，教育就是教人做好人，教人做好国民，这要靠教师的德行、教师的学识、教师的才能、教师的高尚人格。

结语

音乐学科作为人文学科理念以及音乐教育教学“学科综合”之思想，要求音乐教师素养多元性，笔者概括为知识技能素养与职业道德修养。知识技能素养涵盖音乐技能知识、艺术与其他学科技能知识、教育教学知识技能及治学与研究能力；师德素养包括敬业与奉献、修养与言行两方面。这些技术与非技术因素对音乐教师都具有同样重要的意义。车尔尼雪夫斯基说(冒号)：教师把学生造成什么人，自己就应当是什么人。音乐教学首先与音乐教师专业水平紧密联系，但教育质量好坏最终决定于师德水准高低。综上所述，做1名音乐教师的要求是非常高的，同时做1名音乐教师又是非常荣尚的。正如卢那卡尔斯基所说(冒号)：“教师是博学多才的，并且是国家中最可爱的人……没有任何1种职业像教师那样对人提出那么高的要求。教师应该使自己成为人们的典范。”